La comedia como antídoto contra el coronavirus

‘¿De qué se ríen los europeos?’
Ciclo de cine coordinado por Daniel Gascó
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Del 16 de julio al 8 de agosto de 2020
Miércoles 15 de julio de 2020

El Centre del Carme Cultura Contemporània retoma el humor y revitaliza las noches de verano con un nuevo ciclo de cine de comedia europea. ‘¿De qué se ríen en Europa?’ insiste en el género e invita nuevamente a un divertido viaje por el viejo continente, del 16 de julio al 8 de agosto, en el claustro gótico del Centre del Carme. Tras el éxito del CCCCinema d’Estiu celebrado en agosto de 2019, el Centre del Carme propone un nuevo ciclo de forma presencial, con entrada gratuita y al aire libre, en esta ocasión con aforo limitado y reserva previa para disfrutar de la actividad en esta “nueva” normalidad de forma segura.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, ha señalado que esta propuesta “recupera la esencia del cine de barrio, a la fresca, con una serie de películas que están fuera del circuito habitual de la salas de cine y de televisión y que han sido específicamente traducidas para garantizar la diversidad lingüística en valenciano y castellano”, añadiendo que “el Centre del Carme redescubre Europa con un viaje a través del cine de comedia, una oportunidad para seguir descubriendo a nuestros países vecinos, abordando diferentes temas o problemáticas de nuestra realidad, desde lo que más nos une como es el humor”.

Cartel con la programación del ciclo de cine ‘¿De qué se ríen los europeos?’ en el Centre del Carme.

‘¿De qué se ríen en Europa?’ ofrecerá un total de 21 películas pertenecientes a 12 países europeos, 16 de ellas inéditas en España. De martes a domingo, cada noche a las 22:00 horas se podrá disfrutar de una programación en versión original con doble subtitulado, en castellano y valenciano. El ciclo pasa a llamarse ‘¿De qué se ríen en Europa?’ como continuación al ciclo ‘Confi(n)ados a la comedia’, que se dedicó específicamente a la comedia española con una selección de ocho películas que el Centre del Carme ofreció dentro de su programa CCCCenCasa, el pasado mes de mayo.

El crítico cinematográfico y coordinador del ciclo, Daniel Gascó, ha manifestado que “hay que retomar el humor, aunque sólo sea porque es un revulsivo capaz de relajar cualquier estado de alarma, el arma que mejor descompone la solemnidad de un momento. La comedia siempre ha relativizado las cosas, ha urdido una crítica constante a todo aquello que se creía definitivo”.

Fotograma de ‘Mi peor pesadilla’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Sometido ese sondeo veloz que arrojan webs como IMDB o Filmaffinity, el ciclo de este año arroja un dato curioso: se inaugura con la película peor puntuada (5’9/5’3), ‘Mon pire cauchemar’(Mi peor pesadilla, 2011), frente a un film yugoslavo tan descacharrante como emblemático ‘Maratonci trce pocasni krug’ (Maratón familiar, 1982), que tiene una media escalofriante (9 en IMDB) tras haber sido votado por 14.000 usuarios.

Dejando atrás las cifras, el título con el que arranca el ciclo tiene el encanto de reunir por primera y única vez a un cómico incendiario como Benoît Poelvoorde con una gélida Isabelle Huppert, una combinación explosiva que Anne Fontaine (Coco Chanel) impuso para resolver un guion punzante, cuyo recorrido emocional hubiese sido improbable con otros actores. Y, por supuesto, inaugurar con una película ubicada en el mundo del arte en un espacio museístico tan acogedor como el que ofrece el Centre del Carme. Circunstancia que se repite con ‘Ich und Kaminski’(Yo y Kaminski, 2015), una visión vampírica que Wolfgang Becker (‘Goodbye, Lenin’) vierte sobre un crítico que quiere absorber al último bastión de la gran cultura, un alumno nonagenario de Matisse, amigo personal de Picasso.

Fotograma de ‘Vrchní, prchni!’ (Camarero, huye!). Imagen cortesía del Centre del Carme.

Contra la resignación o la posibilidad de abandonarse, queda siempre el maquillaje, la artillería posticera o un cambio radical de vestuario. Que se lo digan sino a Arsenio Lupin, ese mítico ladrón de guante blanco que muta, empatiza y engaña en las situaciones más insospechadas. Fue en manos del mítico cineasta Jacques Becker (‘La evasión’), quien hace un uso magistral del technicolor, cuando recibió el espaldarazo del público. Sólo en Francia, acudieron tres millones de espectadores a ver ‘Les aventures d’Arsène Lupin’ (1957), estrenada en nuestro país, pero hoy muy olvidada.

Fotograma de ‘The naked civil servant’ (El funcionario desnudo). Imagen cortesía del Centre del Carme.

Un film que conecta con una de las grandes sorpresas del ciclo: ‘Vrchní, prchni!’ (¡Camarero, huye!, 1981), asombrosa joya del cine checo en el que su protagonista, un librero acuciado por varias pensiones alimenticias, se verá obligado a transformarse. Una circunstancia que se repite en otra obra también fundamental de la cinematografía checa, ‘Knoflíkari’ (Botoneros, 1997), en la que un maquillador de TV que combina su trabajo con el de taxista ofrece muestras de su atrezzo. Pero sin duda el más osado de ellos, el más duro combatiente del disfraz es Quentin Crisp, capaz de exhibir su esencia femenina en la Inglaterra homófoba que va de los ’30 a mediados de los ’70 del pasado siglo. ‘The naked civil servant’ (El funcionario desnudo, 1975), sigue siendo el film más magnífico que haya producido la BBC y significó la consagración de un actor: John Hurt.

