Los cuatro jinetes del apocalipsis, en valencià

‘Els quatre genets de l’apocalipsi’, de Vicente Blasco Ibáñez, en versió de Juli Disla
Teatre Rialto
Plaça de l’Ajuntament, 17. València
Del 12 al 28 de maig de 2017

L’Institut Valencià de Cultura presenta del 12 al 28 de maig, al Teatre Rialto, l’adaptació teatral de ‘Els quatre genets de l’apocalipsi’ una de les obres més conegudes del novel·lista Vicente Blasco Ibañez. Dirigida per Inma Sancho està interpretada per Empar Canet, Vanessa Cano, Enric Juezas, Borja López Collado, María Maroto, Carles Sanjaime, Bruno Tamarit i Guille Zavala. La escenografia es de Carlos Montesinos, la il·luminació de Victor Antón i el vestuari de Pasqual Peris.

El director general de l’Institut Valencià de Cultura ha dit: ‘’Es voluntat de les produccions del Teatre del Poble Valencià acostar al públic valencià als grans textos de la literatura universal i fer-lo en la seua llengua, en aquesta línia, l’efemèride del 150 aniversari del naixement de Blasco Ibáñez ens permet rellegir la seua literatura en el context social i cultural contemporani’’.

L’espectacle que proposa l’Institut Valencià de Cultura es concreta en l’adaptació teatral de la novel·la, conclosa en 1916, quan l’escriptor vivia en un París assetjat per la gran guerra europea. Blasco gaudeix d’una vida intensa com a literat, i en pren partit en la contesa.

Conscient del moment històric s’alinea com a entusiasta partidari dels aliats, que són postulats com el bàndol que mereix la victòria. L’escriptor apassionat acaba convertint-se en activista francòfil. Per això escriu una història d’amor i de conflicte familiar en un context destructiu i tràgic: la Primera Guerra Mundial.

Per a Juli Disla, autor de la versió valenciana: ‘’Ens enfronten al repte de posar en escena l’obra de Vicente Blasco Ibáñez amb tot el respecte que imposa un dels autors més importants de la nostra literatura. I volem fer-ho amb l’únic propòsit d’apropar-lo al públic de la manera més honesta i fidel en relació a la novel·la original’’.

No és la primera vegada que aquesta novel·la s’adapta a altres formats artístics, a més de les conegudes versions cinematogràfiques, la companyia d’Enrique Rambal ja va fer una adaptació teatral que es va estrenar al Teatre Principal de València a l’octubre de 1923 amb un text de Luís Linares Becerra. Òbviament la proposta que presentem al 2017 és ben diferent.

La directora de l’espectacle Inma Sancho ha inssitit en que ‘’la dificultat (o l’aposta) de fer una adaptació teatral d’una novel·la es troba, bàsicament, en prendre decisions. I desitjar que aquestes decisions siguen les més encertades per explicar la història i traslladar el material necessari per a que, al capdavall, estiguem contant el mateix. Així que adaptar és, sobretot, saber triar. Triar els personatges, triar els llocs on passen les escenes, triar la informació, les trames i els detalls. És justament en l’acte de triar on sorgeix tot allò que s’ha de descartar. I és ací quan apareix la pena per haver de sacrificar tantíssim material que en la lectura original ens han semblat meravellós però que les necessitats escèniques fan impossible’’.

Elenco y responsables institucionales de 'Els quatre genets de l'apocalipsi'.

Elenco y responsables institucionales de ‘Els quatre genets de l’apocalipsi’.

Amb la producció de ‘Els quatre genets de l’Apocalipsi’ l’Institut Valencià de Cultura vol fer accessible el context històric que Blasco Ibáñez ens narra de manera quasi periodística en alguns passatges i que la manca de coneixements que puga tindre l’espectador sobre la primer Guerra Mundial no li impedisca seguir i enganxar-se a la història. Els motius que desencadenaren el conflicte, la situació política prèvia, els esdeveniments que anaven succeint-se en els mesos en què transcorre l’acció poden suposar una dificultat per entendre el comportament dels personatges i el viatge que realitzen.

La novel·la de Blasco Ibáñez, ens retrata una societat en un moment de canvi, de trasbals. I serà la guerra cruel la que aboque els personatges a fer aparèixer els instints, comportaments i valors que només s’entenen si els llegim amb emoció i humor.

Com influeix un context hostil (bèl·lic) en les persones: els efectes i la necessitat d’adaptar-se als temps que estan vivint, la incertesa d’un futur desconegut, el desbaratament dels plans burgesos, posar en qüestió les idees polítiques, religioses, patriòtiques fins i tot l’amor a la família. Tot això és el que hem trobat a la novel·la i és el que volem portar a l’escenari.

