‘Psico’: El inconmensurable deseo femenino

‘Psico’, de Alberto Adsuara
Con Elena Climent
Cámara y montaje: Samuel Navarro / Sonido: Jacobo Vallier / Música: Victoria Contreras
Octubre Centre de Cultura Contemporània de València
Viernes 18 de octubre de 2019

¿Qué quiere la mujer?, se preguntó Sigmund Freud en 1925. Una pregunta que años más tarde, en 1932, intentó abordar en su conferencia titulada ‘La feminidad’. Una pregunta sobre el deseo femenino que Freud reconoció, al final de dicha disertación, solo poder contestar de manera incompleta y fragmentaria; y, por ello, sugirió a los oyentes que si deseaban conocer más en profundidad el alma femenina que indagasen en la obra de los poetas. 

Ese enigma de la feminidad, que recorre con insistencia no solo la obra de Sigmund Freud, sino también la teoría psicoanalítica, subyace en el mediometraje ‘Psico’, del polifacético director Alberto Adsuara. La película está dividida en tres partes que corresponden a las tres sesiones de terapia psicoanalítica que mantiene la protagonista. De ahí, el título ‘Psico’, abreviatura de psicoanálisis y no de psicosis, tal y como precisó el director en la presentación. Una aclaración pertinente porque la protagonista no está loca, solo quiere saber acerca de cierta obsesión sexual que, como ella misma confiesa al psicoanalista, le perturba, le desasosiega, le inquieta.

Será la actriz Elena Climent quien dé, con una plenitud extraordinaria, la voz, los ojos y el cuerpo, a esta mujer que acude al análisis para comprender ese deseo sexual que, literalmente, le desborda.

Elena Climent, en ‘Psico’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Un actriz y un diván

Tres personajes componen la puesta en escena de ‘Psico’: en campo, una actriz y un diván; en fuera de campo, un psicoanalista al que no se ve, ni se escucha. Minimalista, pero no austera. La iluminación y la banda sonora envuelven a estos tres personajes, creando una atmósfera de matices poéticos. Y, junto a la iluminación y la banda sonora, el texto y la cámara.

El texto, un monólogo teatral, es ingenioso, irónico –con un tono, en ciertos momentos, que recuerda al estilo de los escritos de Woody Allen–. Adsuara explicó que lo escribió en 1992 “como una pieza de teatro, para que fuese interpretado por la actriz Cristina Fenollar, pero nunca se materializó el proyecto”.

El mediometraje narra la insatisfacción de una mujer que parece tenerlo todo: un trabajo que le agrada, un marido que la quiere, unos hijos que la adoran; pero hay una obsesión sexual que no puede evitar, que la domina, a pesar de que quiere a su marido, como deja claro en la terapia. 

Elena Climent, en un momento de ‘Psico’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Y será esa obsesión sexual quien la lleve a tumbarse en el diván para poder verbalizar la verdad de su deseo. Allí tumbada, la mujer habla y en sus palabras –palabras que le sorprenden a ella misma– se vislumbra la pulsión sexual que la despierta de esa vida acomodada y satisfactoria. O debido a esa pulsión sexual no encauzada en la infancia –cabe señalar que la obsesión sexual de esta mujer se concentra en su culo–, no hay vida acomodada que pueda acallarla. 

Al inicio, en la primera sesión, la cámara mira a la mujer tumbada en el diván, del mismo modo que ella escucha las palabras que hablan de su deseo: distante, discreta y temerosa. En las siguientes sesiones, la cámara pierde el pudor y sigue, rodea, penetra a la protagonista, al mismo ritmo in crescendo que sus palabras y su cuerpo se van desinhibiendo hasta contar sin represión el goce sexual que la habita. Será, en la última sesión, cuando esta mujer narre al psicoanalista, ya en estado de catarsis delirante, hasta dónde le impulsó su obsesión sexual. 

La mujer sabe. Sabe que en ella gravita una pulsión sexual que ningún marido puede satisfacer. Pero tampoco, ningún otro único hombre. Igual ¿muchos? o ¿todos? puedan colmarla.

Una descripción de éxtasis sexual, magníficamente interpretada, escrita con verdadera chispa y elegantemente representada por la cámara. Una mirada y posición de cámara, entre otros aspectos, que hacen de ‘Psico’ una obra cinematográfica y no una obra teatral grabada.

