La memoria quebrantada

Memoria: El bombardeo del 25 de mayo de 1938 del Mercado Central de Alicante
Entrevista a Alex Guillén y Sergio Lombarte
Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante

“La memoria es como un don maravilloso y una maldición implacable”, dijo Aharon Appelfeld, novelista israelí que en esta frase ya sentencia el potencial y la relación entre memoria, identidad e historia. La productora Letra & Frame presentó el pasado viernes 25 de mayo en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, ‘Memoria’, un corto documental que reconstruye el terrible suceso que este año cumple 80 años. Se trata de recuperar en un retrato audiovisual la Guerra Civil en Alicante a través de una combinación de testimonios y material gráfico de la época.

Entrevistamos a Alex Guillén director y escritor de ‘Memoria’, y a Sergio Lombarte, director de fotografía, edición y posproducción de este proyecto.

¿Qué motiva a Letra & Frame a llevar a cabo este documental? ¿Cuál es el objetivo?

Alex Guillén (AG): Nosotros, en nuestra productora Letra & Frame, tenemos un lema, que es el de contar historias. Y nos pareció que esta tenía que contarse y no caer en el olvido por todo el impacto que tuvo en la ciudad y en su historia. No obstante, estamos hablando de un bombardeo en el que murieron 300 personas que fueron enterradas en su mayoría en una fosa común. Y cuya memoria por distintos acontencimientos que pasaron se diluyó en el tiempo convirtiéndose en un rumor o una leyenda que pocos conocían a ciencia cierta.

Sergio Lombarte (SL): Son muy pocas las personas de nuestra generación, o incluso de la de nuestros padres, que saben que esto ocurrió. Mi familia lleva en Alicante más de 20 años y no habían oído hablar de bombardeos durante la guerra civil hasta que comenzamos este proyecto.

En el documental aparecen diferentes personas, desde una testigo hasta un periodista. ¿Qué os llevo a centraros en esos testimonios?

(AG): La brevedad del formato que hemos escogido nos obligaba a seleccionar pocos perfiles muy concretos que tuvieran un conocimiento profundo del tema. Y que al mismo tiempo, se complementaran entre sí para cohesionar la narración. De esta forma seleccionamos un periodista experto en la historia de Alicante que nos aportó imparcialidad, un historiador y arqueólogo que nos dio datos precios, un investigador experto en el tema que nos brindó análisis…Y una testigo que nos ofreció su memoria y que es la auténtica protagonista del relato.

Una de las escenas del documental. Imagen cortesía Letra & Frame.

Magdalena Oca, testigo que aparece en el documental. Imagen cortesía Letra & Frame.

¿Por qué este formato de documental corto?

(AG): Nuestra productora apuesta por el reportaje o documental corto porque creemos que es un format que gracias a su duración es capaz de enseñar y entretener sin aburrir. Y en los tiempos que vivimos donde todo es rápido y va a la velocidad de la luz, tenemos que adaptarnos a la realidad audiovisual del mundo.

(SL:)  No obstante, Hemos querido darle una estética cinematográfica que suma mediante un juego estético más dramatismo y permite que el espectador se sumerja en el relato.

¿Cómo ha sido el proceso de montaje?

(SL): Para un proyecto de esta embergadura son necesarias muchas horas de dedicación. Nuestra pasión por el formato documental, así como la carga histórica del mismo han sido nuestro principal combustible. Como director de fotografía, me he volcado por conseguir una estética que acompañe a la narrativa. Del mismo modo que la producción y guion realizados por Alex sin duda fueron sublimes y factores clave para desarrollar este documental.

(AG): Ha sido un proyecto exhaustivo realizado en tiempo record, pues en apenas tres meses lo hemos completado. Al ser un proyecto independiente no se ha contado con financiación externa, pero aun así, nada nos ha frenado a la hora de llevarlo a término. La implicación de Mister Barceló , Kurtys Flow y Rebecca Wasser también ha sido un factor determinante para que todo saliera según lo previsto.

Una de las escenas del documental, Mercado Central de Alicante. Imagen cortesía Letra & Frame.

Una de las escenas del documental, Mercado Central de Alicante. Imagen cortesía Letra & Frame.

‘Memoria’ ha implicado varias disciplinas artísticas y a varios agentes culturales de la ciudad, ¿era algo premeditado o han ido surgiendo necesidades?

(AG): Desde el primer momento Sergio quiso darle un efoque muy artístico al proyecto, no quedándose meramente en la realización de un documental: Estudiamos los planos, el color y el resultado que queríamos, apostando por una línea gris que acompañara la tristeza de la historia y al mismo tiempo la objetividad y la neutralidad. Esta no es una historia que acabe bien. En cuanto a las colaboraciones, fueron surgiendo de manera espontánea conforme fuimos desarrollando el proyecto hasta que creamos nuestro pequeño universo.

(SL): Conforme avanzaba el documental vimos claro que teníamos que crear un proyecto transmedia, que fusionara varias disciplinas. El primer paso fue plantearnos una fusión de reportaje y documental, con una visión cinematográfica. La primera colaboración externa fue la composición de la canción 25 de Mayo, escrita e interpretada por Mister Barceló y producida por Kurtys Flow. La canción la reservamos para los créditos del documental, dándole a las víctimas una despedida digna. Además realizamos un videoclip para esa misma canción que siguiese la misma estética que el documental. También decidimos contar con la colaboración de Rebecca Wasser, artista alicantina autora de ‘Ecos’, el óleo que cierra el documental. Su cuadro aporta un valor que no podíamos conseguir de otra manera consiguiendo combinar producciones audiovisuales con música y pintura.