 

Mil (y más) cosas que haría por ti

Set de rodaje de la película ‘Mil cosas que haría por ti’
Dídac Cervera
Alhena Productions y Dacsa Produccions

En un set de rodaje todo parece regirse por un caos escrupulosamente metódico. El equipo de ‘Mil cosas que haría por tí ha tomado, acertadamente, una ciudad de Valencia que se encuentra casi vacía para adentrarse en calles en las que nadie sospecha que se está grabando una película. Han rodado en interior y próximamente cambiarán hacia el exterior, pues la trama requiere incluso de dinámicas persecuciones. ‘Mil cosas que haría por ti’ es una comedia de enredos, donde el protagonista, Dani (Peter Vives) ha perdido un preciado objeto que le regaló su novia, Mónica (Iris Lezcano). Mónica, harta de que Dani no deje de decepcionarla, decide romper su relación. Pero Dani hará lo imposible por recuperar el objeto y así salvar su relación. Es precisamente ese intento del protagonista lo que le lleva a adentrarse en un mundo de mafiosos y ladrones con el que, desde luego, no está nada familiarizado.

Probablemente, lo que más nos llama la atención de la película es su producción catalano-valenciana, compuesta por Alhena Production, una productora catalana y la valenciana Dacsa Produccions. Sus productores, Norbert Llaràs y Xavier Crespo, nos desvelan, entre toma y toma, algunos entresijos de como funciona la producción de cine en España.

“Tenía una potencia y un guión que nos animó mucho”

Esta trama de enredos surge del argumento original de Joan Sanz y del trabajo como realizador de Dídac Cervera, también director de la película. Un característico humor surrealista que toma como referente principal a Woody Allen y se entremezcla con recursos cinematográficos novedosos que presuponen una historia dotada de sorpresas que no dejara indiferente al espectador.

“El proyecto nos llega a la productora hace unos tres años. Tenía una potencia y un guión que nos animó mucho. Y cuando se sumó la televisión, vimos que se podía llevar adelante”, explica Norbert Llaràs, responsable de otros títulos como ‘Alpha’ (2012), ‘La mujer del anarquista’ (2008), ‘Taxista Ful’ (2006) o ‘Los cronocrímenes’ (2007). Más adelante descubrimos que en realidad la idea original de Joan Sanz llegó a Alhena Production algún tiempo antes, pero es la versión coescrita con Dídac Cervera la que aporta el golpe de gracia. “ La versión que Dídac tenía en su cabeza y la manera de explicarla con los recursos propios del cine… Todo esto nos determinó a seguir adelante. Por supuesto, continuaba con el argumento original de Sanz de una comedia de enredos, donde se pierde un objeto de valor. Por cierto, el objeto ha cambiado, antes era un mechero y ahora es un reloj.” Son cosas de la magia del cine.

Norbert Llaràs y Xavier Crespo, productores de Mil cosas que haría por ti, durante la entrevista. Fotografía: Boris Ramírez.

Norbert Llaràs y Xavier Crespo, productores de Mil cosas que haría por ti, durante la entrevista. Fotografía: Boris Ramírez.

“En la coproducción todo son ventajas”

Es la cuarta película que Alhena y Dacsa producen juntos. Xavier Crespo, que ha trabajado con Carlos Saura en ‘Iberia’ (2005) y en documentales de éxito como ‘La sombra del iceberg’ (2007), realza los aspectos positivos de trabajar en coproducción, “ siempre es positivo porque se comparten comentarios, distintas visiones, inercias de trabajo…”. “Quizá sí existen algunos inconvenientes a nivel burocrático. Debemos tener en cuenta las cuotas a la hora de solicitar las ayudas públicas, pero es enriquecedor porque nos obliga a trabajar en diversos parámetros.” Ambos confirman que repetirían otra vez y Norbert añade que “Coproducir supone abrir puertas para encontrar más financiación y para lograr una explotación más grande. En este caso ha resultado así, entre Cataluña y Valencia, pero también con la pequeña participación francesa. Además, los pequeños inconvenientes solo son, debido a que gran parte de la ayuda económica es pública y las administraciones lo que no quieres es que se deslocalicen las ayudas. Si hay una ayuda de Culturarts, se quiere que vaya destinada a Valencia y lo mismo ocurre si las ayudan parten de la Generalitat Catalana.”

Saben bien de lo que hablan ya que participan en la película otras entidades como Televisión Española TVE, Televisió de Catalunya TV3 y además cuentan con el apoyo de ICEC (Institut Català d’Empreses Culturals), ICAA (Instituto de la Cinematografía y de las Artes Visuales), Culturarts y la pequeña participación de la francesa Papaye.

