‘Imágenes para la memoria. Iconografía fascista y Guerra Civil Española (2016-2019)’ La Filmoteca Plaza del Ayuntamiento 17, València Miércoles 6 de noviembre de 2019, a las 20:00
El Institut Valencià de Cultura presenta en La Filmoteca un ciclo de documentales de la Italia fascista sobre la Guerra Civil. El ciclo está enmarcado dentro del proyecto ‘Imágenes para la memoria. Iconografía fascista y Guerra Civil Española (2016-2019)’, comisariado por Daniela Aronica y organizado por el CSCI/IM y el Instituto Luce Cinecittà, con la colaboración del Bundesarchiv Filmarchiv y Filmoteca Española.
El ciclo se inicia el miércoles 6 de noviembre de 2019, a las 20:00, con la proyección del documental ‘I legionari italiani in Catalogna’ (1939), realizado por la sección cinematográfica del Corpo Truppe Volontarie. Es el único documental que cubre la campaña en el norte de Barcelona, la última protagonizada por el CTV.
El documental presenta imágenes de sólida factura y con un planteamiento original, quizá porque incluso los dos cámaras civiles que integraban la sección trabajaron codo a codo con los militares. La cámara estuvo ubicada en la línea de fuego, por eso brinda un catálogo más amplio que nunca de la maquinaria empleada en el conflicto. Se trata de uno de los filmes más logrados de los producidos desde la Italia fascista sobre la guerra civil española.
‘I legionari italiani in Catalogna’. Fotografía cortesía de La Filmoteca.
Tras la proyección del documental se realizará una mesa redonda y un coloquio con Daniela Aronica, directora del CSCI y comisaria del ciclo; Juan Miguel Company, catedrático de la Universitat de València, y Agustín Rubio, profesor de la Universitat Jaume I de Castelló y director de la revista Archivos de la Filmoteca. También se presenta el libro ‘La guerra civil española en la propaganda fascista’. La entrada es gratuita
El objetivo del ciclo, que coincide con el 80 aniversario del fin de la Guerra Civil, es impulsar una reflexión colectiva sobre un evento traumático del aún reciente pasado de España, en el que jugó un papel decisivo la ayuda material e ideológica de Hitler y Mussolini.
Por primera vez se exhiben los documentales producidos desde la Italia fascista que se han podido localizar gracias a un rastreo minucioso en los archivos europeos. Se trata, en muchos casos, de inéditos absolutos. Algunos títulos no llegaron siquiera a estrenarse en su día, debido a la precipitación de los acontecimientos internacionales.
Son imágenes sorprendentes que dicen mucho de la estrecha, pero a la vez conflictiva, complicidad entre Franco y Mussolini: los intereses de los dos líderes variaban, de hecho, en función de la situación interna e internacional que condicionaba su línea política en cada momento, con repercusiones inevitables en el cine, que ellos mismos habían convertido en caja de resonancia de sus consignas propagandísticas.
Un cinematográfico instante durante la guerra civil italiana. Fotografía cortesía de La Filmoteca.
‘Steve Bannon, el gran manipulador’, de Alison Klayman Filmin y #ConUnPack Distribución Estreno en cines: 10 de mayo de 2019
Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, estrena antes de las elecciones europeas el documental sobre el ideólogo de la extrema derecha mundial, el hombre en la sombra de la victoria de Trump en EE.UU. o el brexit, que ahora asesora la campaña de diferentes partidos de extrema derecha europeos: ‘Steve Bannon, el gran manipulador’.
La película llegará a los cines el 10 de mayo. Aunque inicialmente se anunció el estreno simultáneo en cines y online para abril, por exigencias del estreno del filme en Estados Unidos, el lanzamiento en salas en España se ha retrasado al mes de mayo, justo antes de las citadas elecciones.
El film elabora un retrato de Steve Bannon, sin duda una de las figuras clave para entender el auge que la extrema derecha está experimentando en los últimos años en todo el mundo occidental. El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, el próximo mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.
‘Steve Bannon, el gran manipulador’ (‘The Brink’, en su versión original) es un documental dirigido por Alison Klayman (‘Ai Weiwei: Never Sorry’). La directora ha tenido un acceso privilegiado para seguir y filmar el día a día de Bannon durante estos meses en los que ha dado charlas alrededor del mundo y se ha reunido con los principales políticos que representan a la extrema derecha en el mundo, como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage. La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense.
Fotograma del documental‘Steve Bannon, el gran manipulador’, de Alison Klayman. Fotografía cortesía de Filmin.
‘Ce Magnifique Gâteau!’ y ‘Converso’
Premios La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Del 14 al 24 de noviembre de 2018
El mediometraje belga de animación ‘Ce Magnifique Gâteau!’ y el documental español ‘Converso’ se alzan con el máximo galardón de la XI edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València al recibir el premio a Mejor Mediometraje de Sección Oficial y Amalgama. Esta última edición del festival ha estado organizada por el Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Diputació de València, y ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular.
Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina
‘Ce Magnifique Gâteau !’ (Marc James Roels & Emma de Swaef. Bélgica, 2018), ganadora del Premio a Mejor Mediometraje de Sección Oficial, mezcla el stop-motion y la África colonial del s. XIX para narrarnos las historias de 5 personajes diferentes: un rey perturbado, un pigmeo de mediana edad que trabaja en un hotel de lujo, un fracasado empresario en una expedición, un portero perdido y un joven desertor del ejército. Es la primera vez que una animación consigue el máximo reconocimiento en los once años del festival. Las marionetas que dan vida a los personajes y todos los decorados están hechos enteramente de lana. El film también se ha llevado el premio a Mejor Diseño de Producción y Dirección de arte.
