A partir de simples botellas a la deriva

Hugo Martínez-Tormo. La deriva de un gesto post-romántico
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 17 de septiembre de 2017

“Cuestiono el funcionamiento de las nuevas tecnologías”. De manera que Hugo Martínez-Tormo, que es quien abre el fuego expositivo surgido de las tres primeras convocatorias lanzadas por el Centre del Carme, emplea esas tecnologías aludidas para cuestionar su uso. Y, puestos a cuestionar, somete a reflexión el gesto romántico de arrojar al mar un mensaje en la botella, para transformarlo en denuncia contra la contaminación medioambiental. “Ese gesto se ha quedado obsoleto y ahora yo llamaría cerdo al que lanza esa botella al mar”, explica el artista que se considera a sí mismo “conceptual”.

Para revelar lo que el título de la exposición denomina ‘La deriva de un gesto post-romántico’, Martínez-Tormo se sirve de dos botellas encontradas en la playa de El Mónsul, en Cabo de Gata, y en la Devesa de El Saler. Fotografía ambas botellas y las documenta, para construir una réplica de las mismas mediante tecnología 3D. A continuación, genera sendas instalaciones de luz y sonido con los componentes básicos de dicha impresora, a partir de los movimientos que vendrían a imitar la propia impresión de los envases de plástico. “Traduzco lo material a lo físico”, explica.

Instalación de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Instalación de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La tecnología que aparece destripada sirve para alumbrar el sonido metálico de las olas del mar, así como los reflejos lumínicos del agua. Un complejo sistema técnico que el artista simplifica con el fin de subrayar la paradoja inherente al efecto contaminante del plástico y su posterior generación de belleza estética. Plástico y plástica dialogando entre sí para provocar en el espectador cierta reflexión. “Lo más probable es que no lo entienda y se vaya, pero si te captura estéticamente, entonces tienes más posibilidades de estar abierto a entenderlo”, sostiene Martínez-Tormo.

Eso es lo que hace con su gesto post-romántico: primero revela los efectos devastadores de tanto plástico arrojado al mar, mostrando en otra instalación lo que encontraron en el interior del estómago de un cachalote de 10 metros de largo y 4500 kilos de peso, para después concienciarnos de nuestra responsabilidad, tras haber sido capturados en la belleza plástica de su propuesta. “Les atrae la instalación del agua [cuyos reflejos en la pared los provoca el movimiento deconstruido de la impresora 3D] por evocadora, y la del cachalote [que muestra en una serie de vitrinas lo hallado en su estómago] porque la entienden”.

Vista de la exposición de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El cachalote hallado en la playa del Castell de Ferro de Granada en 2012 llevaba en su interior, tras practicarle la autopsia, dos macetas, 30 metros cuadrados de cubierta de invernadero, cinco cuerdas de nueve metros y un bote de detergente, entre otros materiales plásticos de desecho que el animal fue ingiriendo sin querer por hallarse a la deriva en el mar. “Es evidente que eso debió acortar su periplo de vida”, apunta el artista.

En otra serie de tres fotografías, muestra el proceso de descomposición de una botella en el océano: “Tarda unos 1.000 años en descomponerse estando sobre la tierra, pero en el mar se degrada mucho más rápido, en apenas un año”. Y explica cómo primero se fragmenta en 16 trozos, después en 625 microtrozos, haciendo finalmente un total de 10.000 pequeños pedazos que producen compuestos muy tóxicos como el Bisfenol, los cuales son ingeridos por los animales acuáticos y, consecuentemente, por los seres humanos.

Hugo Martínez-Tormo en su exposición. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Hugo Martínez-Tormo en su exposición. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Martínez-Tormo lo que hace es realizar ese proceso de descomposición mínima, troceando de forma paciente esa botella en los miles de pedazos que luego introduce en un tubo colgado como si acabara de ser pescado. El resultado, de nuevo, genera una belleza plástica derivada de su intenso color azul. Como intenso es el azul del mar que cierra el conjunto expositivo. Una instalación audiovisual interactiva realizada con software Unity, empleado en los videojuegos, permite al espectador generar olas, en un mar proyectado artificialmente sobre una pantalla, tras captar una cámara de infrarrojos la presencia humana. Es esta presencia la que provoca a su vez la proximidad o alejamiento de una botella de plástico que flota en ese mar.

“El espectador tiene el control sobre la botella, al moverse en una dirección u otra, generando la sensación de poder, al influir a su vez sobre el oleaje”. Martínez-Tormo subraya la conciencia ecológica de tal gesto: “Depende de nosotros el acabar o no con la basura”. El artista insiste una y otra vez en esa responsabilidad: “Que seamos conscientes de lo que estamos provocando”. Mensaje que él supedita a la cualidad plástica inherente al arte, capaz de provocar emociones y, con ellas, la posibilidad de generar preguntas en torno a esa conciencia ecológica.

“El agua y el fuego son elementos que conectan con la vida de tus antepasados y esos elementos están de alguna manera presentes aquí”. Los cinco contenedores de agua, que el motor de la impresora 3D removía mecánicamente, producían en la sala un efecto de calma. “Alguien me llegó a decir que se traería la cama aquí, porque le retrotrae a cierto estado de paz”. Una paz reñida con ese peligro de contaminación al que alude su gesto post-romántico y que Hugo Martínez-Tormo recoge en su serie de instalaciones. Tecnología puesta en cuestión y al servicio de una belleza plástica que transforma el mensaje en motivo de una más serena reflexión.

