Los Fantasmas de “Prácido Domingo”

‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, de la compañía Prácido Domingo
Espacio Inestable
Aparisi i Guijarro 7, Valencia
5 y 6 de Julio de 2018

El pasado 5 de Julio tuvo lugar la interpretación de la danza teatro ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, realizada por la compañía Prácido Domingo en la sala Espacio Inestable. La sala, en este 2018, ha cumplido su 20 aniversario como compañía teatral y 15 años como sala de exhibición. A modo de celebración realizaron un ciclo de obras de danza para acabar la temporada.

‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’ es una obra que nos habla de nuestros fantasmas, de cómo forman parte de nosotros y cómo pasan de un cuerpo a otro sin que nos demos cuenta. Esta obra trata del amor, el dolor, el sufrimiento, la angustia, la calma y todas esas sensaciones que nos causan las experiencias que vivimos en nuestro día a día y que nunca se separan de nosotros. Estos fantasmas toman el control de nuestro cuerpo convirtiéndonos en sus marionetas, simples desechos de carne a su merced, dejándonos dos opciones: seguir bajo su control o luchar contra ellos.

Fotografía de la obra 'No hay que ser una casa para tener fantasma'. Imagen cortesía de Prácido Domingo.

Fotografía de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasma’. Imagen cortesía de Prácido Domingo.

La obra se asienta en tres pilares fundamentales: la danza butoh, el Aikido y la danza contemporánea. La danza butoh tiene su origen tras finalizar la II Guerra Mundial; se buscaban nuevas formas de expresión con el cuerpo que representaran la situación que se vivía en Japón durante la década posterior a la explosión de las bombas atómicas. El bailarín se convierte en una marioneta y con ella intentan expresar los temas más internos del yo, nuestros fantasmas. La danza butoh es una danza tranquila y muy expresiva que, en esta obra, se ve interrumpida por el Aikido, de movimientos bruscos y secos. El Aikido es un arte marcial que busca la defensa personal y el conocimiento total del individuo tanto corporal como espiritualmente. La danza contemporánea actúa de aglutinante final entre el Aikido y el butoh.

La obra se debate entre esta dualidad. Los actores pasan de la tranquilidad al conflicto y viceversa. El Aikido y la danza butoh forman un todo en el escenario al igual que lo hace el yin y el yang en el taoísmo. Esta dualidad explica nuestro eterno conflicto con nuestros fantasmas. En la obra, el control es total cuando hacen de marionetas, formando figuras imposibles y agarrándose de formas impensables, siendo arrastrados por quien les controla en ese momento. El contraste del Aikido nos lleva a una danza frenética, pero silenciosa, acompañada simplemente por las pisadas de los bailarines y sus jadeos.

La obra tiene lugar en un escenario vacío, con unos pocos focos que iluminan los cuerpos de los bailarines de una forma tenue. Los focos forman luces y sombras por todo el escenario, con las que juegan, creando, así, formas abstractas acompañadas con susurros y risas de los intérpretes, posibilitando un espacio onírico perfecto para recrear nuestra relación con los fantasmas que nos rodean.

Fotografia de la obra 'No hay que ser una casa para tener fantasmas'. Imagen cortesia de Prácido Domingo.

Fotografia de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’. Imagen cortesia de Prácido Domingo.

Prácido Domingo es una compañía teatral gallega compuesta por Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez, exalumnos de la ESAD de Galicia. Con esta obra consiguieron el primer premio en el certamen Xuventude Crea, organizado por la Xunta de Galicia.

Espacio Inestable cerró la temporada con ‘La femme qui marche’, de Natalia Fernades, una obra que trabaja con la idea del conocimiento a través del cuerpo y la experiencia física como motor del pensamiento. El 4 de Septiembre de 2018 volverán a abrir sus puertas con el Festival Internacional de Teatro y Danza.

