Girar la vista sobre Europa con Atlàntida Film Fest

Atlàntida Film Fest 2020
Centro Cultural La Misericòrdia (Palma)
Del 27 de julio al 2 de agosto
Filmin
Del 27 julio al 27 de agosto
Viernes 24 de julio de 2020

Atlàntida Film Fest ultima los preparativos de su 10ª edición, que arranca el próximo 27 de julio. En Palma, sede física por quinto año consecutivo, el festival se celebrará del 27 de julio al 2 de agosto, mientras que en la plataforma Filmin la programación se podrá ver de forma online desde el 27 de julio hasta el 27 de agosto.

Cartel de Atlàntida Film Fest 2020, diseñado por Sergio Caballero. Imagen cortesía de Filmin.


A pesar de las dificultades generadas por la crisis sanitaria de la COVID-19, la edición de este año cuenta con la programación más ambiciosa y estimulante de las celebradas hasta el momento. En la versión online del festival se podrán ver 113 títulos de 25 países: 53 estrenos absolutos en España, 37 óperas primas, 30 documentales, 5 series y 30 títulos dirigidos por mujeres.

En Palma se podrá disfrutar de una cuidada selección compuesta por 42 títulos: 16 documentales, 10 conciertos, 8 conferencias y 5 series. Además se celebrará por tercer año consecutivo el proyecto Mallorca Talents Lab, un taller dirigido a jóvenes guionistas.

La décima edición del festival continúa girando en torno a Europa y analiza la realidad, los problemas y los retos del Viejo Continente y de sus habitantes. Europa dividida en 6 bloques temáticos: ‘Memoria histórica’ (obras centradas en los errores del pasado), ‘Política y controversia’ (historias hacia las que está prohibida la indiferencia), ‘Muros y fronteras’ (las barreras reales o imaginadas de la UE), ‘Generación’ (películas que analizan el comportamiento de las jóvenes generaciones europeas), ‘Identidad’ (cine de temática LGBTI) y ‘Domestik’ (la intimidad del ciudadano dinamitada por la política y la economía).


PREMIO MASTERS OF CINEMA: STEPHEN FREARS

Sumergiéndonos ya en el apartado cinematográfico, el director británico Stephen Frears apadrina la edición de este año y recibirá en Mallorca el premio Masters of Cinema en reconocimiento a su trayectoria. Además ofrecerá una clase magistral y se podrá ver su película ‘The Hit’, rodada en España en 1984 y protagonizada por John Hurt, Terence Stamp y Tim Roth. En años anteriores recibieron este reconocimiento Ken Loach, Guy Hamilton (póstumamente), Vanessa Redgrave y Roland Joffé. El actor británico Joseph Fiennes será el encargado de entregar este premio.

INAUGURACIÓN Y CLAUSURA

La inauguración tendrá lugar en el patio del Centro Cultural La Misericòrdia. La película inaugural será ‘Destrucció creativa d’una ciutat’, un documental dirigido por Carles Bover (ganador del Goya al Mejor Cortometraje Documental por ‘Gaza’). Bover disecciona la realidad de una ciudad como Palma que, hasta hace poco, estaba abocada al turismo. Los problemas de gentrificación e identidad urbana analizados por quienes los sufren y por quienes los deberían solucionar.

La clausura del festival en Palma se celebrará en Ses Voltes y correrá a cargo de la película ‘Sempre dijous’, de Joan Porcel. El evento será muy singular ya que los espectadores serán testigos del rodaje del tercer acto de la película. ‘Sempre dijous’ es un retrato de una de las artistas baleares emergentes con más talento de los últimos años, Júlia Colom. La historia de una veinteañera que busca su voz entre las tonadas populares y la nueva música electrónica. La de un viaje de ida y vuelta entre Mallorca y Barcelona. Al término de la proyección, la cantante ofrecerá el primero de los conciertos en la isla.


De este modo, Stephen Frears, Ethan Hawke, Ben Wishaw, Anya Taylor-Joy, Ane Dahl-Torp, Tilda Swinton, Adèle Exarchopoulos, Charlotte Gainsbourg, Banksy, Gerard Depardieu, Michel Houllebecq, Vanessa Paradis, Joanna Hogg, Jóhann Jóhannsson, Tom Cullen, Angela Merkel, Robert Fisk, Alex Brendemühl, Ana Pastor y Óscar Camps son algunos de los nombres propios de esta edición.

Consulta la programación completa en https://atlantidafilmfest.com/es.

MAKMA

‘Ride’ viaja desde Terrassa al festival Incorto de México

‘Ride’, de Neus Flores
‘Incorto’ | Festival internacional de cortometrajes de México
Estreno: viernes 26 de junio a las 9:00 (hora peninsular)
Miércoles 24 de juno de 2020

El cortometraje ‘Ride’, ópera prima de la periodista, agente cultural y colaboradora de MAKMA Neus Flores, será exhibido en ‘Incorto’, festival internacional de cortometrajes de México, el próximo viernes 26 de junio de 2020, sumándose a la trayectoria que atesora este filme de docu-ficción desde su reciente première mundial del pasado noviembre de 2019, en la Sala Rasa64 de Terrassa, y su refrendado pase por el Clermont Ferrand International Short Film Festival –uno de los festivales de ineludible referencia en su género–.

‘Ride’ -o cinema veritée– basado en hechos reales y que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.

‘Ride’, que ha contado con el apoyo de Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), se postula a modo de un cinema veritée que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.

Un viaje por las emociones, un trayecto por la vida de dos mujeres (madre e hija, interpretadas por Mari Arveheim y Alba Manobens Flores, respectivamente) que pasan por una etapa de crecimiento propio y de enfrentamiento a nivel familiar, para terminar uniéndose a nivel personal a través de las vicisitudes de su recorrido por la Costa Brava.

El desencuentro entre ellas se inicia en el ámbito del hogar durante un desayuno cotidiano y desemboca en un club nocturno, donde Emma (la madre) encuentra a Alex (su hija, aún menor de edad) bailando a cambio de dinero.

Emma and Alex

Emma, Alex's mother, getting ready to celebrate mother's day.

