La divina comedia: tres actos, tres intérpretes

La divina comedia, de la compañía La Imperdible
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Del 6 al 8 de octubre de 2017

Tras levantar el telón de su séptima temporada el domingo 1 de octubre con el concierto Mujeres Bolero, Sala Russafa inaugura esta semana su programación teatral con ‘La Divina Comedia’, una de las piezas más destacadas de la literatura universal, pero cuyo formato la ha ido alejando progresivamente de los lectores contemporáneos.

Un centenar de cantos forman el poema que Dante Alighieri compuso en el siglo XIV y que dibuja una fascinante descripción del paso del purgatorio al infierno y, finalmente, al paraíso. Una historia que marcó la imaginería del sufrimiento y la redención, influyendo en gran parte de la ficción que ha venido después. Para facilitar su salto al siglo XXI y acercarla al espectador contemporáneo, la compañía sevillana La Imperdible ha creado una novedosa versión teatral que estrena del 6 al 8 de octubre en la Comunidad Valenciana.

La divina comedia, por la compañía La Imperdible. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La divina comedia, por la compañía La Imperdible. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La formación cuenta con una trayectoria de casi treinta años en la investigación escénica y con el Premio Andalucía de Teatro, entre otros reconocimientos. Además, obtuvo el Premio del Público de Sala Russafa en 2012 gracias a un montaje de ‘Pareja Abierta’. Y ha visitado el centro cultural en varias ocasiones con propuestas como ‘Los Monólogos de la Vagina’ o ‘Mozart vs Salieri’, ésta última en el arranque del pasado ejercicio.

Desde la Antigüedad, la simbología del número tres ha estado y sigue estando muy patente en la tradición cultural occidental. Símbolo de la perfección en el medievo, también se recogió esta fascinación en la Trinidad cristiana, en la geometría o en la aritmética. Y es clave tanto en el texto original de ‘La Divina Comedia’ como en la curiosa adaptación con el que la compañía sevillana lo actualiza, estableciendo un puente entre la edad media y nuestros días.

Durante tres actos, tres intérpretes llevan a escena este impactante viaje mediante tres elementos: la palabra, la música en vivo y las artes plásticas. Una adaptación del poema original hace más asequible la trama de esta aventura que el actor Moncho Sánchez-Diezma narra como un oscuro cuento.

Lo ambientan en directo los músicos David Ruiz y José María Roca con una composición original que incluye sintetizadores y teclados, percusión e instrumentos de viento como el saxo o la flauta, para ir reflejando el estado de ánimo de los protagonistas. Y la puesta en escena se completa con la proyección de las 80 famosas ilustraciones realizadas por  Gustave Doré en el S. XIX. Una impactante propuesta interdisciplinar, en la que lo clásico y lo contemporáneo colaboran para acercar al espectador y mantener con vida esta obra cumbre de la literatura.

La programación del ‘Ciclo de Compañías Nacionales’ de Sala Russafa continuará hasta el 26 de noviembre y la próxima semana ofrecerá su segunda propuesta, ‘Sigue la tormenta’ (14 y 15 de octubre), un texto contemporáneo del dramaturgo francés Enzo Cormman en manos de la formación zaragozana Tranvía Teatro. La oferta del centro cultural se completará con el arranque de la programación familiar, estrenando en la Comunitat Valenciana ‘El caso del fantasma percursionista’ (14 y 15), de la compañía jerezana La Gotera de Lazotea.

La divina comedia, por la compañía La Imperdible. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La divina comedia, por la compañía La Imperdible. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Net art y humanismo en La Neomudéjar

Umbrales, G109 y Autismo Vaginal
Museo del Centro de Arte de Vanguardias La Neomudéjar
C/ Antonio Nebrija s/n. Madrid.
Hasta el 4 de septiembre de 2016

La Neomudéjar de Madrid nos propone un extraordinario viaje a través de los sentidos y la estética humanista durante todo el verano. Por un lado, arranca la retrospectiva sobre la obra de Antonio Alvarado que es, sin duda, el artista precursor del net art y el arte electrónico en España. Un trabajo imaginativo y muy reflexivo que se ajusta y dialoga con su tiempo. Durante los meses de julio y agosto de 2016 se expondrán en el Museo La Neomudéjar algunas de las obras electrónicas que ha realizado en los últimos veinte años, es el caso de ‘El escursionista’, ‘Inasible luz’, ‘Los comportamientos de la realidad’, ‘La ciudad de los cantares’ o ‘Ternuras de guerra’.

