MAGO SUN: MAGICSPECTACULAR en La Rambleta

MAGO SUN: MAGICSPECTACULAR
Fecha: 4 de febrero.
Lugar: Teatro de La Rambleta
Hora: 20:30h.

Compra tu entrada aquí
15 € / 18 €

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MagicSpectacular, el show más actual del Mago Sun, está lleno apariciones, desapariciones, levitaciones imposibles y magia interactiva. Luces, sonido, color y efectos impactantes con espectadores que flotan, transformaciones imposibles y grandes retos atrapan al público de principio a fin.

Se trata de un sorprendente y novedoso espectáculo para todos los públicos. El Mago Sun nos introduce en su gran universo mágico durante casi hora y media. Todo ello envuelto en un halo de misterio y una cuidada estética que consigue que volvamos a ilusionarnos y a soñar con lo imposible.

El Alavés Iñaki Ruiz de Galarreta, Premio Nacional de Magia y más conocido como Mago Sun, participó en sus primeros cursos de magia con trece años, y sólo con quince realizó su debut en un teatro de su ciudad natal. Desde entonces, ha continuado su formación con diversos magos.
En la actualidad, el Mago Sun es experto en escapes extremos, grandes ilusiones y levitaciones. Habilidades que se pueden disfrutar en sus espectáculos tanto de teatro como de televisión, y los cuales se caracterizan por su espectacularidad, cuidada escena, y magnífica luminosidad escénica.
Tras años de formación con maestros de la magia, asistencia a congresos internacionales y formación en el arte de las grandes ilusiones, el Mago Sun se erige como un referente en la rama de las grandes ilusiones en el panorama mágico nacional.

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Circuito Café Teatro, dos meses más de risa

Circuito Café Teatro
Diferentes locales de Valencia
Diciembre de 2016 y enero de 2107

Esa mezcla tan deseada que te hace estallar y liberar tus endorfinas. La Risa. ¿Cómo definirla? “Ese balbuceo lúdico, instintivo, contagioso, estereotipado y de control subconsciente o involuntario, que rara vez se produce en soledad”. Todos sabemos a qué nos referimos y lo saludable que es pasar por ella todos los días.

Pues os avanzamos que en Valencia tienen esa valorada fórmula pero en lugar de guardarla la comparten con todo el que quiera asistir al Circuito Café Teatro.

Para todos aquellos que os sintáis algún día de malhumor o con una seriedad extrema fuera de lo normal, el Circuito te ofrece el mejor remedio compuesto por: 0% estrés, 20% ingenio y 80% extracto de risa.

Esta cotizada fórmula podrás conseguirla por sólo 6€ de jueves a domingo en diferentes locales de Valencia y pueblos como Manises, Torrent, Almàssera, Xirivella o Massanassa.

En esta segunda programación, que abarca los meses de diciembre y enero, podrás ver monólogos, espectáculos de improvisación y magia cómica.

Manu Baeza. Imagen cortesia de Circuito Café Teatro.

Manu Baeza. Imagen cortesia de Circuito Café Teatro.

Desde Sevilla, el cómico Manu Baeza con mucha impro y su humor cercano, nos trae su monólogo ‘Manual de un soltero’ donde abordará el misterioso mundo de las relaciones amorosas.  Desde Madrid, llegan Raúl Fervé, considerado como uno de los cómicos con mayor proyección dentro del circuito nacional de comedia. y Dani Alés, guionista y cómico en Comedy Central.

Pau Blanco, cómico y actor valenciano, regresa al Circuito con su espectáculo ‘Posa’m un barrejat’ donde hará un recorrido del pasado, presente y futuro a través de sus 15 años en la compañía Purna Teatre.

Habra Kadabra.

Paco Hernández y Pere Rafart con su espectáculo Habrá Kadabra? Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.

Habrán dos nuevas propuestas de magia cómica. El valenciano Mag Ruben Aparisi presenta ‘Hago chas…y Aparisi a tu lado’ donde a través de objetos cotidianos conseguirá crear en el público emociones que durarán más allá del espectáculo. Y desde Manresa, Paco Hernández y Pere Rafart llegan con una sugerente propuesta donde fusionan la magia, monólogo y música. Un espectáculo mágicamente divertido ‘Habrá Kadabra?’.

Y el estilo improvisación viene de la mano de la compañía valenciana Subit! con ‘Noche de Impro’. Sus ingredientes principales son: un papel donde escribes lo que quieras, un cubo donde se depositan los papeles, una mano inocente, una propuesta, unos actores y… 3… 2… 1… Impro!

Como siempre, cómicos de Valencia Comedy están presentes en la programación.  En esta ocasión estarán en los meses de diciembre y enero estarán Oscar Tramoyeres, Alex Martínez, Pablo Carrascosa, Rafa Alarcón y Jesús F Manzano.

Ya puedes consultar la agenda en www.circuitocafeteatro.com y seguirlos en las redes sociales  Facebook y Twitter.

Raúl Fervé. Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.

Raúl Fervé. Imagen cortesía de Circuito Café Teatro.

Menut Festival!!!