Publiée par RIDE sur Dimanche 3 mai 2020

Alex decide irse de casa tras la virulenta reacción de su madre y Emma es consciente de que si deja marcharse a su hija la perderá para siempre; por este motivo decide irse con ella a lo largo de un viaje por la costa catalana -durante el que se encontrarán con diversos personajes que les harán crecer a nivel personal y emocional, hasta llegar a mejorar su relación y entenderse de nuevo.

‘RIDE’ es un viaje desde la oscuridad emocional y física, hasta encontrar la luz y el optimismo que mejorará la relación de estas dos mujeres para siempre, al final de su viaje y dentro del marco incomparable de la casa museo Dalí, en Port-Lligat (Cadaqués, Costa Brava).

“Una road-movie inspirada en ‘Thelma &Louise’ y ‘Little Miss Sunshine’, que no deja indiferente a nadie”, en palabras de su directora, Neus Flores.

MAKMA

Cine egipcio dirigido por mujeres en la Mostra

34 Mostra de València-Cinema del Mediterrani
Avance de programación
Del 24 de octubre al 3 de noviembre de 2019

La Mostra de València-Cinema del Mediterrani, que celebra su 34 edición del 24 de octubre al 3 de noviembre del 2019, continúa revelando su programación. Una de las múltiples miradas del festival se detendrá en el cine egipcio dirigido por mujeres.

Junto al repaso del nuevo cine hecho en el mediterráneo en su Sección Oficial y la Sección Informativa Mostra de Valencia-Cinema del Mediterrani quiere visibilizar la creación cinematográfica egipcia hecha por mujeres y la diversidad de puntos de vista que la generan, desde lo más comercial a lo político, en su ciclo ‘La revolución de la mujer en el cine egipcio’.

La primavera árabe que emergió en el norte de África fue una oportunidad fundamental para el cambio de la figura de la mujer en la sociedad. Y de aquel movimiento y rompiendo estereotipos y tabúes, el programa de Mostra de València proyectará doce películas de ocho directoras: Kamla Abu Zekry, Sandra Nashaat, Ayten Amin, Mariam Abou Ouf, Hala Khalil, Hala Lotfy, Nadine Khan y Amal Ramsis.

Cartel de la 34 Mostra de València, protagonizado por el pez-cámara realizado por el diseñador e ilustrador valenciano Diego Mir.

Además, se realizará una mesa redonda con siete de las directoras del ciclo con el objetivo de acercar al público las diferentes realidades políticas, de género y culturales en Egipto. “Una mirada al cine hecho por mujeres en el mundo árabe y su labor como exponente de una realidad que nadie más está en posición de representar”, apunta Glòria Tello, concejala de Patrimonio y Recursos Culturales del Ayuntamiento de València.

‘Yom lel-Sittat/A Day for Women’ (2016), de Kamla Abou Zekr, analiza las relaciones de género y toca el tema del creciente fanatismo religioso. En un barrio pobre de El Cairo se inaugura una piscina pública. Los domingos están reservados para mujeres, pero la decisión no agrada a los hombres. La situación da pie a un retrato tragicómico del final de la era Mubarak. Fue Premio del público en el Arab Film Festival.

En ese contexto de revolución política surge también el largometraje ‘Tamantashar Yom/18 Days’ (2011), un trabajo colectivo realizado por diez directores egipcios y formado por varios cortometrajes independientes que ofrecen testimonio de la revuelta que acabó con la dimisión de Hosni Mubarak después de treinta años en el poder. Otra película que pone el foco en la revolución de la plaza de Tahrir es ‘Nawara'(2015), de Hala Khalil.

Dos thrillers dirigidos por Sandra Nashaat nos dan el pulso del cine de acción y más comercial de la industria egipcia dirigido por mujeres. ‘Masgoon Transit/Transit Prisoner’ (2008), trepidante trabajo sobre espías y ‘El-Maslaha’ (2012), exitoso blockbuster sobre narcotraficantes.

La programación cuenta además con cuatro comedias: ‘Kas wa lask/Cut and Paste’ (2006), de Hala Khalil; ‘Bebo Wa Bashir’ (2011), de Mariam Abou Ouf; ‘Harag W’ Marag/Chaos, Disorder’ (2012), de Nadine Khan; y ‘Villa 69’ (2013), de Ayten Amin. Y las películas dramáticas ‘Wahed-Sefr/One-Zero’ (2009), de Kamla Abou Zekri, y ‘Al-khoroug lel-nahar/Coming Forth by Day’ (2012), de Hala Lotfy.

‘Yom lel-Sittat/A Day for Women’ (2016), de Kamla Abou Zekr. Fotografía cortesía de la Mostra de València.

Completa el ciclo un trabajo de no-ficción: el documental ‘You Come from Far Away’ (2018), de Amal Ramsis, sobre la extraordinaria historia de una familia palestina que a lo largo del siglo pasado se dispersó como consecuencia de la guerra civil española, la segunda guerra mundial y la guerra civil libanesa. Mejor documental en el Festival de Cartago.

Activistas en su cotidianidad

Desde mediados de los años noventa el cine egipcio, la industria cinematográfica más importante y la de mayor difusión del mundo árabe, ha experimentado una notable incorporación de mujeres cineastas. Hasta entonces, el número de directoras árabes era aún minoritario, siendo los nombres más conocidos los de las tres pioneras que iniciaron la industria fílmica en Egipto: Aziza Amir, Assia Dagher y Mary Queeny.

Sin embargo, los temas de los trabajos de estas pioneras eran completamente comerciales en base a los criterios de la época y no tocaban los derechos de la mujer. Es a partir de los 70, y especialmente los 80, cuando se empiezan a ver películas en las que aparecen mujeres y tratan tímidamente sobre sus derechos.

Es con la llegada de una nueva generación de directoras egipcias, las que surgieron en la primera década del siglo XXI, que las películas comienzan a centrarse en la vida cotidiana de las mujeres. Y que han funcionado como un catalizador importante del feminismo en Egipto y, por su proyección, en el mundo árabe.

