‘Donkeyote’ y ‘The Cut’ ganadores de DocsValència

II edición de DocsValència Espai de No Ficció
Premios del Jurado 2018

Los jurados de la II edición de DocsValència Espai De No Ficció ya ha dictaminado los mejores trabajos presentados a las secciones competitivas y a DocsLab, los proyectos presentados a la industria audiovisual. ‘Donkeyote’, el documental dirigido por Chicho Pereira, ha obtenido el galardón Panorama a la mejor película nacional dotado con 3.000 euros. ‘Judas’, de Alejandra Vera, Juan Carlos Carrano, Raúl Capdevila y Raúla Egües, han conseguido la mención especial del jurado.

‘Donkeyote’ es la historia de Manolo y un burro llamado Gorrión, con el que tiene una relación más que especial. Manolo tiene la intención de realizar una ruta por los EE UU en los años 70 y las trabas impuestas le obligan a superarse y a conseguir todo tipo de objetivos para poder realizar la hazaña con su amigo Gorrión. Esto le permite retomar la relación perdida con su familia más cercana.

La entrega de premios de DocsValència se ha celebrado en el Centre del Carme de Valéncia en un acto en que los ganadores han mostrado su satisfacción por el reconocimiento. En todos los casos, las proyecciones de las películas documentales han tenido un gran éxito de público en las siete sedes repartidas por toda la ciudad, desde el día 26 de abril al 6 de mayo de 2018.

David Segarra ha recibido el Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje valenciano con ‘Savis de l’horta’. Fotografía cortesía de DocsValència.

David Segarra ha recibido el Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje valenciano con ‘Savis de l’horta’. Fotografía cortesía de DocsValència.

Como mejor documental valenciano en la categoría Mirades, que tiene una dotación de 3.500 euros, ha sido elegido ‘The Cut’, la película dirigida por María Andrés y Ernest José Sorrentino sobre la ablación y en la que han participado doctores del hospital Doctor Peset de Valéncia. La mención especial de esta categoría ha sido para ‘Experiment Stuka’, de Rafa Molés y Pepe Andreu, la película sobre los ensayos nazis contra la población castellonense durante la Guerra Civil española.

La categoría Fragments de cortometrajes, ha sido para el valenciano David Segarra, con su película ‘Savis de l’Horta’. El mejor corto nacional ha sido ‘Buenos días España’, de los directores Sara Pisos, Irati Cano, Carlos Reyes y María Barceló.

En la sección DocsLab, en la que se ha reunido la industria del sector para premiar los mejores proyectos, la ganadora en MiradasDocs ha sido ‘Posidonia’, del alicantino Adán Aliaga. ‘Posidonia’ también se ha conseguido imponer en el premio À Punt Media, que además facilitará la compra de los derechos de la película por parte de la televisión pública valenciana.

Los directores del festival Nacho Navarro y Pau Motagut han felicitado a los ganadores y han explicado que DocsValència ya ha superado todas las expectativas y se ha convertido en un festival que tiene vocación de permanencia una vez consolidada la participación y la asistencia de público.

La jurado Laura Pérez con los ganadores María Andrés Pérez y Ernest José Sorrentino, Premio Mirades 2018 a mejor largometraje valenciano por 'The Cut'.  Fotografía cortesía de DocsValència.

La jurado Laura Pérez con los ganadores María Andrés Pérez y Ernest José Sorrentino, Premio Mirades 2018 a mejor largometraje valenciano por ‘The Cut’. Fotografía cortesía de DocsValència.

PREMIOS DEL FESTIVAL

Premio Panorama 2018 a mejor largometraje español
‘Donkeyote’
De Chico Pereira

Mención especial del Jurado
‘Judas’
De Alejandra Vera, Juan Carlos Carrano, Raúl Capdevila y Raúl Egües

Premio Mirades 2018 a mejor largometraje valenciano
‘The Cut’
De María Andrés Pérez y Ernest José Sorrentino

Mención especial del jurado Mirades
‘Experiment Stuka’
De Pepe Andreu y Rafa Molés

Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje valenciano
‘Savis de l’horta’
De David Segarra

Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje nacional
‘Buenos días España’
De Sara Pisos, Irati Cano Alkain, Carlos Reyes y María Barceló

Premios DocsLab

Premi MiradasDoc
‘Posidonia’
De Adán Aliaga

Premi Tribeca Film Institute
’505 o por qué adoramos los objetos’
De Miguel León Marcos

Premi À Punt Media
‘Posidonia’
De Adán Aliaga

Premi Plataforma VLC
‘Rapsodia sueca’
De Fran Ruvira

Premi Plataforma Espanya
‘Lobster Soup’
De Rafa Molés y Pepe Andreu

Premi DocsMX
‘Robin Bank o manual para expropiar bancos’
De Anna Giralt Gris
y
‘Lobster Soup’
De Rafa Molés y Pepe Andreu

Menció especial de los expertos DocsLab
‘Eguzkilorea’
De Irati Cano Alkain

Premi Agencia Freak
‘Eguzkilorea’
De Irati Cano Alkain

La jurado Eva Vizcarra con Chico Pereira, director de ‘Donkeyote’, Premio Panorama 2018 a mejor largometraje español. Fotografía cortesía de DocsValència.

La jurado Eva Vizcarra con Chico Pereira, director de ‘Donkeyote’, Premio Panorama 2018 a mejor largometraje español. Fotografía cortesía de DocsValència.

 

Las razones primeras de Roberto Bolaño, en Filmin

‘Roberto Bolaño. La batalla futura’, de Ricardo House
Chile, México, España, 2016
63 minutos
Filmin
Desde el 23 de abril de 2018

Con motivo de la celebración del Día Internacional del Libro y de Sant Jordi, la plataforma de vídeo bajo demanda Filmin estrena en exclusiva ‘Roberto Bolaño. La batalla futura’, dirigido por el realizador y documentalista chileno Ricardo House, tercer capítulo de una serie documental que radiografía el devenir biográfico del ínclito y malogrado escritor santiaguino, del que se cumplirá, el próximo julio, el decimoquinto aniversario de su fallecimiento.