La moldava ‘Salix Caprea’ (Moldavia, 2017. 34 min.) se ha alzado con los premios a Mejor Dirección y Mejor Guión, ambos para Valeriu Andriuta.
Cross. Imagen cortesía de La Cabina.
El jurado de Sección Oficial, formado por Fran Ruvira, Carmen Errando, Borja Soler y Mari Mantela, también ha destacado las interpretaciones del mediometraje ‘Cross’ (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min) otorgando el Premio a Mejor Actriz y Mejor Actor a sus protagonistas: Liv Henneguier Damien Bonnard. ‘Cross’ también ha sido galardonada con el premio a Mejor Fotografía.
El premio a mejor banda sonora es para la animación francesa ‘The Man-Woman Case’ (Anaïs Caura, Francia, 2017. 44 min.), webserie animada que relata la historia real de Eugene Falleni, uno de los primeros transgénero de la historia contemporánea condenado por asesinar a su mujer en Australia en los años veinte.
Converso. Imagen cortesía de La Cabina
Por su parte, el jurado de Amalgama, compuesto por Víctor García, Chema García Ibarra y Leonor Díaz ha otorgado el máximo galardón a ‘Converso’ (España, 2017), un mediometraje que habla de cariños, ausencias, vacíos y distancias. David Arratibel dirige este documental de 60 minutos para tratar de entender cómo su familia se convirtió a la fe católica.
El mediometraje “Retour à Genoa City” (Benoît Grimalt, Francia, 2017. 30 min) se ha alzado con el premio a Mejor Montaje. Mientras que el film valenciano “[M]otherhood” (Inés Peris, Laura García, España, 2018. 58 min.) ha sido galardonado con el Premio Barreira A+D a Mejor Guion.
Cristina Chumillas, Didac Ballester y África Pitarch, jurado del Premio a Mejor Cartel, han decidido ensalzar el diseño del mediometraje “Das Gestell” (Philip Widmann, Alemania, 2017. 30 min).
Salix Caprea. Imagen cortesía de La Cabina.
PALMARÉS COMPLETO
Millor Cartell: Das Gestell (Philip Widmann, Alemania, 2017. 30 min)
Millor Migmetratge Amalgama: Converso (David Arratibel, España, 2017. 60 min.)
Millor Muntatge Amalgama: Benoît Grimalt por Retour à Genoa City (Benoît Grimalt, Francia, 2017. 30 min)
Millor Guió Escuela Barreira Arte y Diseño: Laura García Andreu, Inés Peris, Pura Requena por [m]otherhood (Inés Peris, Laura García, España, 2018. 58 min.)
SECCIÓ OFICIAL
Millor Migmetratge: Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef. Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Direcció: Valeriu Andriuta por Salix Caprea (Moldavia, 2017. 34 min.)
Millor Guió: Valeriu Andriuta por Salix Caprea (Moldavia, 2017. 34 min.)
Millor Fotografia: Noé Bach por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Actriu: Liv Henneguier por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Actor: Damien Bonnard por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Disseny de Producció: Emma De Swaef, Marc James Roels por Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef, Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Direcció d’Art: Jean-Marc Ogier por Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef, Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Banda Sonora Original: Pierre Oberkampf por “The Man-Woman Case” (Anaïs Caura, Francia, 2017. 44 min.)
Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina.
‘En busca del Óscar’ (Octavio Guerra, 2018), ‘Cassandro The Exotico!’ (Marie Losier, 2018) y ‘Qué tal Pascual’ (Bárbara Brailovsky, 2018)
Competición Internacional Rellumes
56 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX)
Hasta el 24 de noviembre de 2018
“Hazme una máscara y una pared que me aparten de tus espías,
de esos ojos filosos y esmaltados, de esas garras patéticas
de ultraje y rebelión en los orfanatos de mi cara”
(‘Hazme una máscara’, Dylan Thomas)
Heteróclitos, inusitados, desusados, acrisolados y conceptivos, feraces y ubérrimos, ópimos y exquisitos, turbios o vítreos, yermos o fructuosos, distinguidos y decadentes, propios, raros, extravagantes y singulares.
Desde las precursoras escenas de ‘Eminescu-Veronica-Creanga’ (Octav Minar, 1914), la evolución del documental biográfico ha transitado por inquietantes carreteras secundarias al calor de lúbricos cineastas cuyos fascinantes (y, en ocasiones, estocásticos, perturbadores y enlodados) intereses han contribuido a colmar de personajes –sugestivas celebridades o embriagantes indocumentados– el exuberante devenir de las cinematografías periféricas.
Libérrima y parcialmente rescato del légamo a seres como las Edith Beale (madre e hija, tía y prima, a la par, de Jacqueline Kennedy Onassis), confinadas en la ruinosa hacienda de ‘Grey Gardens’ (Albert y David Maysles, 1975); el elegíaco fin de raza de los Panero en ‘El desencanto’ (Jaime Chávarri, 1976) y su ulterior y valetudinario ‘Después de tantos años’ (Ricardo Franco, 1994); la razón trágica, cristiana y cantillanera de José Pérez Ocaña en ‘Ocaña, retrato intermitente’ (Ventura Pons, 1978); la inefable sombra en cut-up deWilliam Burroughs en ‘Burrgoughs: The Movie’ (Howard Brookner, 1983); el empolvado lupanar autobiográfico de Ramona Coronado en ‘Mónica del Raval’ (Francesc Betriu, 2009) o el hechizante hermetismo estepario del mirífico Harry Dean Stanton en ‘Harry Dean Stanton: Partly Fiction’ (Sophie Huber, 2012), solo por citar algunas confesas y aseadas debilidades.