Queríais desde el principio que ‘Memoria’ fuera un proyecto independiente, ¿en todos los sentidos?

(AG): Sí al 100 %. La idea desde el primer momento ha sido realizar una producción  didáctica, amena, neutral y objetiva.

(SL:) Pura historia basada en testimonios de testigos y expertos.

‘Memoria’ está publicado en la web de Letra & Frame y se puede disfrutar aquí. Próximamente se irá proyectando en colegios o en eventos. La programación se puede consultar en el siguiente enlace: letrayframe.com.

Maria Ramis

BUITBLANC Las Cigarreras 2018

Convocante: Concejalía de Cultura – Ajuntament Alicante
Dotación: 18.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 21 de marzo de 2018

OBJETO DE LA CONVOCATORIA
La Concejalía de Cultura abre la III Convocatoria pública de presentación de proyectos expositivos de artes plásticas y/o muestras de interés cultural, artístico, divulgativo, científico o social para su exhibición en la Caja Blanca del Centro Cultural Las Cigarreras, para el año 2018, como complemento a otras propuestas expositivas fruto de iniciativas institucionales, municipales y/o de la colaboración con otras instituciones públicas y privadas.

Los proyectos seleccionados serán objeto cada uno de ellos de una exposición organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante en la sala de exposiciones del Centro Cultural Las Cigarreras.

CAJA BLANCA DEL CENTRO CULTURAL LAS CIGARRERAS
Acogerá proyectos que aborden la creación artística contemporánea y la innovación en los procesos creativos. De acuerdo con el Plan del Centro, se valorarán los proyectos de comisarios y/o artistas, a título individual o colectivo, ligados a la creación contemporánea, que presenten propuestas que estén en vías de investigación y requieran de un impulso económico para su producción o desarrollo, valorando la experimentación e innovación en el ámbito de la creación artística, así como, la introducción de nuevos formatos y discursos expositivos en relación a las nuevas tecnologías.

PERSONAS BENEFICIARIAS
Pueden presentarse a la convocatoria cualquier persona física o jurídica, artistas y/o comisarios tanto locales como nacionales e internacionales.

PLAZO DE PRESENTACIÓN DE PROYECTOS
Se abrirá el 9 de febrero y finalizará el 21 de marzo de 2018.

En el caso de no presentar toda la documentación, se le requerirá por correo electrónico para que, en el plazo de tres días, subsane la solicitud. Si no lo hiciera, se dará por desestimada la solicitud.

PRESENTACIÓN DE PROYECTOS
Podrá presentarse únicamente un proyecto por artista, comisario o colectivo.

Los interesados deberán presentar sus solicitudes preferentemente en formato digital a través de la aplicación del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, disponible en www.alicantecultura.es y con enlace en el pie de esta página. (Cualquier incidencia comúniquela en el correo cultura.cigarreras@alicante.es)

También podrán presentarse, de acuerdo con el art.16.4 de la Ley 39/2015, de 1 de octubre del Procedimiento Administrativo Común (LPAC), en los registros de la Admi-nistración General del Estado, de cualquier Administración de las Comunidades Autónomas, de alguna de las entidades que integran la Administración Local o del sector público institucional. Y en las oficinas de Correos, en la forma que reglamentariamente se establezca. Los que opten por esta forma de presentación deberán comunicarlo a través del correo electrónico de cultura.cigarreras@alicante.es el mismo día de su presentación.

Las solicitudes deben ir acompañadas de la siguiente documentación:

Datos de contacto
Resumen del proyecto, en formato pdf (400 palabras, máximo)
Memoria técnica del proyecto, en formato pdf, (máximo 5 MB), incluyendo:
Título del proyecto
Comisario (si lo hay)
Artista/s participantes
Características del proyecto expositivo
Relación de necesidades técnicas
Presupuesto desglosado
Bocetos y/o imágenes
Currículum vitae de la persona solicitante o del artista y/o comisario y un dossier de trabajos anteriores.
Fotocopia DNI / Pasaporte

Bases completas

Entrevista-paseo por Display-me

Entrevista-paseo con Diana Guijarro y Ángel Masip
Proyecto Display-me. Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Ángel Masip y Alberto Feijóo
Caja Blanca, Centro Cultural Las Cigarreras
C/ San Carlos, 78. Alicante.
Hasta el 22 de enero de 2017

Display-me es un proyecto expositivo que va más allá, cuyo objetivo es replantear no solo el modelo expositivo sino la comunicación y difusión con el público. Para ello, la ideadora y comisaria Diana Guijarro, sustrajo a los artistas Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Alberto Feijóo y Ángel Masip de su producción cotidiana, y les ofreció un espacio en el que trabajar juntos. El resultado, siempre en constante cambio, no deja indiferente al público.

“Buscamos como afrontar los diferentes retos”

“Todo comenzó con la I primera convocatoria pública de proyectos expositivos para salas municipales que propuso el Ayuntamiento de Alicante desde la Concejalía de Cultura. Aunque el proyecto ya nos había rondado anteriormente la cabeza, esta fue una ocasión para plantearlo de manera profesional.” comienza Diana Guijarro. Todavía no hemos avanzado mucho dentro de ese gran espacio que es la Caja Blanca de las Cigarreras pero estamos situadas, junto con el artista participante Ángel Masip, enfrente de las primeras piezas. “ el proyecto que presentó Diana fue el mejor puntuado entre todos. Pero, a la hora de la verdad, nos encontramos con un grave problema y es que nos dijeron que no había presupuesto.” apunta Ángel. Ante mi cara estupefacta, Diana sonríe y me cuenta como tuvo que reunirse con diversos responsables tanto del centro como de la Concejalía de Cultura de Alicante para finalmente llegar a un acuerdo para poder realizar su proyecto.