Menut Festival!!!
Con Dani Miquel i Los Titiriteros de Binéfar
Casa de la Cultura de L’Alcúdia
Plaza Tirant lo Blanc, s/n. L’Alcúdia (Valencia)
Dissabte 17 i diumenge 18 de decembre de 2016

Aquest cap de setmana es celebrarà la primera edició del Menut Festival!!!, concretament el dissabte 17 i el diumenge 18, a  L’Alcúdia. Aquest festival està organitzat per l’Ajuntament de L’Alcúdia i dirigit pel músic Dani Miquel i, té voluntat de continuïtat. A partir d’aquest any, es celebrarà tots els anys, el cap de setmana anterior al dia de Nadal.

Es tracta d’un festival per a tots els públics, però sobre tot per a que els més menuts puguen gaudir d’espectacles musicals, de teatre, de màgia, de circ, de titelles…

Los Titiriteros de Binéfar. Imagen cortesía de Menut Festival!!!

Los Titiriteros de Binéfar. Imagen cortesía de Menut Festival!!!

Per aquesta primera edició s´ha pensat en dos actes que puguen resultar atractius per a un públic majoritari i que es realitzaran a la Casa de la Cultura de L’Alcúdia. El primer tindrà lloc el dissabte 17 a les 18h. Dani Miquel i els Ma-me-mi-mo-músics junt a la Banda Juvenil La Filharmònica Alcudiana i la col·laboració especial de Paco Muñoz. Cançons tradicionals i cançons composades per Dani Miquel i Paco Muñoz, es donaran la mà amb especial atenció als temes vinculats a estes festes de Nadal.

El segon acte serà diumenge 18 a les 12h. amb la representació-concert ‘Canciones de Titiriteros’ de la coneguda companyia de Huesca, Los Titiriteros de Binéfar (Premi Nacional de les Arts Escèniques per a la Infància i Joventut).

Menut Festival!!! Tot i celebrar-se a L’Alcúdia, pretén consolidar-se a la Ribera i en l’àmbit provincial en pocs anys, com un referent d’espectacles musicals i escènics de qualitat per a tots els públics.

Dani Miquel. Menut Festival!!!

Dani Miquel. Imagen cortesía de Menut Festival!!!

 

‘El sueño de Andrómina’ ahora en Teruel

El sueño de Andrómina, de Jose Haro
Museo de Teruel
Plaza Fray Anselmo Polanco, 3. Teruel
Hasta el 25 de septiembre de 2016

El Museo de Teruel ha inaugurado su propuesta cultural para los dos próximos meses: se trata de la muestra fotográfica del artista Jose Haro ‘El sueño de Andrómina’, una producción del Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM) que se pudo disfrutar en Valencia de marzo a junio de 2015 y actualmente es itinerante.

‘El sueño de Andrómina’ es una exposición de fotografía que viaja por los universos de diferentes cineastas realizado a fuego lento a lo largo de más de diez años, donde realidad y ficción se entrelazan constantemente como mundos reales e imaginados que conviven y engendran el sueño mágico del cine.

Fotografía de Jose Haro. Imagen cortesía del Museo de Teruel.

Vista de la exposición de Jose Haro. Imagen cortesía del Museo de Teruel.

En el MuVIM esta exposición formó parte de una propuesta mucho más completa llamada ‘De cine. Universos cinematográficos’ y que comprendía tres grandes muestras: la de Jose Haro; ‘Imagen de un sueño’ (con instantáneas de los Premios Goya); y ‘Paseantes de Donostia’, que celebraba los 60 años del Festival de San Sebastián.

La exposición ‘El sueño de Andrómina’ estará abierta al público desde el 29 de julio hasta el 25 de septiembre en la sala de exposiciones temporales del Museo de Teruel, coincidiendo con la celebración del Festival Internacional de Fotografía Teruel Punto Photo.

Juan Carlos Gracia Suso, diputado delegado de Bibliotecas y Museos, destacó la “brillantez” con la que Jose Haro “explica a través de sus imágenes y de la experiencia personal que recogen de su amplia trayectoria, la clara vinculación existente entre el mundo del cine y también el de la fotografía”.

Luis Tosar (izda) y Eduard Fernández. Fotografía de Jose Haro, cortesía del Museo de Teruel.

Luis Tosar (izda) y Eduard Fernández. Fotografía de Jose Haro, cortesía del Museo de Teruel.

