Alessandro Marchi: Chueca como caso de estudio

Alessandro Marchi. Variables ocultas
Espacio Trapézio. Madrid
Hasta el 30 agosto de 2015
Presentación de Variables ocultas-Chueca: 17 de julio, 19 h.


Alessandro Marchi emplea la fotografía como una herramienta para registrar su experiencia errante por la ciudad. De esta manera capta las primeras impresiones obtenidas, aquellas historias que de manera aleatoria se interponen en su camino.

En esta exposición presenta el resultado de cuatro meses de residencia artística en Intercambiador Acart, durante los cuales realiza un recorrido fotográfico por la ciudad de Madrid a modo de acto psicomágico de creación instintiva.

Durante el primer mes el artista camina por la ciudad explorando cada día un área urbana diferente en busca de una historia o una idea que pueda ser materializada en un libro. A lo largo de estos 30 días desarrolla el proyecto Variables Ocultas, un trabajo a modo de LP donde cada libro es como una canción, una grabación en bruto, sin apenas masterización ni postproducción.

Marchi se propone a sí mismo realizar un libro al día. Toma esta decisión para superar la limitación impuesta por el perfeccionismo y el miedo al fracaso, con el propósito de finalizar un producto nuevo cada día, capturando la frescura de las ideas sin dejar que el cerebro las juzgue o las analice. Tras esto, las variables ocultas juegan un papel inesperado y el caos comienza a reinar.

En la segunda parte del proceso Marchi realiza un análisis de lo que aparece en esos 30 libros y lo usa como punto de partida para su siguiente trabajo, un fotolibro y una serie fotográfica sobre la ciudad de Madrid. La obra resultante trata sobre las múltiples alteraciones del entorno en que vivimos, sobre los cambios que se producen (en principio caóticos) en las zonas comunes y espacios públicos. Éstos son recibidos por una comunidad que los adopta y los aplica de manera regular, en resumen, cómo colectivamente la sociedad transforma el caos en un nuevo orden.

Alessandro Marchi. Variables ocultas. Cortesía Espacio Trapézio.

Alessandro Marchi. Variables ocultas. Cortesía Espacio Trapézio.

El artista camina por Madrid en busca de modificaciones generadas por el propio entorno urbano. Trabaja a través de series temáticas en las que registra las modificaciones urbanas que han sido aceptadas por la comunidad y se han convertido en un hábito. Modificaciones arquitectónicas, caminos desviados, soluciones temporales y cambios culturales que forman parte de este caos organizado en continuo cambio del que nuestras ciudades son testigo.

Marchi realiza un retrato de la ciudad a través del uso que las personas hacen del  espacio público. En palabras del artista “somos la ciudad en que vivimos y la ciudad es un reflejo de nosotros”.

En la tercera fase del proyecto Alessandro Marchi desarrolla un último libro tematizado de manera específica en el barrio de Chueca. Durante las dos primeras semanas el artista utilizará la sala de Espacio Trapézio como estudio de trabajo para desarrollar este último capítulo de Variables ocultas.

El viernes 17 de julio, se presentarán los resultados de ese libro y servirá de evento para celebrar el conjunto del proyecto Variables ocultas.

Alessandro Marchi (1975). Vive y trabaja en Stavanger (Noruega). Ha terminado recientemente una clase magistral de fotografía documental en la galería Noorderlicht en los Países Bajos. Los temas principales en su obra son los paisajes urbanos, la fotografía de calle, la psicoarquitectura y los temas sociales. Marchi ha expuesto anteriormente en Format Festival en Derby (Reino Unido); Instituto Goethe en Riga (Letonia); O rgan Vida Festival en Zagreb (Croacia); NMNP Project Space, Studio 17 y Tou Scene en Stavanger (Noruega).