Una generación joven, cosmopolita, que conoce muy bien la situación y las problemáticas del mundo árabe, con una mayor educación cinematográfica, y que unida a la viabilidad tecnológica están dando lugar a singulares y múltiples propuestas.

La directora egipcia Maryam Abou Ouf. Fotografía cortesía de la Mostra de València.

MAKMA

Malditismo literario en el XVI FCAT

Estado

XVI Festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger (FCAT)
Del 25 de abril al 4 de mayo de 2019

La 16 edición del Festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger, que se celebrará entre el 25 de abril y el 4 de mayo de 2019, tendrá 29 estrenos cinematográficos, uno de ellos mundial. Se trata del documental ‘La vida perra (Ángel Vázquez y el Tánger internacional)’, de Pablo Macías y Soledad Villalba, sobre la figura de este escritor tangerino, autor de la novela, ‘La vida perra de Juanita Narboni’, considerada una de las mejores novelas, entre las malditas, del siglo XX en España.

¿Quién fue Ángel Vázquez? ‘La vida perra’ retrata la figura de Ángel Vázquez y el espacio en el que se desarrollaba su obra, aquel estimulante refugio que fue el Tánger internacional. Este estreno se incluye en la sección paralela ‘Miradas españolas’, entre cuyas películas de producción hispana que miran al continente africano se encuentran las ficciones ‘4 latas’, de Gerardo Olivares; ‘Idrissa, crónica de una muerte cualquiera’, de Xapo Ortega y Xavier Artigas. Los cortometrajes ‘Al’Amar’ (Nata Moreno) y ‘Foreigner’ (Carlos Violadé), además de los documentales ‘Owino’ (Javier Marín, Yusuf Razzaque) y ‘El naufragio, 30 años de memoria sumergida’, realizado por la Diputación de Cádiz, con guión de Nicolás Castellano, sobre los primeros muertos en la orillas del Estrecho y la evolución del discurso periodístico en torno este tema.

Afroscope

Esta sección clásica del FCAT, que ofrece cada año una elección panorámica de películas africanas o internacionales acerca de las realidades africanas contemporáneas, incluye en esta edición cuatro filmes –dos ficciones, un documental y una cinta de animación–. La portuguesa-caboverdiana-brasileña ‘Djon África’, de Filipa Reis y João Miller Guerra, gira en torno a un joven que busca a su padre; por su parte, la keniana ‘Rafiki’, (Wanuri Kahiu) aborda el amor lésbico en una sociedad conservadora.
La completan el documental ‘Winnie’ (Pascale Lamche), premiado en Sundance y que enfoca la figura de Winnie Mandela y el filme de animación, coproducción española, ‘Un día más con vida’ (Damian Nenow y Raúl de la Fuente), que narra a modo de crónica periodística cómo la guerra de Angola cambió a Ryszard Kapuscinski.

Cartel del XVI Festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger (FCAT)

Ghana en cuatro actos

Esta sección rinde homenaje a la contribución de Ghana al cine a través de cuatro películas significativas e importantes, comenzando por la divertida comedia ‘Heritage Africa’, del veterano Kwaw Ansah. Galardonada con el Etalon de Yennenga en Fespaco en 1985, la obra retrata el desasosiego de Quincy Bosomfield’s en los albores de la independencia del país.

‘Una tortuosa historia’ es un relato apasionante que pone en escena a dos jóvenes desempleados que exploran el mundo que les rodea. La comedia ‘Keteke’ de Peter Sedufia, premiada en varias ocasiones, y ‘El entierro de Kojo’, de Samuel «Blitz» Bazawule, de una deliciosa poesía visual, son dos de las películas más recientes de la producción ghanesa que han cautivado allá por donde ha pasado.

Homenajes

La 16 edición del FCAT estará dedicada a dos de los cineastas que nos han dejado recientemente. La libanesa Jocelyne Saab, de quien se proyectará ‘Dunia’, que enfrenta el pensamiento sufí y el amor a la tradición egipcia; y el cineasta mauritano Med Hondo, uno de los realizadores históricos del continente, al que el festival rendirá homenaje con la proyección de ‘Soleil Ô’, rodada en cuatro años con un presupuesto muy reducido, que cuenta la historia de un inmigrante negro que va a París, al país de “sus antepasados los galos”.



MAKMA

El fulgor de la palabra de Juan Diego en el FICX

Encuentro con Juan Diego
Premio Nacho Martínez 2018
56 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX)
16 de noviembre de 2018

El 56 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) ha incoado su cronograma de la mano y la palabra de Juan Diego (Sevilla, 1942), con motivo de la concesión del Premio Nacho Martínez 2018 al actor bormujero, en cuyo encuentro con prensa y público ha procurado, en compañía de Alejandro Díaz Castaño –director del festival–, focalizar la atención en algunos de los principales acentos que han singularizado su dilatada trayectoria biográfica y profesional.

“En Sevilla, cuando yo no era”

Tal y como ha recordado, desde una sobresaliente pronta edad, Juan Diego hubo descubierto “el poder de la palabra”, fruto de la tercerita de Pemán y las crónicas taurinas del diario ABC que aventuraba a leer a uno de sus tíos, afectado de cataratas; “sentía que crecía a medida que leía”, eclosionando, de este modo, el fértil fulgor de la oralidad, fuente de poder y de impostura, “principio y forma esencial de comunicar” a través “del silencio de los demás que se produce al escuchar”.

El director el FICX, Alejandro Díaz Castaño, y Juan Diego, durante el encuentro con prensa y público, con motivo del Premio Nacho Martínez 2018. Fotografía: Merche Medina.

El director el FICX, Alejandro Díaz Castaño, y Juan Diego, durante el encuentro con prensa y público, con motivo del Premio Nacho Martínez 2018. Fotografía: Merche Medina.