 

Una coreografía seductora

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral
Serie de 10 dibujos creado en técnica mixta sobre papel Fabriano de 300 gramos
Taller Indusart
C / Clero, 6 bajo. Valencia

Entre-dos, serie de 10 dibujos creados mano a mano por Hélène Crécent y Rafa de Corral  para  Russafart 2016, lleva inscrita la tensión surgida de la fusión de los dos universos pictóricos tan diferentes de estos artistas. Crécent y De Corral han creado una coreografía seductora con las figuras abstractas y conceptuales más emblemáticas de sus respectivos universos pictóricos.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Figuras crepitantes

La pintura de Hélène Crécent está habitada, principalmente, por figuras abstractas: “manos llameantes”, “bolas enmarañadas”, -“de pelo”, matiza la artista-, “cuerpos contorsionados, sin rostro y sin sexo”, “bocas-vaginas dentadas”. Figuras dibujadas con mina de plomo sobre un fondo blanco y salpicadas con golpes de color rojo, verde, azul. Figuras de trazo curvo, inmediato, fogoso. Figuras crepitantes.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Figuras ingrávidas

En cambio, en la obra de Rafa de Corral gravitan misteriosas piezas de rasgos arquitectónico-geométricos que brotan de una superficie acuosa, metálica o flotan sobre un espacio nuboso, etéreo.  Estas piezas, dibujadas con un trazo firme, recto y preciso, fluyen ingrávidas por el espacio conceptual futurista de la obra de Rafa de Corral. Figuras ingrávidas, densas piezas arquitectónico-geométricas, donde la levedad de la existencia se hace metáfora.

Cuatro piezas de 'Entre-dos', de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Cuatro piezas de ‘Entre-dos’, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Fusión

Entre-dos es el resultado de la fusión de estos dos mundos pictóricos                    “formalmente tan diferentes”, como considera Hélène Crécent. “Aún así -precisa la artista- pensamos que podría ser un reto pintar y exponer juntos”.

Una experiencia cuyo resultado, señala Rafa de Corral, “ha sido espectacular tanto desde un punto de vista formal como de fondo. En mi opinión se ha producido una simbiosis en un principio lúdica, pero si ahondas más en cada pieza sorprende la frescura y el contenido tan potente”.

Las figuras crepitantes -“manos llameantes” y “bolas enmarañadas”- y las figuras ingrávidas -las piezas arquitectónico-geométricas- componen, en estos diez dibujos, un juego rítmico y colorista de movimientos. Las figuras se desplazan marcando el compás pasional de un tango; se atraen y se repelen connotando la pasión seductora que emana entre lo femenino y masculino.

Los dibujos de “manos llameantes” y de “bolas enmarañadas” de Hélène Crécent denotan una feminidad que arde, que quema. Por lo contrario, las piezas arquitectónico-geométricas de Rafa de Corral emanan una masculinidad que intenta escindir el fuego femenino.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Hélène Crécent describe el proceso creativo como “mágico y excitante”. Y añade: “El primer dibujo lo hicimos conjuntamente en la misma mesa de manera muy concentrada y espontánea a la vez. Entendimos que la fusión podía funcionar. Pero empezó a complicarse: la fuerza de mis “bolas de pelo” podían comerse la fuerza de los elementos arquitectónicos de Rafa. No se trataba de una lucha de poder. Non obstante, empezamos a competir, pero con amor, somos amigos”.

“Entonces, Rafa empezó a utilizar la mina de plomo, herramienta importante en mi obra, creando una superficie color plomo negra y brillante. Me impresionó y respondí con un personaje rojo. Luego, Rafa cambió su paleta por tonos fluorescentes pintados con spray. Él se adaptó y yo me tranquilicé, frente a la tensión creada, enrollándome o enroscándome en sus arquitecturas irreales, amenazantes y atractivas a la vez, como si fuera un juego sexual  pasional”, concluye Crécent.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Begoña Siles

Julio Llamazares, la pasión de escribir

Charla de Julio Llamazares
Con motivo de la Festa del Llibre de Muro

Escribir es mi manera de estar solo, mi manera de estar en el mundo. Siempre me recuerdo escribiendo, es más, no sé cómo se vive sin escribir”. Son las palabras de Julio Llamazares en la conferencia que ofreció en Muro en la Festa del Llibre. Llamazares la tituló ‘El oficio de mentir’, una reflexión sobre el género narrativo. 

Llamazares transmite la pasión serena del escritor, el encanto y la magia que puede provocar la lectura de un libro. Infunde ganas de leer, de recuperar el tiempo perdido, añadir más historias a nuestra vida a través de la ficción.

“Una forma de recuperar el tiempo y no perderlo es escribiendo, leyendo, haciendo las cosas que nos hacen pensar más, sentir más, saber más y vivir más. Porque  al fin y al cabo, las novelas son vidas que pudimos vivir pero que no vivimos- explica Julio Llamazares. Cuando lees, estás viviendo la vida de Don Quijote, de Madame Bovary, de Ulises cruzando el Mediterráneo, o de cualquiera de los personajes. Leer te hace vivir mucho más. Para eso sirve la lectura, para ver el mundo con mayor profundidad porque incorporas a tu mirada la mirada de otros escritores o de otros artistas”.

El escritor y periodista leonés ejerce una literatura comprometida, alejada del entretenimiento. ”Ahora abunda mucho lo del best-seller que son novelas para entretener. Yo no escribo para entretener a nadie, yo escribo para conmover, para hacer sentir, para hacer pensar. Yo escribo para remover la conciencia de la gente”.

Julio Llamazares en plena charla. Imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares en plena charla. Imagen de Fina Bernat.

La novela, el arte de mentir.

Cuando un escritor, según Llamazares, empieza una novela ejerce el oficio más viejo del mundo que  no es el de la prostitución, sino el de contar mentiras.