Las últimas huellas de los Zonians

Matías Costa, Zonians
Freijo Gallery
General Castaños 7, 1° izqda. Madrid
Hasta el 24 de julio de 2015

En esta exposición, Matías Costa (Buenos Aires, Argentina 1973) vuelve a interesarse por el territorio, la identidad y la memoria, temas recurrentes en su obra fotográfica. Con este cuerpo de trabajo asume una investigación casi antropológica sobre una comunidad de personas que vivieron durante todo el siglo XX en la Zona del Canal de Panamá.
Estas imágenes, tomadas entre 2011 y 2013 en el Canal de Panamá y Florida, siguen las huellas de los Zonians y los últimos momentos de su existencia como comunidad.

Durante casi cien años, los Zonians vivieron desahogadamente en tranquilas comunidades tropicales a orillas del Canal de Panamá. Ellos se encargaban del mantenimiento de una de las mayores obras de ingeniería del mundo hasta su devolución a Panamá en 1999. Desde entonces se reúnen anualmente en Florida para evocar su paraíso perdido, conscientes de que cuando ellos desaparezcan su comunidad se habrá extinguido para siempre.

Imagen de la exposición Zodians, cortesía de la galería Freijo.

Imagen de la exposición Zonians, cortesía de la galería Freijo.

Texto de Horacio Fernández:

Es un paisaje alterado por la mano del hombre. Muy alterado esta vez. Antes de los ingenieros y los militares la Zona fue un pequeño fragmento de un gran bosque tropical, una selva que todavía hoy envuelve las construcciones y reaparece en sus grietas, que cada día que pasa son más abundantes.

Aguacero tras aguacero la naturaleza se adueña de la Zona, un paisaje que no se puede experimentar sin la inevitable melancolía ante las ruinas. Sin embargo, el conjunto de las imágenes demuestra que Matías Costa no se ha dejado arrastrar por sentimientos manidos.

Ya puestos, hay que señalar otro hecho infrecuente: tampoco se ha deslizado Matías Costa por el tobogán de la denuncia y la corrección política. Contar sólo que la zona fue un reducto colonial militar y que sus ruinas son un tanto románticas quizá sea suficiente para el periodismo, pero se queda corto.

El contrapunto que ha escogido Matías Costa es prestar atención a los actores que vivieron en aquel teatro de operaciones, los llamados ‘zonians’. En las fotografías vemos a unos, los que dicen con humor y realismo que están en peligro de extinción, cuando se reúnen para remojar sus recuerdos de la buena vida. También a otros, más jóvenes, que intentan volver y recuperar un improbable paraíso. Pero no lo conseguirán, ya que sin los privilegios de la ocupación la Zona no es muy distinta de la Costa de los mosquitos.

Los dramas y contradicciones de la Zona se encuentran en sus habitantes, la gente que disfrutó sus ventajas o padeció sus injusticias. Matías Costa ha retratado unos pocos de ellos, guardando las distancias, bajando la fiebre de la memoria, enfriando el calor agobiante de la historia, el ecologismo, la política y el periodismo juntos. Sus fotografías mantienen a raya el tópico y hacen pensar en algo más que en tiempos pasados.

Imagen de la exposición Zodians, cortesía de la galería Freijo.

Imagen de la exposición Zonians, cortesía de la galería Freijo.

Cristina de Middel: Esto es lo que hizo el odio

This is what hatered did, Cristina de Middel
PhotoEspaña 2015
La New Gallery
Inauguración: 3 de junio, 20 h.
Hasta el 18 de julio de 2015

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cedida por la autora.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

El título de la exposición de la fotógrafa Cristina de Middel, “This is what hatred did” (Esto es lo que hizo el odio) hace referencia a las últimas palabras que forman el libro titulado Mi vida en la maleza de los fantasmas escrito por Amos Tutuola el año 1964.

Este personaje enigmático vio como a los 5 años su pueblo era atacado por soldados, y tuvo que escapar hacia la Maleza sin su madre. Este lugar se caracterizaba por el misticismo y la magia que desprendía, poblado por espíritus yoruba. Amos Tutola estuvo aquí durante treinta años en los que vivó una aventura sin parangón, casado en dos ocasiones, coronado rey e idolatrado como un Dios.