Señala Alvarado: “Esta exposición aunque no habla ni de política ni de dinero, sí habla del poder. Habla de sentimientos, de personas y de máquinas, de sus relaciones y de los múltiples caminos que existen para que se produzcan estas relaciones. En definitiva habla de cuerdas, de hilos, de redes y de capas de cebolla. En ellas el caos se desordena y desestructura formando un entramado de coherencia. La máquina y el hombre caminan juntos como creador y criatura. Y estas criaturas se revelan, como lo hacen todas las criaturas conscientes, contra su creador. Estas relaciones son las que dan la imagen de nuestra grandeza o nuestra miseria. A partir de ahora vosotros tenéis la palabra”.

Se acompañará la muestra de una performance llamada ‘Las palabras’. Se trata de una acción concebida en 2006 que se multiplica y bifurca en DVD, instalación e ilustración. Las palabras son solo una convención de su significado, las mismas palabras podrían significar otra cosa, su propio reflejo forma otras palabras y si las traducimos a otro idioma forman palabras nuevas que en el nuestro tienen también un significado. Esta acción muestra como la entonación, la repetición aleatoria y el recitado en grupo, pueden distorsionar el significado e incluso anularlo. La acción consta de dos proyecciones móviles sobre elementos transformables; en su presentación se proyectaba sobre plásticos translucidos que podían ser movidos libremente tanto por el artista como por el público. Cada una de estas proyecciones consta de un software que muestra aleatoriamente frases escritas, entrecortadas y grabaciones sonoras de las frases mostradas. Hay tres grabaciones sonoras, una por cada proyección y una otra independiente, en total tres recitados grabados de los textos. Existe un cuarto o más recitados de estas frases, dependiendo del número de participantes. Cada uno de estos recitados se entonará de una manera diferente, incluso distorsionándolo. El público, que se le darán unas hojas con los textos y se le incitará a recitarlo, debe de moverse entre la proyección.

Imagen cortesía La Neomudéjar.

Imagen cortesía La Neomudéjar.

Sumando voces nuevas a esta disciplina electrónica, la Sala Generador acogerá la obra ‘G109’, del artista Miguel Martín. Se trata de un trabajo interactivo entre la máquina, el hombre y el reciclado lumínico de la ciudad de Madrid.

La segunda remesa de trabajos llega de la mano del fotógrafo José Luis Sanz y la artista feminista Diana Blázquez. Ambos exploran de manera frontal umbrales de diferencia. Son trabajos basados en experiencias y narrativas de vida que desde la fotografía o la pintura reflejan estados humanos de oscuridad y de reflexión. ’Umbrales’ muestra este trabajo fotográfico como un recorrido uterino donde la mujer está siempre presente, su mirada y composición del plano está más alla de una técnica depurada, vibra de una manera que solo la luz sabe hacer cuando choca con la textura de una piel vivida. ‘Umbrales’ posee una metáfora precisa de lo que podría ser un nuevo viaje de Dante. Los umbrales que abren esas puertas que todo ser humano recorre a lo largo de su vida, viéndose afectado manera inequívoca para seguir creciendo.

José Luis Sanz es un fotógrafo humanista, su recorrido vital le expone de una manera valiente ante los ojos del espectador y nos muestra sus infiernos y sus glorias, sus temores o su ansia de libertad. El cuerpo de la mujer es la metáfora con la que él presenta sus recorrido vital, una experiencia trasladada a la figura femenina, para que esta sea voz narradora de aquello que uno no sabría expresar si no es a través de la imagen del otro. ‘Umbraleses’ en sí un espejo del alma de este hombre, de sus miedos, de sus cadenas, de sus vicisitudes, afectos y fetiches. Un rostro sin rostro donde lo que realmente importa es el umbral que atravesamos. No existe un juicio sino una reflexión humana que debe permitirnos reflexionar.

Diana Blázquez en cambio reflexiona, con ‘Autismo Vaginal’, sobre un testigo. Y parte de un hecho concreto que es también una certeza: “dentro de todas nosotras hay un testigo”. Un testigo que siempre está ahí: si le miramos, nos mira; como un yo auténtico que mira al otro y falso yo.

“Tenemos que huir de la cultura del palote”

II Congreso de Periodismo Cultural
Palacio de la Magdalena
Avenida de la Magdalena s/n. Santander
Jueves 16 y viernes 17 de junio de 2016

La nueva ingeniería cultural. Tal fue el lema del II Congreso de Periodismo Cultural celebrado en el Palacio de la Magdalena de Santander los pasados días 16 y 17 de junio. Diferentes creadores, productores, gestores y agentes de la industria cultural desplegaron sus ideas en torno a la “admirable capacidad de innovación” que, según se recogía en el programa, está teniendo lugar en las artes plásticas y cinematográficas, el mundo del teatro y el diseño, el patrimonio cultural y la museografía.