Roberto Bolaño. Makma

En torno de Bolaño –consabido autor de estocástica cartografía vital–, Ricardo House traza una polifónica senda en la que configuran su retrato una treintena de testigos, entre familiares, estrechas amistades de diversa índole, ubicación y cronología, escritores, editores y profesionales de la cosmogonía literaria con quien, en diferentes periplos de su honda y fugaz existencia, fraguó un vínculo (emocional o circunstancial) de suficiente relevancia como para acudir tras los vestigios, en búsqueda de las razones primeras (biográficas y literarias) que hubieron perfilado al responsable de, entre otras, ‘Estrella distante’ –primera de las publicaciones con Anagrama, en 1996, de la mano de Jorge Herralde, con quien mantendría, a partir de entonces, una umbilical relación profesional acerca de la que el editor catalán se adentra con algunas anécdotas e impresiones durante el documental-.

‘Roberto Bolaño. La batalla futura’ retorna a su infancia, ya enferma de inopinadas lecturas –Guillermo Bravo (vecino y amigo de la ñinez) aventura que “sin querer hacerlo, nos enseñaba a hablar de otra manera”–, y recorre su adolescencia por el desconchado Liceo de Hombres de la ciudad de Los Ángeles, en el centro-sur de Chile, su rauda e imprevista partida a México D.F., el efímero e infortunado retorno a su país en 1973 –golpe de Estado y breve trasiego carcelario–, o la impostura beat de los infrarrealistas mexicanos, movimiento poético (de acciones epatantes) comandado por Bolaño, en compañía de Mario Santiago Papasquiaro, José Vicente Anaya, Bruno Montané o un Ramón Méndez Estrada –quien interviene poética y citadinamente en el documental poco tiempo antes de su muerte– para el que “el infrarrealismo es una actitud” a partir de la que al escritor chileno “le gustó novelar poetas” en su obra literaria.

Si la epidermis biográfica de Bolaño compendia que recala con ulterioridad en Barcelona y, a continuación, en el municipio girondense, costero y definitivo de Blanes -persiguiendo la inesperada estela del Pijoaparte de Juan Marsé en ‘Últimas tardes con Teresa’-, merodea sucesivos y prosaicos oficios de emigrante mientras reporta morfología narrativa a sus febriles inquietudes y se consagra, tras un primer aviso sintomático de su enfermedad, a la escritura hasta alcanzar, por entonces, una notabilísima relevancia, Ricardo House, de la mano del equilibrio asertivo o reflexivo de sus testigos, revela a un individuo que toma el exilio como fuente de riqueza, la errancia como condición elemental y el pasado como territorio del que exhumar los aljófares del relato, anunciando una tensa y turbia relación personal y profesional con su páis natal, cuyos retornos, raíces y conflagraciones literarias solidificaron su posicionamiento y toma de conciencia –“ser escritor chileno es una entelequia, una estafa. El escritor es su lengua”.

A la postre, ‘Roberto Bolaño. La batalla futura’ se formula como un documental de cadencioso recorrido testimonial que auxilia a recorrer algunos recodos pretéritos de la figura del escritor chileno, erigido en un interesante collage audiovisual, acompasado por las ilustraciones de Nicolás Pérez de Arce, la música de Fernando Milagros y Patti Smith (ferviente admiradora del escritor), la significativa grabación radiofónica del programa ‘Si nos dejan’, en Radio Tierra, del escritor y artista plástico chileno Pedro Lemebel y, sobremanera, de la entrevista que mantuvo Bolaño en 1999 con Jaime Celedón en el programa de Chilevisión ‘Celedón, Villegas y Cía’.

Roberto Bolaño. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

Almost Ghosts, la ruta 66 vista de otra forma

Almost Ghosts, de Ana Ramón Rubio
Viernes 6 de abril de 2018

4.000 kilómetros, cinco personas y la carretera más famosa de América. Así ha pasado las últimas semanas el equipo técnico de ‘Almost Ghosts’, un documental valenciano que explora la desaparición de los pueblos fantasma a través de la ruta 66 de Estados Unidos.

“La ruta 66 era la carretera que cruzaba los Estados Unidos de este a oeste, desde Chicago hasta Santa Mónica”, cuenta Ana Ramón Rubio, directora y guionista del documental. “Se ha visto en millones de películas, de libros, de canciones… Pero siempre se trata desde una perspectiva icónica, desde lo que supone hacer el gran viaje, recorrer la carretera madre. No se habla tanto de la gran cantidad de pueblos que murieron por culpa de la carretera interestatal que promovió Eisenhower dejando a tanta gente a su suerte ni de que realmente lo que convierte el trazado en icónico es la gente que todavía vive allí, la pequeña resistencia, de los jubilados que se niegan a dejarlo ir. En ‘Almost Ghosts’, lo que buscábamos era mostrar los estragos de la interestatal en algunos de esos pequeños pueblos y ciudades y qué hicieron unos cuantos jubilados para cambiar la historia, para salvar sus pueblos y preservar la memoria de un trazado que fue único para América”.

A través de los estados de California, Arizona, Nuevo México, Texas, Oklahoma, Kansas, Missouri e Illinois, las cámaras valencianas de ‘Almost Ghosts’ han retratado los pueblos fantasma y aquellos que renacieron y revivieron desde la descatalogación de la ruta 66 en 1985.