“Escribir puede que no  sea más que una manera de seguir mintiendo después de la infancia sin tener que avergonzarnos ante las demás personas. Qué es sino contar mentiras: narrar historias imaginarias y sucesos y anécdotas inventados por personajes que jamás han existido en la realidad”.

La mentira puede ser una herramienta que nos permite conocer algo más.

“Las mentiras sirven para soportar el miedo, para ahuyentar los fantasmas, para entretener las noches y, sobre todo, para tratar de entender la vida”.

Llamazares opina que una determinada novela, un cuadro, una película, una fotografía, un paisaje, influyen sobre nosotros y ya no somos exactamente los mismos.

“Una novela, como un cuadro o una película no es otra cosa al final que el poso, la sensación que nos queda de ella cuando hemos olvidado sus mentiras. Por ejemplo: ‘El Jarama’ o la película ‘Casablanca’. Lo que de verdad Rafael Sánchez Ferlosio, el autor de ‘El Jarama’, o Michel Curtiz, de ‘Casablanca’, querían contarnos con ellas es esa sensación lejana que nos queda cuando hemos olvidado su argumento. Una sensación lejana desolada en una, nostálgica en la otra, melancólica y épica en ambas que permanece en nuestro recuerdo y que ni siquiera el tiempo podrá borrar de nuestra memoria porque ya ha pasado a formar parte de nosotros”.

La fascinación por la mentira es tan hipnótica que con el paso del tiempo el autor ya no recuerda la parte verídica y la inventada de sus relatos.

“A estas alturas de mi vida y de mi obra literaria, yo no tengo ya duda alguna que ese placer de narrar, de contar, de mentir, el placer de ejercer el oficio más viejo del mundo es el único que me mueve cuando me pongo a escribir un cuento o una novela. En cualquier caso confieso que lo hago, lo mismo ahora que de niño, aunque entonces, claro está, no lo sabía,  para engañar al tiempo, mi único, invencible y verdadero enemigo”.

‘La lluvia amarilla’, su libro más vendido.

Su segundo libro ‘La lluvia amarilla’, es su novela más vendida y traducida en todo el mundo.

Julio Llamazares, tras la portada de Las Rosas de Piedra. Imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares, tras la portada de Las Rosas de Piedra. Imagen de Fina Bernat.

Llamazares explicó que pensaba no iba a tener tanta repercusión.

“En plena época de la Movida escribir una novela sobre la desaparición del mundo rural, sobre la historia del último habitante de un pueblo abandonado, era una provocación. Cuando mandé la novela a la editorial, le dije a Mario Lacruz, director de Seix Barral: ojo, que con esta novela no vamos a vender ni mil ejemplares. Era una novela sobre el mundo rural en extinción y un monólogo de 200 páginas. Y me dijo Mario Lacruz: bueno, ya veremos”.

Llamazares nació en Vegamián, un pueblo de León que fue inundado para el embalse del Porma. Su población es la base de su novela, ‘Distintas formas de mirar el agua’, la novena que escribe y la última hasta el momento.

“Yo nací allí por casualidad, mi padre era el maestro de la escuela. La primera vez que vi mi pueblo lo vi con 28 años, cuando vaciaron el embalse. Estuve en la casa donde nací, llena de algas y truchas muertas. Esto es como si tu ves a tus padres por primera vez cuando sacan los huesos de la tierra. Yo empecé a tomar conciencia a raíz de ver las ruinas de mi pueblo cuando vaciaron el pantano. Hablando con mucha gente noté lo que significa  ese desarraigo de no poder volver jamás”.

“Estaba condenado a contar esa novela y la publiqué el año pasado. Es la novela que más rápido he escrito y lo hice en un año. Y surgió sin pretenderlo. Empezó a brotar como la fuente de la memoria. Habla de la experiencia a través de la mirada de toda una familia de 17, 18 miembros que van a tirar las cenizas del abuelo. Cada capítulo es lo que piensan la viuda, los hijos, los yernos, la nuera, los nietos y cómo la memoria se va difuminando”.

Algunas de sus obras en una imagen de Fina Bernat.

Algunas de sus obras en una imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares habla de la España creciente y la menguante. La segunda es la escondida, de la que no se habla casi nunca, que coincidiría geográficamente con la zona interior del país. Recalca que ‘La lluvia amarilla’ sigue vigente porque en España hay en estos momentos más de 5 mil pueblos abandonados y se calcula que de aquí al 2020 quedarán vacíos otros dos mil o tres mil.

Considera que existe un menosprecio hacia los pueblos.

“Hay una cierta mirada despectiva en España sobre lo rural, sobre los pueblos. Vivimos en una sociedad que curiosamente desprecia todas sus raíces”.

Ahora prepara el segundo volumen de ‘Rosas de piedra’, la segunda entrega del libro de viajes por las catedrales de España. Recientemente ha visitado lo que denomina las catedrales de Levante que son las de Segorbe, Valencia, Orihuela y Murcia.

En un coloquio con los alumnos del Instituto de Muro explicó por qué no quiere recibir premios.