Al descubrir esta joya, más de un cinéfilo se preguntará: ¿cómo es posible que ese cineasta vienés llamado Willi Forst, que combina la sutilidad y elegancia de Ernst Lubitsch con el sentido coreográfico de Max Ophuls siga siendo ignorado por tantas Historias del Cine? Y la respuesta más frecuente que hallará es que ese es el precio que pagaron aquellos cineastas germanos que no huyeron a Hollywood en tiempos de nazismo. Desde su propia trinchera, Forst construyó una obra rompedora, nada indulgente en su forma y totalmente ajena a la euforia de su tiempo.

Fotograma de ‘La ragazza con la pistola’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Mario Monicelli se preguntaba por qué Monica Vitti, una actriz con tanta vis cómica, insistía en esos personajes alienantes del cine de Michelangelo Antonioni. ‘La ragazza con la pistola’ (1968) contrastaba la Sicilia ancestral con ese Londres moderno que el mismo Carlo di Palma había fotografiado en ‘Blow-up’ (1966), territorio e idioma que veía incapaz de entender y traducir ese absurdo italiano llamado «delito de honor». Por más que se vean envueltos por unas imágenes en B/N, los personajes de ‘J’ai toujours rêve d’être un gangster’ (Siempre soñé con ser un gángster, 2007) también se encuentran caducos persiguiendo metas, huellas y marcos criminales del siglo pasado. Todo lo contrario que ‘Atak paniki’ (Ataque de pánico, 2017), que transcurre entre dos explosiones físicas y morales que limitan ese retrato de Polonia ombliguista al borde del infarto ahora que es plenamente capitalista y ha caído presa de las redes sociales y demás trampas y nuevas formas de escapismo que nos impiden afrontar la realidad.

Fotograma de ‘¿Bich ich schön?’ (¿Soy Linda?). Imagen cortesía del Centre del Carme.

Un año antes de emprender su trilogía sobre Japón, Doris Dörrie siguió en ‘¿Bich ich schön?’(¿Soy Linda?, 1998) las desventuras de doce personajes teutones en los paisajes luminosos de España. Como Michael Winterbottom en ‘Trip to Spain’(2017), la directora alemana concluye que nuestro país es el refugio idóneo de todos aquellos que precisan interrogar su identidad. Entre su nutrido elenco extranjero, asoma en sus imágenes el actor Juan Diego Botto.

Fotograma de ‘Ils se marierent et eurent beaucoup d’enfants’ (Se casarán y tendrán muchos hijos). Imagen cortesía del Centre del Carme.

No hay que confundir la risa con la comedia. Países como Portugal, Grecia o Rusia, consideran que el elemento trágico es consustancial a este género. Yorgos Tzavellas lo deja muy claro en ‘Mia zoi tin ehoume’ (¡Sólo se vive una vez!, 1958), pieza clave del cine griego que retrata su país como una cárcel, más fatigosa y llena de servidumbres que las verdaderas. Otar Iosselliani, sin embargo, se salta todas las leyes, ésas que nos obligan y paralizan, en ‘Iko shasvi mgalobeli’ (Érase una vez un mirlo cantor, 1970), animando esos tiempos muertos a los que habían condenado al protagonista.

El ciclo desembocará en uno de los desenlaces más álgidos que se recuerdan. Una secuencia de despegue y desprendimiento de este frecuentemente previsible y tedioso planeta. ‘Ils se marièrent et eurent beaucoup d’enfants’(Se casarán y tendrán muchos hijos, 2004) pondrá un punto final estratosférico a este recorrido por la comedia europea.

Fotograma de ‘Atak Paniki’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Una ‘Pa-ra-da’ muy necesaria

Pa-ra-da, de Marco Pontecorvo
Sala Matilde Salvador
C / Universidad, 2. Valencia
Viernes 9 de junio, a las 19.00h

Taller de clown impartido por Miloud Oukili y Mia Zemfir
Plataforma per Russafa
C / Literato Azorín, 39. Valencia
Sábado 10 de junio, de 10.00 a 15.00h

La actividad. El viernes 9 de junio, a las 19:00 h, tendrá lugar un pase de ‘Pa-ra-da’, con presentación y coloquio de Miloud Oukili, moderado por Daniel Gascó, crítico de la Cartelera Turia, a quienes acompañará también, Mia Zemfir, una de las niñas rumanas rescatadas por Miloud, que ahora tiene 30 años. El pase es gratuito y tendrá lugar en la sala Matilde Salvador, situada en el Centro Cultural La Nau. Al día siguiente, sábado 10 de junio, de 10-15 h, Miloud y Mia impartirán un taller de clown en la Plataforma per Russafa (C/Literato Azorín, 39), que tiene un coste de 25 € para menores de 17 años y 40 € para mayores.

Los hechos. Miloud Oukili averigua, a través de Facebook, que este viernes 9 de junio la Plataforma per Russafa programa un pase de ‘Pa-ra-da’ (2008). Acto seguido, ofrece presentarla a cambio de costearle el billete de París a Valencia. La respuesta de la modesta asociación es positiva. Dado el interés de la actividad, se suma como coorganizador el Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universidad de Valencia.