Fotografía de los tres actores de la obra: Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez. Imagen cortesía de la compañía Prácido Domingo

Fotografía de los tres actores de la obra: Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez. Imagen cortesía de la compañía Prácido Domingo

José Antonio López

“El género es una herramienta muy fuerte de consumo”

CROCHT, de Catalina Carrasco
La Mutant
C / Joan Vedaguer, 16-24. Valencia
Viernes 15 de junio de 2018

Con motivo de la puesta en escena de ‘CROCHT’ llevada a cabo el pasado viernes 15 de junio en La Mutant, y de los talleres de cuerpo, movimiento y género, realizados los días precedentes, entrevistamos a la responsable de la dirección del proyecto, Catalina Carrasco.

En la página web de su compañía, Baal Dansa, Catalina Carrasco aparece definida como bailarina, coreógrafa y performer. Tres disciplinas que no se podrían separar, según ella, ya que transitan de un lugar a otro.

El espectáculo de danza que vais a llevar a cabo tiene como título ‘CROCHT’, ¿a qué es debido?

‘CROCHT’ es una palabra anglosajona no muy conocida, significa entrepierna. Me gustó la sonoridad y su significado, una palabra sin género que lanza la cuestión de: ¿Qué es lo que nos diferencia, lo que tenemos entre las piernas?

¿Tenéis un target específico de público?

No, para nada, al contrario. Contra más diverso, mejor. Durante la creación de este proyecto se ha tenido en cuenta poder llegar a todo tipo de público, que no fuera una pieza demasiado conceptual para que también pudiéramos conectar con personas no cercanas a las artes vivas.

¿Qué tipo de reflexión pretendéis hacer sobre la identidad de género?

La reflexión sobre el concepto de género se ha dirigido, esta vez, hacia la problemática que existe con las personas que no se sienten identificadas con la dicotomía entre lo masculino y lo femenino. Por ejemplo, ya no las personas transexuales sino también las mujeres que no se definen con esta cosificación que hay de cómo debemos ser y de cómo deben ser nuestros cuerpos. Al igual que, hoy en día, muchos hombres ya son conscientes de que tampoco se identifican con esa figura y con esa masculinidad.

Por un lado, se pretende poner sobre la mesa la reflexión de por qué el género es así. Es decir, a causa de la construcción social y del estado neoliberal que nos dice qué y cómo debemos ser constantemente, hay un sistema que nos manipula en todos los ámbitos y, en este ámbito, el género es una herramienta muy fuerte de consumo.

Por otro, mostramos tanto la violencia de género como la violencia sexual que existe por culpa del estado heteropatriarcal y de la Iglesia. Este tipo de poder incluso le ha dado al hombre una fuerza más allá de la física para el maltrato, para sentirse siempre superior y con el derecho de poder insultar y violar ya no solo a las mujeres, sino también a aquellas personas que no entren dentro del estereotipo marcado por la sociedad.

Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía, Cristina Tro.

Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía: Cristina Tro

Como directora del proyecto, ¿hasta qué punto piensas que el cuerpo es el responsable de reflejar nuestra propia identidad?

El cuerpo lo es todo. El cuerpo unido a todo, a nuestra razón, a nuestro pensamiento, a los órganos y a todo el funcionamiento de este contenedor que es el cuerpo. Todo esto desde el pensamiento no basta ya que tiene que pasar al cuerpo, el responsable de realizar la acción.

En trabajos como éste que vienen desde la teoría, son de ayuda libros que me parecen muy interesantes. En este caso, he tomado como referencia principal el libro ‘Transfeminismos’ de Miriam Solá y Elena-Urko, ‘El género en disputa’ de Judith Butler y las obras de Paul B. Preciado.

El inicio del proyecto viene desde la teoría pero, posteriormente, todo esto es llevado a un trabajo corporal mediante herramientas de las artes vivas para realizar la práctica en escenarios y, de este modo, generar un espacio de conversación con los cuerpos.

¿Tenéis en mente futuros proyectos inmediatos?

Ahora mismo empieza la elaboración, desde el pensamiento, de otro proyecto que sigue hablando del género desde una visión mercantil, del cuerpo como objeto y como mercancía. Será algo más íntimo. Ahora necesito volver a una investigación más individualista, al contrario de ‘CROCHT’. Siento la necesidad de buscar dentro de mi “contenedor” para volver a generar este mismo discurso pero, esta vez, de un modo más profundo.