Ángel apunta que recibieron un recorte más o menos del 50%. “Buscamos como afrontar los diferentes retos, como tener que pactar y que lidiar con todos estos inconvenientes. Aunque pensábamos que nos los íbamos a encontrar, te encuentras con que la situación es más complicada de lo que creías”, confiesa.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

“Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada”

La conversación se dirige hacia todas las trabas que han tenido que salvar: ajustes de presupuesto, de tiempo, de recursos… “Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada esta primera edición de las convocatorias públicas y tuvimos que re-adaptar todo. Se habló con los artistas y decidimos seguir adelante pero esto conllevó un mayor esfuerzo presupuestario. También un esfuerzo para con los artistas, ya que mi propuesta no era una colectiva sino un laboratorio sobre la invasión de un espacio. Cuando se tuvo que cambiar a que los cuatro a la vez llevarán a cabo este trabajo a la vez, fue todo un reto. El montaje ha sido quizá más divertido, pero todo un reto profesional ”, confiesa Diana.

“Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación”

Display-me busca mostrar los nuevos modos de transmisión que posee el desarrollo expositivo y para ello, se hace necesario romper con los modelos con los que normalmente nos encontramos cuando vamos a un museo o galería. La concepción del rol del público como agente activo es clave en esta ocasión. A raíz de esto Diana explica que Display-me “no se entiende como una exposición al uso, ni con un final cerrado. Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación. El título refiere a ello, va lo básico, a lo que es un display, y tiende la mano a la gente a que participe o al menos, a hacerles pensar.”

Como artista Ángel cree que las trabas para poder llevar a cabo todo este cambio de roles en el que el público pasa a ser casi creador son complicadas, pero “o generas algo diferente a lo preestablecido y te acomodas a la estructura; o no vas a poder hacer tu proyecto. ‘Display-me’ está pensado más bien como un laboratorio de experiencias y de investigación.” Añade que “normalmente existe  la barrera establecida de la comunicación unidireccional, en la que el espectador no tiene opciones salvo las que le da el artista. Era interesante el abrir ese terreno que permitía generar una comunicación a través de otras vías. Creo que esto es lo más interesante del laboratorio. Si en algún aspecto podemos cambiar la estructura del modelo expositivo clásico es en la comunicación, entre el visitante y el que exhibe.”

Por supuesto, esto implicaba una tarea de coordinación importante entre artistas y comisaria. Display-me parece trastocar, no solo el rol del público, sino también el de las propias relaciones entre agentes del arte. Diana explica que “la exposición no se puede explicar entorno a un recorrido claro, puesto que no hay una estructura clara. Esto también fue asunto interesante a la hora de del montaje. Nos plantamos en este gran espacio blanco y fuimos viendo como empezar a trabajar. Los días de montaje han sido intensos porque muchas ideas se han tenido que readaptar. A pesar de que yo he planteado unas líneas, mi idea de como me imaginaba las piezas cada uno de los ellos ha ido mutando”.

Ángel aporta su visión de artista y añade la importancia de generar un contexto donde las obras de los cuatro artistas tuviesen cabida, donde se interrelacionaran y al menos generasen una vía de interacción con el receptor. Cuenta que “por eso queríamos abrir esta muestra con una obra interactiva, que estableciera barreras, con una visualidad parcial y que produjera confusión. Al mismo tiempo crea cuestiones. Pensamos que aunque no hay ponérselo difícil al visitante sí que hay que se deben generar preguntas que nos puedan a ofrecer otras vías de investigación. Si por el contrario, acabamos haciendo una exposición al uso, ya sabemos cual va a ser el resultado”.

Huellas, desapariciones. Nada y todo es aleatorio en Display-me. Ángel explica que “la intención es que al final, si quitas todas estas cosas que hay por en medio, quede un espacio lleno de indicaciones, donde te diga que ha sucedido algo en sala, que ha tenido a cabo una actividad, la que sea.” Se trata invadir un espacio en el que normalmente al artista no le es posible andar con libertad.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

 “El público creó el contenido sin saberlo”

“Las actividades paralelas tienen mucho que ver con esto de los cambios de roles. Aunque la exposición está a medias, el motor ya está en marcha, creo que hacia todo lo que resta es cuando realmente va a ponerse en funcionamiento toda la máquina”, apunta Ángel. Diana continúa hablando de “poner en marcha la maquinaria” y añade que “ las actividades son la espina dorsal del proyecto. Si quitas una, ya no tiene sentido”.

Es curioso que el programa de actividades comenzara antes que la exposición. “Se hizo una actividad en la que la gente no sabía muy bien a que venía y con un material didáctico que hemos añadido a la exposición, la gente deambulaba por un espacio donde se encontraba con cosas que no sabes que son, y queríamos que nos contaran lo que percibían. Ese material fue el que utilizamos para elaborar los mensajes. El público creó el contenido sin saberlo. Además, cada semana, cada artista enfoca la actividad hacia el ámbito que quiere y eso también dota de contenido o modifica la exposición,” comenta Diana.

