La urdimbre de Paco Caparrós

El jardín de la naturaleza, de Paco Caparrós
Fundación Bancaja
Plaza de Tetuán, 23 Valencia
Hasta el 26 de mayo de 2019

“Naces y caes en la urdimbre”, dijo Paco Caparrós para referirse a la trama vegetal reflejada en sus paisajes. Una palabra que también utilizó José Luis Cueto, comisario de la exposición El jardín de la naturaleza, que hasta el 26 de mayo permanecerá en la Fundación Bancaja. Urdimbre que, a modo de trama, permite acercarse a la obra del artista sin caer en el abismo de esa otra naturaleza más desgarrada, más abierta en canal por los temblores de la tierra. Temblores que se perciben en la muestra de Caparrós, pero amortiguados precisamente por esa urdimbre de los bosques y paisajes a los que acude para limpiarse por dentro del trajín diario.

Cueto se refirió al título de la exposición como homenaje al fotógrafo Karl Blossfeldt y su libro El jardín maravilloso de la naturaleza publicado en 1932, al que despoja en este caso del adjetivo para centrarse en el sustantivo: “El jardín alude a la naturaleza, pero controlada y amable”. Sin embargo, fue el propio artista quien se encargó de agitar esa naturaleza en calma, apelando a la “urdimbre mental en la que vivimos todos los días”. De manera que el comisario introdujo la idea de otras “urdimbres más hostiles”, refiriéndose después a la “hojarasca” como “territorio denso” más “peyorativo”.

Una joven contempla una de las obras de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Una joven contempla una de las obras de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

“Trato de neutralizar lo que es esa vida del trabajo, las empresas y las nóminas, con estas fotografías que son para mí el reencuentro con el yo interior”. De forma que Caparrós entiende así la naturaleza “como válvula de escape”, una mirada al paisaje “como equilibrio entre el yin y el yang”, los dos conceptos del taoísmo que representan a dos fuerzas opuestas. Los paisajes que Caparrós fotografía, para después manipular en la pantalla del ordenador, poseen esa doblez del tejido vegetal que encubre lo real de la naturaleza, al tiempo que entre sus “formas, sombras y ramajes” se vislumbra “lo terrible que todavía podemos soportar”, en expresión del poeta Rilke.

Por eso Caparrós, ante la pregunta de si le interesa más la belleza que los dramas de la naturaleza, no dude en contestar: “La belleza y el drama están unidos. La naturaleza es vida y es muerte”, en la que “hay momentos de belleza y de tristeza”. La belleza salta a la vista en las 34 fotografías que integran la exposición, ya sea en las arboledas sobre madera, las secuoyas en aluminio, las estructuras verticales sobre tela o metacrilato, o las emboscaduras sobre tablero. Y la tristeza se deja entrever allí donde la propia belleza anuncia un tiempo que languidece. “Siempre trabajo con el tiempo”, remarcó el artista.

“Estamos en espacios que nos anteceden y son intemporales”, apuntó Cueto, quien fue más lejos: “Nos emparentamos con los 30.000 ó 40.000 años del arte” y sus múltiples huellas depositadas a lo largo del tiempo. Caparrós diríase que rastrea esas huellas (“manipula las fotos de una manera casi biológica”, dijo del artista el comisario), con el fin de sentir la milenaria existencia que le diluye en un cosmos trascendente. “Es como entrar en otra dimensión”, destacó Cueto refiriéndose a cierta mística emparentada con la obra de Rothko.

Vista de la exposición de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Vista de la exposición de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

También aludió el comisario a la película Vértigo, de Alfred Hitchcock, y a la secuencia en la que Carlota Valdés (Kim Novak) desaparece tras una gran secuoya, como símbolo del tiempo que atesora su enorme tronco. La figura y el fondo: la urdimbre y el drama al que nos enfrentamos cuando se produce el desgarro de su trama. Caparrós se adentra en esa naturaleza para dar cuenta de su tejido, de la importancia que tiene para el ser humano la malla que nos protege del abismo. “Recuerda a las urdimbres de las sinapsis emocionales o los mapas de carretera. Es una amabilidad intemporal, a pesar del puro caos”, señaló el comisario, quien aludió al poeta visual Joan Brossa, cuando le dijo al músico Carles Santos: “Usted toca, pero qué más”.