Un espectador contempla una de las instalaciones de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Un espectador contempla una de las instalaciones de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

Solimán López se lleva su museo a Latinoamérica

Harddiskmuseum. Solimán López
Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT
Gira por Argentina, Brasil y Uruguay

El artista multimedia español y director de innovación de ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia) Solimán López ha sido invitado por algunos de los más prestigiosos centros de arte y museos de Brasil, Argentina y Uruguay para desarrollar en ellos diferentes acciones artísticas relacionadas con su sector de actividad, el arte y la tecnología.

Tras su llegada de la conferencia internacional Technarte Bilbao como artista invitado y su participación en Artsur con la original obra Host-in en la que escanea en 3D la intimidad de algunas familias y crea un servidor local en homenaje a la memoria de los ciudadanos, el viernes 10 de Junio Solimán López carga en su maleta su museo de archivos digitales únicos en un disco duro, el Harddiskmuseum, sus dispositivos de captación 3D, sus discos duros para medir museos y su cámara para hacer fotogrametrías, tomando rumbo a Brasil, Argentina y Uruguay.

Harddiskmuseum, de Solimán López. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum, de Solimán López. Imagen cortesía de ESAT.

Su gira por el continente americano comienza con la performance Gutemberg Discontinuity (obra que realiza junto a Rubén Tortosa) en la Universidad de Assis lo que supondrá el sexto enterramiento de un archivo digital de esta serie. A continuación impartirá charla en la Facultad de Arte, Arquitectura y Comunicación (FAAC) de Bauru y desarrollará la Live Session (ya la tercera) del Harddiskmuseum para a la semana siguiente viajar a Santa María del Sur donde inaugurará el Festival D+ de nuevo con el Harddiskmuseum, donde además desarrollará un seminario sobre realidad virtual, invitado por Debora Aita, titular de la mencionada Universidad y promotora del Festival.

En Argentina intervendrá en diferentes museos y centros de arte de las ciudades de Buenos Aires, Tucumán, Rosario, Córdoba y Bahía Blanca, gracias a la colaboración con Christian Díaz quien ha gestionado la gira argentina. En ellos, mostrará el museo de arte intangible y desarrollará la performance Tecnometrías, en las que el artista mide literalmente el espacio museístico con un disco duro cargado de información personal de los participantes de la performance y que recientemente ha sido desarrollada en el IVAM de Valencia.

Solimán López. Foto del IVAM por cortesía de ESAT.

Solimán López. Foto del IVAM por cortesía de ESAT.

En Uruguay el artista tiene programadas una serie de encuentros con artistas locales donde incorporará nueva obra al museo y lo presentará en sociedad ante el público de Montevideo.

El Harddiskmuseum, del que ya forman parte más de una quincena de artistas internacionales entre los que destacan Yael Kanarek, Aram Bartholl, Bosch&Simons, Fabien Zocco, Enrique Radigales, Rosana Antolí, Inma Femenía, Rubén Tortosa, Hugo Martínez-Tormo, Gregory Chatomsky o Laís Pontes entre otros, se está convirtiendo en uno de los proyectos más relevantes del año en sector del media art y tras su vuelta de latinoamérica planifica su aparición en la ciudad de Barcelona, Londres y Paris.

Solimán López inicia con esta andadura una serie de apariciones internacionales, donde seguirá mostrando sus investigaciones artísticas sobre el archivo digital y produciendo obras que se encuentran bajo el término que él mismo ha acuñado como Dataísmo, una corriente artística en la que actualmente se insertan muchos artistas en todo el mundo y que son un claro pivote sobre el cual abrir el debate sobre la creación digital en esta era de la comunicación y las nuevas tecnologías.

La gira del Harddiskmuseum es posible gracias a la colaboración que la empresa ASUS y ESAT mantienen con el proyecto.

Solimán López con su Harddiskmuseum. Fotografía de ABC por cortesía de ESAT.

Solimán López con su Harddiskmuseum. Fotografía de ABC por cortesía de ESAT.

 

Pérez Pont se estrena en Las Cigarreras

Proyecto 3CMCV ‘Arte y Metamorfosis’
Centro Cultural Las Cigarreras
C / San Carlos, 78. Alicante
Hasta el 22 de mayo de 2016

El nuevo director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, José Luis Pérez Pont, ha presentado la exposición del Proyecto 3 CMCV ‘Arte y Metamorfosis’, en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, donde podrá verse hasta el 22 de mayo.

Se trata de la tercera convocatoria del programa Proyecto 3 CMCV que publica el Consorcio de Museos anualmente. En ella, se seleccionan tres proyectos expositivos dotados cada uno con una ayuda a la producción de 5.000 €. Una vez realizados, los tres proyectos conforman una exposición que viaja por las tres provincias de la Comunitat. Con su exposición en Alicante, ‘Arte y Metamorfosis’ termina su recorrido.

Es la primera exposición que inaugura Pérez Pont como director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. En su discurso, el nuevo director ha explicado que “el Proyecto 3 CMCV se va a mantener revisando algunos aspectos, manteniendo siempre el contacto con los artistas y con la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC)”.

Pérez Pont señaló que “estos proyectos sirven para dar apoyo al sector productivo que son los artistas. Vamos a trabajar en iniciativas que den un servicio a la ciudadanía culturalmente pero también apoyo a los artistas que son el segmento más importante y a la vez el más frágil”.

Pérez Pont, que hizo hincapié en la profesionalización de los artistas y en su participación en los concursos públicos, estuvo acompañado durante la inauguración de la muestra, por el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, Daniel Simón, la coordinadora de las Cigarreras, Miriam Gilabert además de por los artistas, Daniel Jordán y Alejandra de la Torre.

The Fool Show, de Daniel Jordan.