“El único premio para un escritor es que le lean, todo lo demás forma parte de la sociedad del espectáculo y de la corrupción literaria”.

Carles Figuerola

Del Sol Negro al oscuro misterio femenino

Sol Negro, de Rubenimichi, y Similar Soul, de Seven Moods
Plastic Murs
C / Denia, 45. Valencia
Del 3 de junio al 29 de julio

Sol Negro es uno de los múltiples nombres que recibe Saturno, dios de la cosecha que representa los ciclos de la vida, pero también el paso implacable del tiempo y, por lo tanto, la muerte. Conocerlo es intentar entender nuestro significado y nuestro fin, y buscar su influjo es abrazar el conocimiento, aunque sea atravesando la oscuridad.

Lo saturniano nos rodea. Existen miles de símbolos que nos indican el camino, tratan de darnos las respuestas. Y aunque no queramos verlos, todos responden a un lenguaje único. Todo: lo referente a lo bueno y a la luz, y lo que representa lo malo y la oscuridad.

Sol Negro. Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Titan, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Sobre este planteamiento Rubenimichi consiguen acercarse a ese lenguaje cósmico, rastreando los símbolos, asumiéndolos como propios y jugando con su misterio. Porque si algo fascina a Michi, Rubén y Luisjo, es lo oculto, lo secreto, lo oscuro o lo mágico, que mueve y domina una buena parte de su trabajo. Y también todos sus ritos, aplicados incluso al propio proceso creativo. A nadie se le escapa. Algo hay de brujos en esta oscura y, en apariencia, simpática trinidad.

En sus cuadros, Rubenimichi se dejan llevar por una audaz intuición que parte del asombro por ciertas realidades cotidianas y que culmina en la asimilación de cualquier fenómeno que se presente como indescifrable. Según sus planteamientos ahí es donde está el poder, la energía o la magia. Y es ahí donde encuentran su espacio, uno en el que especular a través de la pintura, buscando las respuestas, ofreciendo una documentación exahustiva de su fascinación. Hay que añadir aquí, aunque suene excesivo, que su trabajo es un fiel reflejo de sus dogmas e ideales.

Dione, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Dione, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Las respuestas están más cerca de lo que creemos y posiblemente jamás permitirán que las descubramos. Sin embargo, y mientras tanto, podemos comenzar a observar estos símbolos como lo han hecho Rubenimichi, con curiosidad y delicadeza, con placer persuasivo.

En ‘Sol Negro’ comulgamos con este conocimiento oscuro, diferente y atractivo, seductor, cercano a la frivolidad o a lo sádico, pero también a lo poético, a lo luminoso y a lo inspirador. Es un poder contradictorio y fascinante colmado de claroscuros en los que encontramos ritos y diosas, jóvenes vírgenes y sacerdotisas en Misas Negras o Saturnalias, envueltas en una voluptuosidad romántica…

Hermandad, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Hermandad, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

En estos cuadros fluye como un torrente la imaginería de lo oculto: el velo que cubre y esconde. La hoz, el estramonio, los altarcillos, los huesos y todo lo mortuorio. El hexágono, como el triple seis satánico o como el hexagrama o estrella de seis puntas, que se transforma en cubo en su perspectiva caballera. Pero también el hexágono como la celdilla de la abeja, representación de las sociedades secretas. Es un juego acumulativo, sí pero… ¿sólo un juego? ¿O más bien un lenguaje?

Si hay algo después de la muerte, sólo Saturno nos lo puede explicar. Ése es el poder del Sol Negro: la oscuridad total que nos deslumbrará a la vez que nos dará las respuestas.

Texto sobre Rubenimichi, de Roberto Salas

Por su parte, las nuevas obras de Seven Moods nacen evidentemente de varios elementos recurrentes que, al entrelazarse entre sí, dan origen a una serie de obras de arte que cuentan un secreto, una historia misteriosa y altamente sugerente que se ocupa de la representación de las mujeres y de sus alter egos. El elemento principal de cada composición es de hecho la figura femenina: las mujeres están en el centro de cada pieza, ocupando casi toda la configuración. Estas parecen acabadas de aterrizar del futuro, o desde el espacio exterior.

Kinoly, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Kinoly, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Según el artista, las mujeres poseen múltiples expresiones; pueden ser madres, amantes, santas, o por el contrario, demonias. Así pues, la figura femenina se convierte en una forma viva, una esencia que respira, un símbolo de una dimensión humana universal, así como de una sensibilidad intelectual individual. Sus miradas fuertemente emocionales nos dicen que están enfocadas en algún pensamiento muy personal.

Casi todas las mujeres representadas, por otra parte, están llorando. Las lágrimas que caen por sus caras actúan como un medio de interacción para conectar al artista con los seres en sus obras. Sin embargo, estos llantos no son causados por el sufrimiento, sino más bien por una conmoción fuerte frente a la belleza -en particular la belleza de la naturaleza-; alternativamente, son causadas por una necesidad de purificar y liberarse de negatividad.