“No es realmente un documental sobre la ruta 66”, prosigue la realizadora valenciana, que actualmente se encuentra en la preproducción de un nuevo proyecto para televisión que comenzará a rodarse en los próximos meses. “Almost Ghosts es un documental sobre personas. Sobre aquellos que, aunque eran una pequeña mota de polvo en un desierto, consiguieron salvar sus ciudades de la muerte más absoluta. Y también de aquellos que no lo consiguieron”.

El documental narra las historias de personas como el músico mediocre Harley Russell que sobrevive como la única atracción de la ruta 66 en Erick (Oklahoma), el artista que se vio obligado a reconstruir su pueblo de la niñez Lowell Davis en Red Oak (Missouri), el antiguo barbero de Seligman (Arizona) Ángel Delgadillo, que consiguió convertir la 66 en un trazado oficialmente histórico o el coleccionista Elmer Long que repobló el bosque de Oro Grande (California) con las botellas abandonadas que coleccionaba su padre.

El equipo de Almost Ghosts en la ruta 66. Imagen cortesía de la productora.

El equipo de Almost Ghosts en la ruta 66. Imagen cortesía de la productora.

“Son personajes que han cambiado la historia de América, no sólo las de sus pueblos”, comenta Cristina Vivó, productora del documental. “Si no fuera por ellos, hoy la gente no soñaría con atravesar los EEUU a través de la ruta 66. No quedaría nada de la carretera que vio a los americanos emigrar hacia el oeste en busca de una vida mejor, o de las familias que se desplazaban para veranear en California. Toda la historia estaría en libros y películas, pero gracias a ellos, gran parte de la ruta se puede seguir disfrutando”, finaliza.

Ana Ramón Rubio, Cristina Vivó, Carlos López Andrés, Celia Riera y Ximo Cardona son los cinco valencianos que han rodado este largometraje en el mes de marzo en los Estados Unidos. Todos ellos forman parte del equipo técnico de la webserie valenciana ‘Todos queríamos matar al presidente’, una producción que actualmente está recorriendo los festivales internacionales del formato y que se alzó hace unos meses con los premios a Mejor Thriller en el festival de webseries de Nueva York (NYC Web fest) o mejor Dirección en el Baltimore New Media Festival. “Todavía no sabemos cuándo se estrenará el documental, pero esperamos que pueda verse a principios de 2019″, concluye Vivó.

Europa a través de Atlántida Film Fest

VII Atlántida Film Fest
Diversas sedes de Palma de Mallorca y plataforma Filmin
Hasta el 2 de julio de 2017

La 7ª edición de Atlàntida Film Fest vuelve a combinar su sede presencial en Palma de Mallorca y la virtual, a través de la plataforma Filmin, creadora del Festival.

Europa sigue siendo el eje temático del Festival y, para intentar entender mejor la realidad del continente, el festival propone una combinación de proyecciones, conferencias, conciertos y talleres profesionales en escenarios emblemáticos de la ciudad como Ses Voltes, el Museo de Mallorca, el Castillo de Bellver, el Centro de Cultura de la Misericordia y Cine Ciutat.

Tras superar los 4.500 espectadores en Palma en su pasada edición (y los 45.000 online), Atlántida Film Fest ha decidido incrementar el número de proyecciones en la isla, pasando de 10 a 18 títulos. Todos ellos pueden verse en versión original con subtítulos en castellano y/o catalán de forma gratuita hasta el 2 de julio de 2017.

Atlántida Film Fest. Makma

Entre los estrenos que acoge la isla cabe destacar ‘Sea Sorrow’, el debut en la dirección de la ganadora del Oscar, el Globo de Oro, el Bafta y el Tony, Vanessa Redgrave. La mítica actriz vendrá a Mallorca para presentar esta obra, una reflexión muy personal y dinámica sobre la crisis mundial actual de los refugiados que ha despertado el elogio unánime entre crítica y público tras su estreno mundial en el reciente Festival de Cannes. La actriz estará acompañada por la cineasta Isabel Coixet y ambas mantendrán un pequeño diálogo sobre el filme, rubricándose, de este modo, el acto de clausura del festival, el próximo 2 de julio a las 21:30 en Ses Voltes.

Jean Ziegler, amigo personal del Che, relator de la ONU durante una década y uno de los grandes nombres del análisis político de Europa, presenta el biopic que se ha rodado sobre él, ‘Jean Ziegler, the optimism of willpower’, junto al director Nicolas Wadimoff.

De Italia llegará Michele Santoro, periodista, presentador, antiguo director de la RAI y colaborador con la UE en sus relaciones con Rusia. Santoro porta su debut cinematográfico, ‘Robinú’, un docuthriller centrado en los niños de la droga de Nápoles. Una obra brutal que acaba de ser reivindicada por el autor de ‘Gomorra’, Roberto Saviano.

Entre el resto de documentales seleccionados en esta edición de Atlántida Film Fest cabe destacar el tributo que Tilda Swinton rinde a John Berger (‘The Seasons in Quincy’); la polémica disección de la industria del cine para adultos, ‘Pornocracy’, con la que su directora, Ovidie, conmocionó el Festival SXSW; la adaptación de la obra por la que Svetlana Aleksiévich ganó el Premio Nobel de Literatura, ‘Voces de Chernóbil’; un documento de las brutalidades que acontecen en las carreteras rusas, ‘The Road Movie’ y dos películas imprescindibles para entender el funcionamiento de la Unión Europea: ‘Stranger in Paradise’ y ‘The European’, obra que sigue las peripecias del vicepresidente de la Comisión Europea Frans Timmermans, entre el pacto con Turquía y el Brexit.

En el terreno de ficciones el festival vivirá el estreno de la nueva película del oscarizado Michel Gondry, ‘Microbe et Gasoil’; las triunfadoras de los festivales de Málaga (‘Júlia Ist’), San Sebastián (‘Park’) y D’A (‘La maldita primavera’) junto a la última aparición cinematográfica de Anton Yeltchin, ‘Porto’ y el estreno en España de la controvertida ‘This is our land’, centrada en un partido político de extrema derecha en Francia.