The Fool Show, de Daniel Jordán. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

A partir de la novela de Franz Kafka ‘La Metamorfosis’, de la que se cumplió en 2015 su centenario, los tres artistas presentan en esta exposición una obra de gran carga simbólica trabajando en diferentes disciplinas tales como pintura, escultura, instalación audiovisual o fotografía. Formalmente la exposición presenta una obra por cada artista que no se centra en una única pieza, sino en un conjunto de ellas con el objetivo tanto de transmitir su mensaje como de conocer la personalidad artística del creador.

En el caso de Hugo Martínez-Tormo, éste centra la mirada sobre el proceso de creación de la obra de arte mostrando cada fase de transformación de la misma, pasando de la pintura a la escultura a través del audiovisual. Su obra titulada ‘Tríptico’ consiste en una instalación audiovisual compuesta por tres fotografías, tres vídeos y tres volúmenes geométricos, que a su vez recuerdan a tres crisálidas.

En su obra ‘The Fool Show’ (instalación a partir de esculturas y pinturas), Daniel Jordán hace una interpretación de la novela basándose en su carácter autobiográfico. Jordán se identifica como artista con la pasión que sentía Kafka por la escritura. La transformación muestra la situación en la que se encuentra el creador, quien se siente un bicho raro por querer dedicarse a su pasión, la cual es entendida de forma cuanto menos sospechosa a ojos de la sociedad mercantil moderna.

Alejandra de la Torre.

‘El estigma del parado’, de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

La artista Alejandra de la Torre, en su obra ‘El estigma del Parado’ hace una crítica social de la situación del parado en España. A modo autobiográfico describe el proceso transformador del ser humano, del artista, con sus ilusiones, su formación y su proyección profesional, en un objeto, en un parásito de la sociedad, en definitiva en un bicho, con las esperanzas ya mermadas por el fracaso ante la falta de apoyo y de salida laboral.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Mariam Gilabert.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Miriam Gilabert.

Sesión en vivo del Harddiskmuseum

Harddiskmuseum. Live Session
Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Jueves 7 abril, 2016, a las 20.30h

En Septiembre de 2015, se presentó en la galería Punto de Valencia el proyecto Harddiskmuseum, en el que Solimán López cuenta con la colaboración de artistas internacionales en la creación de un contenedor de arte único. Un disco duro con archivos de arte digital que sólo se encuentran en ese dispositivo, lo que lo convierte en un disco duro muy especial tanto por su concepto como por su contenido.

El proyecto se presentó en su formato expositivo, pero ahora nos sorprende con una versión más dinámica y que refuerza la idea de intangibilidad del arte digital. A este respecto, Solimán López ha diseñado una sesión en vivo en la que a modo de performance va mostrando los contenidos del disco duro, una única oportunidad en la ciudad de Valencia para poder conocer el contenido artístico del museo en el que participan los siguientes artistas: Aram Bartholl, Hugo Martínez-Tormo, Bosch&Simons, Inma Femenía, Rubén Tortosa, César Escudero Andaluz y Mario Santamaría, Enrique Radigales, Fabien Zocco, Rosana Antolí y otros nombres por confirmar.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

El espectáculo con una duración aproximada de 90 minutos comienza con una acción performativa, la lectura del Manifiesto Intangible y a continuación se detiene en ese barrido por el contenido del disco que incluye obras de video arte, net art, fotografía, arte digital, sonoro…

La obra colectiva se gestiona desde el Departamento de Innovación (ESAT LAB) de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia y cuenta con el apoyo de ASUS en una firme apuesta por la vanguardia y la creatividad digital vinculada a la tecnología.

Gracias a esta colaboración, el proyecto será presentado también en Technarte Bilbao en el mes de mayo y da el salto a sudamérica donde tendrá parada en las ciudades de Sao Paulo y Río Grande del Sur en Brasil, Buenos Aires, Córdoba, Rosario y Bahía Blanca en Argentina y Caracas en Venezuela.

Para poder disfrutar de este primer evento único en España, deberán reservar entrada en el siguiente enlace: https://www.ticketea.com/entradas-harddiskmuseum/ y acudir a Las Naves de Valencia el día 7 de Abril a las 20.30 horas o visualizar el evento en streaming en www.harddiskmuseum.com.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Plática tecnométrica con Solimán López

Entrevista con Solimán López, a propósito de
Taller Tecnometrías
Ciclo ‘El museo modos de uso’
IVAM
Guillem de Castro 118, Valencia
Del 29 al 31 de enero de 2016

Con motivo del inminente ciclo ‘El museo modos de uso’, que el IVAM implementa a lo largo de las postrimerías de enero y la segunda quincena de febrero, Makma entrevista a uno de sus adalides activos, el artista de origen burgalés, afincado en Valencia, Solimán López, un insólito espécimen de la intangibilidad, cuya trayectoria se encuentra bienvenidamente ahíta de un vigoroso discurso tecno-ontológico (permítaseme la hipérbole, mas su prédica lo merece), que llevará a cabo el taller performático ‘Tecnometrías’, del 29 al 31 de enero.

Director del departamento de innovación y desarrollo en materia d arte y tecnología de ESAT -en el que evoluciona su investigación discursiva-, Solimán López nutre su devenir curricular con la consolidación de numerosos proyectos, que han reportado acento internacional a su teleológico proceso de examinación de las nuevas tecnologías -no en vano, su obra forma parte de ADA (Archive of Digital Art), uno de los espacios virtuales más notables del universo media art-.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de 'Tecnometrías'. Imagen cortesía del IVAM.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del IVAM.

¿Cuál es el protocolo de actuación que llevarás a cabo en ‘Tecnometrías’?

El término ‘Tecnometrías’ es una apropiación lingüística que de alguna manera define la ejecución de medidas mediante uno objeto tecnológico. En este contexto, el objeto elegido para esta edición de la acción es el de un disco duro. El disco duro se configura como un contenedor de información y además funciona como objeto de medición.

