Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Refrescante convocatoria de pintura Mardel

III CONVOCATORIA DE PINTURA Mardel
Plazo de presentación hasta el 3 de septiembre de 2015
Premio: 4.000 euros

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas, como signo de un compromiso con la creación contemporánea desde la iniciativa privada. Conscientes de las dificultades que actualmente se presentan para trazar nuevas trayectorias artísticas, con esta convocatoria se pretende brindar apoyo estimulando oportunidades para jóvenes creadores. En particular, esta convocatoria va dirigida a artistas que desarrollen su práctica artística a través de la pintura, entendida ésta en un sentido amplio que incluye las formas de experimentación.

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*PARTICIPANTES
Artistas plásticos españoles o residentes en España con edades comprendidas entre 18 y 40 años a 1 de enero de 2015.

*MODALIDAD
Se establece una única modalidad: Pintura

*CARACTERISTICAS
Cada participante podrá presentar una sola obra a concurso de la que sea autor y propietario, y que no haya sido premiada o seleccionada en otras convocatorias, así como un breve texto explicativo de la obra (máximo 200 palabras).

*DOTACION
Un primer premio de CUATRO MIL euros. El premio conlleva la cesión de la obra a la entidad convocante. Se concederán además tres accésits.

*RECEPCION

Primera Fase:
En una primera fase, hasta el 3 de septiembre de 2015 (inclusive), se enviará una fotografía en formato digital de un máximo de 2 Mb y 300 p.p.p. de la obra a concursar, para la preselección de las obras. Las fotografías se enviarán en formato .jpg a través del Boletin de suscripción que aparece en la página de mardel http://www.mardel.es/convocatorias/, junto con un dosier fotográfico en formato PDF de otras obras (entre 3 y 5) de su propia producción.

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Segunda Fase:
En septiembre de 2015 se comunicará los artistas seleccionados, los cuales enviarán su obra del 9 al 15 de septiembre inclusive en las condiciones y al lugar que se indica. Se realizará una exposición en Las Cigarreras que será inaugurada el 18 de septiembre de 2015.

Las obras se presentarán bajo los siguientes condicionantes:
1. La obra deberá entregarse debidamente embalada y protegida con material resistente, reutilizable para su devolución. En el embalaje deberán figurar además los datos del remitente.

2. En el dorso de la obra deberá figurar el título y año de realización así como el nombre y apellidos del artista y fotocopia del D.N.I.

3. Cada artista podrá concurrir con un máximo de una obra, corriendo a su cargo los gastos de envío y retorno de las mismas. Las obras estarán aseguradas durante el período de exposición.

*DIRECCION DE ENVIO

La dirección de envío y recogida es:
Las Cigarreras
Calle San Carlos, 78, 03013 Alicante

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Se recibirán obras entre el 9 y el 15 de septiembre de 2015 inclusive en horario de 10 a 14 horas. Posteriormente, las obras (excepto la ganadora) deberán retirarse entre el 19 y el 30 de octubre de 2015. Las no retiradas dentro del plazo fijado quedarán en propiedad de la organización convocante.

*JURADO

El jurado está compuesto por:

-Javier Díaz Guardiola, coordinador de las secciones de arte, arquitectura y diseño de ABC Cultural y comisario de exposiciones.

-José Luis Pérez Pont, codirector de MAKMA Revista de artes visuales y cultura contemporánea y comisario de exposiciones.

-Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural

-Sergio Rubira, editor adjunto de EXIT, colaborador de El Cultural de El Mundo y comisario de exposiciones.

El fallo del jurado, inapelable, podrá ser declarado desierto y se dará a conocer en la apertura de la exposición.

El hecho de participar en el concurso conlleva la aceptación total de las bases de esta convocatoria. La organización se reserva el derecho de interpretación de las bases, así como la resolución de cualquier incidencia que pudiera surgir.

La organización se reserva los derechos de publicación y reproducción de los materiales gráficos que se deriven de la exposición. Asimismo, se reserva el derecho de publicar aquellos datos de la solicitud aportados por los participantes para difundir la actividad y promocionar a los artistas.

Los datos personales suministrados en el proceso de inscripción se incorporarán al fichero “Participantes 2015”. Los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición al tratamiento se podrán ejercer ante mardel (Avda. de Ifach, 14 –Ed. Central- 1º A, 03710 Calpe, Alicante), mediante solicitud por escrito a través de: http://www.mardel.es/contacto/

Cuadro plegable, de Juan Sánchez. Premio Mardel 2014. Imagen cortesía de Mardel.

Cuadro plegable, de Juan Sánchez. Premio Mardel 2014. Imagen cortesía de Mardel.