A estos títulos hay que añadir 2 producciones baleares que se estrenan simultáneamente en la web del festival, en cine en Palma y en IB3Tv, ‘Vida y muerte de un arquitecto’, un docuthriller firmado por Miguel Eek sobre el misterioso asesinato de Josep Ferragut y ‘En acabar’, una comedia romántica juvenil ambientada en el verano mallorquín dirigida por Guillem Miró y Thor Echevarría. A ellas hay que añadir otra obra balear, “Gas the Arabs” una visión cruda de la realidad Palestina a cargo de Carles Bover y Javier Pérez del Campo.

Las conferencias se encuentran coordinadas por el European Council on Foreign Relations, permitiendo disfrutar, entre otros, de Peter Pomerantsev, Nadia Parfan, Anna Terron, Javi López y Francisco de Borja Lasheras. A ellos se les suman los expertos en arte, Enrique Juncosa y Andreu Jaume.

El festival también organiza un taller de animación para niños de 7 a 12 años coordinado por Mario Torrecillas y dos días de jornadas profesionales alrededor del VR (Virtual Reality), que contará con expertos provinientes de empresas de referencia como Khora y Wide VR.

El cartel de este año ha sido obra de Albert Pinya, premio al Mejor Artista Español en Arco, quien toma el relevo de Miquel Barceló, autor de la anterior edición.

Vanessa Redgrave frente a una imagen de Eleanor Roosevelt anunciando la Declaración Universal de los Derechos Humanos en 1948, perteneciente al documental 'Sea Sorrow'. Fotografía cortesía del festival.

Vanessa Redgrave frente a una imagen de Eleanor Roosevelt anunciando la Declaración Universal de los Derechos Humanos en 1948, perteneciente al documental ‘Sea Sorrow’. Fotografía cortesía del festival.

 

 

El hipogeo de la memoria de Howard Brookner

‘Uncle Howard’, de Aaron Brookner
Turner Classic Movies (TCM)
‘Un pulso a Nueva York’
Sábado 24 de junio, 2017, a las 20.20

Con motivo del ciclo de sesión continua ‘Un pulso a Nueva York’, programado por el canal para plataformas de pago Turner Classic Movies (TCM), cuya pretensión es la de componer un florilegio audiovisual de la escena underground neoyorkina de los años ochenta, Turner International emite en exclusiva el documental ‘Uncle Howard’, del director y guionista del Greenwich Village Aaron Brookner, tras su periplo internacional por la nómina de festivales como la Berlinale o la Sección Zabaltegi del Festival de San Sebastián de 2016.

‘Uncle Howard’ polariza su morfología en torno del cineasta Howard Brookner, una de las figuras capitales del fértil sótano de la vanguardia norteamericana de la costa este, cuya existencia urgente, vertebrada por la inquietud y el fulgoroso hedonismo de los ochenta, hubo abjurado su cuasidesconocida y sugerente cinematografía sobre la cerviz del turbio olvido y la mitificación tras el deceso prematuro, habiendo sido, de un modo sumarísimo, “ciudadano de aquel otro lugar” (parafraseando a Susan Sontag en ‘El Sida y sus Metáforas’) y celebrándose sus exequias, ulteriormente, durante el mediodía de su trigésimo quinto aniversario, en la primavera de 1989.

Imagen de Howard Brookner presente en el documental 'Uncle Howard'. Fotografía cortesía de la distribuidora.

Imagen de Howard Brookner presente en el documental ‘Uncle Howard’. Fotografía cortesía de la distribuidora.

Debe ser la mitificación de un infante y su fascinación por el breve recorrido y la dilatada sombra de su referente adulto lo que posibilite la revisitación. De este modo, la edificada memoria de Aaron Brookner -sobrino de Howard- se ve gobernada no sólo por la intención, sino por el arrojo de la perseverancia. En consecuencia, el menor de los Brookner, exhortado por la búsqueda del proverbial ‘Burroughs: The Movie’ (1983) -maldito, mirífico y agreste documental, dirigido por Howard Brookner, acerca del elefantiásico tórax literario de uno de los conspicuos miembros de la Beat Generation, William Burroughs-, se embarca en la difusa y compleja tarea de rastrear los diseminados vestigios depositados, errática e involuntariamente, por Tío Howard.

Diversas pesquisas -decisiva la colaboración del editor y escritor James Grauerholz, albacea literario de Burroughs- focalizan la atención en ‘The Bunker’, conspicuo, aséptico y civilizado zulo (y antiguo vestuario de un gimnasio) en la segunda planta del 222 de Bowery, en el corazón del ínclito Lower East Side de Manhattan, en el que el autor de ‘El almuerzo desnudo’ mecanografió una reseñable parte de su legado en cut-up y se convirtió en escenario ineludible de una razonable parte de ‘Burroguhs: The Movie’, por cuyo dining room transita la excelsa y marchita flor y nata del on/off-off neoyorkino, tales como el hamburguesado Andy Warhol, el correligionario y sotabarbo Allen Ginsberg, el permutador literario Brion Gysin o la aflautada péndola lírica y violeta de John Giorno.

Será precisamente el permiso de Giorno -vecino y propietario de ‘The Bunker’, quien, a pesar de sus iniciales reticencias, accede a colaborar con Aaron Brookner- la inflexión definitiva que alumbre la génesis instrumental del proyecto, en tanto que un cuantioso archivo cinematográfico y personal -cintas de vídeo, bobinas de sonido y entrevistas, incluyendo tomas eliminadas y material propedéutico de ‘Burroguhs: The Movie’- había sido depositado allí, como una inopinada e incólume cápsula del tiempo, por el propio Howard.