Ese “qué más” es el que Cueto percibe en la obra de Paco Caparrós, siempre al acecho con sus fotografías de ese instante fugitivo que se pretende inmortal. “Utilizo el lenguaje de forma gráfica, mediante fotografías” que empezó a tomar con apenas cuatro años, por inspiración paterna. Fotografías que a juicio del comisario “amplían la experiencia de lo visible”, como el poeta amplía la percepción del mundo tras encontrar en las palabras nuevos sentidos.

“La vida es un proceso. Nada está acabado. El proceso se detiene ahí, en la exposición presentada”, señaló Caparrós, a quien el comisario siguió, refiriéndose a Picasso (“los cuadros no se terminan, se abandonan”) y a Borges (“publico para dejar de corregir”). Y, de nuevo, la urdimbre, cuando el artista aludió a ese “ruido continuo de nuestro alrededor”, que el tejido o malla de sus fotografías ayudan a mitigar: “Esta urdimbre es como un reencuentro con uno mismo, la serenidad”, concluyó. La belleza de sus paisajes conteniendo el drama de la vida que se cuela entre los ramajes.

Vista de la exposición de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Vista de la exposición de Paco Caparrós. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Salva Torres

Nuevo Consejo Rector en el IVAM

Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Consejo Rector
Viernes 29 de junio de 2018

El Institut Valencià d’Art Modern ha celebrado un Consejo Rector para aprobar su nueva configuración, siguiendo lo que marca la Ley del IVAM, recientemente aprobada por las Corts Valencianes. El nuevo Consejo Rector del IVAM cuenta con 15 miembros institucionales y expertos en arte, cuatro miembros más que hasta ahora, todos ellos expertos relacionados con el mundo del arte.

Por lo que respecta a los integrantes institucionales, la Presidencia la ostenta el conseller de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, Vicent Marzà; la Vicepresidencia la ocupa el secretario autonómico de Cultura y Deporte, Albert Girona, y los vocales natos son el director del IVAM, Jose Miguel G. Cortés; la directora general de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, y el subsecretario de la Conselleria de Educación, Investigación Cultura y Deporte, José Villar.

Los vocales institucionales designados son la persona que tome posesión en la Subdirección General de Promoción de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y la secretaria autonómica de Modelo Económico y Financiación, María José Mira.
A propuesta del IVAM, los nuevos integrantes expertos en arte son: Tatiana Sentamans, doctora en Bellas Artes, profesora de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la Universitat Miguel Hernández y vicerrectora de Cultura de la Universitat Miguel Hernández de Elche; José Luis Cueto, pintor, profesor del Departamento de Pintura, exdecano de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València y vicerrector de Alumnado, Cultura y Deporte de la Universitat Politècnica de València; Lola Bañón, periodista, profesora de la Universitat de València, especialista en el mundo y la cultura árabe y directora de la Fundación Asamblea Ciudadanos y Ciudadanas del Mediterráneo; Ester Pegueroles, artista y fotógrafa, y Vicente J. Benet, catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universitat Jaume I de Castellón.

A propuesta del Consell Valencià de Cultura, integran el Consejo Rector: Rosa María Castells, directora de Colecciones Museísticas del MACA de Alicante; José Pedro Martínez, director de actividades de la Colección Martínez Guerricabeitia y responsable de la Fundación Jesús Martínez Guerricabeitia de la Universitat de València, y Román de la Calle, catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universitat de València, ensayista y crítico de arte.

El nuevo Consejo Rector ha aprobado iniciar los trámites para la adquisición del Fondo Josep Renau, que dispone de 400 obras y 26.000 piezas documentales de una de las figuras capitales de la modernización del panorama artístico valenciano e internacional del siglo XX. Hay que recordar que el 18 de enero de 1989 se firmó un contrato de cesión por el que la Fundación Josep Renau tenía el derecho de propiedad del fondo del artista valenciano y el IVAM tenía el derecho a exponer las obras y reproducirlas para garantizar la difusión de los fondos.