De este modo, el Sergio Maldonado de ‘El viaje a ninguna parte’ (Fernando Fernán Gómez, 1986), o el Saturnino de ‘Jarrapellejos’ (Antonio Giménez-Rico, 1988), orientaba el horizonte de sus primeras y trémulas inquietudes hacia el territorio de la escena: “en teatro, el público y la crítica te examinan, te evalúan. Eso te obliga a estar muy pendiente del trabajo que realizas”. Un oficio refrendado a través del teatro universitario sevillano, que le brinda la oportunidad de adentrase en los overoles vagabundos y existencialistas de Vladimir y Estragon en ‘Esperando a Godot’, de Samuel Beckett.

De un modo ineludible, abandona provincias y recala en los estudios diurnos de Televisión Española y merodea la estival academia vespertina y nocturna del Gijón: “a finales de agosto íbamos al Café Gijón, porque era cuando solían hacerse las contrataciones para las compañías de teatro”, tal vez en perpetua y estocástica búsqueda, en tanto que “la suerte es un elemento fundamental. La suerte es un aliado”, que determina para Juan Diego, aséptica e implacablemente, el devenir profesional, cuya melanítica periferia conduce al actor a plantearse “¿por qué unos triunfan y otros no?”.

Tal vez deba tratarse de una suerte sustentada por una primera y ortodoxa metodología de trabajo, fundamentada en la lectura y memorización de aquellas representaciones a las que acudía como avezado espectador, en tanto que “seguía las funciones como si fueran un máster de interpretación. Más allá de concentrarme en entender lo que decían, que ya no necesitaba, me fijaba en la técnica interpretativa”.

Repaso audiovisual de la trayectoria de Juan Diego durante la gala inaugural del 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

Repaso audiovisual de la trayectoria de Juan Diego durante la gala inaugural del 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

“El conocimiento de la sonoridad interna del castellano”

Y, de nuevo, “en Sevilla, cuando yo no era”, las lecturas y revelaciones metafóricas, la desolación mística, crítica y poética de ‘Noche oscura del alma’, “leída entre naranjos”, la lacerante prosodia interna de Juan de la Cruz, que rubrica su trayectoria académica y retorna, décadas ulteriores, a las celdas toledanas y cinematográficas, refrendado por la determinación del cineasta Carlos Saura: “vuelve a ti un golpe tan determinante en tu existencia”.

Hitos y líricos destellos de un laureado itinerario profesional que ha transitado por diversos latifundios, como el turbio y excelso cortijo fílmico de ‘Los santos inocentes’ (Mario Camus, 1984) o el pregolpista protectorado magrebí descarnado por un aflautado Francisco Franco en ‘Dragon Rapide’ (Jaime Camino, 1986).

Merecido reconocimiento holístico para un abanderado, entre otras lides, de la determinante huelga de actores de 1975 (que logró dignificar la jornada laboral del colectivo), cuya voz, perfumada de magisterio, nicotina y salbutamol, prosigue adherida, contumaz y diligente, a la raíces de la escena y las diversas ramificaciones de la interpretación.

Juan Diego, durante un instante del encuentro con la prensa y público en el 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

Juan Diego, durante un instante del encuentro con la prensa y público en el 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

La literatura que alimentó el cine de terror

‘TerrorVisión. Relatos que inspiraron el cine de horror moderno’, de VV.AA. (Valdemar Editores)
56º Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX)
Centro de Interpretación del Cine en Asturias (CICA)
Casino de Gijón
Fernández Vallín s/n, Gijón
Martes 20 de noviembre de 2018 a las 17:00

El próximo martes 20 de noviembre de 2018, dentro de las actividades paralelas del 56º Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX), a las 17:00 h. de la tarde, en el Centro de Interpretación del Cine en Asturias (CICA), sito en el Casino de Gijón, tendrá lugar la presentación del libro ‘TerrorVisión. Relatos que inspiraron el cine de horror moderno’, publicado por Valdemar Editores.

Valdemar-Cartel-FB copiaLa presente antología, elaborada por el crítico de cine y especialista en literatura popular Jesús Palacios, reúne dieciséis relatos que, de una u otra forma, han servido de inspiración para algunos de los títulos más representativos del cine de terror moderno.

Desde la época del cine mudo son numerosas las películas inspiradas en relatos góticos clásicos o historias de terror más modernas. En los años treinta, los estudios Universal llevaron al cine la práctica totalidad de los mitos literarios del género: ‘Drácula’ (1931), ‘El doctor Frankenstein’ (1931), ‘El hombre invisible’ (1933) y muchas otras. En los años cuarenta toma el relevo la RKO con títulos como ‘La mujer pantera’ (1942) o ‘El ladrón de cuerpos’ (1945). Pero a partir de la década de 1950, los mitos clásicos del terror han ido dando paso a otros temas más propios de la ciencia ficción, como los monstruos mutantes, las invasiones alienígenas o los zombis, así como a la aparición de nuevos personajes como el científico loco. Finalmente, en los años sesenta se produce una revisión iconoclasta de estos mitos de la mano de productoras como la Hammer o directores como Roger Corman o Mario Bava.

La selección reúne relatos clásicos llevados al cine, como ‘El gato negro’, de Poe, o ‘La pata de mono’, de Jacobs, y otros menos conocidos, como ‘La plaga de los muertos vivientes’, de Hyatt Verrill, precursor de ‘La noche de los muertos vivientes’, de Romero; ‘El hombre elefante’, crónica del doctor Frederick Treves, que inspiró a David Lynch la película del mismo título; ‘No mires ahora’, de Daphne du Maurier, que se adaptó al cine como ‘Amenaza en la sombra’ (1973), dirigida por Nicolas Roeg, o ‘Destructor negro’, de A.E. Van Vogt, en el que el lector descubrirá la opresiva historia de horror cósmico que hay detrás de ‘Alien, el octavo pasajero’, de Ridley Scott.

Fotograma de la película 'La noche de los muertos vivientes', de George A. Romero (1968).

Fotograma de la película ‘La noche de los muertos vivientes’, de George A. Romero (1968).

Necesitábamos a la Mostra

Mostra de València – Cinema del Mediterrani
Del 18 al 28 de octubre de 2018

Estar en la entrada de la renacida Mostra de València fue algo que no hubiera esperado nunca. Muchos años, sobre todo desde la entrada al gobierno de Compromís, se llevaba hablando de la necesidad de retomar aquel sueño, aquel festival que unía a los pueblos de Mediterráneo bajo un mismo paraguas. El festival estaba en la boca de todos. La Mostra significaba mucho para mí cuando era bastante más joven.