El proceso de trabajo consiste en la documentación digital de los participantes al taller paralelo que Aitziber Urtasun desarrolla en torno a la acción y que contará con la presencia de 20 personas. Mediante un dispositivo de escaneado digital como es Kinect -cámara de video y fotografía- los miembros participantes serán incorporados de manera digital al disco duro para, a continuación, “con ellos dentro”, desempeñar las mediciones del espacio físico. Estas mediciones se realizan en el suelo de los espacios transitables del museo, configurando una serie de retículas y metáforas visuales extraídas de la multiplicación e interpolación de información digital en relación con el espacio tangible.

¿Qué resultados proyectas obtener y de qué modo serán divulgados?

El resultado es la generación de una sensación de espacio a través de la visualización de lo digital artístico en un espacio en el que predomina la información visual plausible, como es un museo. Las equivalencias que el proyecto genera radican en volúmenes de información, en gigas de identidad digital que el participante y espectador vislumbra a través de mis conclusiones. Podremos estar representados virtualmente millones de veces en un museo.

La acción es muy exigente a nivel físico ya que se desarrolla durante toda la tarde del viernes 29, el sábado completo y el domingo por la mañana, tiempo necesario para poder hacer todas las mediciones.

Los resultados matemáticos y las equivalencias de información serán volcadas en www.solimanlopez.com como registro de la acción.

Un instante de la acción 'Tecnometrías', llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

Un instante de la acción ‘Tecnometrías’, llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

¿Aventuras consolidar alguna conclusión emparentada con acciones precedentes? En este sentido, ‘Tecnometrías’ ya ha sido implementada en el CAC de Málaga y en Matadero Madrid, durante la celebración de JustMad.

Cada acción performativa tiene una esencia diferente a la anterior. No me gusta repetir de manera autómata este tipo de acciones. La performance es una experiencia personal que enfrenta al sujeto con el espacio y otros individuos mediante un canal que es la idea artística y, en este sentido, el espacio y los participantes siempre son diferentes, por lo que los resultados siempre son cambiantes. Además la pieza está revisada. La incorporación a la misma de un público pro-activo mediante el taller de Aitziber le dota de un calor humano que en otras acciones era provocado por mí mismo sobre los visitantes del museo, acción que tampoco descarto.

En esta ocasión el objeto de mediciones varía (es un disco duro y no un smartphone), que tiene un poder de síntesis y almacenamiento mayor, además de otras connotaciones conceptuales. Sin duda la acción vendrá a reforzar el concepto inicial de la misma, que es evidenciar la relación entre el espacio físico y virtual (el espacio híbrido), un espacio todavía velado y que cada día que pasa cuenta con una capa más fina de intersección entre ambas esferas de realidad. La pieza consolidará un ejercicio mental que nos ayude a posicionarnos psicológicamente en ese espacio de nadie que nos multiplica e interrelaciona de manera exponencial y del que no solemos tener consciencia si no es a través de interfaces. Estas interfaces con la acción se rompen y se convierten en pura imagen mental.

¿De qué modo te han determinado las ‘Antropometrías’ de Yves Klein o los básicos arquitectónicos de “orden y mejora” de Ernst Neufert?

Pues básicamente son las dos fuentes de inspiración más evidentes de la pieza. El término ‘Tecnometría’ está totalmente condicionado por el precedente de Klein en el que utilizaba el cuerpo como pincel y del que sacó un partido increíble y que le ha llevado a formar parte de nuestra historia del arte. Por su parte, Neufert aporta esa relación con la arquitectura y la incorporación del cuerpo como medida de todas las cosas. Con estos dos precedentes la pieza se cierra de manera conceptual de un modo muy sólido. Por una parte, el término de hacer arte con un objeto diverso al pincel (el cuerpo o un disco duro) y, en la otra, la utilización del cuerpo como herramienta de medición, que en este caso es sustituido por la tecnología como medida de todas las cosas. Son dos ejes de una misma moneda que tienen al cuerpo como protagonista y que son actualizados por la tecnología y la desmaterialización de aquél. Sin duda, una actualización de conceptos en la era de la “comunicación”.

'Archivo 79513' perteneciente al proyecto 'More than 404'. Imagen cortesía del artista.

‘Archivo 79513′ perteneciente al proyecto ‘More than 404′. Imagen cortesía del artista.

Por otra parte, con ‘More than 404′ principias el curso artístico anual por una senda de corrupción digital que transciende y pervierte lo que la World Wide Web Consortium (W3C) definía, allá por 1992, como un protocolo o anatomía de un error http. ¿En qué consiste esta depravación digital?

Todo sistema tiene sus corrupciones. Los sistemas perfectos se basan en el caos y el ecosistema digital también tiene los suyos. La palabra error en general se asocia con lo negativo, incompleto o fallido, pero no hay más que mirar a la naturaleza repleta de supuestos errores de una belleza inalcanzable.

Este es el principio etimológico de ‘More than 404′. En este caso, un fallo fortuito de un disco duro personal que generó una descomposición de información que se tradujo en miles de archivos “glitch”, que sin duda tienen una plasticidad y belleza evidentes. Estos archivos los he elevado a la categoría de recurso digital de libre uso, ya que al haber sido una autogeneración fortuita de un equipo informático me parecía que la autoría de la obra estaba difusa y que, por este motivo, debía ser compartida con su propia naturaleza digital. Es como haber encontrado un pajarillo único en su especie, una mutación maravillosa, que tras ser observada durante unas horas se libera y se deja de nuevo volar en libertad por su entorno vital.