“Si pensamos en rentabilidad comercial, eso sería homogeneizar el sector”

A raíz de toda esta inevitable participación tanto de agentes públicos como privados, es inevitable que surja la duda de hasta que punto el cine debe ser rentable. “Esto se plantea en numerosas ocasiones en el mundo de la cultura, pero ¿y por qué no en el mundo del automóvil?. Para que se vendan coches existen ayudas y venden coches empresas que están normalizadas en el sector, quiero decir, es complicado como se estructuran las ayudas públicas y cómo se defienden. Si son muchas, pocas o si deberían obedecer a un planteamiento más global.” explica Xavier Crespo. De hecho, en el cine el dinero público no puede ser más de la mitad el presupuesto total, un claro indicador de que productores deben buscar financiación privada. Afortunadamente, Crespo nos recuerda que “ no todo el cine se hace pensando en ese complemento público. Pero, hay una excepción cultural independiente de la industrial, que debemos tener en cuenta, ¿es más rentable culturalmente una película de éxito que otra que no tenga tanto éxito?, ¿dónde se tiene que éxito?, ¿éxito en el público o éxito en festivales, en crítica, etc?. Hay tantos parámetros que convendría cerrar… Y eso que solo hablamos de cine en general y no de género. Me resulta difícil situarme en una de los dos bandos. Si pensamos en rentabilidad comercial, eso sería homogeneizar el sector, solo se podrán hacer películas que aparentemente, y eso no se sabe, tengan que ser rentables.”

En este sentido, Norbert Llaràs hace una comparación entre el modelo cinematográfico estadounidense, “en el fondo, en realidad los inversores están buscando bonificaciones fiscales y también hay de los propios estados retornos altísimos en impuestos. Es decir que al final, es tanto el volumen de negocio que genera la producción y la cantidad de impuestos que se pagan que cualquier inversión tiene un retorno triplicado.”

Pero lo que realmente motiva a estos productores es “hacer cosas que trasciendan y dejen huella, y por tanto, alimenten el espíritu crítico del espectador para que quede un residuo cultural. Al final, como en cualquier sector económico, hay dos tipos de profesionales: el productor que hace una actividad porque de verdad lo desea, y el especulador. Y creo que nosotros no sabríamos especular demasiado.”

Set de rodaje Mil cosas que haría por ti. Fotografía: Boris Ramírez.

Set de rodaje Mil cosas que haría por ti. Fotografía: Boris Ramírez.

“Queremos una amplia distribución”

Ya que el film se ha rodado en Valencia, nos encantaría poder verla aquí, pero la distribución es otro de los elementos que un productor debe gestionar y, hoy en día, y en ciertos tipos de películas, no es nada fácil. “ Estamos trabajando a marchas forzadas porque queremos tenerla terminada a finales de este año, de manera que hay una ventana abierta a poder estar en el Festival de Málaga, que es el festival más natural para este tipo de cine. Esta es la prioridad a pequeña escala. Pero no renunciamos a tener una distribución lo más amplia posible, para poder estar en las salas comerciales el mayor tiempo posible. Sería fantástico para nosotros que el público pudiera verlo y valorarlo. Desgraciadamente, la facilidad para estar en cines habituales no es normal en películas de un tipo determinado.” A pesar de todo, Norbert nos adelanta que será doblada al castellano para tener una posible distribución nacional, por supuesto “ la versión catalana-valenciana seguro que por lo menos en Cataluña tendrá distribución, esperando que aquí en Valencia también pueda tenerla (aunque será más pequeña). Y no olvidemos que intentaremos exportarla al extranjero, pues este referente a Woody Allen elimina los gags locales pudiéndose ver en muchos países.”

En este sentido, son precisamente los actores protagonistas de ‘Mil cosas que haría por ti’, Peter Vives (Volare; Barcelona, nit d’estiu) e Iris Lezcano (Carlos, Rey Emperador, L’alqueria blanca) los que se encargan de desvelarnos las características propias de la película, que alberga alguna que otra sorpresa. “Mi personaje, Dani, se desarrolla mucho dentro de la trama de la película.”, nos dice Peter Vives, “él no es realmente como lo veréis. Está acostumbrado a una vida monótona y rutinaria, y en todo momento en la película se le ve fuera de su zona de confort. Lo que va a llamar la atención del público son todas estas situaciones inverosímiles donde el personaje se va a ver envuelto, aunque también los personajes que van a estar junto a él en estas situaciones. Cada uno va a ser más cómico que el anterior.”

La actriz Iris Lezcano en camerino durante la entrevista. Fotografía: Boris Ramírez.

La actriz Iris Lezcano en camerino durante la entrevista. Fotografía: Boris Ramírez.