A partir de este personaje y su increíble historia, la fotógrafa presenta la realidad de la Nigeria de hoy en día, con sus personajes, entornos y ambientes. Cambia la Maleza por Makoko, una barriada de la ciudad de Lagos, donde el conocimiento y la lógica no son relevantes, con acceso prohibido a extranjeros como pasa en la Maleza, donde el acceso al ser humano corriente parece estar prohibido por los fantasmas, creando así una metáfora perfecta.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

Cristina de Middel incluye el punto de vista, las tradiciones, los miedos y las esperanzas de las personas a las que se dispone retratar, documentando la realidad de estas personas que viven en uno de los barrios más peligrosos de unos de los países más icónicos. Aun con esto, demuestra cierta ironía y sentido del humor con la utilización de máscaras o bigotes postizos.

Fotografías de arquitectura moderna

Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965
Fundación ICO, Madrid
Hasta el 7 de septiembre
Comisario: Iñaki Bergera

De acuerdo con Thérèse Evette, existen dos tipos de fotografías de arquitectura: las que expresan y las que describen. La tensión entre ambos registros es continua aún cuando, en opinión de Alberto Martín, el primero suele aventajar al segundo como fiel suministrador de iconos inmutables y atemporales de la obra arquitectónica. Establecer las relaciones entre arquitectura y fotografía en España a lo largo de cuatro décadas, las que transcurren desde las vanguardias de los años veinte hasta las soluciones derivadas de la crisis del Estilo Internacional en los sesenta del siglo XX, es el propósito que guía el proyecto de investigación Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965 a cargo de Iñaki Bergera, arquitecto, fotógrafo y profesor de arquitectura en la Universidad de Zaragoza. De su equipo forman parte investigadores de las universidades de Burgos, Coruña, Madrid, Navarra, Sevilla, Zaragoza y Valencia (Universidad Politécnica y Universidad Europea), quienes durante los últimos años han estudiado numerosos archivos públicos y privados para recopilar el material fotográfico que da testimonio de la arquitectura moderna en España.

Señala Bergera que uno de los propósitos que dirigen la investigación es acometer el estudio de la modernidad arquitectónica a través de sus fotografías, con el ánimo conciliar su “arquitecturalidad” con el registro indicial propio de la mirada de cada fotógrafo que, en ocasiones, es la del propio arquitecto: como autor o como responsable del encargo y, casi siempre, de la selección de imágenes para su archivo y difusión en publicaciones de arquitectura. El progresivo cambio en los códigos de representación de la arquitectura, acorde con la irrupción de los lenguajes de vanguardia que afectaron a todas las disciplinas, así como la atención creciente de los medios de difusión ilustrados por la arquitectura, explican que numerosos fotógrafos se especializaran en arquitectura. Atender a todas estas cuestiones, con las que elaborar una base de datos que actúe como “condensador documental” y sea el origen de reflexiones teóricas de carácter interdisciplinar, es el objetivo que este proyecto se plantea a largo plazo.

Uno de los primeros resultados de la investigación es la exposición que con el mismo título se presenta en la sede de la Fundación ICO en Madrid, incluida en el programa de PhotoEspaña, cuyo montaje, a cargo de Íñigo Beguiristáin & Vaillo + Irigaray Architects, es digno de mencionar y elogiar.

La selección de 200 fotografías en exposición no pretende, señala Bergera, ser un álbum completo de imágenes de la historia y etapas de la arquitectura moderna en España, ni tampoco presentar los edificios más destacados, ni siquiera mostrar las mejores fotografías; lo que se busca es componer una de tantas historias posibles de la fotografía: la que registra la arquitectura moderna en España. De esa historia rescatamos las imágenes que dan a ver la arquitectura moderna en la Comunidad Valenciana.