Por ello, celebro con incontenibles albricias haberme precipitado en la presente edición del FICX por la cotidianidad escarpada de tres sujetos de rumbos vitales tan asimétricos como mesmerizantes, cuyos derroteros rivalizan en la sección internacional Rellumes (Destellos) del festival gijonés.
De este modo, el director canario Octavio Guerra escolta el concurso profesional del escritor bonaerense, crítico de cine y presidente de AEPRECI Óscar Peyrou en ‘En busca del Óscar’, mientras que la cineasta y comisaria francesa Marie Losier acompaña la biografía fronteriza del luchador paseño y queer Saúl Armendáriz Cassandro en ‘Cassandro The Exotico!’ y ‘Qué tal Pascual’ –mediometraje largo de Bárbara Brailovsky para el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la UAB– rubrica el retrato del octogenario fígaro barcelonés Pascual Iranzo.
Si uno acicala sus argumentos con el perfume pseucocientífico de la morfopsicología, no cabe duda posible acerca de la excepcionalidad que portan consigo Peyrou, Cassandro e Iranzo, seres amanecidos en la pantalla con el porte de una fisiognomía tan arquetípica como heterodoxa:
Noble estatura, encarnada gorra de beísbol, camisas hawaianas y atuendo de lino estival, córneas y pupilas prominentes y lentes de alto índice, sempiterno estío, palabra lacónica y reticente, verbo abúlico y sucinto; principios que confieren al paso una inexorable impresión de vulnerabilidad y cáustica inapetencia (Óscar Peyrou).
Compacto tallaje, atlético torso, pómulos botulínicos y rostro cosmético, cabello cardado y áureo, prosodia mestiza y creencias sincréticas, chewing gum de fresas desérticas y ácidas, refrescos de cola con grosellas y poliuretano; aditamentos para un primer diagnóstico de figura tumefacta y camp (Cassandro).
Anatomía enjuta y talle encopetado, nariz prominente, cejas impetuosas, ojos acerados y anteojos mayúsculos, pelambre encoletado, verbo petulante y vanidad insolente, trago largo de maltas fermentadas y cítricos; ademanes opulentos y armonías consuetudinarias (Pascual Iranzo)
En consecuencia, Octavio Guerra, Marie Losier y Bárbara Brailovsky atesoran el afanoso reto de escudriñar tras la ceremoniosa máscara que, adherida, administra el pulso de sus personajes, con el propósito de permitirnos otear el envés, consumar la etopeya que toma refugio tras los overoles y completar el retrato digno de sus flaquezas.
Más allá de las iridiscentes y controvertidas críticas cinematográficas de Peyrou –cuya metodología de trabajo ha sido motivo de excelsa reflexión en estos predios por parte de Jesús García Cívico en el artículo ¿Es posible hablar de las películas que no se han visto?–, ‘En busca del Óscar’ desvela a un individuo abreviado por la biografía, encamastrado de emigración, viudedad, cinefilia y silencio. Octavio Guerra y Víctor Montoya (director de fotografía) apuestan por una plausible ataraxia estilística, cuyo perenne equilibrio permite que sean su protagonista y sus diversos interlocutores quienes acentúen la métrica de la estupefacta hilaridad (protagónica) y las tribulaciones (tan comedidas como suficientes para evitar el remedo).
Provista de los ornamentos perforados y la textura amateur del 16mm, ‘Cassandro The Exotico!’ secunda el auge de la memoria y la decadencia gimnástica y emocional de Saúl Armendáriz, erigido en prócer de los exóticos –luchadores profesionales enmascarados con ademanes afeminados e hiperbólicos–. Marie Losier aporta las virgulillas estéticas a la semblanza locuaz de Cassandro, acérrimo y vigoroso adalid sobreviviente de narcóticos sótanos y hostigamientos, eclosionando de entre púlpitos domésticos, camastros de hotel, barbacoas costumbristas y cicatrices existenciales.
Por su parte, Bárbara Brailovsky y Gustavo A. Mejía (director de fotografía) se sitúan con esteticismo entre la facunda máscara y los espejos del ínclito peluquero Pascual Iranzo, atentos a los combinados del barman Ginés Pérez Navarro –en la contrastada barra del Belvedere– o a las prosaicas y jocosas reuniones de amigos en la costa de Blanes. Un filme que supera sin mácula las expectativas de un primer proyecto cinematográfico.
Guerra, Losier y Brailovsky ofrecen aventajados motivos para permanecer atentos a sus ulteriores propuestas. Peyrou, Cassandro e Iranzo han manifestado el carácter para alojarse en la memoria, tras haber sido razón.
Un instante del rodaje de ‘Cassandro The Exótico!’, de Marie Losier. Fotografía cortesía del FICX.
Hijos del jardín, de Khairi Jemli
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 24 de noviembre de 2018
Reivindicar el espacio público como propio y de toda la ciudadanía es lo que busca el documental de ficción, ‘Dreamcity’, una trilogía del artista urbanista Khairi Jemli que toma forma en la exposición ‘Hijos del Jardín’. Se trata de la nueva propuesta del proyecto Altaveu, del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y que podrá visitarse en el Centre del Carme hasta el próximo 24 de noviembre, dentro de su línea de apoyo a proyectos de inclusión y cohesión social.