Y es totalmente cierto que probablemente el reparto de la película sea un punto a favor para conformar el género de comedia surrealista. Se reconocen casi todos los nombres como el de la genial Carmen Barrios (Carmina o revienta), el humorista Peyu, Jordi Vilches (Platillos Volantes, Krámpack), Boris Ruiz (Luna, el misterio de Calenda), Carles Sanjaime (Cinco metros cuadrados), Cristina Brondo (Perdona si te llamo amor) y Pep Cortés (Son de mar).

Iris Lezcano, que interpreta a Mónica en la ficción, se siente encantada de rodar en casa, “Valencia es una ciudad donde rodar está siendo un placer. Siempre digo que en Valencia me siento muy querida por la gente”. Pero pronto, el rodaje se trasladará a Barcelona donde se culminará la opera prima del joven Dídac Cervera. Es el trabajo del director lo primero que destaca Vives diciendo que “es muy importante en ‘Mil cosas que haría por ti’ cómo se cuentan las situaciones, o mejor dicho, la forma tan particular que tiene Dídac de contarlas. Se suceden las miradas a cámara y ese habla de la película que quizás habéis visto en Deadpool o en House of Cards. Hay un metalenguaje muy bien jugado.” Y por supuesto no se olvida de señalar referentes ,»también se suceden muchos flashbacks, como en RocknRolla. Y situaciones muy woodyallenescas, del antihéroe, el macho que no es nada alfa, que es más inseguro a medida que avanza la película, que se desenvuelve con polis, mafiosos, amigos que están locos y todo por un reloj, que es el verdadero protagonista de la película.” Iris Lezcano sintetiza la película en una última frase rematadora, “se desvela que al final, contra todo pronóstico, él haría mil cosas por ella .”

Permaneceremos atentos a las carteleras del próximo año deseando poder ver un resultado que promete aportar una esperada renovación del cine español.

María Ramis.

 

Una idiotez no verla

El sopar dels idiotes, de Carles Sanjaime
Teatre Talia
C / Caballeros, 31. Valencia
Del 27 de abril al 29 de mayo, en valenciano
A partir del 1 de junio de 2016, en castellano

En 1993 se estrenó la obra de teatro ‘La Cena de los Idiotas’ del dramaturgo francés Francis Veber. Aquella obra fue un éxito, hizo llorar de risa al más pintado, y no es para menos ya que el libreto está lleno de gags donde se descubre la miseria humana, el amor y la inocencia. Pronto se realizó la versión cinematográfica, está claro que el traslado al celuloide de la historia no afectó en absoluto a su capacidad de congregar las risas y el buen humor. Ambos fueron unos soberanos éxitos, de esos recordados dentro y fuera del país galo.

Tanto es así que en 2010 los americanos produjeron su propio remake del ya clásico título. El encargado de realizarlo fue Jay Roach, y en España se tituló ‘La Cena’. Ahora llega a Valencia la obra pero en versión nuestra. Y con ello no quiero decir que se haya trastocado el guión o nos lo hayamos pasado por el arco… por la Puerta del Mar, sino que hemos logrado que los puntos localistas de la obra francesa se adaptaran a ciudad del Túria.

Escena de El sopar dels idiotes en el Teatre Talia. Fotografía: Lorena Riestra.

Escena de El sopar dels idiotes en el Teatre Talia. Fotografía: Lorena Riestra.

Todos los miércoles Carles queda con unos amigos elitistas y desconsiderados para cenar, a dicha cena cada uno de los comensales tiene que llevar a un acompañante del que se podrán reír todos. El que lleve al más idiota, bizarro y extraño, ganará el beneplácito del resto. Carles, un fantástico Josep Manel Casany, a quien te crees en todo rato que sea un señorito de la Valencia carca y endiosada, ese miércoles no puede acudir a la cena debido a una lumbalgia, lo cual le produce una especial pena porque había encontrado a un idiota de órdago.

Vicent Pinyol es un hombre que ama las maquetas, y además trabaja en Hacienda, y eso le transforma en el hombre perfecto para convertirse en la diana simplona de los ataques de esa panda de buitres. Vicent entra en casa de Carles en el momento justo, con lumbalgia, descorazonado por el abandono dotmail.com/e su mujer, y juntos emprenden un camino, lleno de risas, estupideces y confesiones descarnadas, hacia conocer el paradero de Cristina, la esposa de Carles. A la fiesta se une Ventura, el antiguo novio de Cristina…

La comedía acierta en tantas cosas que sería difícil mencionarlas sin destripar los gags. Es cierto que no añade nada nuevo al original, ni falta que le hace, pero sí demuestra que el humor, cuanto más cercano, mejor. Ferran Gadea en el papel del pesado y gaznápiro Vicent Pinyol (muy bueno haber valencianizado el apellido del protagonista François Pignon) llena el escenario en cuanto sale. Consigue transmitir con su gestualidad, su ropa y su andar patoso que estamos ante un personaje tonto en su ejecución social, pero delicado en su transfondo emocional.