Pa-ra-da, de Marco Pontecorvo.

Pa-ra-da, de Marco Pontecorvo.

El contenido. Esta magnífica película, ópera prima de Marco Pontecorvo, hijo del director de ‘La batalla de Argel’, narra un episodio esencial de la vida de Miloud, clown parisino que viajó a Rumanía, encontrando un paisaje desolador a su llegada. En la misma estación de tren, una niña le recibe ofreciéndole sexo oral. Grupos de criaturas desnutridas campan alrededor de las vías de tren, esnifando todo el día pegamento. Su esperanza de vida difícilmente rebasa la mayoría de edad. La odisea de Miloud empieza cuando decide integrarse en este grupo, en contra de la postura burocrática de las ONG, y crear una asociación que los rescate educándoles en el clown de calle. Una historia áspera, autorizada curiosamente para todos los públicos, que culmina con un triunfo: la formación de PA-RA-DA, cuya labor sigue vigente.  En noviembre de 1999, Miloud recibió el premio UNICEF2000 por su compromiso con los menores.

Taller de clown.

Cartel del taller de clown impartido por Miloud Oukili. 

El origen. La Plataforma per Russafa luchó durante 10 años por que el barrio tuviese su escuela. Su perseverancia e interés por la educación lograron que se hiciese realidad en 2014, con la inauguración del Colegio público 100, situado en la calle Puerto Rico.

Paco Nueda, socio de la Plataforma, plantea a Daniel Gascó, responsable junto a su hermana del videoclub Stromboli, una propuesta cinematográfica inusual. Escoger cuatro películas que giren en torno al espacio de un aula para un ciclo de Cine y Educación. Y una sugerencia: que a ser posible sean títulos que aborden temas sociales.

Dice Gascó que la selección final del ciclo tiene mucho que ver con algo que leyó de  Roberto Rossellini: “La educación tal y como la hemos concebido hasta hoy es una castración. Su objetivo es imaginar un hombre que nos convenga. ¿Y qué hombre conviene a todos? El hombre sumiso”. El punto flaco principal del sistema de aprendizaje, ¿no será, quizá, que siga enfocado principalmente para formar personas que deberán afrontar un mundo muy competitivo? Un objetivo que sólo refuerza la idea de exclusión, marginación, cuando prioriza a los miembros de un mundo irreal, habitado exclusivamente por personas con plenas facultades físicas y mentales. El viaje cinematográfico propuesto incide en nuestra relación con el “otro”, personas que no gozan de nuestros privilegios. Un encuentro esencial que revela hasta qué punto nos queda mucho que aprender.

La Mia Classe.

La mia clase, de Daniele Gaglione.

El ciclo. Cuatro largometrajes europeos inéditos en España que intentan resolver la siguiente cuestión: ¿Cómo comunicarnos con los enfermos mentales, los sordos o los refugiados políticos? La respuesta viene inscrita en la película inaugural, de Giulio Mamfredonia, ‘Si può fare’ (2008) (Se puede hacer). Basta entender que nunca se debe mentir a un loco, que los sordos no viven rodeados de silencio, sino de un lenguaje a menudo más preciso que el nuestro, y que deberíamos eliminar nuestras fronteras y abrirnos a todas esas personas que difícilmente han llegado a nuestras costas en una patera. Tras haber proyectado ‘Le pays des sourds’ (1992), pieza maestra de Nicholas Philibert, y antes de clausurar el 23 de junio con ‘La mia clase’ (2013), de Daniele Gaglione, ‘PA-RA-DA’ es la tercera estación del ciclo. La presencia de Miloud y Mia hacen que este pase sea muy especial. El film de Marco Pontecorvo es una muestra de un tipo de cine que, alejado del glamour, educa nuestra mirada y concentra toda su fuerza en  el compromiso social.

Cartel de 'Pa-ra-da', de Marco Pontecorvo.

Cartel de ‘Pa-ra-da’, de Marco Pontecorvo, que se proyecta en La Nau. 

La memoria y el horror: tan lejos, tan cerca

Básicos de la Filmoteca
Nuit et brouillard y Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais, y Le sang des bêtes, de Georges Franju
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Jueves 3 de marzo de 2016, a las 19.00h

La Filmoteca de CulturArts proyecta el jueves 3 de marzo, en la sala Berlanga, tres cortometrajes documentales franceses de los años cincuenta que abordan el tema de la memoria y el horror desde perspectivas muy distintas. La sesión se enmarca dentro del ciclo semanal Básicos Filmoteca, que en esta edición se centra en la historia del cine documental. La presentación de la película y del posterior coloquio corre a cargo de Daniel Gascó, crítico cinematográfico de la Cartelera Turia y de la revista Caimán Cuadernos de Cine.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

La sesión incluye Nuit et brouillard (1955), una de las películas más destacadas de la primera etapa de Alain Resnais, antes de dedicarse al cine de ficción, y uno de los documentales fundamentales sobre el horror del Holocausto y los campos de concentración. El documental ofrece una visita al ya abandonado y desierto campo de Auschwitz en la que se alternan lentos travellings en color con imágenes de archivo que reconstruyen la tragedia que sufrieron los prisioneros. El documental mostró por primera vez el material cinematográfico y fotográfico que el ejército nazi acumuló sobre el exterminio organizado.