Fotograma de 'Plaga Zombie'

Fotograma de ‘Plaga Zombie’, de Pablo Parés y Hernán Sáez.

Recuerdo las secciones de cine gore, sí amigos, de cine gore. Aquellas tardes de juventud con un buen amigo mientras en la pantalla se proyectaban películas como la argentina ‘Plaga Zombie’ (1997), de Pablo Parés y Hernan Sáez. Y también ‘Demonium’ (2001), de Andreas Schnaas, el cual estaba detrás nuestro con el equipo. Aquella sensación de estar con ellos, con el equipo, el director y la actriz, aquello nos hechizó, no se me olvidará jamás. Creo incluso que fue mi primera película en versión original subtitulada.

Fotograma de 'Volver a empezar', de José Luis Garci.

Fotograma de ‘Volver a empezar’, de José Luis Garci.

Otro año, en los extintos y añorados ABC Martí, vi por primera vez ‘Volver a empezar’ (Jose Luís Garci, 1982), historia de nuestro cine y un logro que trascendió fronteras. La Mostra no solo nos hacía pasar grandes horas de cine, sino que nos ilustraba, nos enseñaba. Iba a La Mostra como cualquiera, pagaba mi entrada y hasta me hice socio, pero un día desapareció de nuestras vidas. La ciudad se quedó huérfana, había que recortar presupuesto y el festival parece que era innecesario.

Sobre el escenario, Eduardo Guillot (dcha) y Efti Philipou. Fotografía de Javier Caro.

Sobre el escenario, Eduardo Guillot (dcha) y Efthimis Filippou. Fotografía de Javier Caro.

Cinema Jove se quedó entonces como único festival grande de la ciudad: era ahora la bandera de València y no lo hicieron nada mal, de hecho, lo hicieron muy bien, aunque en las retinas de todos nosotros aún estaba la olvidada Mostra. El sueño del que nos despertaron por la fuerza. València sin ella estaba fuera del circuito de festivales, algunos nos adelantaron como Sevilla (Festival de Cine Europeo), otros se alzaron con el trono del cine español como Málaga, y València y su Mostra seguían encerrados en el recuerdo de los cinéfilos que habían asistido a un festival único en su especie.

Fotograma de 'Un día más con vida'

Fotograma de ‘Un día más con vida’, de Raúl de la Fuente.

Y ahora estoy aquí, en los magníficos cines Babel, rodeado de gente a punto de ver ‘Un día más con vida’ (Raúl de la Fuente, 2017) en La Mostra, porque aunque estuvo en coma, sobrevivía en nuestros deseos y sueños. De la Fuente ha hecho una obra maestra, ¿para qué vamos a negarlo? No sabemos cómo catalogarla, ¿documental, animación, una nueva clasificación…? La cuestión es que estamos ante una bomba de relojería, de esos filmes que te atrapan y te hacen esbozar una sonrisa idiota, siendo plenamente consciente que has asistido a algo que se desparrama por los márgenes de lo normal, de lo usual.

Es el relato autobiográfico de Ryszard Kapuściński que narra los últimos días de Angola como colonia portuguesa en 1975, y las terribles consecuencias de esta descolonización. Es eso, y más, mucho más. Es sentimiento, lucha, pasión e ideología. Un sistema de creencias en unos valores que se han perdido.

Desenterrando Sad Hill

Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira.

Otro de esos platos de gourmet que tanto se llevan en restaurantes de nivel, es lo que nos sirvió Eduardo Guillot, director de La Mostra, al traerse, directamente desde su paso por Sitges, con el Premio Mejor Película en Noves Visions, ‘Desenterrando Sad Hill’ (Guillermo de Oliveira, 2018). Hacía tiempo que no escuchaba un aplauso tan prolongado como el que le dimos al director, que muy amablemente charló sobre el rodaje, la idea y la ilusión que habían depositado todos en ese trabajo.

Estamos ante un largometraje documental sobre la reconstrucción del cementerio construido en España, en la plena época franquista, hace 50 años, para la secuencia final de la película ‘El bueno, el feo y el malo’ (Sergio Leone, 1968). ¡Qué emocionante ver éste tipo de cine! Solo con estas dos obras, ya lo tienen muy difícil para superar esta edición, que se quedará prendida de nuestras retinas durante mucho tiempo.

Fotograma de 'El pico', de Eloy de la Iglesia.

Fotograma de ‘El pico’, de Eloy de la Iglesia.

Por supuesto, antes de marcharme a la Seminci de Valladolid, no podía perderme ‘El Pico’ (Eloy de la Iglesia, 1983), una denostada película muy interesante, que con los años ha ido transformándose más en un testimonio fidedigno de un momento muy concreto de nuestra historia más reciente. Eduardo Guillot nos ha devuelto, aunque quizás no lo sepa, algo más que un festival, nos ha devuelto el sueño de una semana de otoño. Nos vemos el año que viene, porque, ¡València es cine!

Desenterrando Sad Hill

Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira.

Javier Caro

Más de 500 mediometrajes para el XI La Cabina

XI edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València
Del 14 al 24 de noviembre de2018
Inauguración: miércoles 14 de noviembre a las 20h en el Palau de la Música

La XI edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València (que se celebrará del 14 al 24 de noviembre) se ha presentado en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau con la presencia de Albert Girona, Secretario Autonómico de Cultura y Deporte, Antonio Ariño, Vicerrector de Cultura y Deporte de la Universitat de València; Sara Mansanet, directora del festival; y Ana Illueca, artista ceramista creadora del trofeo de esta edición.

Al acto también han asistido José Luis Moreno, Director Adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del IVC; Paco Alós, Director de Relaciones Institucionales y RS de Caixa Popular; Eduardo Almiñana, Departamento de Marketing & Comunicación Barreira A+D; y Manuel Martínez, Director de la Escuela Superior de Cine de Barreira A+D y el Centro Sperimentale di Cinematografia di Italia en València y miembro del jurado Barreira. En la presentación oficial ante los medios, La Cabina ha anunciado todas las novedades que tiene preparada para esta nueva edición, que se inaugurará el miércoles 14 de noviembre a las 20 h en el Palau de la Música.