 ¿Has sufrido algún tipo de discriminación en el mundo de la danza por el hecho de ser mujer?

El mundo de la danza es muy sutil, ya que se supone que está más ocupado por mujeres. En cambio, los grandes coreógrafos son hombres, los grandes directores de grandes compañías son hombres, así como los directores de grandes festivales. Ahora es cuando empiezan a aparecer las primeras mujeres pioneras en estos ámbitos. A destacar se encontraría Àngels Margarit como directora del “Mercat de les flors” (Barcelona) u Olga Álvarez, coordinadora artística en La Mutant (València).

Es interesante, cómo ‘CROCHT’ ha estado en bastantes ciudades importantes de países como Italia, Alemania, o México, pero siempre ha sido contratado por mujeres o por hombres homosexuales. Ha habido alguna excepción como es el caso del ‘Circo Murcia’ pero, en definitiva, si no ha ido dirigido a una mujer o a un hombre homosexual concienciado con el tema, no nos han hecho mucho caso.

Catalina Carrasco en el centro durante una sesión en La Mutant. Imagen, Laura Ojeda

Catalina Carrasco en el centro durante una sesión en La Mutant. Fotografía, Laura Ojeda

Y, para finalizar, ¿crees que la danza contemporánea es valorada correctamente?

No, todavía hay mucho desconocimiento. Hay una asignatura pendiente que se debe realizar para poder llegar a alcanzar un rango más amplio de público. Sería interesante llegar, por ejemplo, a la vecina de 50 años que aunque vea Telecinco, también puede ir a ver un espectáculo de danza contemporánea.

Hay que pensar en todo tipo de público, sin llegar a hacer nada comercial porque para eso ya existe el musical o la televisión. Sin embargo, el teatro tiene la capacidad de entrar en otro plano, en el plano no convencional.

El programador siempre tiende a tener miedo de que el público en cuestión no entienda su obra pero me reafirmo en que se está infravalorando a un público capaz de mucho más.

Cristina Tro Pacheco

Imagen de portada, Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía. Cristina Tro.

Imagen de portada, Catalina Carrasco en un momento de la entrevista. Fotografía: Cristina Tro.

Cuatro días ‘danzantes’

Dansa València
Diferentes salas y teatros de Valencia
Del 6 al 9 de abril de 2017

El Festival Dansa València nació en 1988 labrándose un sólido prestigio como referente en la creación coreográfica a nivel nacional. El evento fue  evolucionando hasta 2009, cuando entró en un impasse. Este año renace con fuerza bajo el lema Panorama de la Danza Contemporánea Española y durante cuatro intensas jornadas, del 6 al 9 de abril, presentará una selección sintética de “espectáculos de calidad que integran una visión completa y equilibrada sin entrar en territorios fronterizos”, dice Leo Santos, coordinador del evento.

Sharon Fridman. Imagen cortesía de Dansa València.

Sharon Fridman. Imagen cortesía de Dansa València.

Organizado por el Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana, con la colaboración del Ayuntamiento de València, ofrecerá las propuestas coreográficas más representativas del panorama nacional: un total de trece compañías la mayoría con amplia trayectoria de una década. Seis de ellas son valencianas: Otra Danza, Taiat Dansa, Titoyaya Danza, Cia Maduixa, A tempo dansa y el Ballet de la Generalitat. Los teatros Principal, Rialto y El Musical, la sala Matilde Salvador de La Nau y la plaza del Patriarca serán los distintos escenarios donde se presentarán cuatro estrenos: ‘Still Life’ de Taiat Dansa, ‘Naufragio Universal’ de Marco Vargas y Cloé Brûlé, ‘De traca’ de A tempo dansa y ‘Siempre en algún lugar’ de Paula Quintana.

Como preludio del certamen los dos anteriores fines de semana se pudieron ver en el teatro Principal el Ballet Flamenco de Andalucía con su espectáculo recién estrenado en el Festival de Jerez ‘Aquel Silverio’, y en el Rialto la compañía Eva Bertomeu Danza con ‘El buit ple’. Del 30 de marzo al 2 de abril, el Ballet de la Generalitat ha puesto en escena ‘El cant del cos’, en el Rialto.