Con la acción que se emprende desde el IVAM, se inicia el proceso para la adquisición del fondo para garantizar así no solo su conservación y difusión, sino también para que forme parte del patrimonio de las valencianas y de los valencianos de manera efectiva.

El nuevo Consejo Rector del IVAM. Imagen cortesía del museo valenciano.

El nuevo Consejo Rector del IVAM. Imagen cortesía del museo valenciano.

Pam! Pam!: La facultad en el museo

PAM! PAM! Exposición colectiva de la UPV
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 11 de septiembre, 2016

Esta es la segunda ocasión en la que jóvenes artistas, todavía estudiantes, de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos se enfrentan al portentoso espacio de la Sala Ferreres en el Centro del Carmen de Valencia. PAM! PAM! es el reconocimiento que reciben los alumnos que fueron seleccionados en PAM 15! (es decir, la edición anterior del Festival PAM!) y que esta sería su tercera edición. El objetivo no es solo ofrecer un espacio para visualizar las obras de los seleccionados, sino enmarcar el trabajo de estos jóvenes en un entorno museístico fuera del ambiente de la facultad y, lo que podría ser más importante, en palabras de José Luis Cueto, decano de la Facultad de Bellas Artes, “con un público real”. Coinciden estas palabras con las declaraciones de María Victoria Vivancos, Vicerrectora en la Universidad Politécnica de Valencia, que remarca la dificultad de llevar a las aulas la realidad del futuro que espera a estos jóvenes artistas. De los más de 70 trabajos presentados en la edición de PAM 15! fueron seleccionados 10 proyectos artísticos cuyo resultado, tras un tiempo de maduración, ha sido expuesto ahora.

A pesar de la exposición PAM! PAM! se viene dando desde 2014 en el Centro del Carmen, como ya sabemos, este año se enmarca en un nuevo período regido por “la limpieza, claridad y transparencia”, palabras que el director del Consorcio de Museos, José Luis Pérez Pont, remarcó continuadamente en la presentación de la muestra. Es razón de esto que en sala puede consultarse una hoja con el presupuesto público del proyecto, una sistemática que se repetirá a partir de ahora en los museos del Consorcio.

En este nuevo marco, en apariencia, de nuevas dinámicas culturales, choca enfrentarse a las preocupaciones y anhelos de estos jóvenes artistas que es precisamente el eje que construye la exposición. A pesar de la libertad temática que ofrece PAM! es curioso como muchos de sus trabajos se han avenido en conceptos de crítica política, de plasmación de la sociedad actual, de identidad, e incluso análisis de la propia institución del arte. Jose Luis Clemente, comisario de esta exposición y director del Festival PAM!, habla de que “en casi todas las ediciones se puede observar una gran mayoría de piezas donde se plasma las preocupaciones del artista, las inquietudes de esta nueva generación“.

Pieza del colectivo PPS en a la entrada de la sala. Fotografía: María Ramis.

Pieza del colectivo PPS en a la entrada de la sala. Fotografía: María Ramis.

También José Luis Clemente nos reseña que “tanto la tipología de la Sala Ferreres como la propia muestra, libre de temática, nos permiten observar pequeñas exposiciones individuales enmarcadas todas en un conjunto”. Siendo así, cada sala la ocupa un artista, haciendo breves intervenciones en la sala central que en su mayoría está ocupada por la instalación del grupo PPS. Este grupo está formado por Eduardo Peral, Andreu Porcar y M.Reme Silvestre y se quieren dar a conocer como marca, por lo que construyen una auténtica identidad corporativa que desprende un nuevo significado al trasladarlo al ámbito artístico. Su instalación recuerda a los stands y la artificialidad que se experimenta en un centro comercial, acompañada con breves pausas de intercambio con referencias a una naturaleza ficticia. El simulacro del consumismo que nos hace anhelar de manera continúa.