La idea de referenciar el código 404 se traduce en una reivindicación al gusto por el error, la casualidad y la ruptura, en este caso digital, pero bienvenida en otros ámbitos.

La pieza sigue online en este enlace: http://solimanlopez.com/portfolio/more-than-404/

PIeza representativa del proyecto en curso 'Harddiskmuseum'. Imagen cortesía del artista.

PIeza representativa del proyecto en curso ‘Harddiskmuseum’. Imagen cortesía del artista.

Igualmente, ‘Harddiskmuseum’ prosigue su curso de intangibilidad con la incorporación de diversos artistas, nacionales e internacionales, que propician la dotación de contenido. ¿Qué novedades atesora el proyecto al respecto?

Es un proyecto que a nivel personal está siendo de lo más gratificante. Plantear una obra colectiva no siempre es fácil, pero realmente es el sentido de lo digital. Un museo en un disco duro no se consigue en dos días, por lo que es un proyecto que a diario va exigiendo sus resultados. Seguimos con un fuerte trabajo logístico con el proyecto, que ya se está materializando con la colaboración internacional en sedes como Argentina, Venezuela, a través de María Bilbao, Brasil, con Debora Aito o Italia, con Nicola Mariani, que han acogido el proyecto como suyo y están propiciando apariciones en sus países. En este sentido, viajaremos con el disco para junio, visitando Brasil, Argentina y Venezuela, en un gran esfuerzo de ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología), que apuesta por el proyecto desde sus inicios desde su departamento de innovación, que dirijo.

¿Con qué apoyos cuenta ‘Harddiskmuseum’, hasta el momento?

Se están negociando algunos patrocinios y colaboraciones institucionales para hacer de este original proyecto una idea sostenible y con más recursos disponibles para su movilidad y, por supuesto, artistas participantes, la piedra angular de todo este nuevo ecosistema museístico, creativo y cultural.

A nivel artístico, hay grandes nuevas incorporaciones como Enrique Radigales, Fabien Zocco o Rosana Antolí, que vienen a completar las ya magníficas aportaciones de Aram Bartholl, Bosch&Simons, Rubén Tortosa, Hugo Martínez-Tormo e Inma Femenía. Hay más incorporaciones, pero están en proceso de consolidación y envío de obra y no pueden ser desveladas todavía.

El proyecto se ha reconfigurado a sí mismo en un formato de sesiones en vivo de las que ya podemos anunciar la primera en Valencia para abril de este año, acciones en las que, con una aforo reducido, el público podrá disfrutar del contenido del disco en directo de una manera única. También se prevé su emisión en streaming. En www.harddiskmusuem.com pueden estar al día del proyecto.

Cabe indicar que te encuentras en pleno proceso de preparación de obra para la presente edición de JustMad, que tendrá lugar en el COAM, del 23 al 28 de febrero. A este respecto, ¿qué tipo de piezas podrán contemplar los visitantes y en qué otros emplazamientos estará presente tu trabajo durante los próximos meses?

A través de Galería Punto presento varias piezas en línea con los últimos trabajos que vengo desarrollando y que aluden a la historia del arte y la actualización de conceptos en el contexto de lo digital. ‘Framed Memory Card’ se presenta en Madrid con sus 50 kg de aluminio macizo, que guardan en su interior una tarjeta de memoria de 8GB de la que sólo el comprador esta legitimado a conocer su contenido. A esta pieza se suman, como novedad y presentación en exclusiva, un par de obras más que siguen estableciendo vínculos con el pasado artístico, pero desde el enfoque de lo digital, como es el caso del proyecto ‘Pixel Blue’, en el que, a través de la apropiación del tono RGB del azul Klein mediante Licencia Creative Commons, desarrollo todo un montaje audiovisual y plástico, del que agradezco su colaboración a Toni Vaca. Sin duda tengo muchas ganas de ver estas piezas “funcionando”. Además, estará presente en Technarte Bilbao 2016 y formaré parte de varias exposiciones colectivas durante los meses de marzo y abril.

El artista Solimán López durante su acción Tecnometrías. Imagen cortesía del artista.

El artista Solimán López durante su acción ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del artista.

Jose Ramón Alarcón

 

Ocho artistas en busca de su papel

On Paper
Marina Camargo (Sao Paulo 1980), Inma Femenia (Alicante, 1985), Matías Ercole (Buenos Aires 1988), Victoria Iranzo (Valencia 1989), Oliver Johnson (Luton 1972), Julia Mariscal (Barcelona 1981), Hugo Mártínez-Tormo (Valencia 1979), Guillermo Ros (Valencia 1988)
Área 72
Avda. Barón de Cárcer, 37. Valencia
Hasta el 6 de febrero de 2016

El proyecto expositivo On Paper explicita el interés de Área 72 por la contemporaneidad, entendida como “morder y rozar el nervio del tiempo” en palabras de Kevin Power. Para ello dedica la presente exposición a estudiar el renacimiento del papel como soporte y objeto artístico e investigar si es posible identificar un nuevo lenguaje con/en uno de los materiales más antiguos de la historia.

Para este trabajo ocho jóvenes artistas de procedencia geográfica e intereses plásticos muy diversos hacen un homenaje al papel con trabajos realizados en algunos casos ad hoc para su presentación en el espacio de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

En una época de valoración de los recursos, el papel, uno de los materiales más antiguos de la historia, retoma una posición privilegiada como soporte discursivo y objeto de creación, ofreciendo a los artistas una excusa para desinhibirse de los soportes con los que habitualmente trabajan. Este proceso de liberación confiere a las obras un aire de frescura y versatilidad que se respira al recorrer la exposición y pone a prueba la capacidad dialógica de cada una de las obras con las demás.