Fotograma de Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Toute la mémoire du monde, de Alain Resnais. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

El tema de la memoria también está presente pero desde una óptica distinta en otro documental de Alain Resnais Toute la mémoire du monde (1956), que es una aproximación a la Biblioteca Nacional de Francia y a sus libros. La sesión se completa con Le sang des bêtes (1948), la primera película de Georges Franju, uno de los grandes nombres del cine francés.

Fotograma de Le sang des betes, de Georges Franju. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

Fotograma de Le sang des betes, de Georges Franju. Imagen cortesía de la Filmoteca de CulturArts.

El documental ofrece una visión brutal e hiperrealista de los mataderos de París, en la que se refleja el sufrimiento de los animales que van a ser sacrificados y el embrutecimiento de aquellos que tienen que realizar este trabajo. Sobre la sesión dedicada a estos documentales, Daniel Gascó ha señalado que “es curioso que Alain Resnais y Georges Franju, dos cineastas sensibles a la fantasía, se muestren feroces en su vertiente documental. Pero más que retratar la realidad sórdida, se instalan en una sublime poesía que les aproxima a la verdad. El horror está presente, pero la belleza también”.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Básicos de la Filmoteca.

Fotograma de Nuit et brouillard, de Alain Resnais. Básicos de la Filmoteca.

 

Eyes Wide Shut, la infidelidad a debate

Cinefórum sobre Eyes Wide Shut
Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana
C / Alberique, 35. Valencia
Jueves 18 de junio, a las 19.30h

Eyes Wide Shut (en Hispanoamérica Ojos bien cerrados) es el decimotercer largometraje dirigido por Stanley Kubrick, protagonizado por Tom Cruise y Nicole Kidman y estrenado en 1999. Fue la última película de Kubrick, así como su obra póstuma, ya que el director murió pocos días antes de poder acabar el montaje definitivo. Está basada en la novela Relato soñado, de Arthur Schnitzler, y su guión fue escrito por el mismo Kubrick y Frederic Raphael.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana.

Hasta aquí la introducción de la película en torno a la cual el Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana organiza el jueves 18 de junio un cinefórum que tiene por objetivo “analizar la película desde distintos enfoques psicológicos, técnicos y musicales, la tortura de los celos, la infidelidad, la seguridad del matrimonio frente a los peligros del sexo furtivo, lo onírico y lo real, el drama psicosexual…”, según explica el Colegio en su web.

Para desentrañar lo que encierra Eyes Wide Shut, que gira en torno a las confesiones sexuales de una pareja tras acudir a una fiesta y las consecuencias que traen consigo ciertas revelaciones secretas, el Colegio de Psicólogos reúne a una serie de expertos. Los encargados del análisis de la obra póstuma de Kubrick son: Begoña Siles, profesora agregada de la Universidad CEU Cardenal Herrera; Daniel Gascó, crítico de cine; Ricardo Bonet, licenciado en Filosofía por la Universidad de Valencia; Francisco Campos, psicólogo clínico y psicoanalista, y Óscar Cortijo, vicedecano del Colegio.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana.

Stanley Kubrick narra en Eyes Wide Shut el extraño trayecto de Bill Harford (Tom Cruise), médico que ha vivido de manera acomodaticia pero que, tras la confesión por parte de su mujer Alice (Nicole Kidman) de un deseo secreto, se verá envuelto a lo largo de una noche en una serie de aventuras y amenazas. Los sueños ocupan un lugar fundamental en la película, ya que son los que permiten aflorar los auténticos deseos de Alice (Albertine en la novela de Schnitzler), a partir de los cuales su marido detecta ciertas lagunas en su vida matrimonial.

Como apunta Luis Martín Arias, en el ‘Escritos’ dedicado a Kubrick, “las eternamente fracasadas aventuras sexuales del marido revelan –como sucesión de actos fallidos- su propia inseguridad sexual, sus dudas respecto a ser capaz de satisfacer lo que se demanda desde el lado de lo femenino”. De ahí que su doble recorrido nocturno sea, según Martín Arias, “también una búsqueda de reafirmación de su propia identidad, la cual es inseparable de la crisis que cierto fracaso sexual ha hecho emerger”.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick.

En las malas relaciones de Stanley Kubrick con su padre, médico que siempre deseó que su hijo ejerciera su misma profesión, diversos comentaristas de su obra fílmica han visto un condicionamiento biográfico que se habría reflejado en su cine, tal y como señala el propio Martín Arias. “De tal modo que se ha mencionado con insistencia la ausencia de la figura paterna en muchas de sus películas”, destacando en este sentido El resplandor, “donde la disolución del núcleo familiar corre a cargo de un monstruoso padre enloquecido”.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick.

Fotograma de Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana.

Radio City, 15 años de amor al ‘corto’

XV Festival Internacional de Cortometrajes Radio City
Radio City
C / Santa Teresa, 19. Valencia
Del 15 de abril al 13 de mayo
Lunes, miércoles y domingos, a las 20.30h

El Festival Internacional de Cortometrajes de Radio City llega a sus 15 ediciones reflejando el buen pulso creativo en formato ‘corto’. Los trabajos llegados de los cinco continentes y con muy diversos formatos y géneros a concurso ascienden  en esta ocasión a 525, de los cuales 69 serán proyectados en Radio City entre el 15 de abril y el 13 de mayo. Se trata de una selección muy cuidada y actual de cortos de diferentes nacionalidades, con un gran peso de producción española, que serán proyectados los lunes, miércoles y domingos en el local de la calle Santa Teresa de Valencia.