“Alicante es una ciudad complicada”

El objetivo de la reunión de estos artistas vinculados a un determinado ámbito geográfico, con parámetros generacionales comunes, no es aleatoria. “La paridad entre artistas ha sido importante a la hora de elegirlos. Cada uno de ellos tiene trayectorias diferentes y trabajan mensajes diferentes. Me interesaba esa confrontación”, afirma Diana. Además, nos cuenta que “ninguno de los cuatro, nacidos o residentes en la provincia, había expuesto en un centro institucional. Sí habían hecho exposiciones pero era curioso que ninguno tuviera una gran presencia en el ámbito público”. “Seguimos sin tenerla”, incide Ángel entre risas.

“Alicante es una ciudad complicada. Creo que estas convocatorias son importantes para poder desarrollarnos de una manera profesional y digna”, apunta Diana. Ángel cree que “desde hace mucho tiempo se han reconducido las políticas culturales hacia un foco determinado y que en lugar de abrir el abanico y permitir que artistas emergentes encuentren un espacio en la ciudad, no se ha ejecutado una buena política cultural. Esto deriva en que todos acabemos por irnos. No hay arte vanguardia ni posibilidades de generarlo. Con estos nuevos órganos de gobierno que están abriendo canales de comunicación con la ciudadanía y probablemente ahí es donde tienen cabida nuevas vías de actuación. Aunque no es del todo ideal, sí es más fructífero que antes”.

“Es como una metáfora”

Se configura así un ambiente de presentación de obras donde existe un proceso configurado a través de una investigación artística continua y adherida. Todo un laboratorio dinámico en el que, según palabras de Diana “la gente no se quedara vacía. Nos ha servido para testar al público de la ciudad y el feedback ha sido muy bueno”. Pero en ocasiones, casi sin quererlo, vamos más allá y, como explica Ángel, “se trata de generar estructuras para cuestionar nuestros propios procesos. Es como una metáfora, una especie de juego para proyectarlo en otras cuestiones de la realidad ”.

María Ramis

Residencias A Quemarropa en Las Cigarreras

Convocante: Residencias A Quemarropa y Centro de Cultura Contemporánea las Cigarreras.
Dotación: no hay dotación económica*
Modo de presentación: a través de e-mail
Plazo de admisión: hasta el 26 de junio de 2016
* Los gastos de viaje, estancia y dietas serán costeados directamente por los residentes.

La tercera edición de Residencias A Quemarropa se plantea como un modelo innovador de residencia artística, poniendo el énfasis en el flujo de ideas e información entre profesionales del arte.
Un laboratorio que propone al artista realizar un paréntesis de 10 días y poner sobre la mesa su labor confrontándola con un amplio número de profesionales del sector artístico. Residencias A Quemarropa se mueve entre el espacio de trabajo, el taller, el laboratorio, el show room y el foro de debate. Una experiencia de profesionalización y creación de redes del sector.
Tanto artistas como profesionales invitados, se alojarán en el Hostal San Roque, en una apuesta por la cercanía y la convivencia en un entorno apropiado como es el barrio de Santa Cruz de la ciudad de Alicante.
Residencias A Quemarropa tendrá como sede este año elCentro de Cultura Las Cigarreras, que se convertirá en un laboratorio de conocimiento durante dos semanas, abierto al público, con la intención de que sea un proyecto cercano a la ciudadanía que podrá participar en debates, visionados de portfolio y otras actividades que ofrece la residencia.
La residencia finaliza el sábado 30 con una muestra de un día, donde se mostrarán trabajos y procesos de los artis- tas residentes en el Centro de Cultura Las Cigarreras.

1. Profesionales confirmados hasta la fecha para la III edición:
Javier Duero (crítico y comisario independiente); Javier Díaz Guardiola (director de arte y arquitectura del Cultural ABC); Marisol Salanova (crítica y comisaria independiente); Regina Pérez Castillo (crítica y comisaria independiente); Olga Diego (artista multidisciplinar); Bernardo Sopelana (Comisario Independiente); Nacho Martín Silva (artista plástico); / javi moreno (artista plástico); Fernando Bayona (artista y fotógrafo contemporáneo); O.R.G.I.A (colectivo artístico); Kribi Heral (artista plástico) Galería La Juan Gallery (Juan Gómez Alemán) y Galería Artnueve (Mª Ángeles Sánchez)

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

2. Participantes.
Podrán participar artistas emergentes sin ningún límite de edad ni nacionalidad.
Lo pueden hacer de forma individual o colectiva. En caso de presentarse como colectivo, cada componente contará como un único participante. Podrán entrar a selección disciplinas como: artes plásticas, artes visuales, fotografía, performance, arte público, diseño, música, danza, arte sonoro, arte en la web u otros medios interdisciplinares no catalogados.
3. Alojamiento y viajes.
La residencia no tiene ningún coste adicional a los derivados de viaje, estancia y dietas, que serán costeados directamente por los residentes.
Tanto el alojamiento como su abono se gestionará directamente con Casa San Roque: http://www.alojamientosanroque-alicante.com/ La habitación individual para dos semanas es de 147€ y se abonará el primer día de llegada a la residencia como fianza.
La estancia en el albergue es obligatoria para participar en la residencia.