Mar Guerrero, por su parte, pensó desde el principio en la primera sala, por lo que su intervención se ha concebido exclusivamente para la misma. El eje de significación lo componen diversas huellas, y el origen de la concepción sobreviene al observar las marcas que dejó una vajilla en el armario de una cocina. La repetición de estas líneas conforman el eje del resto de piezas, pero trasladadas en el espacio según la ocasión: desde el suelo del museo, hasta en un hotel en ruinas donde el cuerpo de una bailarina toma protagonismo. Carmelo Gabaldón trabaja la exploración de la identidad masculina a través de experiencias propias enmarcándolas en la comunicación on-line. La pérdida de la intimidad en una exposición continúa en los medios es una realidad que experimentamos. Todas sus obras, en especial ‘Mirrors’, producen una narración de imágenes, en muchas ocasiones adulteradas, para conseguir una sexualidad aumentada, esa que logre el deseo del otro…

Desde otra perspectiva, pero que también reflexiona sobre la imagen en los medios, las obras de Cristina Santos nos ofrecen una reflexión sobre el uso de la imagen, en esta ocasión la residual, esa que olvidamos rápidamente porque no interesa. Esas imágenes hechas virtuales le permite, al mismo tiempo, cuestionar el tratamiento de la pintura-objeto donde la figura del artista- pintor tiene un papel clave en el proceso. En Jorge Isla podemos observar un lenguaje más formalista compuesto a partir del uso de la luz. En un contexto de superproducción visual como el que vivimos (reflexión de nuevo centrada en las imágenes de la actualidad), Isla quiere fotografiar la luz que permite la realización de dichas imágenes. En una suerte de bucle técnico compone piezas donde tienen lugar representaciones visibles de la luz a través del uso ejemplar de los colores.

Obra de Cristina Santos. Fotografía: María Ramis.

Obra de Cristina Santos. Fotografía: María Ramis.

‘Karma para quemar’ de Vicente Aguado continúa la línea performativa que caracteriza muchas de sus obras. En esta ocasión toma los objetos que sirven para la exposición de obras (vitrinas, cajones o peanas) y las extrae de su lugar habitual: el almacén, creando una mega-estructura en la sala. Conceptualmente podemos encontrar tres piezas, la primera se encuentra en el hueco que ha creado en el almacén, la segunda, en la propia estructura que vemos en sala y por último, el recuerdo de ese hueco que se genera con la entrega de la fotografía al director Pérez Pont y que el artista pidió que colocara en su despacho. Una puesta en escena que pone la atención sobre lo que normalmente no se suele mostrar al público.

Germán Torres y Alejandra Bueno presentan un proyecto en conjunto donde, de manera individual, dialogan sobre la tecnología como contenedor manipulatorio. Por un lado, el videcollage de Bueno narra la continúa exhibición de la vida que procesamos a través de las redes sociales, estudiando la forma de actuar como seres sociales en el plano virtual. Por otro lado, en el discurso de Germán Torres se observar diversas líneas relacionadas con el poder, la sobrecarga de información, el tiempo o la identidad personal. El todo se configura a raíz de una sucesión de imágenes donde a través de consecución de diversos lenguajes se crea una experiencia nueva. La capacidad experiencial continúa en la sala contigua con la instalación de Miriam Gascón, cuya oscura sala permite mostrar un trabajo que sobrepasa el concepto de performance creada con el cuerpo para crear la acción a partir de la huella formada por el objeto. ‘Al polvo el pedestal lo que al paisaje su ventana’ consigue traspasar el medio clásico del lienzo al mismo tiempo que pone en valor el entorno y cotidianeidad.

Momento en que Vicente Aguado hace entrega de la fotografía a José Luis Pérez Pont. Fotografía: María Ramis.

Momento en que Vicente Aguado hace entrega de la fotografía a José Luis Pérez Pont. Fotografía: María Ramis.

La obra de Pau Orts ocupa la inmensa pared y parece engullir al espectador. El amplio conocimiento que la artista posee sobre serigrafía, se fusiona con su profesión de diseñadora gráfica para dar lugar a un proceso creativo que pretende generar un nuevo lenguaje que toma como base la simpleza de la gráfica aunada con la técnica artística. Por último, Iker Lemos y como si un cierre de ciclo se tratara, el artista nos muestra su indagación en la imagen esta vez en esa intrínseca relación con el objeto o con la maquinaria en si misma y en la manera de producir múltiples copias de la misma. La sala actúa como generadora de imágenes a partir de otras imágenes.