Fotograma del cortometraje '0,60mg', de Gerard Martí Rodriguez. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del cortometraje ‘0,60mg’, de Gerard Martí Rodriguez. Imagen cortesía de Radio City.

Como en años anteriores, los domingos serán días de proyecciones especiales de cortos valencianos. En cuanto a la producción europea, estará ampliamente reflejada con trabajos de Francia, Alemania o Bélgica. También cabe destacar las aportaciones de países asiáticos o latinoamericanos. En la selección de cortos, no faltarán la animación, el drama, la comedia, el terror o el documental.

Fotograma del corto de animación 'The Dirdy Birdy Redux', de John R. Dilworth. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del corto de animación ‘The Dirdy Birdy Redux’, de John R. Dilworth. Imagen cortesía de Radio City.

Y, como en cada edición, el ganador del festival tendrá una recompensa económica de 1.500 €. Un premio escogido por el jurado del festival compuesto por: Panxo Barrera, músico de cine y profesor de creatividad; Xavier Crespo, director de Dacsa Produccions, Daniel Gascó, crítico de cine y responsable del videoclub Stromboli, y Luis Padilla, director del Festival.

Fotograma del cortometraje 'Cara de caballo', de Marc Martínez. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del cortometraje ‘Cara de caballo’, de Marc Martínez. Imagen cortesía de Radio City.

Esta edición de 2015 cuenta con un nuevo premio, ya que Beniwood Distribution se incorpora al palmarés del festival entregando un premio de Distribución consistente en el envío a 50 Festivales Nacionales e Internacionales valorado en 300€. Además, los clásicos premios de otras ediciones: El Premio del Público, el Premio al mejor corto de animación o el Premio a la Mejor Banda Sonora Original, otorgado por Musimatge, la asociación de músicos de cine de la Comunitat Valenciana.

Fotograma del corto 'Creo que te quiero', de Lucía Forner. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del corto ‘Creo que te quiero’, de Lucía Forner. Imagen cortesía de Radio City.

Además, los Premios Tirant Avant 2015 y, como en la pasada edición, Entropía (Inteligencia y Creatividad Estratégica) que premia la creatividad e innovación de los cortos, otorgado por la asociación Entropía. La entrega de premios se realizará el viernes 13 de mayo a las 20.30 horas en una fiesta de clausura dónde se conocerán los premios del jurado.

Fotograma del cortometraje 'Abriendo puertas', de Tomás Bases. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del cortometraje ‘Abriendo puertas’, de Tomás Bases. Imagen cortesía de Radio City.

Cine y arquitectura de Brasil en Hat Gallery

Miradas sobre cine y arquitectura
Hat Gallery
C / Dénia, 37. Valencia
Estación Central: viernes 27 de marzo, 20.00h.
Ponente: Daniel Gascó

Hat Gallery acoge desde el pasado enero, a razón de película por mes, el ciclo ‘Miradas sobre cine y arquitectura’, que se traslada a Brasil, más específicamente a la ciudad de Rio de Janeiro. A través de tres grandes películas del cine brasileiro actual, se plantea un retrato de la ciudad de Rio muy amplio, complejo y diferente de la clásica imagen de tarjeta postal a la que estamos acostumbrados. Tres miradas muy distintas sobre una misma ciudad que nos ayuda a intentar entender mejor la complejidad de una metrópolis con más de diez millones de habitantes y revela las diferentes ciudades que la componen.

Fotograma de 'Ciudad de Dios', de Fernando Meirelles. Hat Gallery.

Fotograma de ‘Ciudad de Dios’, de Fernando Meirelles. Hat Gallery.

El ciclo arrancó el jueves 29 de enero con la película de Fernando Coimbra ‘El lobo detrás de la puerta’ (O lobo atrás da porta). La investigación policial sobre la desaparición de una niña en la zona norte de Rio de Janeiro descubre una red de mentiras, amor, celos y venganza. La película recibió los premios a Mejor película y mejor director en el Festival de Miami, Mejor película y mejor actriz en el Festival de Rio, Mejor película latino-americana en el Festival de San Sebastián. Carlos Perles, arquitecto y urbanista por la FAAP de São Paulo, Brasil, desde el 2001, fue el encargado de hablar sobre la película.

Fotograma de Estación Central, de Walter Salles. Hat Gallery.

Fotograma de Estación Central, de Walter Salles. Hat Gallery.

‘Ciudad de Dios’, de Fernando Meirelles fue la segunda película del ciclo, que se proyectó el jueves 26 de febrero, con coloquio dirigido por William Chinem. Y este jueves cierra el ciclo ‘Estación central’, de Walter Salles, con Daniel Gascó, del videoclub Stromboli, como ponente.

Hat Gallery, que el próximo mes de mayo cumplirá cinco años, es un espacio de diálogo y debate entre disciplinas artísticas: Arquitectura, Diseño y Arte. Iniciativa del estudio de arquitectura sanahuja&partners, Hat Gallery está situada en la sede que éste tiene en el multicultural barrio de Russafa, en Valencia, espacio que ha permitido la programación de infinidad de actividades, exposiciones, proyecciones, talleres, performance, conciertos y conferencias.

Hat Gallery con el montaje 'Silla Libre'. Imagen cortesía de la galería, a punto de cumplir cinco años.

Hat Gallery con el montaje ‘Silla Libre’. Imagen cortesía de la galería, a punto de cumplir cinco años.