En ‘Dreamcity’ Khairi Jemli investiga en tres barrios de tres ciudades españolas que se encuentran en procesos diferentes, San Antón en Cuenca, San Francisco en Bilbao y Russafa en València, este último junto con l’Associació de Joves Artistes Precaris toma el nombre de ‘Hijos del Jardín’. La propuesta tiene como fin visibilizar la importancia de un espacio público que sea realmente para todos, un punto de encuentro donde tejer redes y en definitiva, crear cohesión social.
Hijos del jardín, de Khairi Jemli. Imagen cortesía del Centre del Carme.
El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, recordó que “gracias al programa Altaveu, para proyectos de inclusión y cohesión social, la exposición ‘Hijos del Jardín’ muestra el resultado de una serie de acciones que el artista Khairi Jemli junto con la Associació de Joves Artistes Precaris han realizado en el barrio de Russafa a lo largo de varios meses para motivar a la ciudadanía y activar su pensamiento crítico”.
A través de distintas intervenciones en el espacio público ‘Hijos del Jardín’ ha tratado de visibilizar el poder popular y la importancia que este tiene, empoderando a sectores invisibilizados dentro de estos barrios. Asimismo recoge testimonios de actores relevantes dentro de ellos, para mostrar las diferentes realidades de estos barrios y establecer así distintas capas de lectura para el espectador.
Hijos del jardín, de Khairi Jemli. Imagen cortesía del Centre del Carme.
Esta trilogía de investigación audiovisual se muestra en la exposición junto con diferente material de estudio e invita a reflexionar sobre el modo en que utilizamos el espacio público y cómo podemos recuperarlo frente a la especulación inmobiliaria y la mercantilización de estos barrios que pertenecen a toda la ciudadanía. ‘Hijos del jardín’ es una invitación a reparar en cómo construimos el espacio, cómo podemos protegerlo y defenderlo frente a conceptos como el de gentrificación. En definitiva, Jemli propone una recuperación de la ciudad para los ciudadanos como ya proponía Lefebvre a principios de siglo pasado en su homónimo ensayo “El derecho a la ciudad”.
En los documentales sobre San Antón en Cuenca y San Francisco en Bilbao se muestran dos barrios con una alta población inmigrante y las fronteras simbólicas que existen entre éstos y el resto de la ciudad. En el caso del barrio de Russafa, la especulación inmobiliaria, la mercantilización del espacio y el proceso de gentrificación que ha sufrido este barrio, es lo que hoy en día impide el empoderamiento del resto de la ciudadanía que no encuentra su espacio en su propio barrio.
Hijos del jardín, de Khairi Jemli. Imagen cortesía del Centre del Carme.
‘Roberto Bolaño. La batalla futura’, de Ricardo House
Chile, México, España, 2016
63 minutos
Filmin
Desde el 23 de abril de 2018
Con motivo de la celebración del Día Internacional del Libro y de Sant Jordi, la plataforma de vídeo bajo demandaFilmin estrena en exclusiva ‘Roberto Bolaño. La batalla futura’, dirigido por el realizador y documentalista chileno Ricardo House, tercer capítulo de una serie documental que radiografía el devenir biográfico del ínclito y malogrado escritor santiaguino, del que se cumplirá, el próximo julio, el decimoquinto aniversario de su fallecimiento.
En torno de Bolaño –consabido autor de estocástica cartografía vital–, Ricardo House traza una polifónica senda en la que configuran su retrato una treintena de testigos, entre familiares, estrechas amistades de diversa índole, ubicación y cronología, escritores, editores y profesionales de la cosmogonía literaria con quien, en diferentes periplos de su honda y fugaz existencia, fraguó un vínculo (emocional o circunstancial) de suficiente relevancia como para acudir tras los vestigios, en búsqueda de las razones primeras (biográficas y literarias) que hubieron perfilado al responsable de, entre otras, ‘Estrella distante’ –primera de las publicaciones con Anagrama, en 1996, de la mano de Jorge Herralde, con quien mantendría, a partir de entonces, una umbilical relación profesional acerca de la que el editor catalán se adentra con algunas anécdotas e impresiones durante el documental-.
‘Roberto Bolaño. La batalla futura’ retorna a su infancia, ya enferma de inopinadas lecturas –Guillermo Bravo (vecino y amigo de la ñinez) aventura que “sin querer hacerlo, nos enseñaba a hablar de otra manera”–, y recorre su adolescencia por el desconchado Liceo de Hombres de la ciudad de Los Ángeles, en el centro-sur de Chile, su rauda e imprevista partida a México D.F., el efímero e infortunado retorno a su país en 1973 –golpe de Estado y breve trasiego carcelario–, o la impostura beat de los infrarrealistas mexicanos, movimiento poético (de acciones epatantes) comandado por Bolaño, en compañía de Mario Santiago Papasquiaro, José Vicente Anaya, Bruno Montané o un Ramón Méndez Estrada –quien interviene poética y citadinamente en el documental poco tiempo antes de su muerte– para el que “el infrarrealismo es una actitud” a partir de la que al escritor chileno “le gustó novelar poetas” en su obra literaria.