Dado que todas las fotografías seleccionadas de la Comunidad Valenciana corresponden a edificios realizados a partir de la segunda mitad de los años cincuenta del siglo XX, las miradas de los fotógrafos interpretan la nueva arquitectura con profesionalidad, acorde con la tarea que el arquitecto les encomienda, a riesgo de reiterar fórmulas que banalizan los esquemas modernos, como advierte Alberto Martín en el texto incluido en el estupendo catálogo de la exposición. Es obvio que la rigurosa selección de fotografías evita las excesivamente formalistas desde un punto de vista estético.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Joaquín del Palacio (Madrid, 1905-1990), conocido como “Kindel”, comenzó a colaborar en la Revista Nacional de Arquitectura en los años cincuenta. Sus fotografías más conocidas son las de los Poblados de colonización en las que supo expresar la abstracción y sencillez compositiva de trazados y volúmenes. Así queda reflejado en las imágenes que realizó de los Poblados diseñados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo (Madrid, 1914-Ávila, 1995) que, en opinión de Luis Fernández Galiano, se entienden mejor en términos de las artes plásticas: en todos ellos destaca la abstracción que arrojan los volúmenes de estricto rigor geométrico, el tratamiento de texturas y la querencia por lo esencial que evita lo superfluo. En 1953 Fernández del Amo proyectó el poblado de san Isidro de Albatera, en un lugar que había sido campo de concentración de prisioneros durante la inmediata posguerra. Y Kindel lo registró en sus fotografías.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

En 1961, Fernández del Amo presentó en la VI Bienal de Arquitectura de Sao Paulo algunos de los proyectos de Poblados de colonización entre los que seleccionó los de Albatera y este de El Realengo. El jurado presidido por Niemeyer le concedió la Medalla de Oro. Kindel supo captar en sus fotografías la dimensión plástica de la arquitectura de Fernández del Amo. En las dos imágenes del poblado de El Realengo seleccionadas, Kindel incorpora la presencia de algunos de sus habitantes para acentuar los rasgos de la arquitectura, aunque se percibe cierta intención de carácter humanista, sobre todo en la fotografía de los niños jugando al fútbol en un paisaje seco y austero, ajeno al entretenimiento.

 

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

La saga de fotógrafos de Valencia integrada por Joaquín Sanchís Serrano, su hijo Manuel y su nieto José Manuel, era conocida como los “Finezas” por lo bien que vestían. El autor de las imágenes en exposición es Manuel Sanchís Serrano (Valencia, 1918-1996) que aprendió de su padre el oficio de fotógrafo. Tras lograr la popularidad con sus reportajes de fútbol decidió especializarse en arquitectura, a partir de los años cincuenta y durante los sesenta. Su atención a las peculiaridades que singularizan las obras de los arquitectos que le encargaron las fotografías queda de manifiesto en esta imagen de la fachada de la Facultad de Derecho de Valencia (hoy Facultad de Filosofía y Ciencias de la Educación), por ser precisamente la solución que Fernando Moreno Barberá (Ceuta, 1913-Madrid, 1998) dio a las fachadas según su orientación, uno de los elementos más innovadores del edificio: la norte es un muro cortina de superficies acristaladas sujetas con perfiles metálicos; la soleada queda protegida con un sistema de brise-soleils de hormigón.

 

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

A Manuel Sanchís Serrano, “Finezas”, recurrió el arquitecto Juan Haro Piñar para fotografiar la estación de servicio de El Rebollet. La fotografía en exposición corresponde a la fachada del restaurante que proyectó junto con el servicio de gasolinera. Sergio Grande García ha descrito esta obra tan compleja como atractiva: espacio cubierto por una composición de superficies alabeadas en forma de paraboloide hiperbólico para la zona administrativa y comercial, mientras que los surtidores de gasolina se encuentran protegidos bajo marquesinas fungiformes de diferentes alturas que imprimen dinamismo al paisaje y suscitan la curiosidad del viajero.

 

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

El autor de la fotografía es Elías Gil Roca (1911-1995) aunque la firma “Navarte”, una empresa de importación y venta de artículos fotográficos de Castellón que desde comienzos de los años sesenta hasta su cierre a finales de los ochenta equiparon a los fotógrafos de toda la provincia, además de revelar sus imágenes. Asimismo, la empresa recibía encargos que subcontrataba a fotógrafos profesionales como es el caso de Gil Roca que dejó el testimonio gráfico del empeño del arquitecto Luis Cubillo (Madrid, 1927-2000) por trasladar las soluciones y recursos de la arquitectura moderna a los espacios de liturgia.