El papel nos seduce además por sí mismo, por su contextura orgánica, su fragilidad, delicadeza, versatilidad y  temporalidad. Por su sencillez. La obra artística ejecutada sobre el soporte papel tiene ese valor añadido de rareza primaria, enigma germinal. Como brote iniciático de nuevos caminos.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

La exposición trata de mostrar distintos usos que los artistas han dado al papel para la creación contemporánea y, con ello, dignificar este lenguaje. En algunos casos el papel es el soporte y condición determinante de la obra, mientras que en otros es el contenido discursivo final. Así, hay obras con un recurso instalativo, otras que se manifiestan como objetos, o piezas que constituyen el soporte de obras de fotografía o videocreación.

En la exposición puede verse un amplio abanico de técnicas y se advierten las posibilidades expansivas del soporte, en cierta medida, volverse un nuevo recurso del objeto y de su función.  En algunas de ellas, el artista ha ejecutado simplemente los trazos de sus prácticas habituales sobre este soporte, sin discriminar el soporte en sí, sino usando sus bondades. En otras, aprovecha la materialidad misma del papel para problematizarlo, y en otras únicamente lo emplea como planimetría pretextual para que su grafismo se comporte más rudimentario, casi de naturaleza epistolar.

Obra perteneciente a la exposición On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

Obra perteneciente a la exposición On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

La metamorfosis en el arte

Proyecto 3CMCV ‘Arte y Metamorfosis’
Daniel Jordán, Hugo Martínez-Tormo y Alejandra de la Torre
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 7 de febrero

El Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana presenta la exposición de la tercera edición del Proyecto 3 CMCV ‘Arte y Metamorfosis’ que se podrá ver en el Centro del Carmen del 5 de noviembre al 7 de febrero. En ella los artistas Daniel Jordán, Hugo Martínez-Tormo y Alejandra de la Torre presentan tres propuestas multidisciplinares que reflexionan sobre la idea de la transformación de la obra de arte y del propio artista.

Se trata de la tercera convocatoria del programa Proyecto 3 CMCV que publica el Consorcio de Museos anualmente. En ella, se seleccionan tres proyectos expositivos dotados cada uno con una ayuda a la producción de 5.000 €. Una vez realizados, los tres proyectos conforman una exposición que itinera por las tres provincias de la Comunitat.

Clásicos del cine y de la literatura universal como La ventana indiscreta de Hitchcock, en la pasada edición, o ahora La metamorfosis de Kakfa han servido de hilo conductor en las diferentes convocatorias proponiendo temas de interesante reflexión. Temas, por otra parte, muy recurrentes en la historia del arte como es este año la idea de la transformación, el cambio, o incluso la monstruosidad rozando ya la imagen fantástica.

A partir de la novela de Franz Kafka La Metamorfosis, de la que se cumple este año su centenario, los tres artistas presentan en esta exposición una obra de gran carga simbólica trabajando en diferentes disciplinas tales como pintura, escultura, instalación audiovisual o fotografía.

Formalmente la exposición presenta una obra por cada artista que no se centra en una única pieza sino en un conjunto de ellas con el objetivo tanto de transmitir su mensaje como de conocer la personalidad artística del creador.

Instalación de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

Instalación de Hugo Martínez-Tormo. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

En el caso de Hugo Martínez-Tormo, éste centra la mirada sobre el proceso de creación de la obra de arte mostrando cada fase de transformación de la misma, pasando de la pintura a la escultura a través del audiovisual. Su obra titulada ‘Tríptico’ consiste en una instalación audiovisual compuesta por tres fotografías, tres vídeos y tres volúmenes geométricos, que a su vez recuerdan a tres crisálidas. Formas, volúmenes y colores, todos ellos primarios, que combinándose entre sí, producen variaciones infinitas y generan todas las formas y colores posibles.

Daniel Jordán, junto a su obra. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

Daniel Jordán, junto a su obra. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

En su obra ‘The Fool Show’ (instalación a partir de esculturas y pinturas), Daniel Jordán hace una interpretación de la novela basándose en su carácter autobiográfico. Jordán se identifica como artista con la pasión que sentía Kafka por la escritura. La transformación muestra la situación en la que se encuentra el creador, quien se siente un bicho raro por querer dedicarse a su pasión, la cual es entendida de forma cuanto menos sospechosa a ojos de la sociedad mercantil moderna.

Alejandra de la Torre, junto a su obra. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

Alejandra de la Torre, junto a su obra. Imagen cortesía del Centro del Carmen.

Alejandra de la Torre en su obra ‘El estigma del Parado’ hace una crítica social de la situación del parado en España. A modo autobiográfico describe el proceso transformador del ser humano, del artista, con sus ilusiones, su formación y su proyección profesional, en un objeto, en un parásito de la sociedad, en definitiva en un bicho, con las esperanzas ya mermadas por el fracaso ante la falta de apoyo y de salida laboral.

La exposición de esta tercera edición del Proyecto 3 CMCV se expondrá en el Centro del Carmen hasta el próximo mes de febrero de 2016, cuando viajará a Castellón para mostrarse en la Sala San Miguel y posteriormente a Alicante.

Mesa redonda en el IVAM sobre arte y tecnología

Charla y mesa redonda con motivo de la exposición ANT (Arte y Naturalezas Tecnológicas) en Galeria Punto
Salón de actos del IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Jueves 29 de octubre, a las 19.00h

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) colabora con la muestra ANT (Arte y Naturalezas Tecnológicas) en la Galería Punto de Valencia en la que se encuentra una potente representación de artistas media art del panorama nacional e internacional. Hugo Martínez-Tormo, Rafael Lozano-Hemmer, J.A. Orts, Enrique Radigales, Bosch&Simons y el propio director del ESAT LAB, Solimán López, conforman esta importante muestra que es el objeto de debate en un encuentro en el IVAM.