MUA: residencias formativas en arte contemporáneo

Programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
Del 13 al 25 de julio de 2015

La Universidad de Alicante y su Fundación General convocaron a través del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) un programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo. “PLUS” se lleva  a cabo del 13 al 25 de julio de 2015 y tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Cinco propuestas de artistas individuales o colectivos (en distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, fotografía, videoarte, instalación, etc.) han sido elegidas por una comisión de expertos y técnicos de arte del MUA. Durante dos semanas, de lunes a viernes y de 9:00h a 20:00h, los seleccionados realizarán su proyecto artístico en las instalaciones del MUA: sala Naias, sala Àgora, biblioteca, anfiteatro y exteriores. Las residencias se complementan con una formación que propone talleres de diferentes agentes culturales con los artistas para potenciar la profesionalización y la proyección de los creadores.

Los artistas seleccionados son: María Ortega Estepa, Ángel Masip, Pablo Bellot, Juan F. Navarro y Alexandra Rodes. Cada artista recibe una bolsa de 300€ para la producción de su proyecto. Además se ofertó una bolsa de alojamiento de 600€ para un solo artista no residente en el contexto local. Los proyectos deberán estar acabados al final de la residencia y el MUA los expondrá en octubre de 2015 en una muestra colectiva.

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Desde el martes 14 de julio y hasta el miércoles día 22, el Museo de la Universidad de Alicante, acogerá seis conferencias formativas en el marco del programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”. De 12 a 13 h. serán sesiones abiertas al público y entre las 13 y las 14 h. se celebrarán los encuentros de los profesionales con los residentes.

Las charlas contarán con especialistas en diversas áreas de conocimiento y abordarán temas como:

14 de julio:  la Galería de arte como proyecto work  in progress, impartida por Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural.

15 de julio:  Arte y comunicación. Comunicación del arte, a cargo por Raúl Rodríguez, coordinador del Máster Oficial en Comunicación e Industrias Creativas.

16 de julio: Hacer, deshacer, rehacer. El sistema del arte y las buenas prácticas, por José Luis Pérez Pont, crítico de arte, comisario y codirector de www.makma.net.

20 de julio: + – 1961 La Eclosión  de un arte expandido, impartido por José Maldonado, doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

21 de julio: Valor social del arte, a cargo de Isaac Montoya, artista y presidente de la Asociación de Artistas Contemporáneos de Alicante (ACOA).

22 de julio: Tiempos y procesos en el desarrollo de proyectos artísticos, por Teresa Marín, doctora en Bellas Artes y profesora de profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

El programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”, impulsado por la Universidad de Alicante y su Fundación General, tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Las jornadas son de acceso  libre hasta completar el aforo.

A Quemarropa: bases y crowdfunding

Se pone en marcha la convocatoria de la nueva edición de este proyecto independiente que nació en 2014 en la ciudad de Alicante, con la intención de actualizar los proyectos culturales de la ciudad y apoyar las iniciativas de los creadores contemporáneos más jóvenes.

Este primavera se volverán a seleccionar 10 artistas, que disfrutarán de un período de dos semanas, desde el 20 al 31 de julio en las instalaciones de la galería Parking Gallery (Alicante), Con el fin de promover un diálogo continuo con profesionales del sector artístico tanto a modo de tutores como con conferencias, debates, mesas redondas y visitas a talleres.

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La Residencia Artística este año contempla el alojamiento durante las dos semanas de duración de la misma, con lo que se ampliara el ámbito de participación, de comunitario a nacional, desde la organización se piensa que esta convivencia más estrecha entre los residentes servirá para crear vínculos tanto entre ellos como con los profesionales que visiten la residencia en calidad de tutores.

Residencias a quemarropa es un proyecto independiente y sin ánimo de lucro, en este momento para la financiación de la residencia se lanza un crowfunding en la plataforma Verkami, para que todos aquellos que creen en este proyecto y quieran colaborar con él, puedan participar en su financiación de acuerdo con sus posibilidades. Para este fin entre diferentes artículos como contraprestación, se ha realizado una bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime y también se podrán adquirir 5 ejemplares de una fotografía inédita de María Moldes firmada por la autora, los dos fueron residentes de la edición 2014 de A Quemarropa.

bandolera de tela basada en un diseño de Joaquin Artime, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de a Quemarropa

Bandolera de tela, diseño de Joaquín Artime, residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa

Pincha aquí para acceder al crowdfunding.

Desde la organización se espera una gran respuesta de apoyo, con el deseo de que este proyecto que ha tenido una repercusión de ámbito nacional siga adelante.

Además con el crowfunding tiene lugar el lanzamiento de las bases de la 2ª convocatoria de Residencias a quemarropa que estarán colgadas en el blog.

El plazo para la presentación de dossieres comenzara el 21 de abril y se cerrara el 20 de mayo.