Sin duda alguna, y volviendo al marco de realidad profesional que se pretende con este proyecto, queda patente los anhelos y preocupaciones principales con las que vienen pisando fuerte estos jóvenes artistas. Desearles toda la suerte en su andadura que cada vez es más cercana, pues como ya anuncia E.H. Gombrich, “No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas” y estos son el reflejo de la generación actual.

María Ramis

DKV Fresh Art, cantera de jovencísimos artistas

6ª edición del concurso DKV Fresh Art
Facultad de Bellas Artes de Valencia
La entrega de premios tuvo lugar el viernes 11 de julio

Nació hace seis años y no para de crecer. De aquellas primeras convocatorias, a las que se presentaron alrededor de 300 propuestas, DKV Fresh Art ya ha superado en su sexta edición las 1.600. Y es que este concurso de arte joven, dirigido a estudiantes de bachillerato o grado medio (de 15 a 21 años), se ha consolidado como cantera de jovencísimos artistas. Los 21 seleccionados, de entre el millar largo de estudiantes que han presentado sus trabajos, compartieron su estancia en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València (UPV) durante una semana.

Una de las fotografías de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art.

Una de las fotografías de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art.

Esos 21 “ganadores”, según expresión utilizada constantemente por los responsables de DKV Fresh Art para destacar el valor de los trabajos finalmente seleccionados, elaboraron una obra de arte durante su estancia en la UPV. Esculturas, fotografías, pinturas, dibujos, graffitis y videos que un jurado valoró para otorgar tres premios de 3.000, 2.000 y 1.000€ a los jóvenes artistas, más otros 1.000 destinados a los colegios de procedencia de los estudiantes. También se entregaron tres menciones especiales.

Videocreación de Sara Salmerón, tercer premio de DKV Fresh Art.

Videocreación de Sara Salmerón, tercer premio de DKV Fresh Art.

Ainhitze Egaña se llevó el primer premio por su escultura ‘Oreka’ (Equilibrio), un trabajo formal de cuidada estructura envolvente y delicado montaje. Marta Pérez logró el segundo premio por una serie de tres fotografías e instalación, sin título, con la mujer como protagonista sometida al más triste abandono. Sara Salmerón se adjudicó el tercero por una videocreación titulada ‘Tragos de rutina’. Las menciones especiales fueron a parar a Alba Mozas, por una compleja escultura; Alba Rodríguez, por sus dibujos geométricos, y Diocles Iaime, por sus dibujos de acetato titulados ‘Zeus’.

Escultura de Alba Mozas, primera Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

Escultura de Alba Mozas, primera Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

Sorprenden, en cualquier caso, los 21 trabajos por su calidad, supuesta la bisoñez de los estudiantes participantes. Lo cual dice mucho de los profesores que atienden su inquietud en los colegios, así como el asesoramiento que durante su estancia en Valencia reciben de los profesores de la Facultad de Bellas Artes, en cada una de las disciplinas a las que se presentan.

Dibujos de Alba Rodríguez, segunda Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

Dibujos de Alba Rodríguez, segunda Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

Fresh Art, como afirman sus responsables, nace con la intención de impulsar la creatividad e innovación a través del arte. Pretende promover las inquietudes artísticas entre estudiantes de bachillerato y ciclos formativos de grado medio, premiando a aquellos que destaquen por su creatividad en algún campo de expresión del arte contemporáneo. Josep Santacreu, consejero delegado de DKV Seguros; Alicia Ventura, coordinadora de Arteria DKV; Luis Framis, responsable del Proyecto Arteria DKV; Teresa Cháfer, directora de la Cátedra DKV Arte y Salud, y José Luis Cueto, decano de la Facultad de Bellas Artes, fueron los encargados de clausurar el concurso con la entrega de premios.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera Mención Especial del Jurado de DKV Fresh Art.