“Sus aportaciones al paisaje cultural han incrementado la influencia de las nuevas maneras de entender la industria cultural. Su innovación, creatividad, canales y producciones se agrupan bajo el título elegido para el Congreso: nueva ingeniería cultural. Son otros modos los que se anuncian: para el desafío contemporáneo de la creación, el fin de unos hábitos caducos, la adquisición creativa de lo inédito, la expansión de la autoría”, apuntaban sus organizadores.

El Congreso se ofreció como un encuentro privilegiado para los periodistas que redactan la crónica cultural, al tiempo que los promotores de la “nueva ingeniería cultural” se relacionaban con los periodistas de los medios de comunicación más influyentes. “El propósito del Congreso es conocer de cerca sus proyectos, el proceso creativo que les ha dado forma y el horizonte que sus autores han sabido vislumbrar. Más allá de lo que resulta previsible (e impávido) en la actividad cultural, la innovación descubre y realiza unas posibilidades de las que poco sabemos todavía”, se argumentaba en el programa.

Uno de los momentos del II Congreso de Periodismo Cultural celebrado en el Palacio de la Magdalena de Santander.

Uno de los momentos del II Congreso de Periodismo Cultural celebrado en el Palacio de la Magdalena de Santander.

El arquitecto e ingeniero industrial Carlos García Delgado lo abrió proponiendo ‘Matar a Sócrates’. Señaló que los grandes pensadores griegos, como Sócrates o Platón, defendían la idea del logo, siendo éste un pensamiento lineal consciente. Y se preguntó: “¿Existe otra manera de pensar que no sea un pensamiento puramente racional?”. Su respuesta fue afirmativa: “Sí, mediante el pensamiento creativo, sistémico, a través de nubes de variables”.

“A lo largo de la historia, pensadores como Homero, Dante o Tomás de Aquino, se ciñeron a la idea de que la creatividad provenía de una lluvia de imágenes. Sin embargo, autores como Konrad Lorenz, Ilya Prigogine, John Eccles, Norbert Wiener o Ludwig von Bertalanffy, defendieron la idea opuesta”, agregó.

García Delgado afirmó que las ideas surgían “de la memoria, no de la lógica” y que la conciencia no era “más que el corrector de la primera”. “Los datos están en perpetuo movimiento y la memoria puede recombinarlos y cambiar de lugar, lo cual produce la imaginación”, precisó, al tiempo que relacionaba la memoria con la temperatura: “Cuanta más temperatura, más imaginación”. Concluyó que era “en momentos de distensión, no de extrema relajación”, cuando la creatividad alcanzaba “su punto álgido”.

II Congreso de Perioodismo Cultural celebrado en el Palacio de la Magdalena de Santander.

II Congreso de Perioodismo Cultural celebrado en el Palacio de la Magdalena de Santander.

Josep Ramoneda, ex director del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y director de ‘La maleta de Portbou’, centró su argumentación en torno a la idea de ‘Copiar o inventar’. “Hay que fijarse en el modelo, no copiar”, avanzó, destacando la importancia de “dar un hogar a las ideas de otros proyectos”. Afirmó que la gran pregunta que había que hacerse era: “¿Esto que se ha expresado se podía haber hecho de otra manera?”

El socio y consultor de Tekne-Cultura, Pepe Zapata, empresa encargada de la gestión de marketing de proyectos culturales, señaló que lo importante era el proceso, “el comportamiento del usuario con los proyectos”. Y advirtió: “Hay que huir de la cultura del palote. Es decir, no poner un palote cada vez que alguien utiliza un producto”. Guillermo Busutil, director de la revista Mercurio, apuntó durante uno de los coloquios, acerca del estado actual del periodismo cultural, que él no veía la botella ni medio vacía ni medio llena, “yo he bebido siempre directamente del grifo”.

Del arte en los espacios públicos se ocupó Marc García, director de Rebobinart, quien dijo que el hecho de “prohibir o hacer una restricción a un arte provoca que los más jóvenes vean el arte invasivo como un referente y lo fomente, no al contrario”. Diego Rodríguez, director de Espacio Márgenes, apuntó que había muerto una clase media del cine español por culpa de productoras como Atresmedia o Mediaset “que se lo llevan todo”. El Festival Márgenes señaló que había nacido “de esa frustración”.

El II Congreso de Periodismo Cultural, organizado por Fundación Santillana con el patrocinio del Ayuntamiento de Santander, Fundación Botín y la UIMP, se cerró con un coloquio en el que Laura Revuelta, redactora jefe del ABC Cultural, resumió que si el año anterior habían sido los periodistas “los que lloramos e hicimos una especie de catarsis”, en esta ocasión habían venido “los creadores de muchas cosas…a llorarnos”.

Carteles del II Congreso de Periodismo Cultural.

Carteles del II Congreso de Periodismo Cultural.

Danae N. Torres