Elena Climent, en ‘Psico’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Begoña Siles

52 narrativas sobre la enfermedad en el IV FICAE

IV FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades
Universitat Politècnica de València y Asociación VINCLES, FICAE
Varias sedes de València
Del 23 de febrero al 3 de marzo de 2018

FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades es un festival único en el mundo ya que trata la enfermedad en todas sus variables y desde múltiples perspectivas. Bajo esa premisa, uno de los objetivos clave del festival es el de derruir los estigmas que padecen muchos pacientes en su entorno mediante el lenguaje universal del cine y el arte. FICAE también estimula el diálogo y la reflexión en torno a las distintas patologías y sus contextos.

Organizado por la Universitat Politècnica de València y la Asociación VINCLES, FICAE encara su cuarta edición, que se celebrará del 23 de febrero al 3 de marzo en varias sedes de València. Casi 1.700 películas de 108 países distintos se inscribieron para participar este año, pero finalmente han sido 52 cortometrajes los que se proyectarán tanto en las secciones competitivas como las paralelas, provenientes de países como Estados Unidos, España, México, Irak, Francia, Eslovenia, Serbia, Bulgaria, Rusia, Irán, Dinamarca, Chile o Suecia, entre otros.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'La Faim Va Tout Droit (Hunger Keeps Walking),', del la italiana Giulia Canella, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘La Faim Va Tout Droit (Hunger Keeps Walking),’, del la italiana Giulia Canella, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

FICAE propone narrativas que tratan sobre las percepciones y emociones de quien padece la enfermedad, las diversidades patológicas y sus consecuencias, los estigmas sociales y familiares de los pacientes, la figura de aquellos que los cuidan, los contextos sociosanitarios. Es por ello que los cortometrajes que forman parte de la Sección Oficial a competición están divididos en ocho bloques temáticos: Cáncer, Memoria, VIH-Sida, Psique, Parkinson, Cuidados (la figura del/la cuidador/a), Contextos sanitarios y Miscelánea (otras enfermedades). Las proyecciones de estas películas se realizarán del 28 de febrero al 3 de marzo en el IVAM (C/ Guillem de Castro, 118), sede oficial de 4FICAE, en sesiones de mañana y tarde, normalmente acompañadas de mesas de trabajo y debate con especialistas.

Como novedad de este año se ha incluido una sección a competición: Sección DMD, con el título ‘La muerte buena’, apoyada por la asociación Dret a Morir Dignament – Comunitat Valenciana, que se celebrará el lunes 26 de febrero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, de 18 a 21 h.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'Fragmentos del Rey desmembrado (Fragments of the Dismembered King), de Alejandro Miñarro Rodríguez, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Fragmentos del Rey desmembrado (Fragments of the Dismembered King), de Alejandro Miñarro Rodríguez, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.

Además de varias secciones paralelas que completan la programación de FICAE, el festival también cuenta desde sus inicios con una parte artística muy importante. Las intervenciones que se realizan en el Campus de la UPV, bajo el título de ‘Presbicia’ serán realizadas en esta edición por Diana Larrea y Ultranature y tratarán sobre los estigmas en torno a la salud mental. En el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero se llevará a cabo una exposición titulada ‘Epistemologías de la prevención del VIH/sida’ que recorre más de 30 años de campañas de prevención del VIH y del sida a través de carteles y otros elementos comunicativos. En la Fundación La Posta se presenta, por segundo año consecutivo, la sección ‘Conversa(c)ciones’, una aproximación crítica y compleja a la experiencia de la enfermedad, con Anaïs Florin y Eva Fernández, bajo el título ‘Práctica artística y visibilización de relatos silenciados: el caso del taller CUERPOS EN LUCHA’.

FICAE se ha convertido en un festival de referencia y punto de encuentro experiencial tanto para cineastas y espectadores, como para la comunidad de pacientes, asociaciones, colectivos sociales y personal sanitario.

Todas las actividades de FICAE son de entrada gratuita hasta completar aforo a través de acreditación previa.

Fotograma perteneciente al cortometraje 'Crhistmas', del búlgaro Borislav Kolev, que participa y compite en la Sección DMD. Fotografía cortesía de FICAE.

Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Crhistmas’, del búlgaro Borislav Kolev, que participa y compite en la Sección DMD. Fotografía cortesía de FICAE.