Para esta edición los profesionales confirmados hasta el momento son: Javier Duero comisario independiente, Johanna Caplliure crítico y comisario independiente, Miguel Angel Hernandez profesor en la UM, crítico y escritor, Eugenio Ampudia artista, Begoña Martínez Deltell de Galería Aural de Alicante, Aurelio Ayela artista, Isaac Montoya artista, Olivier Collet de Homesession, Eduardo Infante artista. Y se contará con la colaboración de La sede Univeristaria Ciudad de Alicante, la revista digital MAKMA, The October Press, Mistos, Freaks art bar, Espacio Trapezio en Madrid, Kirk Royal Gallery de Valencia, el Fablab Alicante y Parking Gallery.

En esta segunda edición se cuenta de nuevo con la colaboración de Espacio Trapezio (Madrid) que exhibirá una muestra de los proyectos que se generen en A Quemarropa, creando así un vínculo de trabajo para los residentes entre las dos ciudades, Alicante y Madrid.  Asimismo Parking Gallery seleccionará a uno de los artistas participantes en su programación. En este momento se pueden visitar la muestra GAMMACITY de María Moldes que fue residente el pasado julio 2014 en A quemarropa.

Fotografía de María Moldes, residente de la edición 2014. Imagen cortesía de A Quemarropa.

María Moldes, Gammacity. Residente de la edición 2014. Cortesía de A Quemarropa.

Cayetano Ferrández desembarca en Valencia

Cayetano Ferrández. El hombre gris
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Inauguración: viernes 20 de febrero, 20 h.
Hasta el 5 de abril de 2015

Cayetano Ferrández en sus trabajos, habitualmente realizados en vídeo y soporte fotográfico, se apropia en cierta medida de los modos de comunicación visual de la publicidad, dando vida a escenas procedentes de la más absoluta artificialidad para, mediante personajes elevados al estatus de modelos interpretativos, desarrollar micro-relatos que narran el trasfondo de la opresión en la que se encuentra instalada nuestra realidad.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Figura equestre. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Figura equestre. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

La propia elección de los personajes nos da señas de una voluntad incisiva acerca del doble papel de la individualidad, que desarticula la acción grupal mientras homogeniza en los estándares de una nueva cultura infantilizada, aunque concebida para el consumo adulto.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Castigo. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Castigo. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

No es la actual crisis, ni la última coyuntura económica, la que ha motivado este proyecto comisariado por José Luis Pérez Pont, sino que el enfoque y la preocupación estética de Cayetano Ferrández sobre esta materia social precede al desencadenamiento de las agónicas circunstancias de hoy. Prueba de ello es su extenso trabajo, del que aquí se muestra solo una selección. Debe ser interpretado más bien como un creador que supo ver en los tiempos de bonanza –esos que cegaron a la mayoría- los peligros que acechaban en el sustrato de aquella travesía, anticipándose con su análisis.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Columna III. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

Cayetano Ferrández. El hombre gris: Columna III. Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond. 165 x 110 cm. Cortesía del artista.

 

Diálogos: Rafael Canogar / Daniel G. Andújar

Los trabajos de Canogar y Andújar comunican la necesidad de constatar una realidad, con poéticas fuertemente afianzadas en el compromiso social. Mediante la obra de ambos creadores se traban vínculos que nos hablan de una inquietud compartida, logrando que la ética llegue al terreno de la estética.

Rafael Canogar (Toledo, 1935), miembro fundador del grupo El Paso (1957-60), es un pintor cargado de inquietudes, dotado de una sorprendente actividad donde el cambio es una constante en su trayectoria, pasando de la pintura informalista a la pintura comprometida y finalmente a la nueva abstracción. Hacia los años 1970, el llamado “período negro”, le interesa introducir la figuración de forma más radical y comprometida  con acentos políticos donde plantea escenas de revueltas, violencia y  represión urbana que no se limitan a reflejar la situación española concretamente sino que abarca un plano más general como reflexión sobre la crueldad en cualquier parte del mundo. La incipiente libertad de aquellos años era insuficiente para comunicar y expresar la tensión de la realidad, de la nueva conciencia social y política que despertaba en el mundo. Canogar, y con él buena parte de los creadores de su generación, asume el compromiso como parte de su ideario artístico. (Pincha aquí para ver la imagen de la obra de Canogar)