A lo largo de sus casi cinco años de historia, se han organizado 16 exposiciones relacionadas con la arquitectura, el diseño y el street art. La primera de ellas fue ‘Silla Libre’, comisariada por Luis Eslava y Lorena Sauras, la cual implicó a 40 artistas de diferentes disciplinas bajo el reto de customizar una silla común. Dichas sillas son un símbolo de Hat Gallery y el mobiliario para las propias actividades que organizan.

Por otro lado, se han ido sacando de la chistera Hat Cinema, con diferentes ciclos y un total de 10 films y 10 ponentes, así como Hat Talks y el ciclo Arquitectura Escénica, que a través de tres charlas-debate, relacionó la arquitectura con la música, el teatro y la danza. También inauguraron Hat Workshops con el taller de Arquitectura Plegable de la artista japonesa Chisato Tamabayashi.

Hat Gallery ha transformado su espacio para acoger propuestas de arte escénico. A través de Hat Music, conciertos íntimos, Hat Dance, piezas de microdanza contemporánea y Hat Theatre, propuestas de microteatro, Hat Gallery se transforma en club de música o plató.

Hat Gallery ha estado igualmente muy vinculada desde sus inicios al barrio donde se sitúa, Russafa, participando activamente en festivales como Russafart, Russafa Escènica y Russafa Loves Kids, así como a la Valencia Disseny Week y su ruta por espacios del barrio.

Fotograma de Estación Central.

Fotograma de Estación Central, de Walter Salles. Hat Gallery.

Muñeca brava gana #60EnNegro

Muñeca brava, de Marta Catalán, Olga Fabra y Rosa Hurtado
Festival Valencia Negra

El miniclip Muñeca brava resultó vencedor de la primera edición del certamen de miniclips #60EnNegro del festival VLC NEGRA. La decisión se dio a conocer tras la proyección de los cinco trabajos finalistas. Antes de la proyección, VLC NEGRA vivió una interesantísma sesión dedicada al cine.

El genial director vasco Enrique Urbizu dejó muestras de su fuerte personalidad y sus amplios conocimientos cinematográficos. Estuvo acompañado del catedrático de Comunicación Audiovisual de la UJI Vicente Benet y del director de Cinema Jove, Rafael Maluenda, que le dieron una acertada réplica. Moderó Daniel Gascó, especialista y activista del cine.

Muñeca brava es un miniclip de excelente calidad, sin diálogos y grabado en blanco y negro. Ha sido realizado por Marta Catalán, Olga Fabra y Rosa Hurtado, estudiantes de segundo curso de Comunicación Audiovisual de la Universidad UCH-CEU de Valencia. El jurado, presidido por Enrique Urbizu y formado por Vicente Benet, Rafael Maluenda, Daniel Gascó, Luis Veres y Bernardo Carrión, ha premiado el trabajo por unanimidad.

Enlace al video: https://vimeo.com/91808097

De izquierda a derecha, Olga Fabra, Marta Catalán, Enrique Urbizu y Rosa Hurtado. Fotografía: Santiago Carrión

De izquierda a derecha, Olga Fabra, Marta Catalán, Enrique Urbizu y Rosa Hurtado. Fotografía: Santiago Carrión

Más de 70 cortos en el festival de Radio City

XIV Festival de Cortometrajes de Radio City
Radio City
C / Santa Teresa, 19. Valencia
Del 2 de abril al 9 de mayo

Un total de 71 cortometrajes, de los 481 recibidos, integra la programación oficial del XIV Festival de Cortometrajes de Radio City, que se inaugura el próximo 2 de abril a partir de las 20.00h. y durará hasta el próximo 9 de mayo a las 20.30h con la clausura y entrega de premios. Los cortos son de nacionalidades tan variadas como Argentina, Francia, Italia, EEUU, Kósovo o Irán, aunque una gran mayoría es de procedencia española.

Fotograma de 'Cuerdas', de Pedro Solís. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma de ‘Cuerdas’, de Pedro Solís. Imagen cortesía de Radio City.

Entre los cortos seleccionados, destacan aquellos que ya han obtenido premios en otros certámenes, como el reciente ganador del Goya al Mejor Corto de Animación, “Cuerdas”, dirigido por Pedro Solís y que se podrá ver el próximo miércoles 2 de abril. El cortometraje “Pipas”, de Manuela Moreno, que se quedó a las puertas del Goya como finalista pero sí consiguió el Premio TAI al Mejor Director y el Premio del Mejor Guión en la XI edición de JamesonNotodofilmfest, se proyectará el miércoles 30 de abril.

Fotograma del cortometraje 'Estocolmo', de Álvaro Martín. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma del cortometraje ‘Estocolmo’, de Álvaro Martín. Imagen cortesía de Radio City.

Las proyecciones oficiales del festival comenzarán el próximo miércoles a partir de las 20.00h., tras la presentación del festival, y continuarán durante los domingos, lunes y miércoles del mes de abril a partir de las 20:30h. Sin embargo, los domingos serán días de proyecciones especiales de cortos valencianos. En ellas se proyectan los trabajos procedentes de la Comunitat Valenciana, mientras que los lunes y miércoles se proyecta la selección realizada por el equipo de Radio City.

Las novedades de este nuevo festival son numerosas. Para empezar, los organizadores se han saltado su décimo tercera edición. En Radio City querían divertirse y, sin ser supersticiosos, este año celebra la edición 14 en el año 2014, el mismo en el que cumple 35 años de existencia como bar de copas en el centro de Valencia.