El Mediterráneo dulce y abrupto de Victoria Cano

Des del perfil del Mediterrani, de Victoria Cano
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / San Fernando, 12. Valencia
Hasta el 4 de noviembre de 2017

Todos los colores del Mediterráneo, bajo la mirada de la artista Victoria Cano, se exhiben desde el 4 de octubre en el Octubre Centro de Cultura Contemporánea. La artista lo hace a través de una exposición que reúne cerca de una treintena de obras que envuelven la obra original del cartel de la edición de este año del festival Mostra Viva del Mediterrani.

La apertura de la muestra es el primer acto de la edición de este año y preámbulo de la inauguración oficial que tendrá lugar el jueves 5 de octubre en el Palau de la Música. En la exposición se reúnen obras de todos los formatos y técnicas que simbolizan el universo particular de la creadora valenciana, donde el color es el gran protagonista.

Para Victoria Cano, esta exposición quiere simbolizar lo que es Valencia, “el corazón donde se hace el festival; también está presente la silueta del mar Mediterráneo que a su vez es un lector del tiempo. Además, está la línea del horizonte del mar, que es ese personaje que da un paso hacia adelante pensando en el futuro”.

La exposición muestra los diversos trabajos previos realizados hasta la elaboración definitiva del cartel de Mostra Viva del Mediterrani, así como otros trabajos en torno a él. El cartel de este año simboliza con diversos elementos el corazón de Valencia, la huella del tiempo, la propia cuenca del Mediterráneo y el mundo del cine. Sirve como elemento visual al lema del festival ‘Els futurs del Mediterrani’.

Para Victoria Cano, “en el perfil del Mediterráneo estamos todos, y ese perfil también es de alguna manera el filo de la navaja, los ritmos del mar que a veces también pueden ser violentos y de donde el ser humano lucha por salir”. La exposición estará abierta al público hasta el 4 de noviembre.

À tous les clandestins. Imagen cortesía de Mostra Viva.

À tous les clandestins. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Los rostros de la inmigración

Mostra Viva inaugurará otras dos exposiciones el viernes 6 de octubre organizadas en colaboración con la Regidoria de Joventut. La primera de ellas, titulada ‘Rostres de la Mediterrània’ de la asociación Stop Mare Mortum, es el resultado de un proyecto lanzado por la entidad para denunciar a través de la pintura la muerte de miles de personas a las puertas de Europa.

Por otro lado, en la misma sede se inaugurará ese día la exposición ‘À tous les clandestins’. Esta exhibición es un reflejo sobre los centros de internamiento de inmigrantes de Mauritania y Canarias a través de la mirada fotográfica de Mª Jesús González y Patricia Gómez. Ambas exposiciones tendrán visitas guiadas.

Victoria Cano junto a su obra. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Victoria Cano junto a su obra. Imagen cortesía de Mostra Viva.

La memoria ancestral de Castro Prieto

Etiopía, de Juan Manuel Castro Prieto
PhotOn Festival
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / Sant Ferran, 12. Valencia
Hasta el 18 de junio de 2017

El jurado que le concedió en 2015 el Premio Nacional de Fotografía destacó la manera que tenía Juan Manuel Castro Prieto de “explorar las huellas latentes de la memoria”. Huellas que en su obra permiten hacerse cargo de aquello que se resiste a desaparecer, incluso de diluirse en un todo homogéneo carente de singularidad. Huellas que él rastrea en busca de lo que constituye la esencia del ser humano, ajena a la identidad uniforme. Por eso la fotografía de Castro Prieto, hurgando en esa memoria, refleja lo más propio al tiempo que conecta con las raíces que nos atraviesan a todos.

“La memoria es un eje fundamental de todo mi trabajo”, dice. Y extiende esa característica al trabajo mismo del fotógrafo que, según él, consiste en “salvaguardar la vida, recogerla y registrarla en imágenes que queden para las futuras generaciones”. De ahí el “compromiso con la sociedad y consigo mismo” que a su juicio tiene el artista que trabaja con fotografías. Un total de 30, reunidas en la sala de exposiciones del Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de Valencia, se fija en cierta Etiopía ancestral que Castro Prieto muestra en el marco del PhotOn Festival.

Juan Manuel Castro Prieto junto a algunas de sus fotografías de la exposición Etiopía. Imagen cortesía del OCCC.

Juan Manuel Castro Prieto junto a algunas de sus fotografías de la exposición Etiopía. Imagen cortesía del OCCC.