Con el personal y pecuniario apoyo de Jim Jarmusch -compañero de Howard Brookner, junto a Tom DiCilo, en la Escuela de Cine de Nueva York-, quien participó en la filmación de ‘Burroguhs: The Movie’ como responsable de sonido, amén de la realizadora Sara Driver -pareja sentimental de Jarmusch- y la inestimable aportación de Brad Gooch -compañero vital de Howard durante los convulsos y nocturnos ochenta-, Aaron Brookner procura dotar de sentido al ingente material encontrado y vertebra ‘Uncle Howard’ por la senda del proceso -el de búsqueda, gestación y desarrollo-, a la manera en que Burroughs dotaba de preeminencia a la metodología, evitando, así, supeditar la cinta a la exclusiva relación entre el escritor y el cineasta o pormenorizando la bitácora de la enfermedad de Howard Brookner, acerca de la que existe un personalísimo dietario fílmico que el sobrino Aaron opta por introducir con fugaces acentos y laterales insinuaciones.

‘Uncle Howard’ se erige literal y metafóricamente en un hallazgo, portando consigo una refulgente carga simbólica que ilumina el hipogeo de la memoria y procura avituallamiento para quienes, devotos, precisamos de la espuma del mito y fabulamos, ávidos, con el resto de material de Brookner pendiente de clasificación y rumbo.

Fotograma de William Burroughs y Howard Brookner durante el rodaje de 'Burroughs: The Movie'. Fotografía cortesía de la distribuidora.

Fotograma de William Burroughs y Howard Brookner durante el rodaje de ‘Burroughs: The Movie’. Fotografía cortesía de la distribuidora.

Jose Ramón Alarcón

 

Pioneras de la ciencia y la comunicación en SGAE

‘Pioneras’, ciclo de proyección de documentales
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, Valencia
Del 20 al 29 de junio de 2017

La Fundación SGAE celebrará en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia, entre el 20 y el 29 de junio, el ciclo de proyecciones ‘Pioneras’. La muestra incluye un total de cinco documentales dedicados a algunas de aquellas primeras mujeres que en España reivindicaron la igualdad entre géneros y lograron ocupar un puesto destacado en una sociedad que hasta entonces se lo había negado. ‘Pioneras’ desea ser un reconocimiento al papel de esas valientes mujeres que han luchado por conquistar sus propios derechos.

El ciclo comenzará esta semana con la proyección de sus tres primeros títulos. Así, el martes 20 de junio se podrá disfrutar la película ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’ de Julio Suárez. Le seguirá, el miércoles 21 de junio, ‘Los recuerdos de hielo’, documental sobre la bióloga Josefina Castellví firmado por Albert Solé. La muestra seguirá el jueves 22 de junio con ‘María Moliner. Tendiendo palabras’, de Vicky Calavia. Las proyecciones tendrán lugar en la valenciana Sala SGAE Centre Cultural (C/Blanquerías, 6), a las 19 horas, y la entrada es gratuita.

‘Pioneras’ se proyectó el pasado mes de marzo en la Sala Berlanga de Madrid y llega ahora a Valencia por iniciativa del Consejo Territorial de la SGAE de la Comunidad Valenciana, que ha incluido este ciclo en su programa de actividades culturales Tramesa 2017. El ciclo se completará con las proyecciones de las películas ‘Joana Biarnés. Una entre todos’, de Òscar Moreno y Jordi Rovira (miércoles 28 de junio), y ‘Las constituyentes’, de Oliva Acosta (jueves 29 de junio).

Pioneras. Makma

Martes 20 junio / ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’

Dirigido por Julio Suárez, quien también firma el guion junto a Lolo Rico, el documental ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’ (2015) ganó el Premio al Mejor Documental del Festival Internacional de Cine y Cortometrajes Sant Andreu de la Barca 2016. La película ha sido seleccionada también en otros certámenes, como la 38ª Semana Internacional de Cine de Autor de Lugo o el 8º Picknic Film Festival santanderino. Definida como “un canto a la libertad” por la revista Séptimo Arte, la película ofrece una mirada a la vida y obra de Lolo Rico, una de las mejores directoras de programas infantiles. Suyos son, por ejemplo, ‘La bola de cristal’ o ‘La cometa blanca’. Pero, además, Rico ha defendido siempre su libertad como mujer y ha mantenido un pulso constante contra los diferentes sistemas con los que se ha ido encontrando durante su vida: el familiar, el político, el económico o el jerárquico empresarial.

Miércoles 21 / ‘Los recuerdos de hielo’

Ganador en 2014 del Premio Continuará de TVE como película más destacada del año y del Premio del Público al mejor documental en el Festival Memorimage, ‘Los recuerdos de hielo’ (2013) es un largometraje escrito y dirigido por Albert Solé en torno a la bióloga y oceanógrafa catalana Josefina Castellví. La suya es la historia de una epopeya vital como pionera, mujer y científica, pero también una historia llena de interrogantes sobre el futuro de la utopía antártica, además de ser la crónica de una despedida. Después de 25 años sin haber pisado su paraíso perdido, Castellví regresa a la Antártida para verla por última vez. La película recoge este viaje físico y emocional por uno de los paisajes más hermosos del mundo.

En 1986, cuatro científicos españoles llegaron a la Antártida y plantaron su tienda de campaña en la isla Livingston para estudiar un posible emplazamiento de lo que después fue la Base Antártica Juan Carlos I y, de paso, presionar al gobierno español para que se vinculase al Tratado Antártico. En 1988, el líder de la expedición, Antoni Ballester, sufrió un ictus y Josefina Castellví pasó a dirigir durante seis años la instalación. Fue la primera mujer jefa de una base en la historia de la investigación antártica internacional.