Otra Danza, de Asun Noales. Imagen cortesía de Dansa València.

Otra Danza, de Asun Noales. Imagen cortesía de Dansa València.

“La recuperación del festival Dansa València, una marca de valores muy positivos, es un paso importante”, afirma Santos. “Ahora bien hay que tener en cuenta que la cultura en general y la danza en particular tienen poca presencia en la vida cotidiana. Esta disciplina adolece, no sólo de reconocimiento, sino también de conocimiento y no está presente en la actividad educativa. Además, la danza requiere unas infraestructuras a las que hay destinar recursos”.

Marcos Morau, Asun Noales y Gustavo Ramírez son algunos de los valores más firmes y en alza, con proyección internacional, que estarán en el festival.  Morau, natural de Ontinyent y director de La Veronal, Premio Nacional de Danza en 2013, presentará su espectáculo ‘Vorònia’ en El Musical.

La compañía ilicitana Otra Danza, una de las más consolidadas en el panorama nacional, celebra su 10º aniversario con el espectáculo ‘Sacra’ inspirado en una de las primeras piezas creadas por su directora, Asun Noales.

Taiat Dansa. Imagen cortesía de Dansa València.

Taiat Dansa. Imagen cortesía de Dansa València.

Las valencianas Meritxell Barberá e Inma García, al frente de Taiat Dansa, presentan el estreno absoluto de su último trabajo coproducido con Las Naves. Espai d’innovació i creació, ‘Still Life’. Otro estreno absoluto será el de la compañía de Vila-real A Tempo Dansa, dirigida por Pepa Cases, también con 10 años de trayectoria. En su espectáculo ‘De traca’ los ingredientes principales son la participación del público y el olor a pólvora.

La compañía alicantina Titoyaya Dansa celebra también 10 años de actividad continuada bajo la dirección de Gustavo Ramírez Sansano, que trabaja con numerosas compañías internacionales como coreógrafo invitado y goza de un merecido prestigio. Su pieza ‘Lluita’ es una coproducción con el Institut Valencià de Cultura en la que tres creadores ofrecen su visión de la lucha: Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza 2014), Eduardo Zúñiga y el propio Gustavo Ramírez.

Maduixa. Imagen cortesía de Dansa València.

Maduixa. Imagen cortesía de Dansa València.

Maduixa estará en Dansa València con  ‘Mulïer’, Premio Moritz de la Fira de Tàrrega 2016, galardón que premia el mejor estreno de artes escénicas de calle no convencionales. Y el Ballet de la Generalitat estará presente en la plaza del Patriarca con ‘El cant del cos’, coreografiado por Amaury Lebrun, que muestra cómo el gesto cotidiano se puede convertir en conmovedora danza.

Por otra parte, el Teatro Rialto acogerá la plataforma de internacionalización de la danza valenciana, ‘Misión Inversa’, organizada por AVED (Asociación Valenciana de Empresas de Danza), con la colaboración de CulturArts, el IVACE y la SGAE, cuyo objetivo es el impulso internacional de las compañías valencianas.

Sharon Fridman, Antonio Ruz, Roser López Espinosa, Elías Aguirre, Paula Quintana y Marco Vargas y Chloé Brûlé completan el cartel del festival que incluye diversas actividades paralelas. Entre ellas varias clases magistrales, la presentación de la editorial de libros de danza Mahali, un diálogo entre los coreógrafos Antonio Ruz y Marcos Morau y una conferencia de Antonio Najarro, director del Ballet Nacional, en colaboración con la Academia de las Artes Escénicas.

La Veronal. Imagen cortesía de Dansa València.

La Veronal. Imagen cortesía de Dansa València.

Bel Carrasco

CienfuegosDanza en La Rambleta

88 AZUCENAS Y UN PERRO, EL ESPECTRO DE LA ROSA Y LA CORTESANA DEL REY
El nuevo programa triple de CienfuegosDanza
Fecha: 21 y 22 de enero de 2016
Hora: 21:00h.
Lugar: Teatro de La Rambleta

El nuevo programa triple de CienfuegosDanza se inspira en El Público de F. Garcia Lorca y bebe del surrealismo y el dadaísmo.