Si la epidermis biográfica de Bolaño compendia que recala con ulterioridad en Barcelona y, a continuación, en el municipio girondense, costero y definitivo de Blanes -persiguiendo la inesperada estela del Pijoaparte de Juan Marsé en ‘Últimas tardes con Teresa’-, merodea sucesivos y prosaicos oficios de emigrante mientras reporta morfología narrativa a sus febriles inquietudes y se consagra, tras un primer aviso sintomático de su enfermedad, a la escritura hasta alcanzar, por entonces, una notabilísima relevancia, Ricardo House, de la mano del equilibrio asertivo o reflexivo de sus testigos, revela a un individuo que toma el exilio como fuente de riqueza, la errancia como condición elemental y el pasado como territorio del que exhumar los aljófares del relato, anunciando una tensa y turbia relación personal y profesional con su páis natal, cuyos retornos, raíces y conflagraciones literarias solidificaron su posicionamiento y toma de conciencia –“ser escritor chileno es una entelequia, una estafa. El escritor es su lengua”.
A la postre, ‘Roberto Bolaño. La batalla futura’ se formula como un documental de cadencioso recorrido testimonial que auxilia a recorrer algunos recodos pretéritos de la figura del escritor chileno, erigido en un interesante collage audiovisual, acompasado por las ilustraciones de Nicolás Pérez de Arce, la música de Fernando Milagros y Patti Smith (ferviente admiradora del escritor), la significativa grabación radiofónica del programa ‘Si nos dejan’, en Radio Tierra, del escritor y artista plástico chileno Pedro Lemebel y, sobremanera, de la entrevista que mantuvo Bolaño en 1999 con Jaime Celedón en el programa de Chilevisión ‘Celedón, Villegas y Cía’.
VIII Atlàntida Film Fest. ‘Otros censuran, nosotros estrenamos’
Festival de cine online de Filmin
Del 25 de junio al 1 de julio de 2018 en diversas sedes de Palma de Mallorca
Del 25 de junio al 25 de julio de 2018 en Filmin
Atlàntida Film Fest, el festival de cine online de Filmin, implementa en los próximos días su octava edición, que se celebrará entre el 25 de junio y el 25 de julio de 2018. Un total de 83 películas, todas ellas sin estreno comercial hasta la fecha en España, integran una ambiciosa selección que, como ha ocurrido en las dos últimas ediciones, gira alrededor de un concepto: Europa. La programación se divide en cinco bloques temáticos: Generación, Muros y fronteras, Memoria histórica, Política y controversia, e Identidad, a los que hay que sumar una retrospectiva de la obra del director barcelonés Kikol Grau.
Entre los títulos más destacados hay que citar algunos que ya fueron anunciados cuando se presentó la agenda del Atlàntida Film Fest en Palma. Y es que, como ha ocurrido en los dos últimos años, la capital balear acoge del 25 de junio al 1 de julio la edición física del certamen, que suma a las proyecciones de películas, conciertos, conferencias y otras actividades.
Así, algunas de las propuestas más destacadas de AFF18 eran ya conocidas. Como ‘Holiday’, el controvertido debut de la sueca Isabella Eklöf aclamado por medios internacionales como Variety o The Hollywood Reporter, y cuyo interés trasciende la conmoción que provoca una de sus escenas más comentadas. ‘On the Road’, el último film de Michael Winterbottom, mezcla el documental y la ficción al inmiscuirse en una gira de la banda Wolf Alice. Fanny Ardant protagoniza ‘Diario de mi mente’, sobre la relación entre una profesora y el alumno que acaba de asesinar a sus padres. ‘Permanent Green Light’ supone el debut en el cine del prestigioso novelista Dennis Cooper y nos presenta a un grupo de jóvenes que planifica su suicidio perfecto.
Imagen del documental de Joan Porcel sobre la vida de Samantha Hudson, el nombre artístico del mallorquín Iván González, quien se dio a conocer con el polémico y viral videoclip «Soy maricón»
Entrando ya en las novedades, el cine musical estará representado por ‘Julie y la fábrica de zapatos’, que mezcla el cine social con una estética deudora de Jacques Demy. ‘The Wild Boys’ evoca a Guy Maddin y al cine clásico de aventuras y, a su vez, elabora un discurso de género, como poco, asombroso. Teresa Villaverde, nombre fundamental del cine portugués en los últimos años, presenta ‘Colo’, retrato de la crisis de una familia fracturada que ejerce de espejo de otra crisis, económica, social y moral, de escala mucho más amplia. Sandrine Bonnaire protagoniza ‘Atrapa el viento’, la historia de amistad entre una mujer marroquí y la trabajadora francesa que se hospeda en su hogar.
Sobre una tensa relación padre-hijo se construye ‘Daha’, un filme alrededor del tráfico de personas nacido en la crisis de los refugiados. ‘Amateurs’, recién estrenada en el Festival de Tribeca, es la nueva película de Gabriela Pichler, ganadora del Festival de Sevilla en 2012 por ‘Come, duerme, muere’. También ganadora, en este caso del Premio al Mejor Guión en Sevilla, ‘A Violent Life’ mezcla terrorismo nacionalista y mafia en la isla de Córcega. Sharunas Bartas reflexiona sobre la guerra en ‘Frost’, que cuenta con Vanessa Paradis en su reparto. ‘Tower. A Bright Day’ será sin duda una de las grandes sorpresas del Atlàntida Film Fest; una impactante ópera prima con ecos de Lynch y Polanski alrededor de la locura. Comparte giro hacia lo fantástico con ‘Blue My Mind’, la historia de una adolescente que ve su cuerpo mutar.