En el texto que acompaña la exposición, precisamente titulada Etiopía y cuya producción corre a cargo de DKV Seguros, señala el artista: “[Trato de] buscar lo que queda de la memoria ancestral del ser humano y ver en qué modo esa forma de vida ancestral se está contaminando con la cultura occidental”. ¿Contaminando? “Es evidente. No sólo en Etiopía, sino en la India y muchos otros países, la cultura occidental se solapa sobre la tradicional, de manera que puedes estar en medio de una tribu y ver cómo de pronto alguien saca un móvil, o hallarte en un poblado remoto con su placa solar”.

Castro Prieto se limita a mostrar esas “paradojas vividas acerca de lo que es el progreso”. La huella de lo ancestral resistiéndose a ser borrada; resistencia que el propio artista ejerce con su afinado trabajo testimonial. “Se trata de salvar lo que queda de sus costumbres y registrar los cambios que se producen a causa de los avances técnicos y el progreso”. No tanto una labor antropológica, como social, subraya el fotógrafo.

Vista de la exposición 'Etiopía', de Juan Manuel Castro Prieto. Imagen cortesía de OCCC.

Vista de la exposición ‘Etiopía’, de Juan Manuel Castro Prieto. Imagen cortesía de OCCC.

Etiopía está poblada de rostros, de escenas cotidianas de escaso relieve, de gestos, lugares y, por encima de todo, de un lirismo sobrecogedor. “Toda mi obra tiene un punto onírico; a veces mágico, incluso inquietante”. Bastaría contemplar su Hombre atómico, figura borrosa en medio de un despojado paisaje; Mike con ídolo, en la que tanto uno como otro parecen hechos de la misma materia, o Manos Karo, hombre de piel tatuada evocando la huella ancestral de la que proviene.

Ya sea en color o en blanco y negro, las fotografías de Castro Prieto se hacen eco de esa memoria que funde al cuerpo con su entorno. “El blanco y negro lo utilizo para dar esa sensación de atemporalidad, mientras que el color me transmite una atmósfera”. Y los utiliza indistintamente: “Cada momento tiene una luz y destila un ambiente”. Como lo hacen los diferentes rostros reunidos en el único políptico de la exposición, compuesto de 20 caras: “Es un mosaico de las diferentes etnias que hay en Etiopía; en un corto espacio puede haber hasta 10 ó 15, cada una con sus ritos”.

Castro Prieto distingue entre el desenfoque tan característico igualmente de su trabajo y el movimiento: “Con el primero lo que hago es centrar la atención sobre aquello que aparece por contraposición más nítido, mientras que en el caso del movimiento revelo que allí está pasando algo”. Como sucede con PhotOn, un festival dedicado al fotoperiodismo que, a juicio de Castro Prieto, “realiza una labor extraordinaria”, en medio del páramo actual debido a la desaparición de tantos medios. A pesar de tan esquilmado contexto, “nunca ha habido tantos fotógrafos de reportaje como ahora y tan buenos”. “Tenemos a los mejores en nuestro país”, concluye.

Exposición de Juan Manuel Castro Prieto.

Vista de la exposición de Juan Manuel Castro Prieto. Imagen cortesía del OCCC.

Salva Torres

DocsValència: certamen de perspectivas

DocsValència (espai de no ficció), Festival Internacional de Cine Documental
La Nau, Centre del Carme, IVAC-La Filmoteca, Col·legi Major Rector Peset, Octubre CCC, SGAE y Plaça del Col·legi del Patriarca
Del 11 al 21 de mayo de 2017

El Claustro Gótico del Centre del Carme Cultura Contemporània acogerá el jueves 11 de mayo, a las 20:00, el punto de partida de la primera edición de DocsValència (espai de no ficció), festival internacional de cine documental cuyos mimbres y extremidades originales se asientan sobre las diez ediciones implementadas, allende el Atlántico, bajo semejante horizonte conceptual, madura morfología y homónimo prefijo -antes DocsDF y en adelante DocsMX-, cuyos acrónimos remiten consabidamente a Ciudad de México.

DocsValència. Makma

La película ‘Olé Olé Olé!: A Trip Across Latin America’, dirigida por el realizador británico Paul Dugdale, se erige en el trayecto de apertura del festival -principiando la sección ‘Proyecciones especiales’-, incoado por el verbo rítmico y londinense de The Rolling Stones y su conspicua gira latinoamericana de precedente curso y populosa rúbrica final en el campo de juegos de la Ciudad Deportiva de La Habana, tras su paso por México, Chile o Argentina, y en el que el espectador puede perfumarse con rolingas, mariachis y el turbio y fascinante aroma de la propedéutica stoniana en la capital caribeña.