Escena de El sopar dels idiotes, en el Teatre Talia de Valencia. Fotografía: Lorena Riestra.

Escena de El sopar dels idiotes, en el Teatre Talia de Valencia. Fotografía: Lorena Riestra.

Josep Manel Casany se mete en la piel de un repipi marchante de arte que no duda en utilizar su poder para seducir mujeres, estafar a Hacienda y reírse de miserables. Los dos personajes, convertidos en habitantes de nuestra Valencia, hacen referencia a cuestiones locales, como el partido del Valencia CF contra el Real Madrid que se juega la noche de autos. Ventura (Alfred Picó), el que fuera novio de Cristina, está presente en la desintegración del matrimonio de Carles, y alucina con cómo el idiota del que planteaba Carles burlarse se está vengando de todo el sufrimiento y humillación que han padecido sus congéneres idiotilines.

Una vendetta circunstancial que pone de relieve el refrán: a todo cerdo le llega su San Martín. El Talia no decepcionó y sus butacas estuvieron a punto de llenarse por completo, la obra se representará a partir del 1 de Junio en castellano, aunque dudo que sea más divertida, porque tanto Ferran como Alfred y Josep Manel parecen moverse mejor en la lengua de Ferran Torrent.

Una obra que nos habla, como ya hemos comentado, de las miserias del ser humano y de la altivez de los hombres que se creen por encima del resto, pero como la obra está escrita con maestría e inteligencia, asistimos a una evolución a medida que los personajes van creciendo y así el que era tonto e inseguro, se transforma en alguien resolutivo y valiente, y el que era seguro y tenía la vida resuelta, parece estar perdido en su propia maraña de confusión. Una obra para reírse y para reflexionar sobre lo mal que nos comportamos con quien creemos que podemos hacerlo sin salir dañados.

El sopar dels idiotes, en el Teatre Talia. Fotografía: Lorena Riestra.

El sopar dels idiotes, en el Teatre Talia. Fotografía: Lorena Riestra.

Javier Caro

La gran festa de l’opulència

Acosos y derribos S.L., de Jacobo Pallarés, Carles Sanjaime y Kika Garcelán
Teatre Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 3 al 6 de marzo de 2016

El Teatre Rialto rep, del 3 al 6 de març, Acosos y Derribos S.L., coproducció de CulturArts i Teatro de lo Inestable, què va veure la llum al novembre en Espacio Inestable.

La peça teatral és creació de Jacobo Pallarés, que també co-dirigeix amb Carles Sanjaime i Kika Garcelán, i amb text de Pallarés i Gabi Ochoa. Junts han creat un espectacle carregat de contingut social, que reflecteix la injustícia de la nostra realitat, la divisió imperant que vivim aquests dies entre els de dalt i els de baix, i la lluita de classes.

Escena de Acosos y derribos D.L.. Teatre Rialto.

Escena de Acosos y derribos D.L.. Teatre Rialto.

Maribel Bayona, Pau Gregori, Carles Sanjaime i Anna Albaladejo formen l’equip interpretatiu de Acosos y Derribos S.L., donant-nos uns personatges immersos en la gran festa de l’opulència i el malbaratament, i que veuran com tot s’afona davant dels seus ulls.

L’obra és una crida d’atenció als responsables d’aquest context complex en què ens trobem, i al mateix temps, una presa de consciència de les possibilitats per a la construcció d’un camí sostenible en aquest futur incert ple de boira.

L’espectacle va tindre una molt bona acollida per part del públic, que va omplir la sala de teatre alternatiu els quatre dies de funció. Ara, després de tres mesos de la seua estrena absoluta, els plats trencats arriben al Teatre Rialto, una oportunitat única per vore teatre d’experimentació a l’escenari públic. Aquest fet és prou simbòlic pel que suposa habitar l’espai públic des dels nous llenguatges i des de les noves dramatúrgies.

Escena de Acosos y derribos S.L. Teatro Rialto.

Escena de Acosos y derribos S.L. Teatre Rialto.

 

Húngaros y porteños

Compañía Hongaresa
20 años de celebración

¿Por qué Compañía Húngara si ninguno de sus miembros es de ese país? Es un secreto a voces que guardan los porteños de Puerto Sagunto, Lola López y Paco Zarzoso, junto a la catalana de Badalona Lluïsa Cunillé, los tres fundadores del grupo. “En parte fue inspirado por un bello poema de Paco y en parte como señal de cosmopolitismo y de condición apátrida”, responde López. “También un toque surrealista como aquel austrohúngaro de Berlanga”.