Cartel de La Cabina 2018, obra de César Sebastián. Imagen cortesía del festival.

Cartel de La Cabina 2018, obra de César Sebastián. Imagen cortesía del festival.

Antonio Ariño ha querido remarcar la implicación de todas las instituciones, como la Generalitat Valenciana o el Ajuntament de València, y la empresa privada, como Caixa Popular o Cerveza Turia, que ayudan a que el festival “siga adelante”. Además, ha confesado estar “muy orgulloso de La Cabina” ya que está convencido de que el Centre Cultural La Nau tiene que cumplir la función de ser un “laboratorio de iniciativas culturales” y que, gracias al trabajo de estos once años, el festival se ha asentado en la ciudad.

Albert Girona, Secretario Autonómico de Cultura y Deporte, ha destacado que la Generalitat apoya al festival desde 2015 y agradece al Centre Cultural La Nau que siga siendo una fábrica de proyectos culturales, a los cuales las instituciones tienen que estar muy atentos “no sólo para apoyar sino también para trabajar conjuntamente”. El Secretario Autonómico también ha comentado de La Cabina: “es un festival atractivo por varias razones: tiene su propio formato, tiene una identidad propia, tiene un público muy definido y tiene unos valores muy claros que la Generalitat comparte”.

Sara Mansanet, directora del festival, ha declarado ante los medios asistentes que la filosofía del festival de “defender un formato audiovisual difícil de distribuir” continúa y se siguen dando pasos para ello. Entre esos pasos están la renovación del acuerdo con la plataforma Filmin, que creará un canal específico de La Cabina en el que se podrá ver una selección de mediometrajes durante los días que dura el festival. Sin olvidar una de las grandes apuestas de esta edición: “uno de los cambios más evidentes en la programación es el aumento del número de sesiones diarias y su conversión en sesiones individuales. Esto ha sido posible gracias también al apoyo y la confianza de los responsables de programación de La Filmoteca y de La Nau, apostando así por dedicar cada sesión íntegra a un solo mediometraje (independientemente de su duración), dándole la importancia de obra completa que debe tener”.

Fotograma de Chasse Royale, de Lise Akoka y Romane Gueret. Festival Internacional de Mediometrajes de València La Cabina.

Fotograma de Chasse Royale, de Lise Akoka y Romane Gueret. Festival Internacional de Mediometrajes de València La Cabina.

Mansanet también ha destacado el récord que se ha batido en 2018, llegando a los más de 500 mediometrajes recibidos para participar en sus secciones a competición: Sección Oficial, cuya sede es La Filmoteca, y Amalgama, con sede en el Centre Cultural La Nau.
La undécima edición se inaugurará el 14 de noviembre con una gala celebrada en el Palau de la Música y conducida, por segundo año consecutivo, por Viviendo del cuento. A partir de ese día, se vivirán 10 jornadas del mejor cine de entre 30 y 60 minutos que inundará València. Mansanet ha recalcado, además, que este año la sección Amalgama acoge cinco estrenos autonómicos, dos estrenos en España, un estreno europeo y el estreno absoluto de la producción valenciana ‘Motherhood’, dirigida por Laura García Andreu e Inés Peris.

Además, como novedad, Barreira A+D, unidos al Centro Sperimentale i Cinematografia di Italia, y en el marco de su recién inaugurada Escuela Superior de Cine en València, ofrecen el Premio Barreira a mejor guion en la sección Amalgama de La Cabina, dotado con una beca para el taller de guion que el cineasta Pablo Berger impartirá en València el próximo mes de diciembre.

De Amalgama también ha destacado que las diez películas que conforman esta sección plantean constantes debates como: “las mujeres ante la elección de no ser madres, la conversión religiosa tras un profundo ateísmo o el desmantelamiento de la industria minera en España, entre otros”.

Mientras que en la Sección Oficial, en la que compiten 16 mediometrajes de 14 países diferentes, “encontraremos temas de calado social, como la transexualidad, la pedofilia, o el tratamiento de enfermedades terminales”, comenta la directora del festival, Sara Mansanet, y añade: “recuperamos asimismo la animación y el género musical, después de varias ediciones sin contar con ellos en la selección”.

Fuerte apuesta por las secciones paralelas

En esta XI edición, La Cabina ha ampliado sus actividades paralelas con la jornada dedicada a los Fashion Films, en colaboración con Barreira A+D; Video Poesía o la proyección al mejor mediometraje documental premiado por el jurado DOCMA en el 50 festival de cine documental Alcances. Además, La Cabina acogerá el estreno nacional del mediometraje interactivo ‘Tantale’, en colaboración con el Institut Français de València, una proyección en la que el público toma las riendas de la historia a través de sus smartphones.

Kenzo the Everything. Imagen cortesía de La Cabina.

Kenzo the Everything. Imagen cortesía de La Cabina.

Además, la educación en el audiovisual sigue siendo de gran importancia para La Cabina, prueba de ello es que su sección AulaCabina añadiendo sesiones para que mayor cantidad de estudiantes de secundaria y bachillerato puedan asistir a La Filmoteca, en jornadas matinales, y disfruten de una selección de mediometrajes dentro de un contexto didáctico adaptado, además de ampliar sus conocimientos acerca de la industria y los oficios del cine.

El punto musical lo volverá a poner este año la Sección Visuals, que repite sede y se celebrará en el claustro del Centre del Carme Cultura Contemporània gracias a la colaboración del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. En ella, tres grupos valencianos (Mueveloreina, Bearoid y Chico y Chico DJ) que incorporarán visuales en sus actuaciones y ofrecerán un concierto el día 22 de noviembre, sumando así la potencia de la imagen con la música en directo. La entrada será libre hasta completar aforo.