En la mesa además se contará con la presencia del prestigioso crítico y especialista en media art, José Ramón Alcalá, que hará un barrido por el arte tecnológico y comentará la exposición desde un punto de vista profesional.

En la mesa además estarán algunos de los artistas participantes en la muestra como Hugo Martínez-Tormo, Solimán López, Bosch&Simons o Enrique Radigales. ESAT LAB ha colaborado en el montaje expositivo, creación de la imagen, documentación y comunicación de esta importante exposición.

Imagen de la exposición ANT en Galería Punto. Cortesía del IVAM.

Imagen de la exposición ANT en Galería Punto. 

 

Art públic / Universitat pública cumple 18 años

XVIII Art públic / Universitat pública
Campus dels Tarongers. Universitat de València
Conferencia: 19 de octubre, 11 h., a cargo de Nuria Enguita, “Procesos dialógicos y prácticas colaborativas entre arte y comunidad”. (Aula 109-Aulari Nord).
Inauguración: 19 de octubre, 12.30 h.
Del 19 al 23 de octubre de 2015

Art Públic/Universitat Pública persevera en su voluntad de establecer lazos de comunicación entre las personas que integran la comunidad universitaria y los lenguajes artísticos contemporáneos, con la sociedad como telón de fondo. Para ello, cada año jóvenes artistas llevan a cabo intervenciones de carácter efímero que se insertan en la cotidianidad del Campus dels Tarongers de la Universitat de València, estimulando la reflexión e invitando a la participación. Estas son las propuestas que componen la nueva muestra del proyecto, comisariado por José Luis Pérez Pont, que alcanza ya sus 18 ediciones.

Pablo Bellot. De perdidos a perdedores, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Pablo Bellot. De perdidos a perdedores, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

1. PABLO BELLOT. De perdidos a perdedores
Cuando los pensamientos de la inmensa mayoría de la sociedad están enfocados a la «esperanza» en vez de al «deseo», es porque la situación es nefasta y el estado de bienestar como tal ha desaparecido. Como si de supervivientes pidiendo auxilio se tratara, de los jardines de la propia universidad surgen unas letras que emiten un mensaje de socorro. La universidad pide ser salvada como si fuera un náufrago, en alusión a la situación extrema en la que se encuentra el sistema educativo y las barreras que dificultan el acceso a la formación a una parte de la población por cuestiones de índole económica, en un claro retroceso de derechos sociales.

 

Óscar Martín Valdespino. La cultura cultiva / Cultiva la cultura, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Óscar Martín Valdespino. La cultura cultiva / Cultiva la cultura, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

2. ÓSCAR MARTÍN VALDESPINO. La cultura cultiva/Cultiva la cultura
El contexto universitario es un espacio donde la cultura es fomentada a partir de la educación, es por tanto un espacio de cultivo del ser humano. La Universitat de València estuvo inicialmente dedicada a los estudios de humanidades. Este culto a las letras hace también referencia al letrado, término que inicialmente designaba a los que podían acceder a las letras, en un contexto histórico en el que estar alfabetizado era en la práctica ser tenido por culto o instruido. Para este proyecto se ha optado tanto por la utilización de las propias letras –como elemento físico de la instalación– como a su cultivo como referencia a la raíz común con el término «cultura».

 

Carles Llonch Molina. En construcció, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Carles Llonch Molina. En construcció, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

3. CARLES LLONCH MOLINA. En construcción
La ciudad ha crecido según lógicas cada vez menos sensibles a las personas y la vida que en ella transcurre. En parte debido a esa escala, las personas se empequeñecen y la ciudadanía pierde su capacidad para transformar el uso del espacio urbano. Este proyecto se plantea como un juego que recupera la lógica de aquellas piezas de madera con las que hacer construcciones. Las piezas, creadas en cartón, invitan a participar en el juego de componer nuevas estructuras, a proyectar simbólicamente nuevas realidades, a tomar la iniciativa.

 

Hugo Martínez-Tormo. Wind Wave, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Wind Wave, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

4. HUGO MARTÍNEZ-TORMO. Wind Wave
Instalación cinético-sonora que provoca un movimiento oscilatorio y genera sonido mediante el golpeo repetido de sus propios componentes gracias a la acción del viento. Los componentes móviles de la instalación, dispuestos verticalmente y uno al lado del otro, generan un efecto óptico a través de la estética del movimiento, mostrando la relación existente entre Arte y Ciencia.

 Disneylexia. Ciudadanos en cinta americana, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

5. DISNEYLEXIA. Ciudadanos en cinta americana
Mediante una técnica de grafiti a partir de cinta americana, se representa a personajes maniatados y amordazados, en una clara referencia a la polémica «ley mordaza» que amenaza con restringir libertades públicas y la capacidad de expresión de la ciudadanía. Sin duda uno de los más graves atropellos a los derechos ciudadanos llevados a cabo en el actual periodo democrático. La obra interviene en siete de los pilares de la fachada de la Facultad de Derecho, en una alusión simbólica al potencial de los actuales y los futuros especialistas en leyes, que podrán influir con su criterio en esta materia.

 

Nuria Moreno Campello. La barraca de la iaia, ya no existe, 2015. Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

Nuria Moreno Campello. La barraca de la iaia, ya no existe, 2015. Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

6. NURIA MORENO CAMPELLO. La barraca de la yaya ya no existe
Este proyecto habla sobre la memoria de lo olvidado. Las barracas en Valencia eran las pequeñas viviendas que habitaban los labradores de las huertas, edificios que se han ido destruyendo como resultado del crecimiento urbano, hasta el punto de prácticamente desaparecer. La zona de la Carrasca, en la que actualmente se encuentra el Campus dels Tarongers, era hasta el siglo xx una zona muy poco poblada, donde predominaba la huerta y algunas de esas pequeñas viviendas. Recreando un plano en planta de una pequeña comunidad de tres barracas, la artista nos ayuda a recuperar la memoria del lugar en el que ahora se encuentra este campus.