Lo cierto es que el sello  centroeuropeo les ha dado suerte, pues llevan la friolera de veinte años recorriendo España y Latinoamérica con sus montajes, más de una veintena. “Todo ha sido cuestión de resistencia igual que el tango”, comenta López. “Pero sobre todo se debe al trabajo de un magnífico equipo de acores y creativos que colabora estrechamente con nosotros en todas las ramas del arte”.

Intemperie, primer montaje de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

Intemperie, primer montaje de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

Este fin de año celebran sus dos flamantes décadas con una serie de eventos encadenados, la mayoría a la orilla del mar, en  su querido Port de Sagunt, sede de la compañía y lugar de residencia de algunos de sus miembros y de parte del equipo artístico y técnico.  En todos estos años, Hongaresa «no ha dejado de plantearse nuevos retos dramatúrgicos y experimentar en cada montaje con géneros y teatralidades bien diferentes, poniendo en escena tragedias, desde comedias y tragicomedias a cabarets políticos”, señala López.

Los actos comenzaron a principios  diciembre con la exposición fotográfica retrospectiva L’Hongaresa a través de la mirada de Jordi Pla que se podrá visitar hasta el día 24. Pla, uno de los fotógrafos de artes escénicas más reconocidos del país, ha seguido desde sus inicios los pasos teatrales de la compañía. El jueves 10 de diciembre tuvo lugar, en el Casal Jove, la lectura dramatizada de la última pieza escrita por Paco Zarzoso, La piedra de la locura, con las voces de Lola López, Carles Sanjaime, Verónica Andrés y Álvaro Báguena.

El alma se serena, de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

El alma se serena, de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

Los actos continúan el viernes 18 con el estreno, en el Centro Cultural Mario Monreal de Sagunt de La cantant calba al McDonald’s de Lluïsa Cunillé. La autora recupera en esta pieza, en valenciano, a los personajes de La cantant calva de Ionesco y los sitúa en el centro de Londres en una tarde de lluvia. Por un McDonald’s, epicentro del capitalismo más feroz, desfilan los personajes de la obra original unos cuantos años después tamizados y reinventados a través de la mirada de Cunillé. Será interpretada por Pep Ricart, Lola López, Mafalda Bellido y Marcos Sproston.

Los actos finalizan el sábado 19 en la Casa de Cultura del Port de Sagunt con la representación de María La Jabalina siete años después de su emotivo estreno. Esta obra de Lola López recrea  la historia de una vecina porteña fusilada durante la guerra civil.

Por otra parte, el próximo año la Compañía Hongaresa de Teatre estrenará  la producción Serenata para un país sin serenos, una tragicomedia de  Lluïsa Cunillé y Paco Zarzoso, que propone un diálogo original entre la palabra y la música. La pieza podrá verse por primera vez el 16 de enero en la Casa de la Cultura del Puerto de Sagunto (Valencia) antes de viajar a Barcelona donde hará temporada en La Seca.

Hilvanando cielos, de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

Hilvanando cielos, de Hongaresa. Fotografía de Jordi Pla.

Bel Carrasco

 

Un déu salvatge en el Teatre Micalet

Un déu salvatge, de Yasmina Reza, dirigido por Carles Sanjaime
Teatre Micalet
C / Mestre Palau, 3. Valencia
Del 7 al 25 de mayo

La comedia Un déu salvatge se representará en el Teatre Micalet de Valencia tras el «éxito de público y crítica» que ha alcanzado en otros escenarios, según informaron fuentes del teatro valenciano. Se trata de un «éxito internacional» que se podrá ver ahora en versión en valenciano.

Un déu salvatge, una producción de Olympia Metropolitana en colaboración con la Companyia Teatre Micalet, ha cosechado «un enorme éxito internacional» y ha sido traducida a más de 35 idiomas. Además, ha sido llevada al cine por Roman Polanski. El montaje que se podrá ver en el Micalet cuenta con la dirección de Carles Sanjaime y con Pilar Almeria, Pep Ricart, Empar Canet y Jaime Linares en su desarrollo.

Escena de 'Un déu salvatge'. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Escena de ‘Un déu salvatge’. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

La obra transcurre en torno a dos matrimonios, adultos y civilizados, que se encuentran para resolver un incidente protagonizado por sus hijos de once años después de que uno de ellos le haya partido dos dientes al otro en una pelea en un parque.

Teatre Micalet ha asegurado que Un déu salvatge es «una inteligente comedia» en la que sus cuatro actores «interpretan a cuatro adultos ponderados y reflexivos que, poco a poco, van transformándose en auténticos salvajes». De este modo, se conforma una «sátira de la pareja y de la relación con los hijos» que «disecciona con gran sentido del humor la sociedad contemporánea, a veces atrapada en un deseo de corrección política».