Fotograma de 'Plástico reciclable', de Pablo R. Montenegro. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma de ‘Plástico reciclable’, de Pablo R. Montenegro. Imagen cortesía de Radio City.

En esta edición también cuenta con la colaboración de la Radio Televisión de la Universidad Politécnica de Valencia que, una vez finalizado el festival, emitirá los cortos seleccionados desde su canal. Una manera de asegurar una continuidad en la difusión de estos cortometrajes que seguirán viéndose en la pequeña pantalla.

Con respecto a las nacionalidades de los cortos, hay una amplia representación internacional. Países como Francia, Grecia, Italia, Estados Unidos, Alemania, Holanda o México estarán representados en esta edición del festival a través de sus cortometrajes. De los 481 recibidos, se ha realizado una selección de cerca de 60 que serán los proyectados en el festival, y donde se ha dado prioridad a la calidad, imaginación, creatividad y originalidad.

Fotograma de 'Miniaturas', de Vicente Bonet. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma de ‘Miniaturas’, de Vicente Bonet. Imagen cortesía de Radio City.

La selección destaca por combinar distintos géneros como animación, drama, comedia, terror o documental. Un abanico perfecto para descubrir nuevas promesas del cine y disfrutar de buenas producciones en un ambiente distendido y buena compañía. Y, como en cada edición, el ganador del festival tendrá una recompensa económica de 1.500 €. Un premio escogido por el jurado del festival compuesto por: Panxo Barrera, músico de cine y profesor de creatividad; Xavier Crespo, director de Dacsa Produccions; Daniel Gascó, crítico de cine y responsable del videoclub Stromboli; y Luis Padilla, director del Festival.

Además, los clásicos premios de otras ediciones: el Premio del Público, el Premio al mejor corto de animación; el Premio Tritón a los mejores efectos visuales, otorgado por la productora Tritón; el Premio a la Mejor Banda Sonora Original, otorgado por Musimatge, la asociación de músicos de cine de la Comunitat Valenciana; el Premio del Público al mejor corto valenciano, los Premios Tirant Avant 2014 y, como en la pasada edición, Entropía (Inteligencia y Creatividad Estratégica) que premia la creatividad e innovación de los cortos, otorgado por la asociación Entropía.

Fotograma de 'Res pública', de Manuel Valls. Imagen cortesía de Radio City.

Fotograma de ‘Res pública’, de Manuel Valls. Imagen cortesía de Radio City.

Como siempre, Radio City quiere destacar la producción valenciana tanto en los pases específicos como con los premios, otorgando uno especial al mejor corto valenciano y dando los Premios Tirant Avant 2014. De esta manera se crea un punto de encuentro para profesionales y amateurs de la zona, donde se proyectarán una selección de los cortos realizados en casa.

La entrega de premios se realizará el viernes 9 de mayo a las 20.30 horas en una fiesta de clausura dónde se conocerán los premios del jurado. El próximo viernes 28 de marzo se hará pública la programación de este festival que espera convertirse, un año más, en punto de encuentro para los amantes del cine.

Fotograma del cortometraje 'Democracia', de Borja Cobeaga.

Fotograma del cortometraje ‘Democracia’, de Borja Cobeaga. Imagen cortesía de Radio City.

Enxaneta: amores resbaladizos

Enxaneta, de Alfonso Amador
Espai La Rambleta
Bulevar Sur, esquina con Pío IX. Valencia
Estreno: sábado 6 de julio, a las 22.30

Fotograma de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Fotograma de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Pensemos en el cine contemporáneo. Su rumor. Es lo más parecido a una ola de mar. Torrentes visuales sin origen ni fin surgen de la nada hasta apagarse. Fundido en negro. Se ha extirpado el THE END. La línea de meta del cine clásico se ha borrado porque las películas son como nosotros: aspiran a la inmortalidad, no quieren fin. Al contrario, nos invitan a continuarlas. Cualquier director de cine con talento lo sabe: a fuerza de ver, el espectador de hoy se ha vuelto cineasta. La imagen se cierra, pero su mente se abre. El proyector se apaga, pero su imaginación se ilumina. Por eso el director de cine no se corta y propone secuencias inconclusas que el espectador rellena. Enxaneta, también. Es un relato visual que carece de tiempo. Tan pronto se rompe como vuelve a surgir. En su seno, late el conflicto eterno: ser y convivir. La matemática de la vida (de)muestra que 1+1 no siempre es igual a 2. Uno y otro pueden realizar el mismo recorrido, pero en sentido inverso. Pueden anularse.

Imagen de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Imagen de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Un verano, una mujer (Blanca: Silvia Mir) y un hombre (Alberto: Alberto Iglesias). La cámara les sigue, les espía. Su director, Alfonso Amador, registra las palabras que dicen y muestra las que esconden. Los cuerpos hablan, las almas se ocultan. Unas representan la fuerza; otras, el misterio. Las segundas, siempre, parecen más elocuentes, expresan mejor el contenido secreto del film, que podría ser aquello que dijo el escritor Emile Zola: Estamos aquí para vivir en voz alta. Para llegar a lo más alto, reza Enxaneta, título de este magnético film.  Su espíritu es el de trazar un sendero vertical de dos direcciones: ella mira hacia arriba, él hacia abajo, dos gestos concurrentes que no necesariamente se encuentran. Ese es el recorrido físico, el de las imágenes, que circula paralelo al nuestro, el de los espectadores, que siempre es el emocional. Podrás transitarlo en la terraza de la Rambleta el sábado, 6 de julio, a las 22:30 h. Estrenamos Enxaneta,  sobre la que hablaremos largo y tendido con su director, Alfonso Amador.  No te la pierdas.