 

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Juan Miguel Pando Barrero (Madrid, 1915-1992) aprendió fotografía de arquitectura en el estudio de Mariano Moreno aunque no fue hasta la década de los cincuenta cuando trabajó en esa especialidad. Recibió encargos de Gutiérrez Soto, Sáenz de Oiza, Cano Lasso, Fisac o Moreno Barberá, autor de la Universidad Laboral de Cheste. Del arquitecto se ha destacado su obsesión por explorar la correspondencia entre la estructura y la forma, la repetición de elementos o la reducción formal, así como su atención a las condiciones climáticas que ya se han señalado en la Facultad de Derecho de Valencia. Los severos contrastes de luces y sombras de una arquitectura abierta y extraordinariamente rica en recursos permanecen en las dos fotografías de Pando en exposición.

Chus Tudelilla

 

Masquelibros, feria del libro de artista

6, 7 y 8 de Junio. COAM, Colegio Oficial de Arquitectos. Calle Hortaleza, 63. Madrid.

Artistas, galerías, editores, críticos especializados y coleccionistas se preparan para la tercera edición de la Feria Internacional del libro de artista de Madrid. MASQUELIBROS acaparará la atención de quienes buscan en el libro algo más que texto e ilustraciones. Libros objeto, ediciones limitadas, piezas únicas, todo tipo de tipografías y técnicas sobre papel de cualquier textura y color, encuadernaciones únicas, y en definitiva arte contemporáneo en y sobre el libro como soporte y espacio de creación. La feria se celebra por segundo año consecutivo en la sede del citado COAM, que crece como espacio atractivo y cuidado donde los ocupantes, expositores y organizadores conceden una dimensión mágica al interior del mismo.  Más de cien en total, son los expositores seleccionados entre los que se encuentran también instituciones como la Biblioteca Nacional, la Casa Velázquez (Académie de France à Madrid) o la Fundación Exlibris, revistas objeto como Branques, La Lata, revistas de otros formatos, como Imput, editoriales como Tristán Barbarà,  Laseiscuatro, Fotolito Books, Ivorypress, HILATINA, o El Caballero de la Blanca Luna, y artistas como Mateo Maté, Emilio Sdun, Liya Huang, Jose Emilio Antón, Recuatro, o Lisa E. Mitchell, por citar algunos entre muchos otros.

Imagen de la feria, cortesía, Masquelibros.

Imagen de la feria, cortesía, Masquelibros.

Una de las características admirables de la feria, es el espacio dedicado a los alumnos de las Facultades y Escuelas de Bellas Artes, que con sus aportaciones conceden al visitante un panorama en el que se mezclan las ganas, la fuerza, la innovación experimental y la dinámica positiva, aportando una visión excelente para testear influencias y tendencias de la creación contemporánea en materia de libro creativo, ejemplos son la Escuela de Arte de Oviedo, la Escuela de Arte Diez, La Escuela Superior de Diseño de Madrid, La Lavandería, Función Lenguaje (Centro de Literatura Aplicada de Madrid), el Máster de Diseño Editorial IED, o la Escuela de Arte de Cádiz (Ciclo superior de grabado).

Imagen cortesía de Masquelibros

Imagen cortesía de Masquelibros

Sin duda otra experiencia enriquecedora, es la apuesta por mantener las “conferencias en abierto”, con lo que espectadores, visitantes y expositores viven las diversas ponencias y tertulias incluidas en la programación de forma casi natural, de entre las que podemos citar,  la tertulia de Valerie Maasburg de Ivorypress, la video-intervención de Mónica de la Cruz sobre los Libros-espora (la experiencia mexicana), el taller de monotipos y papel de Jim Lorena,  la demostración de cómo encuadernar, de Luis Barrios, y así podríamos seguir hasta cansarles. Sin duda, de lo que no cabe ninguna duda, es que el libro de artista  tiene cada vez más capacidad de convocatoria, con el avance de lo digital, solo  sobrevivirán con el tiempo los ejemplares especiales.

imagen cortesía de masquelibros

Imagen cortesía de masquelibros

Por parte de la organización, María Crespo, declara que  MASQUELIBROS mantiene unas expectativas excelentes, después del éxito y progresión de la pasada edición, apuntando que los próximos 6, 7 y 8 de junio son las fechas de consolidación definitiva de la feria. La entrada, es gratuita.