Yasmina Reza es una autora reconocida mundialmente. La mayoría de sus textos se han estrenado en ciudades como Madrid, Barcelona, París, Berlín, Nueva York o Buenos Aires, siguiendo Un déu salvatge la misma línea que cautivó al público con Art, obra que gira en torno a la disputa que se desata entre tres amigos por «culpa» de un cuadro totalmente blanco.

De izquierda a derecha, Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, protagonistas de 'Un déu salvatge'. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

De izquierda a derecha, Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, protagonistas de ‘Un déu salvatge’. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Vivero de actores

Escuela del Actor. Andrés Poveda
Espai Rambleta
Bulevar Sur esquina C / Pío IX. Valencia

Algunas personas nacen predispuestas a asumir múltiples identidades sin dejar de ser ellos mismos, ni perder un ápice de cordura. Son seres capaces de vaciarse temporalmente de su propia esencia para convertirse en un vehículo de transmisión de emociones, sentimientos e ideas, imaginados por el autor de una obra al crear a su personaje. Los actores y actrices nacen pero también se hacen y ese proceso de forja es cada vez más arduo y complejo. Al arte de la interpretación en sus diversas vertientes se suma el dominio de la voz y las técnicas de expresión corporal, además de una sólida base teórica y cultural, que hoy día incluye nociones de audiovisual.

En suma, un considerable esfuerzo físico y mental, aparte de económico, que muchos jóvenes invierten en un sueño que no siempre llega a materializarse. El oficio de actor es uno de los más volátiles, al albur de las circunstancias más o menos propicias. La belleza, el talento y la capacidad de trabajo no garantizan el triunfo al cien por cien. Y si se consigue, más difícil todavía es mantenerlo en un mundo altamente competitivo y exigente. Cuántos actores y actrices brillan fugazmente en la cumbre para desaparecer al poco tiempo, engullidos por el olvido. La crisis crónica que afecta al teatro, la agonía de la industria cinematográfica y la precariedad de las televisiones configuran un panorama desolador. Pese a expectativas tan precarias, este curso un buen puñado de jóvenes iniciarán los estudios de interpretación, bien en la Escuela de Arte Dramático, bien en alguno de los centros privados que existen en Valencia. En la mente de todos ellos alienta la esperanza de que cuando terminen la carrera hayan cambiado las tornas y mejore la situación.

Andrés Poveda, director de la Escuela del Actor

Andrés Poveda, director de la Escuela del Actor

La Escuela del Actor es uno de los centros privados más veteranos, cuya vitalidad y capacidad de supervivencia demuestra el hecho de que funciona hace ya 18 años sin ningún tipo de ayuda oficial ni subvención. La creó un grupo de siete socios entre los que figuran su director, Andrés Poveda, y otros actores y maestros de actores: Jaime Pujol, Carles Sanjaime, Pepe Galotto, Vicente Genovés… Su primer centro estaba situado en la calle Alcalde Albors y, después de un tiempo en el paseo de la Petxina, se acaban de trasladar a Espai Rambleta, donde disponen de un millar de metros cuadrados, además del flamante escenario.

“Las ventajas son múltiples”, afirma Poveda. “Tendremos mejores instalaciones, mayor contacto con los profesionales y contribuiremos a dinamizar un espacio cultural muy bien gestionado. Por otra parte, habrá un interesante intercambio con la gente del barrio de San Marcelí”.

La Escuela del Actor opta por la diversificación para garantizar su supervivencia en tiempos duros que obligan a imponer recortes, aunque ellos gestionan casi un centenar de contratos al año y cuentan con una veintena de profesores. Además de los cursos ‘académicos’, que duran cuatro años con grupos de 15 a 20 personas que aspiran a ser profesionales, se imparten otros cursos más ligeros destinados a niños o personas mayores para quienes la interpretación es un complemento educativo o un hobbie terapéutico. Según Poveda, estos últimos años se ha incrementado el interés de los menores hacia la interpretación, aunque ello no siempre suponga que se dediquen a ella profesionalmente.

“Nuestros títulos no están homologados, pero proporcionan una base muy firme a partir de la que el joven actor puede empezar a moverse”, indica Poveda. “En este oficio nunca se deja de estudiar y aprender. Muchos de nuestros alumnos han trabajado o trabajan en series de televisión o en otros proyectos”.

El equipo del centro combina las clases con otras actividades pedagógicas en torno al teatro dirigidas a escolares. Ha colaborado con el Palau de la Música y el Palau de les Arts, donde organizaron un interesante montaje, ‘Detectives en la Opera’, para descubrir a los niños los entresijos de los escenarios.