El jurado estuvo compuesto por Ismael Chappaz y Juanma Menero (responsables de la galería Espai Tactel), Álvaro de los Ángeles (Crítico de arte), Elena Fernández Manrique (asesora de artes plásticas de la Comunidad de Madrid), José Antonio García Krafess (director de la territorial levante de DKV), Rosina Gómez-Baeza (presidenta de Factoría Cultural y ex directora de ARCO), Rosario López Merás (directora de Proyectos Culturales de la Fundación Banco Santander), Moisés Mahiques y Juan Olivares (artistas de la Colección DKV), Javier Palacios (becado DKV Grand Tour), Salva Torres (periodista de El Mundo Comunidad Valenciana y codirector de la revista MAKMA), además de José Luis Cueto, Josep Santacreu y Alicia Ventura.

'Oreka', escultura de Ainhitze Egaña galardonada con el primer premio de la sexta convocatoria DKV Fresh Art.

‘Oreka’, escultura de Ainhitze Egaña galardonada con el primer premio de la sexta convocatoria del concurso DKV Fresh Art.

PAM! en la Facultad de Bellas Artes UPV

II Muestra de Producciones Artísticas y Multimedia PAM14
Facultad de Bellas Artes UPV
6, 7, 8 y 9 de mayo

José Luis Cueto, decano de la Facultad de Bellas Artes de la UPV, entiende PAM de la siguiente manera, que sirve de saludo a la Muestra de Producciones Artísticas y Multimedia PAM: «El filósofo francés Jean-François Lyotard declaraba hace más de veinte años que el arte era una crisis perpetua. De ser así, jugamos con ventaja en el contexto que nos ha tocado vivir por la experiencia de crecernos ante los problemas. Nuestras instituciones educativas PÚBLICAS, con la Universidad a la cabeza, han aprendido a mantener el pulso, incluso el político, sobre todo el político, ya que su propia naturaleza implica su renovación constante en la misma progresión año a año, curso a curso, siguiendo el paso de las promociones de estudiantes».

Obra de Ramona Rodríguez. Imagen extraída de la web de PAM14.

Obra de Ramona Rodríguez. Imagen extraída de la web de PAM14.

«Qué duda cabe, después de tanto tiempo, de los ajustes siempre necesarios, de la contemporización de los medios y de las actualizaciones siempre obligadas de cara a una mejor formación, promoción tras promoción. Por eso, la apuesta de la Facultat de Belles Arts de la UPV incorpora en el curso 2012-2013 con satisfacción la Muestra de Producciones Artísticas y Multimedia PAM! que, a modo de jornadas de puertas abiertas, nos permitirá mostrar y poner a prueba PÚBLICAMENTE los resultados de la docencia en este preciso momento, desplegando varias de las posibilidades contemporáneas de la creación y el manejo de las imágenes, de las ideas, con la complicidad siempre cercana de la asociación de artistas visuales (AVVAC), de críticos de arte (AVCA) y de galerías (La VAC)».

Obra de Vanesa Mariño Baudí. Imagen de la web de PAM14.

Obra de Vanesa Mariño Baudí. Imagen de la web de PAM14.

«Asimismo, se incorporan en PAM! 2014 la Facultat de Magisteri, el Institut de Creativitat i Innovacions Educatives y la Asociación de Educadores de Museos (AVALEM). Es de agradecer al trabajo de organización llevado a cabo por parte de los estudiantes del Máster Interuniversitario en Gestión Cultural, coparticipado por la Universitat Politècnica de València y la Universitat de València, así como la disposición de los estudiantes del Máster en Producción Artística y del Máster en Artes Visuales y Multimedia de la UPV, tres colectivos coordinados por el profesor José Luis Clemente que han trabajado en sintonía por un mismo proyecto que surge en las aulas, como práctica docente, y se comparte y compromete para hacerse realidad ante el PÚBLICO.Sigamos en esta línea tan necesaria de colaboración entre Universidades, entre Facultades, entre títulos de Máster, entre personas y colectivos. Y que el empeño y las ganas sigan, año a año, curso a curso, promoción tras promoción, permitiéndonos mostrar así —en crisis perpetua— todas nuestras capacidades».