4. Presentación de solicitud, selección e inscripción.
Las/los participantes presentarán un único dossier en PDF con un peso máximo de 10 MB, con los siguientes apartados:
Datos personales en este orden: Alias artístico
Nombre y apellidos
Fecha y lugar de nacimiento número de DNI o Pasaporte Teléfono de contacto
Dirección postal
Correo Electrónico
Sitio web
DNI o pasaporte digitalizado.
Documentación a aportar:
CV (una cara de A4)
Biografía (máx. 300 palabras)
Statment (máx. 300 palabras)
Documentación gráfica (6 imágenes de obra con sus respectivas fichas técnicas y textos explicativos si resultara necesario)
5. Plazo de recepción de dossieres.
Desde la publicación de las bases hasta 26 de junio del 2016 (esté incluido) En el correo electrónico de envío se escribirá como asunto;
Convocatoria Residencias A Quemarropa 2016_(nombre del artista).
El correo se enviará a la siguiente dirección de correo electrónico: residenciasaquemarropa@gmail.com
Una vez cerrado el plazo de presentación el jurado se reunirá para la deliberación de los/las seleccionados, pudiendo quedar desierta la convocatoria completa o algunas de las plazas ofertadas.
Tras ser comunicado el fallo la organización publicará el resultado en su web y se pondrá en contacto con los seleccionados/as para proceder a la inscripción en la residencia.
6. Interpretación y aceptación de las bases.
La participación en la convocatoria comprende la aceptación plena de todos sus puntos. En caso de duda pueden ponerse en contacto con la organización
a través de: residenciasaquemarropa@gmail.com

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Residencias A Quemarropa, 2015. Cortesía organización.

Pérez Pont se estrena en Las Cigarreras

Proyecto 3CMCV ‘Arte y Metamorfosis’
Centro Cultural Las Cigarreras
C / San Carlos, 78. Alicante
Hasta el 22 de mayo de 2016

El nuevo director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, José Luis Pérez Pont, ha presentado la exposición del Proyecto 3 CMCV ‘Arte y Metamorfosis’, en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, donde podrá verse hasta el 22 de mayo.

Se trata de la tercera convocatoria del programa Proyecto 3 CMCV que publica el Consorcio de Museos anualmente. En ella, se seleccionan tres proyectos expositivos dotados cada uno con una ayuda a la producción de 5.000 €. Una vez realizados, los tres proyectos conforman una exposición que viaja por las tres provincias de la Comunitat. Con su exposición en Alicante, ‘Arte y Metamorfosis’ termina su recorrido.

Es la primera exposición que inaugura Pérez Pont como director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. En su discurso, el nuevo director ha explicado que “el Proyecto 3 CMCV se va a mantener revisando algunos aspectos, manteniendo siempre el contacto con los artistas y con la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC)”.

Pérez Pont señaló que “estos proyectos sirven para dar apoyo al sector productivo que son los artistas. Vamos a trabajar en iniciativas que den un servicio a la ciudadanía culturalmente pero también apoyo a los artistas que son el segmento más importante y a la vez el más frágil”.

Pérez Pont, que hizo hincapié en la profesionalización de los artistas y en su participación en los concursos públicos, estuvo acompañado durante la inauguración de la muestra, por el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, Daniel Simón, la coordinadora de las Cigarreras, Miriam Gilabert además de por los artistas, Daniel Jordán y Alejandra de la Torre.

The Fool Show, de Daniel Jordan.

The Fool Show, de Daniel Jordán. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

A partir de la novela de Franz Kafka ‘La Metamorfosis’, de la que se cumplió en 2015 su centenario, los tres artistas presentan en esta exposición una obra de gran carga simbólica trabajando en diferentes disciplinas tales como pintura, escultura, instalación audiovisual o fotografía. Formalmente la exposición presenta una obra por cada artista que no se centra en una única pieza, sino en un conjunto de ellas con el objetivo tanto de transmitir su mensaje como de conocer la personalidad artística del creador.

En el caso de Hugo Martínez-Tormo, éste centra la mirada sobre el proceso de creación de la obra de arte mostrando cada fase de transformación de la misma, pasando de la pintura a la escultura a través del audiovisual. Su obra titulada ‘Tríptico’ consiste en una instalación audiovisual compuesta por tres fotografías, tres vídeos y tres volúmenes geométricos, que a su vez recuerdan a tres crisálidas.

En su obra ‘The Fool Show’ (instalación a partir de esculturas y pinturas), Daniel Jordán hace una interpretación de la novela basándose en su carácter autobiográfico. Jordán se identifica como artista con la pasión que sentía Kafka por la escritura. La transformación muestra la situación en la que se encuentra el creador, quien se siente un bicho raro por querer dedicarse a su pasión, la cual es entendida de forma cuanto menos sospechosa a ojos de la sociedad mercantil moderna.

Alejandra de la Torre.

‘El estigma del parado’, de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

La artista Alejandra de la Torre, en su obra ‘El estigma del Parado’ hace una crítica social de la situación del parado en España. A modo autobiográfico describe el proceso transformador del ser humano, del artista, con sus ilusiones, su formación y su proyección profesional, en un objeto, en un parásito de la sociedad, en definitiva en un bicho, con las esperanzas ya mermadas por el fracaso ante la falta de apoyo y de salida laboral.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Mariam Gilabert.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Miriam Gilabert.

Adiós a Emilio Sdun

Makma quiere rendir homenaje a Emilio Sdun. El artista alemán, afincado desde hace 20 años en España (pedanía cuevana de Los Guiraos) donde instaló su editorial “Prensa Cicuta” y desde donde ha ilustrado numerosos libros y se ha mantenido fiel a su gran pasión por la tipografía falleció victima de una enfermedad detectada hace unos meses.

Una manera de rendir tributo a la persona, al artista y al tipógrafo, la encontramos rescatando la entrevista en exclusiva realizada por makma (12 de diciembre de 2013), en el marco de la primera edición de la Feria del libro de artista de Alicante, FALA, que en la primera edición de la feria le concedió el premio a su trayectoria como editor.