De este modo, DocsValència procede a ramificar la diseminación de sus siete secciones, tres de las cuales concurren a concurso -‘Panorama’, ‘Mirades’ y ‘Fragments’-, cuyas respectivas proposiciones formulan un sucesivo círculo concéntrico que divaga de lo internacional a lo local, lacerado por el pulso de la marginalidad nicaragüense -‘Cantos y crónicas de una barriada olvidada’, de Marcos Macarro Sender-, el asueto y la celebrada holganza del turismo levantino -‘El hombre que embotelló el sol’, de Óscar Bernácer-, o la exudación empresarial de dos hermanos de marciales hechuras -‘Sangre’, de Iván Otero-.

Fotograma de 'El cirujano rebelde', de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Fotograma de ‘El cirujano rebelde’, de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Amén de la corvengencia competitiva, DocsValència suscita su primer sístole/diástole, de un modo ineludible, por criterio de cooptación, es decir, diseminando un mapa conceptual y un horizonte de pretensiones que proviene de la selección de largometrajes documentales que permitan justificar y fortalecer la supervivencia ulterior del festival. En torno de este reto se postulan diversos acentos propios con los que alimentar la prosodia del certamen. De entre ellos, destaca, por su rutilancia nórdica y proposicional, el director sueco Erik Gandini, quien, además de irrumpir con el estreno en España de su nueva película ‘The Rebel Surgeon’ (El cirujano rebelde, 2017), abordará la investigación documental mediante una clase magistral, cuya vívida instrucción supondrá la configuración de mayor densidad y acierto dentro del cronograma: ‘DocsFórum’, demarcación para la impronta, además, del actor y documentalista Aitor Merino -‘Un gran tema. Un gran enemigo’, clase magistral acerca de su galardonado trabajo ‘Asier ETA biok’-, del eximio del género Isaki Lacuesta -‘El sinuoso límite entre realidad y ficción’- o del trazo uruguayo del escritor Jon E. Illescas -‘La dictadura del videoclip’-.

Un instante de la presentación a los medios de 'DocsValència' (de izquierda a derecha: Pau Montagud, Gloria Tello, Albert Girona, Xavier Rius y Nacho Navarro). Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Un instante de la presentación a los medios de ‘DocsValència’ (de izquierda a derecha: Pau Montagud, Gloria Tello, Albert Girona, Xavier Rius y Nacho Navarro). Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

DocsValència, amén de un ejercicio de continuidad impelido por sus directores Pau Montagud y Nacho Navarro, a partir de su festival matriz mexicano, se erige en una apuesta y refrendo de las diversas instituciones públicas valencianas, tal y como se dejó constancia nominal y corporativamente durante la presentación del certamen a los medios, que contó con la presencia del secretario autonómico de Cultura -Albert Girona-, el diputado de Cultura de la Diputación de València -Xavier Rius-, la concejala del Área de Cultura del Ayuntamiento de Valencia -Gloria Tello-, el director general del Intitut Valencià de Cultura -Abel Guarinos- y el director general del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana -José Luis Pérez Pont-, quienes, desde sus respectivas competencias, reportan a ‘DocsValència’ los rudimentos económicos y arquitectónicos necesarios para su desarrollo -mediante un presupuesto público global superior a los 80.000 euros-, a través de un meridiano envite por la internacionalización de la producción valenciana, presente en el festival mediante once filmes documentales, para un total de treinta y siete películas proyectadas durante once jornadas y un cronograma de cincuenta y cinco pases.

‘Proyecciones especiales’, ‘Global Docs’, ‘Panorama’, ‘Mirades’, ‘Fragments’ ‘Gandini: el cronista lúcido’ y ‘L’espai de les xicotetes històries’ -marco para “el descubrimiento, el aprendizaje y, por qué no, la reflexión” del público infantil- se erigen en el definitivo raquis a través del que transitar por el envés de la ficción (cronicas, testimonios y miradas pedagógicas), auxiliando a DocsValència en su propósito de convertirse en un “festival de historias, de miradas, de perspectivas, de vivencias y, sobre todo, de intercambio de culturas”.

The Rolling Stones en un fotograma de la película documental 'Olé Olé Olé! A trip Across Latin America', de Paul Dugdale. Fotografía cortesía de DocsValència.