Obra de Meritxell Quevedo. Imagen de la web de PAM14.

Obra de Meritxell Quevedo. Imagen de la web de PAM14.

Los alumnos del Máster Interuniversitario en Gestión Cultural de la pasada edición declararon, abriendo el sendero de ediciones futuras, que «PAM! no es sólo una muestra de arte al uso. Es muchas otras cosas. Unas las podrán apreciar los asistentes, otras están grabadas ya en los organizadores. PAM! es un proyecto que se caracteriza por la energía, la ilusión, la juventud y la frescura en grandes cantidades, aportadas por todas y cada una de las (muchas) personas que hacen posible el evento».

Obra de Isaac Tamayo. Imagen capturada de la web de PAM14.

Obra de Isaac Tamayo. Imagen capturada de la web de PAM14.

«Nuestro contexto económico y político muchas veces nos anima a perder estas ilusiones a través del desprestigio o la devaluación del arte y la cultura. Pero creemos en su poder y en su necesidad vital en la sociedad, como la vía ideal para crear ciudadanos críticos y libres. La oportunidad de organizar PAM! nos proporciona una plataforma única para reivindicar el papel y las capacidades de los jóvenes artistas y nuestra validez como gestores culturales, en el marco de la universidad pública».

«PAM! quedará grabado inevitablemente en nuestra memoria como un gran proyecto que sale del papel y del plano teórico para convertirse en real, gracias a las instituciones que lo han hecho posible. En la realidad reside su importancia formativa: todas las dificultades que hemos experimentado son las que, muy probablemente, nos encontraremos en el ejercicio de nuestra profesión. Eso sí, con la peculiaridad y el reto que ha supuesto la complejidad de la coordinación de un equipo que ronda las cien personas».

Obra de Adriana Navarro, de su cortometraje 'Vía Tango' nominado a los Goya. Imagen de la web de PAM14.

Obra de Adriana Navarro, de su cortometraje ‘Vía Tango’ nominado a los Goya. Imagen de la web de PAM14.

 

El dibujo se anima

Carrera de Bellas Artes
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia
A partir de septiembre

Del mismo modo que los Hermanos Marx nunca dijeron literalmente aquello de “más madera, esto es la guerra”, tampoco la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia reclama más dibujo, para fomentar cierta guerra con la Facultad de Bellas Artes. Ni mucho menos. De hecho, la Facultad de Bellas Artes tiene sobrados motivos para presumir de ser la mejor de España en su especialidad. Lo que ESAT dice, eso sí, es que los alumnos llegan a su escuela con una paupérrima formación académica en materia de dibujo. “Hay quien termina Bellas Artes y viene con nosotros a hacer la carrera de Diseño y Arte para Videojuegos con un nivel paupérrimo”. Vamos, que “no saben dibujar”. Así lo explica Carlos Romero, director de Estudios de Arte y Diseño de ESAT, para justificar la puesta en marcha de la carrera de Bellas Artes en su centro de la calle Viciana durante el próximo curso académico.

Cartel de la joven de Vermeer para la carrera de Bellas Artes. Imagen cortesía de ESAT

Cartel de la joven de Vermeer para la carrera de Bellas Artes. Imagen cortesía de ESAT

La Escuela Superior de Arte y Tecnología es la primera en España que imparte una carrera sobre videojuegos. La programación de videojuegos se encuentra en alza y ESAT cubre esa demanda. Está a la altura de las circunstancias, no así los alumnos que cursan la carrera. “La gente, cuando aborda las nuevas tecnologías, no viene formada en dibujo”, subraya Romero. Y dicho y hecho. “Enfocaremos la carrera de Bellas Artes con una metodología clásica, mediante la transferencia de conocimiento entre maestro y discípulo”. Fundamentada en el sistema de educación británico, pero identificada “con el academicismo francés”, ESAT tiene un “enfoque transversal” de materias y un taller “donde los alumnos trabajan juntos, creando competencia entre ellos”. Y, a partir de ahora, con el dibujo como materia prima.