Emilio Sdun (Leubnitz, Sajonia­-1944) empezó su futuro como impresor en la escuela de Artes y Oficios de Berlín en 1963. Pasaron algo más de dos décadas desde el inicio de su formación hasta que fundó su propia editorial. En el año 1984 creó Prensa Cicuta en un taller en Dreieichenhain, cerca de Frankfurt al Main,  en cuyo lugar desarrolló sus trabajos. El nombre de la editorial lo toma de una planta tóxica que crecía en la parte exterior del edificio donde se ubicaba la imprenta (Cicuta), lugar en el que se mantuvo hasta 1996, año en el que Sdun se trasladó a Almería (España) lugar en que reside y trabaja actualmente manteniendo el citado nombre. En la primera etapa de su carrera los libros que salían de su taller estaban impresos en Alemán, pero cuando se traslada a España,  pasa a imprimirlos en castellano. Recientemente (algo más de un año) ha creado la revista Sísifo, en la que como en la mayor parte de su obra predomina el texto en armonía con el espacio. El concepto Sdun pasa por el conocimiento del proceso de trabajo desde el inicio. Muchas de las letras para imprimir las elabora él mismo. Las talla si es necesario antes de montarlas en un molde para componer el texto y estampar, al igual que las ilustraciones que acompañan el texto que también realiza con diversas técnicas, litografía, serigrafia o grabado, por ejemplo. Hablamos siempre de pequeñas tiradas que por sus características se resuelven en libros con textos no muy extensos y con tiradas que van desde ejemplares únicos hasta cien. Su vida gira alrededor de los libros y de los instrumentos para hacerlos, para construirlos letra a letra.

 

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-¿Por qué se decidió a vivir de los libros?

Soy un amante de la poesía y de los libros en general. Tenía una biblioteca en Alemania procedente de la familia con la que conviví desde temprana edad, la recuerdo desde que tengo uso de razón, o antes, tal vez desde los dos o tres años. En ella había títulos de Goethe, Schiler, Eichendorff… parte de ésta biblioteca me la traje de Alemania progresivamente. Conforme iba reformando la casa en España y ganando espacio me iba trayendo la biblioteca y el propio material de imprenta.

 

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-¿Por qué España?

Mi sueño era Inglaterra, Irlanda, sur de Francia y España. En mis últimos años de residencia en Alemania trabajé con Fernando Arrabal en un libro de poemas, y después con la obra de Lorca. Finalmente me cautivó España y concretamente Andalucía. Aunque para ello siempre influyen las vivencias y la casualidad. Concretamente un viaje a Granada, el color de los montes, la Alhambra, la luz y la temperatura. En 1990 encontré en una aldea de Cuevas de Almanzora una pequeña finca con una casa abandonada en la Aldea los Guiraos donde me quedé hasta ahora.

-¿Cómo fue el proceso?

Adquirimos la casa y la fuimos reformando poco a poco hasta trasladarnos definitivamente. Era el año 1996. Desde entonces tengo la residencia y mi taller de trabajo allí.

-¿Cómo da a conocer su trabajo tan aislado de grandes ciudades?

Hubo un momento que considero es importante, en 1999 era el 250 aniversario del nacimiento de Goethe y fuimos invitados a participar en la feria Estampa de Madrid, donde acudimos con una obra realizada para tal fin, titulada “El libro de Zuleika-El diván de Oriente y Occidente”. Era un ejemplar único. Finalmente la obra no fue adquirida en aquel certamen y la conservo en mi casa. En ese mismo año los profesores de la Escuela de Arte de Oviedo me invitaron a realizar unas conferencias y cursos de tipografía y caligrafía con motivo de sus jornadas.  Desde entonces empezaron los contactos con otros institutos y especialmente con la Facultad de Bellas Artes San Carlos de Valencia con Antonio Alcaraz.

 

Mostrando su caja de música

Emilio Sdun mostrando su caja de música en Fala. Imagen Vicente Chambó

 

-¿Cómo ve el futuro del libro?

El taller de Prensa Cicuta es, –creo- uno de los últimos talleres de tipografía. Los jóvenes hoy en día trabajan con ordenadores, impresión digital y nuevas tecnologías. Con la irrupción de lo digital, creo que el libro de calidad y de creación manual tiene un valor añadido, por el hecho de ser realizado manualmente. Esto ayudará para que no se pierda. Lo más complicado lo veo en la creación de los propios tipos para imprimir, puesto que son de plomo, o de madera y se van erosionando o desgastando. La última fundición de tipos que conozco la realizó la fundición Bauer en Barcelona y cerró hace unos años.  Tras una conversación con el director de la compañía el Sr. Hartmann me dijo: sigue con tu trabajo que eres el único.

-Sr. Sdun, sin duda su trabajo ha contribuido a un pequeño renacimiento, a evitar la extinción de la impresión con tipos móviles, ¿Dónde más podemos encontrar continuidad?

Que yo conozca hay gente en Madrid, en Valencia, en Jaén, en Córdoba, en Málaga, en Santander, o en Granada, de los que yo tenga constancia, pero tengo entendido que hay más que continúan con la labor. Es una satisfacción para mí ser una pequeña onda expansiva.

-¿Qué le parecen las ferias de libro de artista que han surgido en los últimos años en España, Arts Libris, Masquelibros, y ahora Fala en Alicante?

Para mí ha sido una sorpresa porque existe una diferencia entre las ferias de Alemania y de España. En este tipo de ferias de Alemania se ven habitualmente ediciones de tiradas pequeñas y en España lo que se ve son muchos libros originales, libros de creación única en los que no se utiliza prácticamente nada la tipografía, con las excepciones de algunos editores como la Seiscuatro y otro que tengo frente a mí y usted conoce mejor que nadie en Valencia (Rie).