Bajo el lema ‘Otros censuran, nosotros estrenamos’, la presente edición del AFF no rehuye la polémica. Al poder de controversia de ‘Holiday’ o ‘Permanent Green Light’ hay que sumar el de documentales como ‘Daliborek, el youtuber nazi’, grotesco representante del auge de la extrema derecha en Europa; ‘The Great European Cigarette Mistery’, sobre uno de los casos de lobby más controvertidos de la Unión Europea, que llega al festival tras pasar un año en la nevera mientras sus responsables hacían frente a diversos pleitos y amenazas; ‘El caso Kurt Waldheim’, sobre el nazi que llegó a presidir Austria y a ser secretario de la ONU; ‘El venerable W.’, cierre a la Trilogía del Mal de Barbet Schroeder; ‘El Caso Oleg Sentsov’, retrato del cineasta al que Rusia ha condenado a 20 años de cárcel; ‘Ni jueza, ni sumisa’, que es como un reality americano de humor negrísimo protagonizado por una jueza deslenguada y los delincuentes y criminales a los que debe juzgar; o ‘Samantha Hudson’, estreno mundial en el festival, sobre uno de los personajes más queridos y odiados de Internet en España, autor de ese himno hereje titulado ‘Soy maricón’. La ópera prima de Joan Porcel es una de las 28 producciones españolas presentes en el AFF18.
Títulos programados y premiados en distintos festivales patrios como ‘Yo la busco’, ‘Quiero lo eterno’, ‘Puta y amada’, ‘Lo que dirán’, ‘Europa’ o ‘Casa de nadie’. Además, el videoartista punk Kikol Grau será objeto de una retrospectiva de su obra que incluirá el estreno mundial de ‘Histeria de Cataluña’, suerte de secuela espiritual de ‘Histeria de España’. Un filme coral firmado entre otros por Carlo Padial, Andrés Duque o María Cañas, que mezcla ficciones y metraje de archivo para recorrer el pasado y presente de la Catalunya del Procés. Una película que, sin duda, no dejará a nadie indiferente.
Las 83 películas estarán disponibles online a partir del 25 de junio en la página web del festival (www.atlantidafilmfest.com). Filmin lanzará un abono para ver todas las películas por 15 euros (5 euros para suscriptores).
Imagen del filme ‘Holiday’, controvertido debut de la sueca Isabella Eklöf. Fotografía cortesía de Filmin.
Memoria: El bombardeo del 25 de mayo de 1938 del Mercado Central de Alicante
Entrevista a Alex Guillén y Sergio Lombarte
Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante
«La memoria es como un don maravilloso y una maldición implacable», dijo Aharon Appelfeld, novelista israelí que en esta frase ya sentencia el potencial y la relación entre memoria, identidad e historia. La productora Letra & Frame presentó el pasado viernes 25 de mayo en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, ‘Memoria’, un corto documental que reconstruye el terrible suceso que este año cumple 80 años. Se trata de recuperar en un retrato audiovisual la Guerra Civil en Alicante a través de una combinación de testimonios y material gráfico de la época.
Entrevistamos a Alex Guillén director y escritor de ‘Memoria’, y a Sergio Lombarte, director de fotografía, edición y posproducción de este proyecto.
¿Qué motiva a Letra & Frame a llevar a cabo este documental? ¿Cuál es el objetivo?
Alex Guillén (AG): Nosotros, en nuestra productora Letra & Frame, tenemos un lema, que es el de contar historias. Y nos pareció que esta tenía que contarse y no caer en el olvido por todo el impacto que tuvo en la ciudad y en su historia. No obstante, estamos hablando de un bombardeo en el que murieron 300 personas que fueron enterradas en su mayoría en una fosa común. Y cuya memoria por distintos acontencimientos que pasaron se diluyó en el tiempo convirtiéndose en un rumor o una leyenda que pocos conocían a ciencia cierta.
Sergio Lombarte (SL): Son muy pocas las personas de nuestra generación, o incluso de la de nuestros padres, que saben que esto ocurrió. Mi familia lleva en Alicante más de 20 años y no habían oído hablar de bombardeos durante la guerra civil hasta que comenzamos este proyecto.
En el documental aparecen diferentes personas, desde una testigo hasta un periodista. ¿Qué os llevo a centraros en esos testimonios?
(AG): La brevedad del formato que hemos escogido nos obligaba a seleccionar pocos perfiles muy concretos que tuvieran un conocimiento profundo del tema. Y que al mismo tiempo, se complementaran entre sí para cohesionar la narración. De esta forma seleccionamos un periodista experto en la historia de Alicante que nos aportó imparcialidad, un historiador y arqueólogo que nos dio datos precios, un investigador experto en el tema que nos brindó análisis…Y una testigo que nos ofreció su memoria y que es la auténtica protagonista del relato.
Magdalena Oca, testigo que aparece en el documental. Imagen cortesía Letra & Frame.
¿Por qué este formato de documental corto?
(AG): Nuestra productora apuesta por el reportaje o documental corto porque creemos que es un format que gracias a su duración es capaz de enseñar y entretener sin aburrir. Y en los tiempos que vivimos donde todo es rápido y va a la velocidad de la luz, tenemos que adaptarnos a la realidad audiovisual del mundo.
(SL:) No obstante, Hemos querido darle una estética cinematográfica que suma mediante un juego estético más dramatismo y permite que el espectador se sumerja en el relato.
¿Cómo ha sido el proceso de montaje?
(SL): Para un proyecto de esta embergadura son necesarias muchas horas de dedicación. Nuestra pasión por el formato documental, así como la carga histórica del mismo han sido nuestro principal combustible. Como director de fotografía, me he volcado por conseguir una estética que acompañe a la narrativa. Del mismo modo que la producción y guion realizados por Alex sin duda fueron sublimes y factores clave para desarrollar este documental.