Fotograma de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Fotograma de Enxaneta, de Alfonso Amador. La Rambleta

Daniel Gascó

El resplandor y su siniestra habitación 237

El resplandor, de Stanley Kubrick. Debate moderado por Oscar Cortijo. Ponentes: Begoña Siles, Francisco Santolaya, Pedro Lainez, Ricardo Bonet y Daniel Gascó

Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

C / Alberique, 35. Valencia

Viernes 24 de mayo, a las 19.30 horas

El resplandor, la magnífica película de Stanley Kubrick realizada en 1980, lleva implícito en su título esa cegadora luz, tras la que luego veremos que se esconde una experiencia traumática. Suele ocurrir, como apuntó Freud, que lo que expulsamos por la puerta de la razón, entra luego por la ventana del inconsciente. O lo que viene a ser lo mismo: la negación de ciertos hechos suele conllevar inesperados y muchas veces crueles retornos. Es lo que sucede en El resplandor, donde cierto pasado traumático, que se quiso velar, irrumpe con siniestra violencia.

Desde un principio nos lo advierten: el Hotel Overlook está construido sobre un cementerio indio, que ya fue objeto en su día de dura y encarnizada controversia. No sólo eso, en la habitación 237 del propio hotel tuvo lugar un terrible suceso: un padre perdió la razón y asesinó con un hacha a su mujer y sus dos hijas. Nada de todo ello impide a Jack Torrance (Jack Nicholson) aceptar el trabajo de regentar a solas el espacio, junto a su mujer Wendy (Shelley Duvall) y su hijo Danny (Danny Lloyd), durante el duro invierno. Y no lo impide porque, de hecho, el propio Jack llega a ese hotel queriendo poner distancia con su pasado: sabremos que cierta energía incontrolable le martiriza.

Imagen de la Habitación 237 de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Imagen de la Habitación 237 de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Todos esos pasados juntos y revueltos, toda esa violencia mal encauzada, irán desencadenando la locura de Jack, fruto de su incapacidad para transformar la energía (auto)destructiva en caudal más fecundo. De hecho, será incapaz de escribir el libro al que dedica buena parte de su tiempo en el hotel. En su lugar, la repetición incesante de una misma frase: “All work and no play makes Jack a dull boy”. La traducción española dejó en “No por mucho madrugar amanece más temprano”, lo que en el inglés original resulta mucho más elocuente: “Sólo trabajo y nada de juego hacen de Jack un chico gris”. De cualquier manera, lo importante es subrayar la impotencia creativa de Jack, ligada a su manifiesta violencia.

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

En el centro mismo de la película, en su ecuador, se halla una secuencia ejemplar. Aquella en la que Jack descubre, entrando en la habitación 237, a una bella mujer desnuda saliendo del baño. Cuando la abrace, el placer inicial dará paso a la repulsión por ese cuerpo de repente envejecido y masacrado. Lo bello y lo siniestro: el resplandor y la muerte. Cuanto acontece en la película tiene mucho que ver con ello: con ese cuerpo de mujer deseable, al tiempo que causante de un terror angustioso.

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la CV

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la CV

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la CV

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la CV

A Jack el resplandor de ese cuerpo le seduce, magnetizado por su presencia allí donde cierto crimen tuvo lugar. Es decir, allí donde la sangre fue abundantemente derramada, comparece esa mujer cuya desnudez vela el fondo criminal de la habitación 237. Jack acude a su encuentro para descubrir impotente la transformación de ese cuerpo inexplicablemente marchito. De manera que lo que iba a ser un satisfactorio encuentro sexual, se torna lacerante pesadilla. O lo que viene a ser lo mismo: el encuentro sexual, lejos de consumarse, da pie a otro encuentro menos amable y más cercano a lo real de la muerte.

Imagen de El resplandor, Stanley Kubrick

Imagen de El resplandor, Stanley Kubrick

Imagen de El resplandor. Stanley Kubrick

Imagen de El resplandor. Stanley Kubrick

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Imagen de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Jack se pasará el tiempo intentando escribir un libro. Dijo que aprovecharía tanto tiempo en soledad para hacerlo. He ahí su deseo. Pero cierto exceso de energía, proveniente de un pasado que le llevará a esa habitación criminal y al laberinto donde conocerá la muerte, se lo impide. La máquina de escribir no escupirá más que una sola y machacona frase: “All work and no play makes Jack a dull boy”. Frase que, además de la traducción ya señalada, podría interpretarse así: “Sólo trabajo sin obra final hace de Jack un chico gris”. Porque play puede ser sin duda juego, pero también obra dramática o relato, algo que no conseguirá Jack, atrapado en el sinsentido de un tiempo pasado. El mismo que cerrará la película, con esa fotografía fechada un 4 de julio de 1921, con Jack en el centro de la imagen. Ninguna salida posible en El resplandor, que no sea la circular y siniestra muerta. 

Imagen final de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

Imagen final de El resplandor. Colegio de Psicólogos de la Comunidad Valenciana

 Salva Torres