The Rolling Stones en un fotograma de la película documental ‘Olé Olé Olé! A trip Across Latin America’, de Paul Dugdale. Fotografía cortesía de DocsValència.

Jose Ramón Alarcón

 

Un centenar de artistas derriba el muro Mediterráneo

Mediterrani: Mar de Murs
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / Sant Ferran, 12. Valencia
Inauguración: jueves 6 de octubre, a las 20.00h
Hasta el 30 de octubre de 2016

Más de un centenar de artistas y creadores participan en la exposición ‘Mediterrani: Mar de Murs’ que acoge el Octubre Centre de Cultura Contemporània de Valencia y que ofrece una singular mirada a los conflictos y las desigualdades del Mediterráneo y Europa y plantea una reflexión sobre  la crisis de los refugiados. La exposición está englobada dentro de los actos de Mostra Viva del Mediterrani, el festival de cine que se celebra esta semana y ha recuperado y mantiene activo el espíritu de la Mostra de Cine del Mediterrani.

La exposición ofrece una original reflexión sobre un complicado momento geopolítico que ha dejado de lado la identidad y proximidad cultural y el intercambio de ideas para convertirse en un simple juego de intereses sociales, políticos y económicos. Coordinada por la catedrática de Escultura y académica de San Carlos, Amparo Carbonell, la muestra parte de una sencilla idea: la creación de obras de arte y reflexiones a partir de ideas y objetos encontrados en la orilla del mar y que evocan espíritu de libertad y comunicación entre culturas y sociedades próximas y ahora distantes.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Cuadros, esculturas, instalaciones, poemas, textos, simples objetos abandonados a su suerte y deteriorados por el mar pero representativos de nuestro presente proponen un sinfín de sensaciones en las paredes del antiguo edificio El Siglo. Actúan al mismo tiempo  como metáfora, crítica y objeto de reflexión en torno a las desigualdades, los conflictos bélicos y el distanciamiento que la actual situación está generando entre un Norte preocupado de su economía y un Sur necesitado de la solidaridad.

Para Amparo Carbonell, esta exposición ”tiene como punto de partida las miradas individuales de un grupo heterogéneo de personas que se interrogan sobre los muros que levantamos desde Europa. Por eso la hemos llamado ‘Mediterrani: Mar De Murs’. La propuesta a los participantes fue que elaborara pequeños objetos tomando como referencia esos otros que tal vez llevaríamos con nosotros en un bolsillo, en una maleta o en un hatillo si tuviéramos que salir con límite de equipaje”. Al mismo tiempo, según recuerda la comisaria de la exposición, cada uno de ellos tenía que ir acompañado de una pequeña historia que lo situara y armara de intención. El resultado ha sido un espacio lleno de piezas de pequeño tamaño y cargadas de significado.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Vista de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Por ello, Amparo Carbonell propone una visita tranquila y anima al espectador a que se detenga en cada pieza y lea las historias que hay escritas en las etiquetas ya que están llenas de curiosidades. “Es una muestra poco habitual, en la que se conjugan muchos factores y una magnífica oportunidad para reflexionar en un lugar  ahora cargado de energía y motivación”, añade la comisaria de la exposición.

La muestra multidisciplinar estará abierta hasta el 30 de octubre. Es una gran oportunidad para descubrir infinidad de originales propuestas creadas ex profeso para la ocasión y generar al mismo tiempo un proceso de reflexión en torno a un conflicto interminable que ha llenado las orillas del Mediterráneo de  drama e insolidaridad.

Algunas piezas de la exposición Mar de Murs.

Algunas piezas de la exposición Mediterrani: Mar de Murs, en el OCCC. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Miquel Navarro en Ciutat Vella Oberta

Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta
Del 14 al 19 de noviembre de 2017

La 3ª Bienal de las artes de Valencia Ciutat Vella Oberta cuenta para su próxima edición de 2017 con la obra del escultor valenciano Miquel Navarro como imagen del festival.

Antonio Barroso (artista plástico y Presidente del festival de las artes de Valencia, Ciutat Vella Oberta) y Jose Luis García Ibáñez (escultor y Subdirector de C.V.O.) mantuvieron una reunión con el escultor de Mislata, donde se valoró la repercusión positiva que esto significa para los artistas que participan en el festival, así como la trascendencia, proyección y promoción del certamen y sus contenidos tanto dentro como fuera de la Comunidad Valenciana.