(AG): Ha sido un proyecto exhaustivo realizado en tiempo record, pues en apenas tres meses lo hemos completado. Al ser un proyecto independiente no se ha contado con financiación externa, pero aun así, nada nos ha frenado a la hora de llevarlo a término. La implicación de Mister Barceló , Kurtys Flow y Rebecca Wasser también ha sido un factor determinante para que todo saliera según lo previsto.
Una de las escenas del documental, Mercado Central de Alicante. Imagen cortesía Letra & Frame.
‘Memoria’ ha implicado varias disciplinas artísticas y a varios agentes culturales de la ciudad, ¿era algo premeditado o han ido surgiendo necesidades?
(AG): Desde el primer momento Sergio quiso darle un efoque muy artístico al proyecto, no quedándose meramente en la realización de un documental: Estudiamos los planos, el color y el resultado que queríamos, apostando por una línea gris que acompañara la tristeza de la historia y al mismo tiempo la objetividad y la neutralidad. Esta no es una historia que acabe bien. En cuanto a las colaboraciones, fueron surgiendo de manera espontánea conforme fuimos desarrollando el proyecto hasta que creamos nuestro pequeño universo.
(SL): Conforme avanzaba el documental vimos claro que teníamos que crear un proyecto transmedia, que fusionara varias disciplinas. El primer paso fue plantearnos una fusión de reportaje y documental, con una visión cinematográfica. La primera colaboración externa fue la composición de la canción 25 de Mayo, escrita e interpretada por Mister Barceló y producida por Kurtys Flow. La canción la reservamos para los créditos del documental, dándole a las víctimas una despedida digna. Además realizamos un videoclip para esa misma canción que siguiese la misma estética que el documental. También decidimos contar con la colaboración de Rebecca Wasser, artista alicantina autora de ‘Ecos’, el óleo que cierra el documental. Su cuadro aporta un valor que no podíamos conseguir de otra manera consiguiendo combinar producciones audiovisuales con música y pintura.
Queríais desde el principio que ‘Memoria’ fuera un proyecto independiente, ¿en todos los sentidos?
(AG): Sí al 100 %. La idea desde el primer momento ha sido realizar una producción didáctica, amena, neutral y objetiva.
(SL:) Pura historia basada en testimonios de testigos y expertos.
‘Memoria’ está publicado en la web de Letra & Frame y se puede disfrutar aquí. Próximamente se irá proyectando en colegios o en eventos. La programación se puede consultar en el siguiente enlace: letrayframe.com.
II edición de DocsValència Espai de No Ficció
Premios del Jurado 2018
Los jurados de la II edición de DocsValència Espai De No Ficció ya ha dictaminado los mejores trabajos presentados a las secciones competitivas y a DocsLab, los proyectos presentados a la industria audiovisual. ‘Donkeyote’, el documental dirigido por Chicho Pereira, ha obtenido el galardón Panorama a la mejor película nacional dotado con 3.000 euros. ‘Judas’, de Alejandra Vera, Juan Carlos Carrano, Raúl Capdevila y Raúla Egües, han conseguido la mención especial del jurado.
‘Donkeyote’ es la historia de Manolo y un burro llamado Gorrión, con el que tiene una relación más que especial. Manolo tiene la intención de realizar una ruta por los EE UU en los años 70 y las trabas impuestas le obligan a superarse y a conseguir todo tipo de objetivos para poder realizar la hazaña con su amigo Gorrión. Esto le permite retomar la relación perdida con su familia más cercana.
La entrega de premios de DocsValència se ha celebrado en el Centre del Carme de Valéncia en un acto en que los ganadores han mostrado su satisfacción por el reconocimiento. En todos los casos, las proyecciones de las películas documentales han tenido un gran éxito de público en las siete sedes repartidas por toda la ciudad, desde el día 26 de abril al 6 de mayo de 2018.
David Segarra ha recibido el Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje valenciano con ‘Savis de l’horta’. Fotografía cortesía de DocsValència.
Como mejor documental valenciano en la categoría Mirades, que tiene una dotación de 3.500 euros, ha sido elegido ‘The Cut’, la película dirigida por María Andrés y Ernest José Sorrentino sobre la ablación y en la que han participado doctores del hospital Doctor Peset de Valéncia. La mención especial de esta categoría ha sido para ‘Experiment Stuka’, de Rafa Molés y Pepe Andreu, la película sobre los ensayos nazis contra la población castellonense durante la Guerra Civil española.
La categoría Fragments de cortometrajes, ha sido para el valenciano David Segarra, con su película ‘Savis de l’Horta’. El mejor corto nacional ha sido ‘Buenos días España’, de los directores Sara Pisos, Irati Cano, Carlos Reyes y María Barceló.
En la sección DocsLab, en la que se ha reunido la industria del sector para premiar los mejores proyectos, la ganadora en MiradasDocs ha sido ‘Posidonia’, del alicantino Adán Aliaga. ‘Posidonia’ también se ha conseguido imponer en el premio À Punt Media, que además facilitará la compra de los derechos de la película por parte de la televisión pública valenciana.
Los directores del festival Nacho Navarro y Pau Motagut han felicitado a los ganadores y han explicado que DocsValència ya ha superado todas las expectativas y se ha convertido en un festival que tiene vocación de permanencia una vez consolidada la participación y la asistencia de público.
La jurado Laura Pérez con los ganadores María Andrés Pérez y Ernest José Sorrentino, Premio Mirades 2018 a mejor largometraje valenciano por ‘The Cut’. Fotografía cortesía de DocsValència.