“Este curso vamos a empezar en la Rambleta una campaña llamada Teatre-Educa”, señala Poveda. “Consiste en completar la visión de la obra teatral con unos trabajos que se realizan en clase tanto antes como después de verla. La idea es que el niño absorba la mayor información posible sobre la misma y a la larga se convierta en un buen espectador. A veces si van a ver teatro solos con sus padres pierden matices y se les escapan muchas cosas”.

¿Qué futuro les espera a los jóvenes actores? Imposible predecirlo, pero Poveda se muestra optimista. “Esta profesión no es una manera muy fiable de ganarse la vida, pero resulta muy gratificante”, opina. “En Valencia nunca ha sido sencillo vivir de ella, y ahora aún menos, pero creo que hay que resistir y seguir trabajando. De hecho hay síntomas de que el fuego de la pasión teatral sigue encendido con propuesta como Creador.es, Espacio Invisible o las jornadas de Russafa.”

Imagen de una de las aulas de Espai Rambleta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Imagen de una de las aulas de Espai Rambleta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Bel Carrasco

 

Cuatro «fieras» encerradas en el Talia

Un déu salvatge, de Yasmina Reza, bajo la dirección de Carles Sanjaime
Teatro Talia
C / Caballeros, 31. Valencia
Hasta el 20 de octubre

El texto francés de Yasmina Reza «Un dios salvaje» se ha convertido en una clara referencia teatral. Ha sido traducido a varios idiomas y ha triunfado por Europa, Latinoamérica e incluso los Estados Unidos. Una historia que sólo cuenta con cuatro actores, dos matrimonios, que se reúnen para tratar de resolver un conflicto entre niños con una actitud conciliadora y pacífica, al menos de apariencia, pero que más tarde acabará explotando, convirtiéndoles a todos en verdaderas fieras.

Carles Sanjaime es el director encargado de llevar esta obra al Teatro Talia con texto en valenciano y que cuenta con cuatro actores muy conocidos en la televisión valenciana. Pilar Almeria, Pep Ricart, Jaime Linares y Empar Canet, que dan vida a los personajes de esta obra, anteriormente interpretada por profesionales de la talla de Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón, Antonio Molero o en la película dirigida por Roman Polanski por Jodie Foster, Kate Winslet o Christoph Waltz, hablan del reto que ha supuesto para ellos. “Te sientes un poco responsable a la hora de interpretar un papel así, pero llega un momento que hay que olvidarse de eso, coger el toro por los cuernos e intentar contarlo tú misma”, afirma Empar Canet que interpreta a Ana, uno de los personajes más pacíficos hasta que su paciencia se acaba.

Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, actores de "Un déu salvatge". Imagen cortesía del Teatro Talia.

Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, actores de «Un déu salvatge». Imagen cortesía del Teatro Talia.

La obra trata de muchos temas, uno de ellos es la hipocresía pero también la falta de empatía entre los dos matrimonios. “ La crítica brutal que hace, que es un poco pesimista, es que es imposible tener empatía. En la obra no somos capaces porque cada uno piensa una cosa y cree que lo suyo es lo correcto. Mi personaje sobre todo, porque va por delante con el tema de los derechos humanos y por su rigidez de pensamiento. Es la que desencadena todo”, explica Pilar Almeria, que interpreta a Verónica, la más integrista, piensa que la cultura puede salvar al mundo.

Entre los personajes masculinos nos encontramos a Jaime Linares y Pep Ricart. Linares interpreta a un hombre bueno que tan sólo quiere tener contenta a su mujer (Pilar Almeria) y Ricart, a un incansable trabajador pegado al móvil y con un toque cínico y aburrido hacia todo lo que ocurre a su alrededor.

Los actores coinciden que la parte más complicada del espectáctulo es el principio, en el que deben de ocultar sus rencillas y aparentar cordialidad. “Nosotros ya conocemos el final y, por tanto, sabemos por dónde va a ir; entonces, intentar ser amables y civilizados al principio cuando en el fondo de nuestro corazón está todo lo que va a pasar, es complicado. Hay unos 20 minutos de la obra en la que somos unos salvajes totalmente”, apunta Almeria.

Estos son los ingredientes de «Un dios salvaje», que hasta el 20 de octubre permanecerá en el Teatro Talia. Pero esto no es todo, sino que además contiene una sorpresa. El teatro da la oportunidad, el 27 de septiembre, de disfrutar del espectáculo y, cuando se acabe la función, pagar lo que el público crea que vale la obra, de una forma totalmente anónima. Algo totalmente original que, al fin y al cabo, es como debe de ser el teatro, que apuesta por el público y el espectáculo.

Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, protagonistas de "Un déu salvatge". Imagen cortesía del Teatro Talia.

Empar Canet, Pep Ricart, Jaime Linares y Pilar Almeria, protagonistas de «Un déu salvatge». Imagen cortesía del Teatro Talia.

Laura Alfaro