Jueves 22 / ‘María Moliner. Tendiendo palabras’

‘María Moliner. Tendiendo palabras’ (2017) es un documental escrito y dirigido por Vicky Calavia y que explica el proceso vital e intelectual que llevó a la filóloga y lexicógrafa zaragozana a escribir su ‘Diccionario de uso del español’, cuyo primer volumen se publicó en 1966. Moliner dedicó quince años a la elaboración del diccionario y, pese a la enorme trascendencia de su trabajo, jamás fue admitida en la Real Academia Española (RAE). A través de numerosas entrevistas a diferentes personalidades del mundo de la cultura, la literatura, la historia, la educación o el periodismo (entre ellas, Carme Riera, Manuel Cebrián, Pilar Benítez o Soledad Puértolas), la película retrata la apasionante vida de esta pionera enamorada del lenguaje como instrumento de comunicación y comprensión del otro, del mundo y de nosotros mismos. Una mujer por la que la cineasta Vicky Calavia afirma sentir una “profunda admiración, tanto por su obra como por su trayectoria vital”.

Imagen de la filóloga y lexicógrafa María Moliner. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la filóloga y lexicógrafa María Moliner. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Retrospectiva de Erik Gandini en DocsValència

Retrospectiva de Erik Gandini
DocsValència. Festival de Cine Documental
Del 11 al 21 de mayo de 2017

El Festival de cine documental DocsValència, que tendrá lugar entre el 11 y el 21 de mayo, ofrecerá una retrospectiva con algunos de los trabajos más destacados de Erik Gandini, director, productor y escritor sueco nacido en Bérgamo (Italia) en 1967. El repaso a su filmografía se cerrará con el estreno en España de su nueva película documental ‘The Rebel Surgeon’ (El cirujano rebelde, 2017). Además, Gandini ofrecerá una clase magistral, abierta a todo el público hasta completar aforo, el viernes 12 de mayo a las 12.00h en el Colegio Mayor Rector Peset. En ella, explicará cómo abordar el proceso de investigación a la hora de enfrentarse a un nuevo proyecto fílmico.

Desde finales de los años 90, Gandini ha desarrollado un estilo propio en el campo del cine documental que proporciona a sus trabajos un sello de autor fácilmente reconocible, y que le ha llevado a obtener galardones en los más prestigiosos festivales del mundo. “Contar historias no es fácil, y además de hacerlo a la perfección, Gandini cumple con muchas características que debe, o debería, tener un documentalista”, apunta Pau Montagud, uno de los directores del DocsValència. “La información y los datos son herramientas clave en su cinematografía, pero también son instrumentos que utiliza para responder preguntas y para plantearnos otras que no nos imaginábamos al comienzo de sus películas”.

Fotograma de 'La teoría sueca del amor', de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Fotograma de ‘La teoría sueca del amor’, de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Entre las obras del realizador sueco que repasará el festival se incluye su penúltima producción ‘La teoría sueca del amor. El secreto de la felicidad’ (2016), premiada en festivales de Bélgica, Suecia, Holanda y Dinamarca, y que generó cierta polémica en su país de origen. Como explica el propio Gandini, “muchas personas se sintieron provocadas, me acusaron de cuestionar los valores fundamentales de la sociedad sueca. Otros se reconocieron completamente y se inspiraron para discutir estos temas. Pero los datos que cito, como que Suecia es el país con la mayor cantidad de viviendas unipersonales en el mundo o el hecho de que una de cada cuatro personas suecas está sola en el momento de la muerte, son completamente ciertos”.

Fotograma de 'El cirujano rebelde', de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Fotograma de ‘El cirujano rebelde’, de Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Precisamente uno de los personajes que aparece en ‘La teoría sueca del amor’ protagoniza, a modo de spin off, la nueva película de Gandini que se estrena en DocsValéncia. ‘El cirujano rebelde’ (2017) nos sitúa en Etiopía, donde los recursos son extremadamente limitados y el Doctor Erichsen, de origen sueco, se ve obligado a operar con un taladro eléctrico barato de supermercado o a utilizar líneas de pesca en lugar de hilo de sutura.

Otros títulos que incluirá la retrospectiva son ‘Superávit. Aterrorizando para crear consumidores’ (2003), en la que nos muestra la inviabilidad de los modelos políticos y de consumo ilimitado que rigen el mundo, y ‘Videocracia’ (2009), donde se disecciona la inquietante simbiosis entre entretenimiento televisivo y poder político creada en Italia por Silvio Berlusconi.

En definitiva, una buena oportunidad para el público valenciano de adentrarse en el trabajo de Erik Gandini y conocer en persona a este creador único que, en cualquiera de sus obras, siempre piensa en un espectador activo y nos habla de valores universales a través de la emoción. Según sus propias palabras, “hacer documentales es formar parte del gran proyecto cultural de cambiar las cosas, de intentar construir un mundo mejor”.

Erik Gandini.

Erik Gandini. Imagen cortesía de DocsValència.

Fran Nixon, no confundir con Nixon, se va de bares

Salir de casa, de David Trueba
Las Naves
C/ Juan Verdeguer, 16. Valencia
Viernes 31 de marzo, 2017, a las 20.00h

El Espai de Innovació i Creació Las Naves de Valencia acoge el estreno en Valencia del documental ‘Salir de casa’, de David Trueba, que ya ha pasado por festivales internacionales como el Festival de Cine Documental Dock of the Day de San Sebastián, la Muestra de Cine Inédito Español de Jaén y el Cosmopoética, en Córdoba. La cita será el viernes 31 de marzo y el documental será presentado por su director David Trueba y por Fran Nixon. Tras la proyección, habrá un breve coloquio entre ambos artistas y un concierto acústico de Nixon, con temas de su nuevo álbum, ‘Lo malo que nos pasa’.