Make me laugh, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Make me laugh, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Tal tensión emotiva habita en cada escena y también gira alrededor de los otros elementos principales de la composición: las formas geométricas y los animales.

La geometría está siempre presente en las creaciones de Seven Moods, pero especialmente estas nuevas obras representan una selección de formas que le concede un cierto carácter a los escenarios. Maestros del pasado como Salvador Dalí han comentado, que la geometría es esencial y se tiene que seguir durante la composición la obra de uno; pero aquí, la geometría va incluso más allá; se convierte en los medios y el objeto de las piezas.

Las formas se utilizan no sólo para definir el espacio, pero sobre todo para la adquisición de nuevos significados, fluctuando en torno a las figuras y emanando toda esa belleza intrínseca que existe en la naturaleza, que demasiado a menudo es invisible al ojo humano. La tarea de los artistas es, por lo tanto, dejar que su belleza salga de las formas geométricas que organiza cuidadosamente en sus obras de arte.

Dorian, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Dorian, de Seven Moods. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Los animales, también, constituyen uno de los elementos principales de las composiciones. Ellos son el gran misterio, una fuerza iconográfica que posee también una cierta función esotérica. Estos animales, que crecen junto con las mujeres representadas, están fuertemente entrelazados con estas figuras femeninas y representan una clave para interpretar la pintura a la manera personal de cada uno.

La relación entre los animales y las niñas representadas es misteriosa, pero muy profundamente arraigada. La presencia de estos seres representa la terminación de la estructura de las piezas, que se hace eco de la misma integridad nata que existe entre los seres humanos y los animales. Por otra parte, la unión entre las mujeres y los animales se convierte en paralelo a la conexión establecida entre las figuras de las obras de arte y los espectadores.

Esta sensación de plenitud, la atmósfera misteriosa y la complicidad entre todos estos factores es lo que hace que estas obras destaquen como una excepcional nueva serie que puede hablar en silencio a los corazones de los espectadores. Al invitar a los espectadores a encontrar su propia interpretación de cada obra, el artista también les anima a pasar por una experiencia catártica y purificante, con el fin de escapar, aunque sólo sea por unos minutos, su realidad.

Texto sobre Seven Moods, de Alessandra Manzanatti

Rea, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Rea, de Rubenimichi. Imagen cortesía de Plastic Murs.

 

Un mundo de frío artístico

Disney on Ice. Mundos Encantados
Pabellón Fuente de San Luis
Avda. de los Hermanos Maristas, 16. Valencia
Del 13 al 17 de abril de 2016

Ver a un número enorme de niñas vestidas de alguna de las dos protagonistas de la película ‘Frozen. El Reino del Hielo’ (Christ Buck y Jennifer Lee, 2014), dando vueltas alrededor del Pabellón de la Fuente de San Luís es algo extraño. Más cuando es un miércoles por la tarde. Y es que la magia de Disney y de sus historias habían aterrizado en Valencia y además traían un espectáculo de esos para quedarte con la boca abierta, esperando la siguiente pirueta (nunca mejor dicho).

‘Disney on Ice. Mundos Encantados’ es un espectáculo lleno de fantasía para los menores, pero sobre todo es un deleite de patinaje artístico con infinitas volteretas y elevaciones. El Pabellón, pese a ser un día entre semana, estaba a reventar, es cierto que el día del estreno el precio de la entrada era sensiblemente inferior, pero de todos modos no dejaba de ser un miércoles. La puntualidad de Disney es algo que me tiene encantado; odio, y creo que todos odiamos, llegar a un espectáculo, de cualquier índole, y ver que pasa el tiempo de la hora de inicio y aquello no da comienzo.

Disney on ice. Mundos encantados. Pabellón Fuente de San Luis. Fotografía: Lorena Riestra.

Disney on ice. Mundos encantados, Pabellón Fuente de San Luis. Fotografía: Lorena Riestra.

El show estaba dividido, a mi juicio muy bien, en cuatro partes. La primera era ‘Toy Story’ (John Lasseter, 1995), que además narró de forma acelerada, pero muy fidedigna a la película, la trama. Mención aparte la increíble escenografía y el vestuario: todavía pienso en lo difícil que es salir al hielo con el traje de algunos de los personajes del film. Cuando la historia llegó a su fin, y todos estábamos admirados por la ejecución de algunos movimientos sobre las cuchillas, llegó la hora de ‘La Sirenita’ (‘The Little Mermaid’, Ron Clements y John Musker, 1989), la cual a mi juicio fue la más floja: la película tiene una historia endeble y aburrida, y las canciones no consiguen conectar; unos años más tarde mejoraron sus directores en el tema de las canciones, y también en la trama, con ‘Aladdín’ (1995).

Llegamos al fin del primer acto. Hay que entender que este show está montado para niños y ellos no tienen el nivel de atención tan desarrollado como los adultos, además muchos tenían que ir al baño. En el segundo y último acto vino lo mejor, por lo menos para los niños. Comenzaron con ‘Cars’ (John Lasseter y Joe Ranft, 2006), pero no con unos bailarines enfundados en gruesos disfraces, no, más bien coches de verdad dando vueltas. Coches con bocas, ojos, cejas, la verdad es que fue mi parte más divertida. Quizás el público se mostró algo frío; ese trozo lo tenía complicado teniendo en cuenta que la traca final estaba a punto de llegar.