 

Vicente Chambó

Cristina de Middel. Nuevos conflictos

Cristina de Middel, Party
La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Inauguración: 5 de julio, 20 h.
Del 5 de junio al 19 de julio de 2014

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

“If there is to be a revolution
…there must be a party”

Así es como empezaría el libro más icónico y políticamente comprometido del siglo si se le aplicara un filtro internacional. El filtro escondería las partes de los eslóganes y frases que eventualmente quedaron obsoletas en las últimas décadas y el libro es el pequeño Libro Rojo: “Citas del presidente Mao Tsetung”, el segundo que más veces ha sido publicado en la historia (tras la Biblia) pero que ahora sólo es posible encontrar en algunas tiendas turísticas en China.

En un intento de crear un objeto documental que fuerce los límites de documentar con imágenes, la serie “Party” presenta de forma deliberada un acercamiento personal a la sociedad china contemporánea y añade capas de significación al escoger una plataforma cargada. El uso de la censura para borrar las partes del texto que ya no tienen cabida en la rutina del país da como resultado unas páginas convertidas en guión donde las imágenes que acompañan construyen una serie de dípticos que de forma dinámica plantean la pregunta sobre la naturaleza real del Comunismo en China hoy en día.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

La combinación entre este texto manipulado y las imágenes forma piezas de información con el fin de representar a China de una forma más completa, apelando a nuestros propios clichés con respecto al país y su estructura política bipolar. La serie reproduce la combinación de páginas del libro “Party” publicado por RM y por Archive of Modern Conflict y agrupa estampados de los textos censurados con imágenes tomadas por la artista Cristina De Middel durante sus viajes a China.

De nuevo el artista explora las fronteras y los límites en el uso de la fotografía a la hora de construir testimonios de manera gráfica y de plantear el debate sobre la formación de la opinión y la historia así como el rol que la fotografía ha tenido en ello hasta ahora.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

 

A3bandas: Narrativas Culturales

Festival “A3bandas”: Narrativas Culturales
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 25 de mayo de 2014

La galería Paula Alonso presenta dentro del Festival “A3bandas” la exposición Narrativas culturales comisariada por Bruno Leitao, y que recoge el trabajo de cuatro artistas Carlos Amorales (México, 1970), Marlon de Azambuja (Brasil, 1978), Miguel Palma (Lisboa, 1964) y Sara Ramo (Madrid, 1975).

Entre 1738 y 1742, J. S. Bach compuso Die Kunst der Fugue (El Arte de la Fuga); esta obra, publicada después de su muerte, quedó inconclusa. Musicólogos de diferentes épocas se acercaron a ella para finalizarla. Los resultados obtenidos en su aproximación fueron dispares y reveladores. Algunos señalan que la “ausencia de fin” –al igual que la Columna Infinita de Constantin Brancusi– fue deliberada, como si Bach hubiese querido impregnar a Die Kunst der Fugue de esa capacidad que muy pocas obras poseen, la de escapar al tiempo.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. “Narrativas Culturales”. Imagen cortesía de la galería.

Narrativas Culturales es una exposición cuyo punto de partida ha sido la obra Ámsterdam de Carlos Amorales. Ámsterdam plantea como “la destrucción” forma parte de lo inesperado en el devenir de una cultura. La forma perversa en la que algunas veces es usado este proceso y en la manera en que actuara sobre los individuos produciendo la disociación de los mismos es uno de los pilares sobre los que se ha construido la muestra. Las metáforas que incorpora esta obra sirven de detonante para establecer diálogos imposibles con las otras piezas de la exposición. Así Antes, Después, Ahora de Sara Ramo, Up and Down de Miguel Palma y las plantillas de Marlon de Azambuja conversan de forma transversal en el espacio expositivo.