De izda a dcha, Antonio Barroso, Miquel Navarro y José Luis García Ibáñez.

De izda a dcha, Antonio Barroso, Miquel Navarro y José Luis García Ibáñez.

Además, durante la celebración de la Bienal se expondrá obra de Miquel Navarro en una de las instalaciones que colaboran con el festival. Los espacios que colaboran con Ciutat Vella Oberta, del 14 al 19 de noviembre de 2017, son el IVAM, Centro del Carmen, MuVIM, Centro Cultural Bancaixa, Octubre Centre de Cultura Contemporània, LA Nau, Colegio Mayor Rector Peset y Ayuntamiento de Valencia.

En la edición anterior fue imagen del festival, con una obra realizada exclusivamente para ello, la del conocido ilustrador y premio de un Goya, Paco Roca. En cada bienal se selecciona a un importante artista valenciano para ser la imagen del certamen.

Ciutat Vella Oberta es un festival que se vuelca en la promoción los artistas, de los que una selección de los que participaron en 2015 expondrán este año 2016, del 6 de octubre al 16 de noviembre, en la Casa Velazquez de Madrid. También en noviembre, durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón, Marte.

Detalle del cartel de Paco Roca para Ciutat Vella Oberta 2015. Imagen cortesía del festival.

Detalle del cartel de Paco Roca para Ciutat Vella Oberta 2015. Imagen cortesía del festival.

Carles Mondrià ilustra a Gerard Vergés

Art i literatura. Glossari infidel d’imatges
Carles Mondrià ilustra Gerard Vergés
Octubre Centre Cultura Contemporània
C/ San Fernando, 12. Valencia
Hasta el 24 de julio

La de la imagen y la palabra es una de las relaciones más estudiadas tanto por artistas plásticos como por creadores literarios. La gran mayoría de las obras consecuentes reflexionan de distinta manera y muchas son las propuestas que vinculan lo textual con lo visual. Viendo de lejos estas posibilidades y como una nueva forma de fomentar la lengua catalana, el Centro de Documentación de Arte Valenciano Contemporáneo (CDAVC) Román de la Calle y Arola Editors se han unido para presentar el proyecto ‘Art i literatura. Glossari infidel d’imatges’ en el Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Fruto del proyecto y de la colaboración entre ambas entidades, surge la exposición de Carles Mondrià donde ilustra los poemas de Gerard Vergés sobre el ‘Jardín de las Delicias’. La compleja narratividad que Hyeronymus van Aeken Bosch, más conocido como El Bosco, elaboró para el tríptico del ‘Jardín de las Delicias’ hace que, todavía hoy, continúe siendo considerada una de las obras más complejas de la Historia del Arte. El paraíso, el infierno, Adán y Eva y un nexo común en las tres partes: el pecado. La temática no es, ni mucho menos, algo original en la época. Pero a través de la ejecución, composición, estética y, sobre todo, gracias la maestría en la narratividad, el observador de la obra del Bosco se sumerge en una nueva historia, casi como si no tuviera nada que ver con la temática bíblica.

'Lacrima vitrum' una de las obras creadas por Carles Mondrià. Fotografía: María Ramis.

‘Lacrima vitrum’ una de las obras creadas por Carles Mondrià. Fotografía: María Ramis.

Una obra de arte tan atemporal no suele pasarle desapercibida a casi ningún creador, es por ello quizá que Gerard Vergés se interesó por la misma y compuso poesía. Unos versos que entremezclan la sensualidad, reflexión, escritura y el placer de los sentidos. Partiendo de esta base también Carles Mondrià enfoca su trabajo del mismo modo componiendo visualmente, tomando elementos y simplificándolos. “No se trata de ilustración tal cuál, sino sugerencias”, explica el artista. Sorprende el material y el resultado obtenido si atendemos a la trayectoria del artista. Confiesa que nunca se había enfrentado a un trabajo como este, donde tuviera que aportar su visión particular de otra interpretación realizada sobre otra obra plástica diferente.

Ricad Silvestre, comisario de la muestra nos indica que “no es casual hablar de palabra e imagen”, pues CDAVC tiene entre sus objetivos la reflexión sobre la imagen y la colaboración expositiva y literaria. El resultado de todo este proyecto de comisariado, editorial y artístico es la re-edición del libro de Arola Editors con la inclusión de las imágenes de las obras recién expuestas. Apostar por el arte contemporánea ha supuesto el resalte de todo el conjunto del libro, donde podemos leer las poesías de Vergés, contemplar la originalidad de El Bosco, y por supuesto, realizar una comparativa con las obras de Mondrià. Mucha Historia dista de unas a otras interpretaciones pero siempre atendiendo y dejándose llevar por un sentido comunicativo y primigenio, ese derivado de su existencia continúa, de la palabra y de la imagen.