Siguiendo con esta importancia en la música, La Muñeca de Sal cerrará la XI edición en la ceremonia de clausura, que se celebrará en el claustro del Centre Cultural La Nau el 24 de noviembre. En ella, la banda valenciana presentará su último trabajo presentarán ‘El Gran Poder’, con los visuales del realizador Fermín Sarrión.

Continúa la sección Inèdits, en la que se proyectan mediometrajes de directores consagrados que son desconocidas para el gran público. Además, se mantiene la apuesta por las proyecciones en versión original con subtítulos en valenciano e inglés. El 16 y el 17 de noviembre, el Aula Magna de La Nau acogerá la selección de 6 mediometrajes de dirigidos por directores y directoras de la talla de Helena Lumbreras, Anna Biller, Emmanuelle Bercot o la mismísima Lois Weber, actriz, guionista, productora y la primera mujer en dirigir un largometraje. De ella presentamos su mediometraje de 54 minutos ‘Hypocrites’.

Inèdits también apuesta este año por la animación con ‘El hombre que plantaba árboles”'(Frédéric Back, 1987), galardonado con un Oscar, y recupera otra de las obras de Iván Zulueta: ‘Ida y Vuelta’.

La cerámica valenciana tradicional de Ana Illueca

También se ha presentado en rueda de prensa el trofeo que la ceramista valenciana, Ana Illueca, ha creado para los premios a Mejor Mediometraje de Sección Oficial y Amalgama. Colabora el Centre de Artesanía de la Comunitat Valenciana, entidad destinada a difundir y potenciar la artesanía de la Comunitat Valenciana, así como a promover la consolidación y la competitividad de las empresas de los distintos sectores artesanales que la integran.

La ceramista valenciana Ana Illueca posa con uno de los premios a Mejor Mediometraje de Sección Oficial y Amalgama. Fotografía cortesía del festival.

La ceramista valenciana Ana Illueca posa con uno de los premios a Mejor Mediometraje de Sección Oficial y Amalgama. Fotografía cortesía del festival.

La artista se ha mostrado muy ilusionada con el trabajo realizado y ha confesado que “ha sido un trabajo que he podido crear con total libertad, lo que hace que haya que trabajar mucho en el concepto”. Además, Illueca ha comparado su proceso de creación con el de un mediometraje: “para hacer un mediometraje hay que escribir muy bien el guion, hay que pensar mucho en lo que quieres decir, no puede sobrar nada”.

Ana Illueca ha creado a mano el trofeo utilizando un torno y reivindicando la cerámica valenciana tradicional renovada. El diseño, cargado de simbolismo, lo conforman dos platos unidos en el que “el plato de dentro representan los 37 que dura el mediometraje ‘La Cabina’, de Antonio Mercero, y el de fuera los 90 minutos que sería la media de un largometraje”, confiesa la ceramista.

La XI edición de La Cabina, que se celebrará del 14 al 24 de noviembre, está organizada por el Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Diputació de València. Cuenta asimismo con la colaboración del Ayuntamiento de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular.

Detalle del cartel de La Cabina 2018

Detalle del cartel de La Cabina 2018

Catacumba vuelve por Todos los Santos

16 edición del Festival de Cine Catacumba
Teatro Capitolio
C / Mayor, 81. Godella (Valencia)
Del 31 de octubre al 4 de noviembre de 2018

Catacumba, el festival de cine que nació con el siglo, afronta su 16ª edición que tendrá lugar del 31 de octubre al 4 de noviembre en el Teatro Capitolio de Godella. La propuesta se ha consolidado durante estos últimos años con una propuesta innovadora que bajo el paraguas de «cine clandestino, underground y experimental recoge producciones cinematográficas independientes que ofrecen una mirada alternativa creada a partir de la transversalidad que permite el lenguaje fílmico», en palabras de Sergi Inclán, codirector de Catacumba Film Festival junto a Javier Llorens.

El grupo La Plata. Imagen cortesía de Catacumba.

El grupo La Plata. Imagen cortesía de Catacumba.

El festival alza el telón el 31 de octubre, en una gala de inauguración que cuenta con el concierto del grupo valenciano La Plata. A partir de ahí, más de cincuenta proyecciones, entre largometrajes y cortometrajes, y actividades paralelas para edulcorar su programación. Entre ellas, el concierto de Johnny B. Zero, una matiné infantil dirigida a los más pequeños con la proyección de la película ‘El cuento de la princesa Kaguya’ del director japonés Isao Takahata, el ya tradicional concurso de gritos y el cine-concierto de clausura, en el que Antonio J. Iglesias & mono33 ambientarán musicalmente diferentes fragmentos del cine clásico. Toda la programación se puede consultar en www.catacumba.org.

Además, el 2 de noviembre Catacumba trasladará el festival a la sede de la Filmoteca Valenciana para una sesión matinal de cine underground donde, gracias la colaboración de Aurea Ortiz, se proyectarán pequeñas obras restauradas de Lluis Rivera o Rafa Gassent, así como trabajos realizados entre 1900 y 1920. La cinematografía valenciana también tendrá su hueco, con una sesión a concurso expresamente dedicada a cortometrajes de cineastas locales, el domingo 4 de noviembre (16 h).

The Absence of Eddy Table. Imagen cortesía de Catacumba.

The Absence of Eddy Table. Imagen cortesía de Catacumba.

Esta edición destaca por la diversidad de su programación, que va desde las más distinguidas obras de animación de los últimos años, con trabajos tan dispares en técnica como son ‘The Absence of Eddy Table’, ‘Bendito Machine VI’, la peculiar ‘Wildebeest’ o la minuciosa ‘Bloeistraat 11’ hasta el cine documental de ‘The Man with My Name’ que se sumerge en los alias del cine italiano o ‘Lotte that Silhouette Girl’ que nos redescubre la técnica primigenia de la directora Lotte Reiniger.

Un cine crítico y arriesgado que se plasma en cortometrajes como la brasileña ‘Meninas Formicida’ -recientemente proyectada en la Muestra Internacional de Venecia-, muchas veces de una lectura inteligente entrelíneas como en la encantadora ‘God does exist, or Where Do Babies Come From’ y que retrata y retracta la actualidad en obras tan directas como en la también rusa ‘Wrong shape’ o en la francesa ‘Odol Gorri’.