Narrativas Culturales aborda la capacidad inherente humana en la construcción de sistemas organizativos para una posterior sistematización de sus procesos de creación determinando el surgimiento de una idea hegemónica u otra. Precisamente, de entre las construcciones humanas, las metanarrativas son las que permanentemente han estado cuestionadas. En la actualidad, éstas siguen bajo sospecha, y a traves de sus construcciones, basadas en la razon, siguen siendo discutidas mediante discursos paralelos donde realidad y ficción coexisten para formar parte del imaginario colectivo. Carlos Amorales, Sara Ramo, Miguel Palma y Marlon de Azambuja establecen una dicotomía entre la idea Iluminista como desarrollo de una sociedad y el pensamiento mediante el cual el individuo se desarrolla desde sus orígenes.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. “Narrativas Culturales”. Imagen cortesía de la galería.

Es Sara Ramo quien nos introduce a través de Antes, Después, Ahora en el caos organizado que acontece en los procesos creativos. La confusión como herramienta de trabajo. El taller de la artista sirve como alegoría del sistema de construcción de una Cultura.

La investigación de Miguel Palma plantea una mirada sospechosa de la tecnología y la manera en que ésta se circunscribe en el sistema de valores dentro de la morfología social. En la visión no‐utópica de Palma subyace una ironía casi constante que revela los sueños –irrealizables‐ que esconden las máquinas modernas y las promesas que las encierran.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. “Narrativas Culturales”. Imagen cortesía de la galería.

Marlon de Azambuja indaga en la historia del arte para desvelarnos las líneas maestras que se articulan en la evolución de la naturaleza humana. En Narrativas Culturales Azambuja busca la huella del objeto como registro único de su propia existencia. Standardgraph 1310, Faber Castell 172601, Standardgraph 7343… son las pinturas supervivientes que han conseguido escapar a la rigidez y el control de la forma contenida en la plantilla.

Nos gusta pensar en J.S. Bach y en la infinidad de Die Kunst der Fugue o en J.S.Bach y Die Kunst der Fugue conclusa, sea como fuere, Bach nos adentra en una polisemia propia que se recoge en esta muestra a través de los múltiples procesos interculturales. Herramientas que aplican los artistas seleccionados para reconstruir la oralidad, la escritura y la ideología. Ya sea un proceso de deconstrucción o creación, todos ellos nos hacen cuestionar los métodos que sustentan el conflicto entre lo cotidiano –como narrativa individual– y lo hegemónico.

Bruno Leitão

Fotografía de una de las salas de la Galería Paula Alonso en la que vemos una obra de Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Asalto! en el Festival Miradas de Mujeres

Festival Miradas de Mujeres: Asalto!
Espacio Trapezio
C/ Augusto Figueroa, 24. Madrid
Inauguración: 14 de marzo a las 20: 30 h.
Hasta el 20 de abril de 2014

Dentro del marco Festival Miradas de Mujeres se presenta la exposición Asalto!, comisariada por Lara A. Miranda. En la que siete artistas nacionales internacionales participan en esta muestra colectiva, que tiene como objetivo mostrar proyectos que abordan la temática del activismo feminista a través de la obra artística. Las obras que se exponen configuran un collage de soportes y medios que se adaptan a las necesidades expresivas de cada trabajo. Estos discursos feministas se ven representados a través del vídeo, de la fotografía, la ilustración o la palabra (cualquier medio artístico), en los que se trata la problemática vigentes como el aborto, la identidad de género, el origen de la feminidad, o la construcción social.

El proyecto nace de la necesidad de incluir de manera clara y decisiva el activismo feminista dentro del Festival Miradas de Mujeres. Es clave que en un evento artístico donde se busca visibilizar el trabajo de mujeres artistas, el activismo artístico se declare como lo que es: una forma de militancia política.