Emilio Sdun. Imagen Vicente Chambó

Emilio Sdun. Imagen Vicente Chambó

-¿Entre los alumnos y asistentes a clases y conferencias que usted ha impartido cree que hay la continuidad suficiente como para dedicar una vida profesional a ello?

No sé, (responde con aspecto serio) creo que mucha gente empieza con ilusión, hacen uno, dos libros, puede que alguno más, pero acaban dejándolo para trabajar de camarero por citar una forma de vida entre muchas. Cuando la edad me impida seguir con mi taller no sé qué ocurrirá con todo. En Uelzen (ciudad próxima a Hamburgo) desde hace ya 28 años, si no me equivoco, y con carácter anual, nos reunimos entre 12 y 15 artistas para  realizar una carpeta bajo un tema común en el que cada artista realiza una obra. Desde su origen es un trabajo colectivo relacionado con temas como el agua y los derechos humanos, principales asuntos que nos preocupaban. El espacio es una especie  de torre de agua de 40 metros de altura y cuatro pisos llenos de máquinas para imprimir y fundir letras en linotipia y monotipia. Esta torre: Hans–Hergot-Thurm Uelzen, se puede ver en www.menro.de. Los participantes somos impresores, encuadernadores, maquinistas, fundidores o creativos de mi generación. Pero como he dicho, ahora, las nuevas generaciones con las que he estado en contacto, suelen acabar en su mayoría renunciando al sueño de tener continuidad en una imprenta tipográfica.

Última obra de Emilio Sdun en torre Hans–Hergot-Thurm Uelzen, www.menro.de

Última obra de Emilio Sdun en torre Hans–Hergot-Thurm Uelzen, www.menro.de

-¿Es por lo tanto, el impresor-editor profesional con tipografía móvil una especie a extinguir?

Creo que sí.

 

Vicente Chambó

Feria del libro de artista de Alicante

FALA Feria del libro de artista de Alicante
Centro de Cultura Contemporáneas Las Cigarreras
Calle San Carlos, 78
Alicante
Del 13 al 15 de diciembre de 2013

FALA nace como respuesta al creciente interés por el libro de artista. La intención de la feria es convertirse en un referente dentro de las Ferias que existen en España, que cada vez toman mayor protagonismo por el interés que suscita esta disciplina artística y por su nueva forma de entender el objeto “libro”.

Fala es una feria comercial donde no sólo podremos encontrar libros como objetos de arte a la venta, también reunirá a artesanos del papel, librerías con material específico y a personas o entidades que trabajan en torno a la creación y la bibliofilia artística. Es un encuentro entre actores del sector que contribuirá a la dinamización del mercado y a la colaboración entre artistas plásticos, galerías de arte e instituciones.

Se celebrará del 13 al 15 de diciembre de 2013 en el Centro de Cultura Contemporáneas Las Cigarreras, situado en C/ San Carlos 78 (Alicante). Durante tres días los asistentes y coleccionistas disfrutarán además de un nutrido programa de actividades donde no faltarán conciertos, recitales, conferencias y talleres.

La Feria constará de 35 expositores procedentes de toda España. Esta nueva forma de entender el libro se está exponiendo y comercializando en Galerías de Arte desde hace tiempo, pero está llegando cada vez con más fuerza a formar parte de librerías especializadas, donde el amante del libro busca un producto exclusivo. Incluso están floreciendo las primeras Ferias dedicadas exclusivamente a este ámbito, como son MASQUELIBROS y la Feria Editorial Independiente Libros Mutantes en Madrid o ART LIBRIS y el FESTIVAL DEL LIBRO DE ARTISTA Y LA PEQUEÑA EDICIÓN en Barcelona o LAEE, Feria de Libros de Artista y Ediciones Extrañas de Sevilla donde este tipo de eventos en torno al libro como pieza de arte expande las relaciones entre autores, lectores y coleccionistas.

Entre los expositores podremos encontrar a editores creativos como Vicente Chambó con su editorial El Caballero de la Blanca Luna, Cangrejo Pistolero Ediciones, Cucherías de Arte o Prensa Cicuta, y artístas como Marian López Oliva, Rocío Acosta, Sergio Delicado, Natalia Pérez Chazarra, Mirtya Huizzi, Antonio Navarro, Mª Antonia Sánchez, Carmen Sanzsoto, Maria Jesús Soler, Belén Alegre, Rosa Mª García Blázquez y Gloria Gómez Calcerrada, galerías de arte como Parking Gallery y grupos como Tres x cuatro entre otros.

FALA ha querido premiar la labor de Emilio Sdun por su larga trayectoria dentro del mundo de los Libros de Artista y se le entregará un premio diseñado por Carton Lab el sábado día 14 de diciembre, formando parte de la programación del evento.

También se realizarán actividades que dinamizan esta feria como es el recital de Siracusa Bravo Guerrero, una de las jóvenes poetas españolas cuyo recorrido cuenta ya con dos poemarios “Indigesta” y “De cómo Peter Pan me quitó demasiado”, y recitales en Festivales y encuentros de toda España. Además, durante la feria contaremos con dos conciertos realizados por Carlos Izquierdo y Vanessa Fortis, dos estilos muy distintos en los que el piano será el protagonista.

Fala contará con una exposición efímera de Libros Comestibles el día de la inauguració (día 13 a las 18:00 h.)  y se mantendrá expuesta al público durante dos horas. Pasadas las cuales los participantes y público podrán degustar estos libros. Para esta exposición efímera se contará con diferentes hosteleros y pastelerías que ya han mostrado interés en participar.