PREMIOS DEL FESTIVAL
Premio Panorama 2018 a mejor largometraje español
‘Donkeyote’
De Chico Pereira
Mención especial del Jurado
‘Judas’
De Alejandra Vera, Juan Carlos Carrano, Raúl Capdevila y Raúl Egües
Premio Mirades 2018 a mejor largometraje valenciano
‘The Cut’
De María Andrés Pérez y Ernest José Sorrentino
Mención especial del jurado Mirades
‘Experiment Stuka’
De Pepe Andreu y Rafa Molés
Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje valenciano
‘Savis de l’horta’
De David Segarra
Premio Fragments 2018 a mejor cortometraje nacional
‘Buenos días España’
De Sara Pisos, Irati Cano Alkain, Carlos Reyes y María Barceló
Premios DocsLab
Premi MiradasDoc
‘Posidonia’
De Adán Aliaga
Premi Tribeca Film Institute
‘505 o por qué adoramos los objetos’
De Miguel León Marcos
Premi À Punt Media
‘Posidonia’
De Adán Aliaga
Premi Plataforma VLC
‘Rapsodia sueca’
De Fran Ruvira
Premi Plataforma Espanya
‘Lobster Soup’
De Rafa Molés y Pepe Andreu
Premi DocsMX
‘Robin Bank o manual para expropiar bancos’
De Anna Giralt Gris
y
‘Lobster Soup’
De Rafa Molés y Pepe Andreu
Menció especial de los expertos DocsLab
‘Eguzkilorea’
De Irati Cano Alkain
Premi Agencia Freak
‘Eguzkilorea’
De Irati Cano Alkain
La jurado Eva Vizcarra con Chico Pereira, director de ‘Donkeyote’, Premio Panorama 2018 a mejor largometraje español. Fotografía cortesía de DocsValència.
Almost Ghosts, de Ana Ramón Rubio
Viernes 6 de abril de 2018
4.000 kilómetros, cinco personas y la carretera más famosa de América. Así ha pasado las últimas semanas el equipo técnico de ‘Almost Ghosts’, un documental valenciano que explora la desaparición de los pueblos fantasma a través de la ruta 66 de Estados Unidos.
“La ruta 66 era la carretera que cruzaba los Estados Unidos de este a oeste, desde Chicago hasta Santa Mónica”, cuenta Ana Ramón Rubio, directora y guionista del documental. “Se ha visto en millones de películas, de libros, de canciones… Pero siempre se trata desde una perspectiva icónica, desde lo que supone hacer el gran viaje, recorrer la carretera madre. No se habla tanto de la gran cantidad de pueblos que murieron por culpa de la carretera interestatal que promovió Eisenhower dejando a tanta gente a su suerte ni de que realmente lo que convierte el trazado en icónico es la gente que todavía vive allí, la pequeña resistencia, de los jubilados que se niegan a dejarlo ir. En ‘Almost Ghosts’, lo que buscábamos era mostrar los estragos de la interestatal en algunos de esos pequeños pueblos y ciudades y qué hicieron unos cuantos jubilados para cambiar la historia, para salvar sus pueblos y preservar la memoria de un trazado que fue único para América”.
A través de los estados de California, Arizona, Nuevo México, Texas, Oklahoma, Kansas, Missouri e Illinois, las cámaras valencianas de ‘Almost Ghosts’ han retratado los pueblos fantasma y aquellos que renacieron y revivieron desde la descatalogación de la ruta 66 en 1985.
“No es realmente un documental sobre la ruta 66”, prosigue la realizadora valenciana, que actualmente se encuentra en la preproducción de un nuevo proyecto para televisión que comenzará a rodarse en los próximos meses. “Almost Ghosts es un documental sobre personas. Sobre aquellos que, aunque eran una pequeña mota de polvo en un desierto, consiguieron salvar sus ciudades de la muerte más absoluta. Y también de aquellos que no lo consiguieron”.
El documental narra las historias de personas como el músico mediocre Harley Russell que sobrevive como la única atracción de la ruta 66 en Erick (Oklahoma), el artista que se vio obligado a reconstruir su pueblo de la niñez Lowell Davis en Red Oak (Missouri), el antiguo barbero de Seligman (Arizona) Ángel Delgadillo, que consiguió convertir la 66 en un trazado oficialmente histórico o el coleccionista Elmer Long que repobló el bosque de Oro Grande (California) con las botellas abandonadas que coleccionaba su padre.
El equipo de Almost Ghosts en la ruta 66. Imagen cortesía de la productora.
“Son personajes que han cambiado la historia de América, no sólo las de sus pueblos”, comenta Cristina Vivó, productora del documental. “Si no fuera por ellos, hoy la gente no soñaría con atravesar los EEUU a través de la ruta 66. No quedaría nada de la carretera que vio a los americanos emigrar hacia el oeste en busca de una vida mejor, o de las familias que se desplazaban para veranear en California. Toda la historia estaría en libros y películas, pero gracias a ellos, gran parte de la ruta se puede seguir disfrutando”, finaliza.
Ana Ramón Rubio, Cristina Vivó, Carlos López Andrés, Celia Riera y Ximo Cardona son los cinco valencianos que han rodado este largometraje en el mes de marzo en los Estados Unidos. Todos ellos forman parte del equipo técnico de la webserie valenciana ‘Todos queríamos matar al presidente’, una producción que actualmente está recorriendo los festivales internacionales del formato y que se alzó hace unos meses con los premios a Mejor Thriller en el festival de webseries de Nueva York (NYC Web fest) o mejor Dirección en el Baltimore New Media Festival. “Todavía no sabemos cuándo se estrenará el documental, pero esperamos que pueda verse a principios de 2019″, concluye Vivó.