Daniel García Andújar (Almoradí, 1966) reúne en un solo perfil características e implicaciones propias del informador, el analista, el activista o el crítico, haciendo que su trabajo artístico posea intensas implicaciones políticas. Con sus propuestas ha contribuido y contribuye a la redefinición del rol de artista en la sociedad, demostrando una permanente voluntad de intervención en la escena pública, en tiempo real y con la participación del público. En el marco de sus proyectos, Andújar se ocupa de conectar arte y producción de conocimiento partiendo del convencimiento de que, en la sociedad de la información, el recurso básico es el saber. Con esta perspectiva, en 1996 desarrolló Technologies To The People (TTTP) como resorte que ponía en cuestión la entonces reciente irrupción de Internet en la vida cotidiana y sus promesas de información y libertad. Es a partir de 2001 que activa iniciativas web como e-valencia.org, dirigida a la discusión sobre la política cultural valenciana, que causó toda una convulsión en el contexto, tanto por el volumen de participación conseguido como por la incomodidad política proporcionada. Actualmente trabaja en la creación de un archivo en constante crecimiento, que se alimenta de imágenes y documentos procedentes de Internet, poniendo en cuestión el estado de la política y la economía mundiales.

Begoña Martínez Deltell / José Luis Pérez Pont

Daniel García Andújar. The wonderful world of irational. Instalación. Medidas variables. 1996-2006. Imagen cortesía del artista.

Daniel García Andújar. The wonderful world of irational. Instalación. Medidas variables. 1996-2006. Imagen cortesía del artista.

DialogARTE fue un coleccionable producido por Doble Hélice y distribuido por el diario Información de Alicante que ponía en diálogo simbólico obras de arte del siglo XX, pertenecientes a las colecciones del MACA y la CAM, con el trabajo de jóvenes artistas alicantinos. El comisariado del proyecto estuvo a cargo de Begoña Martínez Deltell y José Luis Pérez Pont.

Diálogos: Eusebio Sempere / Carlos García

Eusebio Sempere, llamado “poeta de la geometría”, estaba interesado por desarrollar e incorporar los problemas de la luz y el movimiento, incluso la poesía y la música, con la aplicación del cálculo matemático. La posibilidad de rodear las piezas genera un sinfín de efectos ópticos, reales o ilusorios, dando lugar a la participación del espectador ante un acontecimiento. Sempere, no carente de inseguridad y titubeos, introducía en los años sesenta una corriente innovadora cumpliendo con ello una función didáctica, pues tuvo que “explicar” su origen, su razón de ser. (pincha aquí para ver la imagen de la obra de Sempere)

Carlos García emplea habitualmente la pintura como medio, aunque el graffiti, la performance, las intervenciones en el espacio público y el vídeo forman parte de sus recursos. En su trabajo destaca la forma en la que introduce irónicamente la práctica de un formato de graffiti técnico, con aspiraciones de abstracción geométrica, para señalar la dudosa preocupación por la técnica que manifiestan algunos creadores de graffiti, como también el desencanto ante la instrumentalización e institucionalización del arte en el espacio público y su pérdida de eficacia para la mediación en la escena política.

La abstracción geométrica encuentra en la obra de Eusebio Sempere una referencia ineludible que cobra contemporaneidad mediante los trazos del graffiti de Carlos García. Con una diferencia de más de medio siglo entre dos creadores que nunca se conocieron, en ambos se aprecia la suficiente voluntad de contradicción, logrando que el resultado de su trabajo sea una experiencia apasionante para un espectador dispuesto a la participación. Sempere se autodenominaba “antiescultor” mientras García arrebata al graffiti la furia original de sus formas para someterlo a la precisión y la medida, tan características en las esculturas e intervenciones espaciales de Sempere.

Juegos de apariencias que se sirven de la ilusión del efecto óptico, convertidos en oportunidades para proyectar mundos donde todo es posible, en los que el estatismo de lo inamovible pierde su consistencia por la determinación de quien mirando logra ver más allá de lo que está a simple vista. Siempre es tiempo de imaginar otros panoramas, puede que el tiempo presente sea el adecuado para volver a desear algo mejor que la imagen que nos muestra la realidad. La abstracción, la preocupación por los sistemas perceptivos, posturas como el inconformismo o la libertad son en definitiva algunos de los puntos clave que tienen en común ambos artistas. El motor que encontramos tras las obras de Eusebio Sempere y Carlos García es el generador del movimiento necesario.

Begoña Martínez Deltell / José Luis Pérez Pont

Carlos García Peláez. Spray, 2010. Imagen cortesía del artista.

Carlos García Peláez. Spray, 2010. Graffiti técnico. 300 x 160 cm. Imagen cortesía del artista.

DialogARTE fue un coleccionable producido por Doble Hélice y distribuido por el diario Información de Alicante que ponía en diálogo simbólico obras de arte del siglo XX, pertenecientes a las colecciones del MACA y la CAM, con el trabajo de jóvenes artistas alicantinos. El comisariado del proyecto estuvo a cargo de Begoña Martínez Deltell y José Luis Pérez Pont.