Los personajes femeninos transitan por las piezas con una mezcla de sensualidad, estupor y arrogancia. La solidez de la trama y la riqueza coreográfica dan forma a una estimulante propuesta de danza en estado puro.
En quince años de trayectoria y con más de quince producciones a su favor, la compañía CienfuegosDanza presenta variadas propuestas de piezas: de gran formato, público familiar, de calle, de pequeño formato, colaboraciones con grandes compañías nacionales e internacionales, además de una cuidada labor pedagógica y de investigación sobre la generación de movimiento dentro de la compañía. La versatilidad en las propuestas y formas de entender la danza junto a un acrisolado estilo y estética de movimiento son sus principales características, a la que cosa hay que añadir un tratamiento espacial muy elaborado.

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Estreno: ”El mercado es más libre que tú”

Dentro de la oferta de espectáculos que tendrán lugar esta semana en la ciudad de Valencia, destaca el estreno este jueves 3 de Diciembre a las 20:00h del cuarto montaje de la compañía ”A Tiro Hecho” con la obra: ”El mercado es más libre que tú” en el Espacio Inestable (Carrer d’Aparisi i Guijarro, 7).

La cual ha germinado en colaboración con diversos colectivos sociales, dando pie a la formulación de un alegato contra el TTIP (Tratado Transatlántico de Comercio e Inversiones). Abordado esta vez, a través del movimiento, con un planteamiento de danza-política, o danza-protesta y que podrá verse hasta el 13 de Diciembre a excepción de los días 7, 8 y 9.

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Así pues, con el lenguaje de la danza contemporánea es con el que se ha experimentado en una línea de acción política, integrando los lenguajes actuales de la escena aderezados en todo momento por la música en directo del músico interdisciplinar (Don Rogelio J.) que participa junto al resto de bailarinas (Paula Romero, Margarida Mateos, Carla Chillida) y la intérprete cubana (Yarima Osuna) en la puesta en escena de una disección meticulosa del capitalismo global (gracias a la ironía y el humor del autor de los textos: Miguel Brieva). La co-dirección del espectáculo, sobre todo en lo referente al movimiento, ha sido posible gracias a la colaboración de Maite Bacete.

El haber contado desde el principio con el apoyo de ATTAC, la Plataforma contra el TTIP de Valencia, ha permitido tomar esta situación como punto de partida para hablar de los mecanismos de poder económico que disciplinan nuestras sociedades occidentales. También en diálogo con la plataforma madrileña No somos delito, y otras entidades sindicales, políticas y sociales hemos armado la estructura del montaje.

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Don Rogelio J

El partir de un hecho tan concreto, global y complejo ha obligado a transitar por los lenguajes de la danza desde una vinculación del cuerpo con la multitud, con la sociedad como grupo heterogéneo de personas. A través de los roles sociales se plantean series de movimiento; y aparecen relaciones de poder, de lucha constante o de rechazo. La inclusión de audiovisuales (Elías Taño) y el marco teórico del profesor Xabier Arrizabalo (Universidad Complutense de Madrid) terminan de englobar las acciones físicas dentro del contexto narrativo que se busca.

Ha sido la búsqueda constante de esta integración entre danza contemporánea y teatro político la que mantiene vivo este montaje, sin olvidar por supuesto, el sentido del humor que lo impregna todo: desde el movimiento (otorgándole frescura), al texto, el audiovisual o la música.

Un recorrido por la realidad, por el mundo de la televisión y la desinformación, por los movimientos sociales norteamericanos, la música negra, la geopolítica y la estrategia del capital; por la poesía financiera y el dinero, y el santo santórum de nuestros días: la publicidad.

Un montaje lúdico, mordaz, inteligente, con un protagonismo central de la danza y con un lenguaje contemporáneo que conecta con la sociedad a través de un tema que no le es ajeno, y que plantea un diálogo entre la ciudadanía y el poder, y que, una vez más, sueña con la construcción de un mundo mejor.