Algunos poemas de Vergés también estaban expuestos. Fotografía: María Ramis.

Algunos poemas de Vergés también estaban expuestos. Fotografía: María Ramis.

María Ramis

Els Dracs de Cento Yuste

Dracs, de Cento Yuste
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C/ San Ferran, 12. València.
Inauguració: Dijous 16 juny a les 21:00h
Fins al 23 de juliol

El Drac, com a màxim exponent de la tradició xinesa, representa el domini dels cinc elements: terra, aire, foc, aigua i metall. Símbol benefactor, representa la divinitat, vigila, protegeix i atrau la bona sort. El Signe del Drac és el cinquè animal de l’Horòscop Xinés i l’emblema de l’Emperador a la Xina antiga.

Els dracs xinesos simbolitzen també el poder, la valentia i l’audàcia, l’heroisme, la perseverança, la noblesa i la divinitat. Són enèrgics, decisius, optimistes, intel·ligents i ambiciosos. A diferència dels dracs europeus, els dracs orientals són bells, amigables i savis. A la Xina són estimats i venerats.

Amb un estil gràfic inconfusible que utilitza la seua iconografia paisatgística, geomètrica i urbana com un mecano, Cento Yuste reinterpreta quatre caps de drac, símbol omnipresent a la cultura xinesa. Nascut a València el 1966, Cento Yuste és un il·lustrador i artista a la manera renaixentista. Va començar la seua carrera com a pintor, fent exposicions a València i a Madrid, però el seu interès pel món del disseny el va portar prompte a la il·lustració l’escenografia els Mac.

Forma part de l’equip artístic en diversos rodatges d’espots publicitaris i sèries de televisió, realitza decorats per a videoclips de grups del moment com Duncandú o Luz Casal. Realitza cartells per a diverses pel·lícules valencianes i els seus dibuixos passen a l’animació en capçaleres de sèries i programes de televisió com Benifotrem o A contra corrent de Canal 9, i espots publicitaris per a entitats com Bancaixa o per al festival Cinema Jove. A més, les seues il·lustracions són la imatge de fundacions com Fundem o la Fundació per a la Solidaritat i el Voluntariat de València.

L'artista amb una de sus obres. Imatge cortesia de la organització.

L’artista amb una de sus obres. Imatge cortesia de la organització.

En la seua iconografia són característics els personatges formats per qualsevol objecte amb potes, en un món on els humans són caps amb cames. Així és com retrata als directors Stephen Frears o Stephen Spielberg en els cartells de Cinema Jove. A nivell comercial, com a il·lustrador publicitari, amplia el seu espectre gràfic però sense perdre el seu caràcter directe i expressiu. Ha treballat, entre altres, i a banda dels esmentats, per al Banc de València, la Generalitat Valenciana, la Universitat Politècnica de València, Turisme d’Oliva, Cajamurcia, etc.

Error fatal en el Octubre

Error fatal, de Alberto Adsuara
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / San Fernando, 12. Valencia
Viernes 26 de febrero, 2016, a las 19.30h

Error fatal, de Alberto Adsuara, se presenta en el OCCC, como una mezcla de audiovisual, musical y texto dramático, interpretado por Candela Vera, Andrea Jara e Iván Cervera, con los guitarristas Jordi Císcar y Juan Fernández. El video es obra del propio Adsuara, en el que interviene la actriz Elena Climent, con música de Victoria Contreras y montaje de Manuel Ibáñez y Samuel Navarro.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal narra cómo a partir de la letra de una canción dos hermanas siamesas entablan una conversación inesperada. A una de ellas le sobrevienen ciertas dudas que comienzan a atormentar a las dos. Los principios éticos que dieron lugar a la clandestina organización que ellas dirigen empiezan a tambalearse cuando descubren la posible traición de una de sus empleadas.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Con un solo error puede desmoronarse todo el Sistema. Mientras, un pobre hombre nos cuenta perplejo la desgracia que le acaba de suceder. Alguien se ha cebado con él como si de una venganza se tratara, pero todos sabemos que en realidad él no ha hecho nada… malo.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.