 

Tania Blanco. The 6 Antenna Jammer Car, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

Tania Blanco. The 6 Antenna Jammer Car, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

7. TANIA BLANCO. The 6 Antenna Jammer Car
Se desarrolla una reflexión sobre la invasión de las señales y frecuencias de las telecomunicaciones. El campo electromagnético está condicionado por la presencia de diversas frecuencias y radiaciones al servicio de las redes de las telecomunicaciones y las tecnologías necesarias para el intercambio de información entre los usuarios de la red, de los móviles, etc. Este espacio que colapsa aire y materia se hace visible cuando un dispositivo como un móvil, un ordenador portátil, una tablet, etc. revela la información que fluye a través del espacio que somos y que nos rodea. Este proyecto plantea reflexionar acerca de la descongestión de ciertas frecuencias que circulan en el espacio público, al aire libre.

Raúl León. Acceso, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Raúl León. Acceso, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

@ RAÚL LEÓN MENDOZA. Acceso
Este proyecto interviene exclusivamente en el espacio digital, desarrollando un ejercicio práctico que busca comprobar el cumplimiento de la Ley Orgánica 15/1999 de Protección de Datos de Carácter Personal. El derecho de acceso a los datos personales viene regulado en el artículo 15 de esa ley, que dice: «El interesado tendrá derecho a solicitar y obtener gratuitamente información de sus datos de carácter personal sometidos a tratamiento […]».

Art públic 2015

Harddiskmuseum en ANT de Punto

[A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas
Galería Punto
C / Barón de Cárcer, 37. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 14 de noviembre de 2015

La Galería Punto reúne a seis de los artistas más activos en el panorama nacional e internacional de las nuevas tecnologías en la exposición [A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas, que se inaugura este viernes 18 de septiembre, con motivo del Abierto Valencia 2015.

A.N.T., según explica su comisario Jorge Lopez, “surge como una vía de comunicación entre la tecnología y los discursos artísticos contemporáneos, los procesos de producción y re-producción digital”, traduciendo “modelos tangibles de información, luz y sonido”. Los artistas que intervienen son: José Antonio Orts, Hugo Martínez-Tormo, Bosch & Simons, Rafael Lozano-Hemmer, Enrique Radigales y Solimán López, quien presenta en primicia su Harddiskmuseum.

No es un museo ni una galería virtual. En su interior no habrá obras físicas que una vez fotografiadas puedan contemplarse on line. Nada de eso. La originalidad del Harddiskmuseum, proyecto que Solimán López ha desarrollado en la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia, es que los trabajos depositados en su disco duro se encontrarán off line. Sólo podrán verse en el interior de sus “paredes” o carpetas creadas para tal fin. De manera que los artistas seleccionados mostrarán su obra en exclusividad. “Hablamos de artistas que trabajan con la idea de lo intangible en su discurso”, explica su creador.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum contará con la participación de una primera serie de esos media artists de lo intangible. “Estamos todavía cerrando el acuerdo de su participación”. En todo caso, recalca Solimán López, serán artistas importantes a nivel nacional e internacional. Esta primera exposición denominada Líquido marcará la pauta de las siguientes, previstas en Madrid, Londres y Nueva York.

Se dará valor al arte digital y a los artistas que trabajen en ese formato, creando piezas originales que formarán parte de la colección del museo de lo intangible y de las exposiciones que se vayan programando. “Las obras no existirán físicamente y únicamente se podrán ver en los archivos digitales” del Harddiskmuseum. Solimán López también destaca que se trata de “un proyecto colaborativo”, ya que de momento “no hay dinero para la producción de las obras y el pago a los artistas”. Hasta que haya un patrocinador global del museo.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Quien se ha hecho cargo de los costes derivados de la programación, las carpetas físicas del disco duro, escritorio 3D, web e imagen corporativa es ESAT, en cuyo Laboratorio de Investigación en Arte y Tecnología se ha gestado el museo. Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) y Droide Comunidad han apoyado el proyecto.

“El sonido también tendrá su espacio”, subraya Solimán López. Los nombres de los artistas valencianos Llorenç Barber y Lucía Peiró salen a colación, ya que sus intervenciones musicales efímeras y performances, respectivamente, son ejemplos del arte intangible que se potenciará en el Harddiskmuseum. Arte representado de forma digital o que dependa para activarlo de diferentes interfaces físicas para ser visualizado. “No cabrán obras que no sean digitales”, remarca su creador.

Como apunta el propio López a la hora de justificar el proyecto, “la figura del museo, centro de arte, espacio cultural o galería, está totalmente relacionada con la idea de un entorno tridimensional, pero ¿acaso un disco duro en su interior no es arquitectura?” No sólo eso: ¿acaso un disco duro no da respuesta a las preguntas que hasta ahora respondía un museo? Y Solimán López se refiere a la memoria y el trabajo de los artistas, a sus huellas, no sólo inscritas en paredes, colecciones y archivos museísticos, sino también ahora en formatos digitales. En la Galería Punto de Valencia verá la luz este museo de lo intangible con proyección internacional.

ANT Arte y Naturalezas Tecnológicas en Galería Punto.

Imagen de la exposición [ANT ]Arte y Naturalezas Tecnológicas en Punto. Cortesía de la galería. 

Salva Torres