SINOPSIS:
“Cuando, una vez más, alguien nos repita que «el mercado es la libertad» invitémosle a practicar un sencillo experimento mental, consistente en imaginar que entra en un mercado a comprar pero no lleva dinero: constatará en el acto que no podrá comprar nada, que sin dinero no hay allí libertad, que la libertad de elegir la da el dinero.” – JOSE LUIS SAMPEDRO

FICHA ARTÍSTICA:
Intérpretes: Yarima Osuna, Don Rogelio J., Paula Romero, Margarida Mateos Roig, Carla Chillida
Música en directo: Don Rogelio J.
Iluminación: Diego Sánchez
Escenografía: Los reyes del Mambo
Textos: Miguel Brieva, Eduardo Galeano, Xabier Arrizabalo
Dirección: Carla Chillida, Maite Bacete
Fotografía: Danislug Torrance
Vídeo: Nacho Carrascosa , Mámen Jiménez
Grafismo/
Ilustraciones: Elías Taño
Producción: A Tiro Hecho
Año de estreno: 2015
Duración: 75’
Idioma: Castellano

Más información:  atirohecho.wordpress.com/2015/11/19/estreno-el-mercado-es-mas-libre-que-tu/

 

Parking Gallery prepara su 6ª temporada con 6 (21)

Exposición 6 (21)
Parking Gallery
Bailén 15, Alicante
De octubre a diciembre de 2015
Horario de 17:30 a 21:00 h. de miércoles a sábado.

Diseño de Erre Gálvez, cortesía de la galería.

Diseño de Erre Gálvez, cortesía de la galería.

La galería alicantina Parking Gallery presentará a finales de este mes su exposición número 21, inaugurando así su 6ª temporada, con seis artistas, bajo el título 6 (21). La galería quiere exponer en este momento creaciones que han sido fundamentales durante estos primeros cinco años de trayectoria expositiva, firmadas por Damià Díaz, Kribi Heral, Eduardo Infante, Laura Medrano, María Moldes y Juan Palomares. La colectiva cuenta con pintura, escultura y fotografía a la vez que refuerza los lazos con seis de los artistas más vinculados a Parking Gallery. Además, Erre Gálvez colabora en el diseño gráfico de la imagen de la muestra.

Sueños, de Laura Medrano

“Sueños”, de Laura Medrano. Cortesía de la galería.

Desde Parking Gallery reconocen que la selección ha sido un tanto aleatoria, con la voluntad de combinar en la misma sala a una serie de trabajos bien diferentes: algunos son nuevos y avanzan novedades de sus creadores; otros han sido producidos para colaboraciones externas y nunca antes expuestos en la galería; y una parte de ellos son descubrimientos, joyas que repiten o rarezas “que nos han convertido en lo que somos”, afirman Chini Manero y Jaime Pérez Zaragozí, directores de la galería.

"Transversal", cortesía de la galería

“Transversal”, de Damià Díaz, cortesía de la galería

Por eso en 6 (21) el protagonismo es de cada obra individualmente, cada una tiene su propia historia y el conjunto forma parte de la nuestra. Como actividades paralelas a la exposición habrá música y danza contemporánea.

Más información en la Web de Parking Gallery
www.parkinggallery.es

Dansa València persigue a Patti Smith

La compañía valenciana Taiat Dansa presenta en Matadero Madrid, dentro del festival Fringe 13, los días 11 y 12 de julio a las 20 horas, su último trabajo, ‘Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith’.

El festival Fringe 13 acoge esta pieza, de la que se han mostrado extractos en ciudades como Nueva York o Berlín y que se estrenó en junio en Dansa València. El proceso de creación de la obra comenzó en 2011 y lo que partió como la idea de subir al escenario el movimiento que utilizaban quienes acudían a los conciertos punk durante los años 70 en Nueva York con la figura mitificada de Patti Smith de fondo fue derivando en una infructuosa persecución de las componentes de Taiat detrás de su mito.

"Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith", imagen cortesía de Taiat Dansa.

“Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith”, imagen cortesía de Taiat Dansa.

La obra invita al espectador a perseguir a su propio icono, como ellas lo hicieron con Patti Smith por el hotel Chelsea de Nueva York, la galería Robert Miller o los distintos puntos de la gira que recientemente la cantante hizo por Europa.