Disney on ice. Mundos encantados, Pabellón Fuente de San Luis. Fotografía: Lorena Riestra.

Disney on ice. Mundos encantados, Pabellón Fuente de San Luis. Fotografía: Lorena Riestra.

Con unas telas y algo de atrezzo se forma una ciudad del Este de Europa y aparecen Anna y Elsa. Ellas patinan, las niñas en la grada bailan y cantan con todas sus fuerzas el tema ‘Suéltalo’, que en su versión original se llama ‘Let it go’ (ganadora del Óscar a la mejor canción original en 2014), el último e inesperado para muchos, gran éxito del ratón.

‘Frozen’ fue la gran ganadora de la noche, la gente cantaba y bailaba. Además, la puesta en escena era perfecta, ni un error; patinadores de primera es lo que seguramente lleve el espectáculo. Quizás si Disney hubiera creado todo el show alrededor de la última película, obviando al resto, el resultado de público hubiera sido similar, pero ya se sabe, Disney siempre ofrece algo más. A mí me ofreció una muestra del mejor patinaje sobre hielo que he visto en mi vida y un musical bien trabajado y audaz. A los niños, un sueño hecho realidad.

Disney on ice.

Disney on ice. Mundos encantados, Pabellón Fuente de San Luis. Fotografía: Lorena Riestra.

Javier Caro

Las cosas de Nuria Rodríguez

Nuria Rodríguez. Historia natural, la colección infinita
Colegio Mayor Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 6. Valencia
Hasta el 10 de abril de 2016

La cita de Borges, a la que se alude en la exposición ‘Historia natural, la colección infinita’, es sin duda pertinente: “La palabra hace la cosa”. Antes de ella no existe nada. Ya lo dice también el Génesis: en el principio fue el verbo. Palabras que nombran cosas, conformando el mundo que nos rodea. De esas cosas y de ese mundo tan amplio, como finalmente circunscrito a la vivencia singular, da cuenta la artista, docente y diseñadora gráfica Nuria Rodríguez en el Colegio Mayor Rector Peset de Valencia.

No sólo es pertinente la cita, sino el propio Borges, quien ya hablara de ‘La Biblioteca de Babel’ en su colección de relatos ‘El jardín de los senderos que se bifurcan’. Una biblioteca a modo de universo compuesto a su vez de una biblioteca con todos los libros posibles. La colección infinita referida por la artista en su título expositivo se vincula a esa biblioteca borgiana. De manera que, como indica la propia autora, lo que se muestra “es una tentativa de inventario de las cosas que me rodean, de las cosas que encierro en un círculo mágico, congeladas, esperando dialogar con las otras cosas”.

Obra de Nuria Rodrigez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Obra de Nuria Rodrigez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Ese círculo mágico es el que hace que las cosas de Nuria Rodríguez, por infinitas que sean, contengan sin embargo la finitud de la más estricta subjetividad. No son cualesquiera cosas, sino aquellas que apelan directamente al sujeto que las colecciona. También, he ahí el poder del arte, a cualquiera de los espectadores que, viéndolas y tocándolas, se sientan a su vez concernidos por ellas. Cosas ligadas entre sí por la artista, consciente o inconscientemente, para construir una cierta narrativa o sendero por el que se bifurcan innumerables emociones.

“Entiendo la pintura como un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza, que se reconstruyen en escenarios y situaciones ficticias”, comenta Rodríguez en ‘El desorden de las cosas’, muestra ligada a la que se presenta en el Colegio Mayor Rector Peset. Ensamblaje de cosas, de objetos, de fotografías, que da pie a esos escenarios que unas veces remiten a las páginas de la Historia natural aludida, y en otras ocasiones a sueños o encuadres fílmicos de corte surrealista.

Vista general de la exposición de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Vista general de la exposición de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Además de pinturas y dibujos, la exposición contiene también diversos audiovisuales, algunos de ellos en vitrinas donde se acumulan láminas y objetos como maderas o piedras. La naturaleza comparece a través de todos ellos, al igual que emergen sensaciones derivadas de la ligazón entre diversas imágenes. ‘Temps de mudança’ es un buen ejemplo de la importancia de las cosas nombradas y archivadas en la memoria que, tras cierto reciclaje, devienen secuencia narrativa. Porque es en esas mudanzas donde solemos advertir la acumulación de cosas y la emergencia inaudita de algunos objetos olvidados o tristemente desapercibidos.

Conjunto de obras de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Conjunto de obras de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Por eso Nuria Rodríguez constata la “mirada poética” que hay en esa percepción de lo habitual y cotidiano, “lo que está ahí desde siempre”, para nuestra sorpresa. Cuando esta se produce ya es síntoma de que las cosas son otras, y que el infinito de esa colección de objetos que almacenamos adquiere de pronto el rango de lo nuevo a partir de lo archiconocido. “Incluso antes de que fuéramos conscientes, antes de nosotros, antes de antes”, subraya la artista. He ahí la infinitud en ese más allá que nos atraviesa a todos, pero siempre ligado a la finitud de quien la acota. “Decidir con qué cosas nos rodeamos”, como advierte la artista, ya es el modo que tenemos los sujetos de perfilar nuestra memoria. La de Nuria Rodríguez, al menos parte de ella, está en el Colegio Mayor Rector Peset hasta el 10 de abril.