Con casi treinta años de carrera a sus espaldas, el cantante Fran Nixon (ex vocalista del grupo de pop español Australian Blonde), se une al cineasta David Trueba (ganador del Goya por ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’) en un viaje por España para rodar este documental.

Cabecera del documental 'Salir de casa', de David Trueba. Imagen cortesía de Las Naves.

Cabecera del documental ‘Salir de casa’, de David Trueba. Imagen cortesía de Las Naves.

Ambos, acompañados de Edu Galán, uno de los creadores de la revista Mongolia, viajan en su furgoneta por diversas ciudades del país como Zaragoza, Barcelona, Benicàssim, Albacete o Córdoba. En ellas se reúnen con artistas, amigos y conocidos, con quienes Nixon reflexiona sobre el éxito temprano, la vida en la carretera y la profesión de artista.

Acostumbrados a los documentales donde el músico es retratado en el éxito y entre actuaciones masivas, ‘Salir de casa’ es el retrato del cantante en el territorio hostil e incómodo de los bares ruidosos, en un circuito que oscila entre ánimo y desánimo.

Nixon dialoga con gente que ha sabido encontrar el valor de hacer cosas más allá de lo económico; rostros conocidos del ámbito cultural como el escritor Ismael Grasa, el cantante Ricardo Vicente (ex de La Costa Brava), la artista Susana López, el compositor Paco Loco o el periodista Rafa Cervera, entre otros.

Fotograma de 'Salir de casa', de David Trueba.

Fotograma de ‘Salir de casa’, de David Trueba. Imagen cortesía de Las Naves.

En primera persona

Capturar, de Fernando Merinero
Estreno en cines
Marzo de 2017

Jean-Luc Godard afirmaba que el cine era la verdad 24 fotogramas por segundo. Una célebre boutade que contradecía la actriz protagonista de su film ‘L’amore’ (1969): “El cine es el arte de la mentira”. Un nexo paradójico de ambas sentencias nos daría una frase muy similar de otro artista eternamente joven por deconstructivo, rebelde y contestatario: “El arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad” (Pablo Picasso).

El nuevo viaje que nos propone Fernando Merinero nos transporta directamente al corazón de ese antagonismo. Si una primera visión de su película ‘Capturar’ puede desconcertar es, precisamente, porque ese juego constante de máscaras que caen hace imposible averiguar dónde se halla la frontera de la ficción.

Fotograma de 'Capturar', de Fernando Merinero.

Fotograma de ‘Capturar’, de Fernando Merinero.

Su argumento divaga en torno al ensayo y el error, aborda la preproducción de una película y utiliza el nombre real tanto de las actrices como el director y dedica varias alusiones directas a los dispositivos de grabación y hasta enfoca y transforma en personajes a las cámaras. En muchos momentos, ‘Capturar’ parece un documental de su propio rodaje.

El cine no ha muerto: ¡hagamos, entonces, películas vivas! Una obra muerta está pactada, cerrada, planeada de antemano. Ruedas conforme a guión; montas de acuerdo a rodaje. Una obra viva, sin embargo, es sensible a las circunstancias de su producción, parece haberse construido sobre la marcha. No oculta el boceto, el trazo, las primeras pinceladas. No sólo admite la media frase, el titubeo, el desliz, tampoco corrige esa mirada que, consciente de ser grabada, se clava en varios instantes en el objetivo la a cámara.

‘Capturar’ puede resultar perturbadora si no se acepta esa puesta en escena que reproduce el directo, o no se entiende su tono constante de comedia autoparódica que se ríe de los propios elementos que pone en juego. “Estamos aquí, ahora. Y tú nos estás viendo”. Esa primera persona del singular o plural agresiva desde la que cuenta Merinero pone en crisis la figura de un espectador que cuestiona, por momentos, la posibilidad del relato.

Cartel de la película 'Capturar', de Fernando Merinero.

Cartel de la película ‘Capturar’, de Fernando Merinero.

La narración cabalga con un montaje frenético que enlaza, casi solapa, los tres tiempos: pasado, presente y futuro. Sus planos no se unen, copulan; hasta que todo se rompe, adquiere cordura, profundidad, y la sonrisa se congela. Importante: una película que se pretenda viva, cambia de dirección; un film que no quiera ser difunto, jamás se conforma, no quiere la comodidad de encajar sus aristas en un sólo género. Y, sobre todo, nunca se agota en sí misma: sea porque carece de un verdadero final, porque tiene continuidad o por dejar abierto un debate posterior de difícil solución.

La áspera dialéctica hombre-mujer que exhibe, a ratos jocosa, la mayoría de veces absurda, no se reduce a una cuestión de género, a una mayor o menor empatía con el hombre o la mujer. Para Merinero cada desencuentro está relacionado con una puesta en imágenes que se boicotea a sí misma, que cuestiona su propio dispositivo de narración. Poco importa si lo presenciado es verdadero o falso, si caes rendido ante esa intriga o seducción que su autor activa, dentro y fuera de la pantalla, lo único relevante es que toda esa mascarada, esa mentira, está expuesta con una abrumadora verosimilitud.

Fotograma de 'Capturar'.

Fotograma de ‘Capturar’, de Fernando Merinero.

Dani Gascó

Humans Fest, el documental sigue de enhorabuena

Humans Fest
Festival de Cine y Derechos Humanos
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 10 al 17 de febrero de 2017

La Filmoteca de Valencia ha presentado la octava edición  del Festival de Cine y Derechos Humanos ‘Humans Fest’, organizado por Fundación por la Justicia, que este año ha seleccionado un total de diez largometrajes documentales para la Sección Oficial y siete cortos (ficciones y documentales) para la Sección Cortometrajes.