De este desencuentro a lo largo de dos años surge ‘Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith’, que cuenta la historia de la desmaterialización de un mito, de la huida de una estrella, de la desintegración de un sueño.

Taiat presenta una pieza documentada sincera y sin ornamentos en la que las bailarinas narran en primera persona su propia historia de desamor y reflexionan sobre la fragilidad de nuestros ídolos.

Meritxell Barberá e Inma García fundaron la compañía Taiat en 1999 y desde entonces han presentado su trabajo en espacios de ámbito nacional como el Mercat de les Flors en Barcelona o Cuarta Pared de Madrid y en escenarios de otros países como Estados Unidos y Francia.

La obra está dirigida e interpretada por Meritxell Barberá e Inma García. La dramaturgia del espectáculo recae en Roberto Fratini, profesor de Teoría de la Danza en la Universidad de Pisa y en el Institut del Teatre de Barcelona, y de Metodología Crítica en la Universidad de L’Aquila. Josep F. Sanmartín se ha encargado del diseño y construcción del espacio escénico y Siemprevivas del vestuario. La pieza cuenta con música original de Caldo, además de la de Monteverdi y Patti Smith.

La obra inicia su gira por España en Madrid, tras estrenarse en Valencia el pasado mes de junio.

"Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith", imagen cortesía de Taiat Dansa.

“Vamos a hacerte bailar: persiguiendo a Patti Smith”, imagen cortesía de Taiat Dansa.

Russafa en Dansa: bailar en la oscuridad

II Festival Russafa en Dansa
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Hasta el 19 de mayo

Cultura viene de cultivar. Es decir, de transformar el yermo terreno improductivo en espacio abonado para el crecimiento. Allí donde nada florece, de pronto algo germina. Un país sin cultura es un país negado para la prosperidad. También es cultura la silla eléctrica, sin duda. Y todo parece indicar que es este otro lado sombrío de la cultura el que ahora predomina, al menos desde hace tiempo en nuestro país. Por eso en lugar de cultivar, como hacen en otros sitios, aquí soltamos descargas eléctricas, en forma de desplantes, a la creatividad.

Björk, en la película de Lars Von Trier, Bailar en la oscuridad, escenifica a la mil maravillas lo que desprende el título cinematográfico. Una muchacha que lleva una vida aburrida y sórdida logra sobrevivir a base de imaginativos números musicales, que alumbran su gris existencia. La cultura, en forma de baile, ventilando su contaminada vida. El Festival Internacional Dansa València viene a ser ese oxígeno para una danza amenazada de muerte. La Sala Russafa, con cuatro propuestas escénicas, se suma a ese aire acotado en unos pocos espacios: Teatro Principal, Rialto, Carme Teatre y Espacio Inestable. Toni Aparisi, Manuel Cañadas e Isabel Pérez, directores de La historia de un soldado, ¡Petroff solo quiere bailar! y Miradas, respectivamente, trazan el perfil de esa danza vigorosa por dentro y pálida por fuera.

Historia de un soldado. Toni Aparisi. Russafa en Dansa

Historia de un soldado. Toni Aparisi. Russafa en Dansa

“DINÁMICA DE SUBVENCIONES”

Toni Aparisi cree que la danza “lleva bailando en la oscuridad mucho tiempo”. Y ello se debe a la acumulación de muchos factores: “Se generó una dinámica de subvenciones, sin pensar si un espectáculo era vendible o no, de manera que se programó sin cuestionar la rentabilidad. A su vez, nosotros nos hemos mirado al ombligo, sin buscar las formas de autofinanciación”. A eso hay que añadir el hecho de que los programadores culturales, en muchos casos, “son gestores de su propio gusto” y no rompen esa “barrera para dar un voto de confianza a otros espectáculos”. Y, para colmo, el IVA. “En otros países más potentes tienen un IVA cultural más pequeño, porque si la institución pública no puede ayudarte, sí puede hacerte la vida más fácil”. La “suma de todos estos factores” sumió a la danza en la actual  “gran depresión”.