Obra de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Obra de Nuria Rodriguez en el Colegio Mayor Rector Peset.

Salva Torres

Nacho Diago saca la luna de su chistera

Viaje a la luna, de Nacho Diago
Teatre Talía
C / Caballeros, 31. Valencia
Desde el 20 de marzo al 4 de abril de 2016

Selenofília: amor y fascinación por la luna. La luna siempre ha ejercido una especial fascinación entre los hombres. El único satélite de nuestro planeta ha sido estudiado por astrónomos y alquimistas desde tiempos inmemoriales y su influencia sobre la vida en la Tierra ha generado infinidad de mitos y teorías que van de lo cientifico-histórico hasta lo fantástico y sobrenatural. Todos los calendarios de la antigüedad eran lunares. Ha sido fundamental para la medición del tiempo, para marcar los meses y las estaciones, y para predecir el futuro.

Luna y magia siempre han estado relacionadas, además de atribuírsele desde la antigüedad innumerables poderes mágicos, la luna esconde todavía indescifrables secretos que, como la magia, no pueden sernos revelados. Los cuatro cuartos de la luna, los cuatro palos de la baraja, 52 cartas de la baraja y 52 fases lunares, estar en la luna, estar hechizado, cosas que parecen lo que no son, crear ilusiones, hacernos soñar, volar, viajar a la cara oculta de la luna…

Nacho Diago, actor y mago valenciano, experimentó desde bien pequeño esa atracción que le hacía soñar con viajar a la luna. En una ocasión, en su fiesta de cumpleaños, cerró los ojos y deseó con todas sus fuerzas viajar a la luna. Inspiró profundamente y sopló las velas con una tremenda bocanada de aire. Recuerda que al abrir los ojos sonriente e ilusionado las velas apagadas prendieron de nuevo ante sus narices. Lejos de provocar la risa que aquellas velas de broma buscaban, Nacho creyó que nunca viajaría a la luna, que sus deseos no se verían cumplidos. Sin embargo aquellas velas prendieron su curiosidad y  le azuzaron el ingenio para desentrañar siempre cualquier misterio.

Viaje a la luna, de Nacho Diago. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Viaje a la luna, de Nacho Diago. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Con ‘Viaje a la luna’ Nacho Diago nos invita a viajar por el espacio, en el tiempo, por Tanzania, China o el salón de casa. Un espectáculo que nos lanza muchas preguntas y nos revela algunas respuestas con mucho humor sin artificios.

¿Sabías que… ya se ha plantado la primera lechuga espacial, o que en la luna no se ronca? ¿Sabías que el comandante Alan Shepard fue el primer hombre que jugó al golf en la luna lanzando la bola de un solo golpe al espacio por toda la eternidad? ¿Sabías que la diferencia de temperatura entre las dos caras de la luna puede oscilar de  123ºC a -153ºC? ¿Sabías que los trajes espaciales de los astronautas no fueron diseñados por ninguna empresa textil de última generación, sino que fueron hechos a mano por un equipo de ancianas costureras?

Estas y otras muchas curiosidades  se cuentan en ‘Viaje a la luna’, un espectáculo de magia en el que se podrá viajar de “aquí a allá” con parada en “asombro” y destino la Luna. Y todo con el mismo billete, el de la imaginación.

Julio Verne, Man on the moon, Apolo XIII, Dark side of the moon, documentales sobre las Teorías de la conspiración de los alunizajes del Programa Apolo y sobre todo ‘Viaje a la luna’ de Georges Méliès han sido algunos de los referentes en los que  Nacho Diago se ha sumergido para crear su nuevo montaje.

Viaje a la luna, de Nacho Diago. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Viaje a la luna, de Nacho Diago. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Méliès fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un “mago del cine”. Dos de sus películas más famosas, ‘Viaje a la Luna’ (1902) y ‘El viaje imposible’ (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción.

Nacho Diago fue Primer Premio de Magia en el XXVII congreso mágico nacional 2005.  Con sus anteriores trabajos para niños, ‘Días de nocilla y magia’ y ‘La Caja’ ha obtenido un gran reconocimiento profesional y ha recorrido la geografía española de punta  a punta, visitando Festivales y espacios de gran prestigio como FETEN, Umore Azoka,Teatros del Canal o  La Alhóndiga de Bilbao entre otros.

Sus espectáculos destacan por su cuidada dramaturgia teatral y una gran carga poética. Su especial cercanía y conexión con el público traspasan la cuarta pared y contagian la ilusión haciendo protagonista al espectador. Descubrimientos, curiosidades, magia, humor y ciencia te esperan en el Teatre Talía en un espectáculo para todas las edades que te “alunizará”.