El director del festival, Javier Vilalta, acompañado por el director adjunto de la subdirección de Cinematografía y Audiovisual del Institut Valencià de Cultura, José Luis Moreno; el Vicerrector de Cultura de la Universidad de Valencia, Antonio Ariño; el director del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad – MuVim, Rafael Company y el responsable de Relaciones Institucionales de Caixa Popular, Paco Alós, avanzó la programación del certamen, que tendrá lugar del 10 al 17 de febrero.

Representantes del festival Humans Fest. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Representantes del festival Humans Fest. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

La voluntad del festival es hacer llegar a la sociedad un cine más reflexivo y comprometido, aportando una mirada realista de los diferentes temas que entretejen la sociedad actual tales como los derechos de las personas refugiadas, los derechos de las personas de diversas orientaciones e identidades sexuales, el derecho a la sanidad de calidad o los derechos de los inmigrantes y refugiados, entre otros.

“Queremos ser transformadores, ser un instrumento para abrir mentes y movilizar conciencias”, explicó Vilalta. Para acercar esas realidades al público, a cada proyección le sucederá un coloquio que contará con la participación de personas y asociaciones especializadas en cada materia. Para muchas películas, el festival tendrá el honor de acoger a sus directores.

'Just a normal person'. Festival Humans Fest.

‘Just a normal person’. Festival Humans Fest.

Cinco estrenos en la programación

El festival cuenta con tres documentales inéditos en España y dos estrenos mundiales. A nivel nacional, Valencia será la primera ciudad en acoger ‘Transit Havana’ (Daniel Abma, 2016) y ‘Just a Normal Person’ (Malin Björkman-Widell, 2015). Ambas abordan el tema de los derechos de las personas transexuales; la primera, en Cuba y la segunda, en Suecia. El tercer estreno dentro de nuestras fronteras es el de ‘An Insignificant Man’ (Khushboo Ranka, Vinay Shukla, 2016), un documental que trata sobre el auge de un nuevo movimiento político en India que algunos equiparan al 15M.

Además, Humans Fest estrena en primicia ‘La estrategia del silencio’ (Vicent Peris, 2016) sobre el accidente de metro de Valencia y ‘Testigos’ (Emilio Martí, 2017), rodada en los campamentos de refugiados en Grecia. Con esta selección, de gran calidad narrativa y técnica, el festival se consolida como propuesta de referencia del género documental en nuestro país, así como en el panorama internacional, al que se ha sumado recientemente en la misma Valencia el Festival Docs.

Además de la Sección Oficial, Humans Fest contará con pases especiales fuera de competición y un ciclo de conferencias sobre Justicia Social que se sucederán en el Colegio Mayor Rector Peset, La Nau, SGAE y Ca Revolta.

Las proyecciones fuera de la Sección Oficial se alargarán gracias al ciclo Dona i Cinema, organizado en colaboración con Dones en Art y que tendrá lugar en el MUVIM el 18 y 19 de febrero. “Nuestro objetivo es visibilizar el papel de la mujer como cineasta, en un terreno todavía hostil y copado por hombres como el mundo cinematográfico”, explicó  Vilalta.

Juan Diego Botto. Imagen cortesía de Humans Fest.

Juan Diego Botto. Imagen cortesía de Humans Fest.

Premio ‘Pau i Justícia’ para Juan Diego Botto

En reconocimiento a su trayectoria como artista comprometido con los derechos humanos y por su activismo e implicación social, Humans Fest ha decidido otorgar esta año su galardón ‘Pau i Justícia’ a Juan Diego Botto. El actor recogerá el premio el próximo día 10 de febrero en la gala inaugural del festival. La Filmoteca, sede principal del festival le dedica un ciclo con la exhibición de las películas ‘Silencio Roto’ (Montxo Armendariz, 2001), ‘Hay motivo’ (VV.AA., 2004), ‘Ciudadano Negrín’ (Sigfrid Monleón, Carlos Álvarez, Imanol Uribe, 2010) y ‘Hablar’ (Joaquín Oristrell 2015).

Cartel de Humans Fest.

Cartel de Humans Fest.

Nuevas sedes

La proyección de los largometrajes documentales de la Sección Oficial se sigue desarrollando de manera íntegra en la Filmoteca de Valencia. Como novedad este año, los cortometrajes de la Sección Oficial se proyectarán en Aragó Cinema. De esta manera, el festival sigue tejiendo nuevos vínculos en la ciudad y sumando voces a la defensa de derechos humanos a través de la cultura. El tema que vertebra la sección de cortos en esta edición es ‘Derecho de asilo y refugiados’.

Cinestudio d’Or será también un nuevo aliado en esta edición. En la mítica sala valenciana se exhibirán, antes de cada pase, los micrometrajes ’1 minuto, 1 derecho’. Estos cortos de breve duración han sido realizados en centros escolares, universidades y centros de atención a personas con riesgo de exclusión social. Hay dos premios en esta categoría y el público contribuirá a la elección de los ganadores con su voto, que se sumará al del jurado.

En la ceremonia de clausura, el 17 de febrero, se entregarán los premios a Mejor Largometraje Documental, Mejor Cortometraje y dos premios a Mejor Cortometraje ’1 minuto, 1 derecho’ (uno para una propuesta escolar y otro para la producción de un centro de atención para personas con riesgo de exclusión social).

Jurado

El Jurado de este año, presidido por los ganadores del Premio Pau i Justicia de la edición 2016 del festival, el director Montxo Armendáriz y la productora Puy Oria, cuenta para la Sección Oficial de Largometrajes Documental con el director Ricardo Macià, la bloguera y activista Fanni Grande, y el director de Cinema Jove, Carlos Madrid. El Jurado para la  Sección Oficial de Cortometrajes está compuesto por la directora Giovanna Ribes, la coordinadora de Amnistía Internacional CV, María Escalona y por la coordinadora cultural de CEAR, Nanguan Manzam.

Fotograma de 'Transit Havana'.

Fotograma de ‘Transit Havana’. Festival Humans Fest.