MENOS HARDWARE Y MÁS DIBUJO

“Se trata de volver al academicismo, porque creemos que el esfuerzo es fundamental”, señala Alberto Adsuara, director del Curso de Fotografía Digital. De manera que menos hardware y más saber dibujar. O el mismo hardware, pero más dibujo. No está claro, sin embargo, que la Facultad de Bellas Artes de Valencia esté en el origen de esa carencia. “La formación clásica no se la puede saltar nadie bajo ningún concepto”, indica David Heras, ilustrador y profesor de dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Los datos que aporta dicen todo lo contrario, con alumnos premiados a nivel nacional e internacional por sus dibujos e ilustraciones. “Puede haber quien acabe la carrera sin ser un buen dibujante, pero no será por falta de clases de dibujo en la facultad”.

Fotografía marina, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía marina, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía de ESAT.

Chema López, artista y profesor de pintura en Bellas Artes, afirma que en primer y segundo curso “los alumnos se pasan dibujando todo el rato; tienen un montón de horas”. Por eso dice que “generalizar es peligroso”, lo mismo que apunta David Heras: “Por una parte no se puede definir el todo”. Sí es cierto que el dibujo es una disciplina que se aprende “machacando, y eso no gusta”, precisa López, que sabe de lo que habla porque, cuando él estudiaba, “había muy pocos que se dedicaran a lo figurativo; yo era un bicho raro”.

REVIVAL FIGURATIVO

Javier Chapa, artista y también profesor en la Facultad de Bellas Artes, asegura que oportunidades de practicar el dibujo “tienen todos”. Otra cosa es que haya alumnos que, “pensando en que su futuro está en los videojuegos, haya descuidado el dibujo”. A juicio de Horacio Silva, que durante 30 años enseñó en Bellas Artes, “tenía que haber más rigor en los primeros cursos; enseñar a pintar sin faltas de ortografía”. La libertad de cátedra (“yo en mi clase enseño lo que quiero”) ha podido tener como consecuencia, según Horacio Silva, que algunos profesores “no hayan tenido en cuenta el dibujo, influidos por el empuje de lo nuevo: instalaciones, performances…”.

Retrato de niña, de Carlos Romero. Imagen cortesía de ESAT.

Retrato de niña, de Carlos Romero. Imagen cortesía de ESAT.

“En términos generales, la gente dibuja bastante mal”, explica Rocío Villalonga, artista y profesora de la Facultad de Bellas Artes de Altea. “El dibujo se ha abandonado, porque ha habido bastante complejo en el profesorado con las nuevas tecnologías”, agrega. En su opinión, los alumnos que mejor lo dominan “son los graffiteros, acostumbrados a la destreza de la calle”. Quizás el boom que, según Chema López, vive la ilustración, esté propiciando ese “revival” figurativo. Una vuelta a los orígenes que bien pudiera revelar el propio Master de Ilustración impartido por David Heras, en el que dice buscar “la conexión entre cabeza y mano, y sin ordenadores de por medio”. Luego, el dibujo en la Facultad de Bellas Artes resulta materia obligada y de primer orden, al margen del interés mayor o menor de los estudiantes.

El dibujo, en medio de pantallas táctiles, teclados y ordenadores, parece por tanto animarse más allá de un primer aluvión tecnológico. Es lo que pretende la Escuela Superior de Arte y Tecnología, que impartirá la carrera de Bellas Artes con ese espíritu reivindicativo. Frente al poder de la imagen, el contrapunto del trazo, la mano y la escritura gráfica a flor de piel. Ninguna guerra de por medio, al grito de “más dibujo” lanzado por la ESAT. Más dibujo, a tenor de la insistencia en la Facultad de Bellas Artes, si cabe. La ESAT viene a profundizar en ello, jamás a polemizar con la que encabeza el ranking de las Bellas Artes en España.

Chica del cartel de la carrera de Videojuegos. Imagen cortesía de ESAT

Chica del cartel de la carrera de Videojuegos. Imagen cortesía de ESAT

Salva Torres