Meninas Formicida. Imagen cortesía de Catacumba.

Meninas Formicida. Imagen cortesía de Catacumba.

Obras procedentes de 70 nacionalidades se han presentado a la presente edición del festival de cortometrajes de Catacumba. Los trabajos finalistas compiten en cuatro secciones: la sección oficial, el premio al cortometraje más entrañable, la dedicada al Stop Motion y València Cinema, la sección reservada a la cinematografía local. Catacumba reparte 2.500 euros en premios, además de sus peculiares estatuillas -los Fetos de Oro y la Muñeca Rota-, que este año han sido elaboradas por el artista Diego Fermín. A las eclécticas colaboraciones del festival se suma también la del ilustrador Martín López, autor de la imagen gráfica de la presente edición.

A resaltar también la tarde del viernes 2 de noviembre que estará dedicada enteramente a la técnica de stop motion en la que además de poder disfrutar de los cortometrajes de esta sección se llevará a cabo el encuentro ‘Las edades del Stop Motion’ con los especialistas más granados en esta técnica que han situado a Valencia en el centro de la animación internacional.

God does exist, or Where Do Babies Come From. Imagen cortesía de Catacumba.

God does exist, or Where Do Babies Come From. Imagen cortesía de Catacumba.

«Ahora lo más sencillo es financiar comedias»

Fernando Bovaira, Premio Luna de Valencia
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Sábado 23 de junio de 2018

Fernando Bovaira, galardonado con el Premio Luna de València de Cinema Jove, aseguró que el motor de un buen productor de cine «es siempre la intuición». Lo dijo en el arranque del ciclo que el festival le dedica por el premio que viene a reconocer una trayectoria marcada por el apoyo decidido a nuevos talentos, como en su día fueron Alejandro Amenábar, Julio Medem o Juan Carlos Fresnadillo, y más recientemente Manuel Martín Cuenca o Salvador Mitre.

Bovaira definió esa intuición como “algo que te lleva a querer estar dos años de tu vida acompañando un proyecto que tiene un resultado incierto”. Y añadió: “Hay que tener mucha fe para embarcarse en eso”. A su juicio es fundamental en la figura del productor “la complicidad con el talento”, saber comprender al creador pero sin perder de vista si es factible o no lo que plantea.

Fernando Bovaira, en el momento en que le fue entregado el Premio Luna de Valencia en el Teatro Principal. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fernando Bovaira, en el momento en que le fue entregado el Premio Luna de Valencia en el Teatro Principal. Imagen cortesía de Cinema Jove.

“Tienes que tener un pie en el apoyo a ese talento, pero tienes que tener otro pie en el mercado y en la viabilidad económica del proyecto”, explicó el productor en el acto ante los medios, organizado por Cinema Jove con la colaboración del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

Bovaira explicó que apostar por un guión es siempre una incógnita y que en ocasiones se guía por factores a priori secundarios. “A veces me reúno con directores y, más que el proyecto, valoro cómo los veo en cuanto a estado anímico, a capacidad creativa”. “Al final lo que tienes es un guión que tienes que producir en las condiciones adecuadas y que tiene que encontrar el mercado suficiente para que los inversores puedan recuperar el dinero invertido”, aseguró.

Fernando Bovaira estudió en Valencia y Estados Unidos. Trabajó en Hollywood tres años y “aprendió muchísimo” hasta adquirir “un punto de vista totalmente distinto, más global”.“Desde niño me quería dedicar al cine, pero me di cuenta de que tenía una cabeza más apropiada para la decisión que para la creación”, dijo para explicar cómo se hizo productor, una decisión que a veces “no es fácil” de entender desde fuera.
En los 90 fundó MOD Producciones y a través de ella apoyó el trabajo de directores entonces emergentes. Algunos hitos en su carrera son el Oscar de Hollywood de ‘Mar Adentro’ (Amenábar, 2004), el Premio al Mejor Actor en Cannes de Javier Bardem y la nominación al Oscar de ‘Biutiful’(González Iñárritu, 2010), y la producción televisiva ‘Crematorio’, Premio Ondas 2011 a la Mejor Serie del Año e inspirada en la obra homónima del escritor valenciano Rafael Chirbes.

El director de Cinema Jove, Carlos Madrid, apuntó de Bovaira que ha conseguido “sin aspavientos” localizar y apoyar “a toda una hornada nueva de cineastas” que ha marcado el rumbo del cine español en las últimas décadas. El productor de Castellón se quejó de la falta de “compromiso” de las administraciones en un momento en que el cine está “muy amenazado”. Sin embargo, el reverso de la moneda es que, gracias a Internet y a las nuevas plataformas digitales, “la demanda de contenidos es cada vez mayor y eso es bueno para los creadores y para la producción audiovisual en general”.

En cuanto a qué tipo de contenidos fluye en el mercado actual y cuáles no lo hacen, Fernando Bovaira lo tiene claro: “En estos momentos parece que lo más sencillo es financiar comedias de un determinado presupuesto, de dos millones y medio, tres millones de euros. Sin embargo, financiar dramas o películas con una cierta complejidad narrativa es cada vez más complicado”.

Entre sus últimos proyectos destaca la producción de una película valenciana, rodada en València, ‘La banda’ (Roberto Bueso, 2018). Y también, por supuesto, la última película de Alejandro Amenábar, ‘Mientras dure la guerra’, actualmente en fase de rodaje, sobre la trayectoria vital y moral del escritor y filósofo Miguel de Unamuno durante la Guerra Civil.
En el ciclo de Fernando Bovaira se puede ver estos días en La Filmoteca ‘Los amantes del círculo polar’ (Julio Medem, 1998), ‘Intacto’ (Juan Carlos Fresnadillo, 2001), ‘Caníbal’ (Manuel Martín Cuenca, 2013) y ‘La cordillera’ (Santiago Mitre, 2017).

Fernando Bovaira. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fernando Bovaira. Imagen cortesía de Cinema Jove.