“¿Quién da el primer paso para que esto cambie?”, se pregunta Aparisi. Y plantea, entre otras cosas, “acercarse al público con espectáculos más accesibles”, para lo cual se hace necesario una “programación que acoja coreografías vanguardistas, que ayudan al público en esa transición”. También reclama un mayor espacio en los medios y la tendencia progresiva hacia la “autofinanciación”. Hasta que tal cosa suceda, la danza seguirá siendo “una cuestión vocacional, en la que toca reinventarse”. Que es lo  que hace Toni Aparisi con La historia de un soldado (o lo que traen las guerras), que arrancó ayer y estará en la Sala Russafa hasta el domingo. En ella, un soldado vende su violín (alma) al diablo, para librarse de la guerra y hacerse rico. Una obra “legible”, con música “muy descriptiva” de Stravinsky a cargo de la Orquesta Ciutat de Llíria, y de actualidad por cuanto refleja la “codicia y avaricia que provocan tantas guerras”. Ahora, “los recortes son aquellos disparos”, subraya Aparisi.

Cía Perros en Danza. Petroff solo quiere bailar. Russafa en Dansa

Cía Perros en Danza. Petroff solo quiere bailar. Russafa en Dansa

“HAY QUE CULTIVAR LA DANZA”

Para Manuel Cañadas, de la compañía Perros en danza, la situación es “dramática”, tanto por la “falta de público” como por el “escaso apoyo estatal”. Además, “a la hora de programar los teatros no se arriesgan”, llevándonos en este sentido “mucho adelanto” otros países europeos. Y, por si fuera poco, la crisis. “Ahora se nota más, porque se invierte menos en cultura, y si haces un espectáculo que se sale del divertimento, menos aún, porque se prefieren obras aligeradas para que la gente pase un rato feliz en medio de la crisis”. Por todo ello, toca “resistir, sobrevivir” y, sobre todo, “cultivar la danza” de cara al futuro.

Con su espectáculo ¡Petroff solo quiere bailar! (coreografía panfletaria para momentos de crisis), que estará en la Sala Russafa los días 18 y 19, Cañadas lanza un grito evidente. “Se trata de cuestionar para qué sirve bailar, y bailar es sentir, desarrollarse como persona”. La coreografía panfletaria, que él utiliza irónicamente, pretende reivindicar la energía de Petroff, su “libertad de expresión”, con la simple ayuda de una silla, flexos de luz, una maleta y dos marionetas. Todo ello al servicio de la “defensa de la danza, desde la necesidad creativa”.

Miradas. Ballet Español Fusión. Imagen cortesía de Russafa en Dansa.

Miradas. Ballet Español Fusión. Imagen cortesía de Russafa en Dansa.

“ALGO ESTAMOS HACIENDO MAL ENTRE TODOS”

Isabel Pérez, de la compañía valenciana Ballet Español Fusión, lo ve “fatal”, porque “salvo las grandes compañías, las demás nos las vemos para sobrevivir, y eso que presupuestamos de lo más ajustado”. Pues ni así. Aparte de los bolos que no han cobrado, se encuentran encima con ayuntamientos que “no tienen ningún miramiento y pasan de todo”. Incluso los hay “kafkianos”. Y pone un ejemplo: “Me dijeron que si podía reducir el espectáculo a tres cuartos de hora para que fuera más barato…¡como si fueran metros de cable!”.

Isabel Pérez da clases en el Conservatorio y se encuentra con padres que le preguntan de qué va la danza española. “Algo estamos haciendo mal entre todos”, se cuestiona. De manera que entre “la desinformación que todos queremos tener” y el “gasto en grandes producciones, que desequilibra el reparto público, vivir de esto es muy difícil”. Aún así, ahí sigue con Miradas, el espectáculo programado en ‘Russafa en Dansa’ para los días 15 al 17. Un espectáculo puramente visual, con música de Jesús Serrano, y ocho bailarinas que actúan “sin cortes, cambiándose muy rápido de vestuario y sin tiempo para pestañear”. Un espectáculo que ha triunfado en otros países y que aquí todavía busca un patrocinador que le de más vuelo. El que necesita la danza, en perpetuo baile con la oscuridad.

Salva Torres