En esta exposición, se muestran trabajos que describen siete formas distintas de entender y expresar debates de género, conflictos identitarios, descripciones sociales sobre el papel de la mujer. Un trabajo colectivo que tiene la intención de acabar con la discriminación patriarcal dentro del arte contemporáneo. Las mujeres que participan con sus obras en este proyecto rompen con la determinación y los cánones de un circuito artístico liderado aún por hombres.

Las artistas partícipes son: Elvire Duvelle Charles, Fancine Bulbasaur, Yelena Mishko, Vegan Bunnies, Afi Oco (Rafaella Gnecco), Marguerite Stern, Sara Torres y Coco Capitán.

Elvire Duvelle Charles, "FEMEN: One year as an international movement" (2013). Imagen cortesía de la galería.

Elvire Duvelle Charles, “FEMEN: One year as an international movement” (2013). Imagen cortesía de la galería.

Ruth Gómez: Spray

Festival Miradas de Mujeres: Spray de Ruth Gómez
La New Gallery
Carranza 6, Madrid.
Inauguración 5 de marzo a las 20:00 h.
Hasta el 29 de marzo de 2014

La exposición individual de Ruth Gómez se sitúa entre los videojuegos de los años 70 y el último Final Fantasy, una historia de rol en la que el espectador es el guerrero. Inspirada en el barrio parisino de Belleville, concretamente, en sus murales urbanos, donde el grafiti Spray se dibuja gradualmente a través de la simulación de un videojuego.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray pone en escena un “caos controlado” de pequeñas perturbaciones humanas. El muro animado genera un contener de imágenes, donde muchas tramas encajan entre ellas, implicando los estados de ánimo del espectador. El vídeo combina escenas y figuras que provienen de animaciones anteriores de la artista, con personajes reales, animales y firmas.

El extraterrestre Space Invaders regula y desencadena fragmentos de animación entre las figuras, los símbolos, citas, el recuerdo y lo cotidiano. Articula un mecanismo, “a modo de marioneta” de otros personajes como una jirafa, un flamenco, unas mujeres, una rana, etc.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Conspiraciones de mujeres

Festival Miradas de Mujeres: “Conspiraciones de mujeres”
Galería Cámara Oscura
C/ Alameda, 16, 1º B. Madrid.
Inauguración: 7 de marzo a las 20:00 h.
Hasta el 29 de marzo de 2014

Dentro del marco del 3er Festival de Mujeres, se presenta esta exposición colectiva que se “apropia” de la película del director británico Peter Greenaway, que tiene el mismo título “Conspiraciones de Mujeres”.

En la exposición podremos ver la historia de tres generaciones de mujeres que, comparten el mismo nombre, Cissie Colpitts, así como las tres protagonistas tiene que lidiar con sus problemas matrimoniales. La primera decidió acabar con su adúltero marido ahogándolo en una bañera. El forense local la encubre certificando un suicidio a condición de que la mujer se case con él, pero ella no está dispuesta a acceder. Tiempo después, la acción de la abuela tendrá sus consecuencias en su hija y nieta.

El proyecto se “apropia” del argumento de una película de culto, lo que añade un elemento de novedad al actual “apropiacionismo” que ejercen determinados artistas con la obra de artistas fallecidos o también coetáneos. Una exposición que sirve como reflexión a esta práctica artística criticada por unos y alabada por otros.

Las artistas que participan en este proyecto comisariado por Juan Curto, son: Elke Andreas Boon, Julia Fullerton-Batten, Line Gulsett, Ellen Kooi, Nanna Hänninen, Miss Aniela y Cecilia de Val.

Konspirasjon de Line Gulsett. Imagen cortesía de la galería Cámara Oscura

Konspirasjon de Line Gulsett. Imagen cortesía de la galería Cámara Oscura.

The Dreamer, de Cecilia de Val. Imagen cortesía de la galería Cámara Oscura.

The Dreamer, de Cecilia de Val. Imagen cortesía de la galería Cámara Oscura.