El sábado 14 la feria ofrece un recital de Luis Eduardo Aute y Antonio García Villarán bajo el título POEMIGARIO.

Aute y Villarán son dos artistas renacentístamente surrealistas que viven trabajando en este tiempo que les ha tocado en una rifa. Aunque son de generaciones muy distintas, se conocen desde hace años, unidos por el gusto a las artes y sus rincones. Ambos son artistas plásticos y poetas. La poesía, el sentido del humor y alguna que otra charla de media noche les ha llevado a esta unión poética que no estará exenta de sorpresas.

Por último, el domingo, día 15 dedicaremos la mañana a los niños con un taller impartido por la artista plástica y profesora Marian López Oliva, donde explicará a los más pequeños qué es un libro de artista y realizarán trabajos para acercarlos más a esta nueva forma de entender el libro.

El plazo de selección para participar en la feria será hasta el 8 de diciembre.

WEB: http://falaferialibrosartistalicante.blogspot.com.es/

EMAIL: falaalicante@gmail.com

Mujeres a la vista

Marina Anaya y Natividad Navalón. Festival Miradas de Mujeres

Alba Cabrera y Punto

C/ Félix Pizcueta, 20 y Avda. Barón de Cárcer, 37. Valencia

Hasta principios de mayo

Es, sobre todo, “una llamada de atención”. Más que una queja. Y, desde luego, “ningún llanto” de por medio. En todo caso, el “trabajo ímprobo” por “dar visibilidad al trabajo de las profesionales de las artes visuales”. Así se presenta el Festival Miradas de Mujeres. Y así lo hace su directora Mareta Espinosa, en la segunda edición del certamen. Nació en Madrid, pero este año se ha extendido al resto de España. Un total de 13 comunidades autónomas participan en el evento. Las galerías Alba Cabrera y Punto son las únicas valencianas. Marina Anaya y Natividad Navalón, sus artistas visibles.

“Casi el 90% de las matriculadas en Humanidades son mujeres. ¿Por qué luego sólo hay un 17% de exposiciones realizadas por mujeres?”, se pregunta Mareta. Y halla dos respuestas posibles: “Porque, aunque parezca increíble, en 2013 todavía hay discriminación”, y porque hablamos de “una cosa casi cultural”. Es decir, que más allá de la discriminación, hay también un caldo de cultivo que favorece la presencia masculina en los espacios públicos y privados. Lo primero se combate con festivales como el que dirige Mareta Espinosa. Para lo segundo se requiere del concurso de antropólogos, sociólogos y psicoanalistas.

El Festival Miradas de Mujeres nace con la vocación de poner en su justo lugar a las artistas visuales. “El día que no haga falta un festival como éste, es que habremos logrado la normalidad”, subraya Mareta. Más de 800 profesionales participarán en las exposiciones, conferencias y talleres previstos en 195 centros de arte de toda España. De manera que, hasta que esa normalidad se alcance, hay festival para rato. Y marzo y abril serán sus meses de referencia. En Valencia, esas miradas femeninas se concentran en dos únicos espacios privados (Alba Cabrera y Punto). También participan dos espacios públicos: el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y Las Cigarreras.

ALBA CABRERA: MARINA ANAYA

Graciela Devincenzi, responsable de Alba Cabrera, tiene claro que “hay que hacer espacio a las mujeres para que se expresen, porque no tienen la misma visibilidad”. En su caso apuesta por Marina Anaya. Y lo hace con un conjunto de dibujos y esculturas que vienen a expresar el carácter íntimo de la artista, al tiempo que engarza con el espíritu mismo del Festival Miradas de Mujeres. Hay espíritu viajero en la obra de Marina, bandadas de pájaros y libertad, mucha libertad Por donde pasa el viento, título harto elocuente de la exposición.

En los dibujos manda el color naranja, efervescente, primaveral, repleto de alusiones a esa libertad o desenfado que domina el conjunto. En las esculturas, a base de latón y roble, predominan los pájaros que, aunque enredados muchas veces en varillas de hierro, sacuden el aire. Bandadas de pájaros o de simples parejas disfrutando de ese viento pasajero que les anima a vivir. Un horizonte de buenos deseos que Marina Anaya despliega en 53 obras y pequeñas joyas, declaración de sus mejores intenciones.

PUNTO: NATIVIDAD NAVALÓN

Natividad Navalón. Galería Punto

Natividad Navalón. Galería Punto

Amparo Agrait, de la galería Punto, se ha sumado al Festival Miradas de Mujer porque considera vital “reivindicar el papel de la mujer en el mundo del arte”. Y lo hace con una espectacular muestra de Natividad Navalón. Espectacular porque, en medio de la sala, se zambulle en un pesado estanque de agua una figura femenina en bronce y acero inoxidable. Una pared estampada con flores y un gran espejo al lado contrario sirven para componer El paso del testigo, conjunto de tres piezas introductorio al Cuéntame un cuento más general.

Navalón remata el título así: …Qué cuento me contaste!? De manera que las esculturas en bronce de la superficie dejan paso a una serie de fotografías, en el piso inferior, directamente relacionadas con esos cuentos que la artista somete a cruda revisión: Alicia ya no está, Blancanieves busca en el espejo o La Bella Durmiente no quiere despertar. Imágenes inquietantes, fruto de la propia inquietud de la artista por indagar en la trama de esos cuentos infantiles. La relación materno filial como trasfondo de una exposición entre lúdico-festiva y crítica. Como el propio Festival Miradas de Mujeres: luminoso y reivindicativo.

Salva Torres