El mundo de Dave Kusworth

Dave Kusworth Group + Stratos
Miércoles 10 de abril del 2019 a partir de las 21:30 h
Sala 16 Toneladas
C/ Ricardo Micó, 3 de Valencia
Entrada 12€ anticipada (www.movingtickets.com); 15€ taquilla.

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Imagen contraportada ‘The world of Dave Kusworth’

Otra extensa gira por España del maldito dandy británico Dave Kusworth sirve para dar a conocer el legado de uno de los músicos de culto más adorados entre crecientes minorías de privilegiados.

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Imagen extraída de la página de Dave Kusworth

Desde el año 1984 anda el de Birmingham repartiendo ese sonido tan especial que le caracteriza, entre rosas, licores y sonidos que evocan a los Faces, los Stones, Marc Bolan…

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Cartel del concierto de Dave Kusworth en sala 16 Toneladas

Primero fue junto al inolvidable Nikki Sudden formando el mítico grupo The Jacobites. En el más reciente recopilatorio “The world of Dave Kusworth” que está presentando en esta gira española por Barcelona, Tarragona, Pamplona, Donosti, Santander, León, Valencia, Albacete, Madrid y Alicante se encuentran algunas de las piezas más importantes de aquel período, como “Pin your heart to me”, “Shame for the angels”…

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Portada del recopilatorio “The world of Dave Kusworth”

Junto a los Bounty Hunters, los Tenderhooks, los Tuppers o su más personal Dave Kusworth Group tras la muerte de Nikki forman el grueso de un álbum al que le falta mucho material del calidad que atesora este músico pero suficiente para tener una idea de su nivel o, por supuesto, para apoyarlo viéndolo en directo.

Juanjo Mestre

Aggtelek y Llobet i Pons, ‘Dobles’ en Espai Tactel Toormix

Dobles
Espai Tactel Toormix
Ca l’Alegre de Dalt, 55. Baixos C. Barcelona
Inauguración: viernes 5 de abril de 2019, a las 19.00 h
Visitas: martes y miércoles de 15.00h a 19.00h; jueves de 10.00 a 14.00 h.
www.espaitacteltoormix.com

En su tercera exposición, Espai Tactel Toormix muestra la obra de dos parejas creativas y sentimentales del contexto barcelonés, Llobet y Pons y Aggetelek, que además habían compartido taller en Hangar durante una larga temporada. Esta exposición, de título ‘Dobles’, reflexiona sobre la creación, ejecución y planteamiento en los dúos, una temática que en el contexto de Espai Tactel Toormix, con dos dúos creativos, toma una relevancia especial.

Aggtelek propone una peculiar historia del arte que pasa por la ilustración de los genitales de los grandes creadores y creadoras así como comisarias/os que han pasado o están pasando a la historia del arte. Esta obra se expondrá en una estructura laberíntica que permitirá al visitante observar cada dibujo por separado y a su vez el conjunto final. Aggtelek es el proyecto artístico de Xandro Vallès (Barcelona 1978) y Gema Perales (Barcelona 1982). Viven y trabajan entre Barcelona y Bruselas. El interés principal en su trabajo radica en procesos creativos altamente centrados en la investigación de un desarrollo teórico de la producción artística. Estos procesos audaces, hiperproductivos y desconectados se consideran una forma de mostrar pensamientos, ideas o diálogos diarios continuos que han abierto el camino para nuevas obras que interactúan en una diversidad de disciplinas, como representaciones, esculturas, videos, textos o instalaciones.

AggtelekPicasso

Este dúo se siente profundamente comprometido con las ideas de su tiempo. Para ellos, el arte está relacionado con la vida, expresado por una vitalidad vigorosa y enérgica dentro de la obra. Esta vivacidad es muchas veces provocada por un desafío de los límites de lo políticamente correcto a menudo a través de una crítica humorística de la condición humana.

Jasmina Llobet (Barcelona, 1978) y Luis Fernández Pons (Madrid, 1979), desarrollan su labor artística conjuntamente desde 2002 en el campo de la instalación, escultura y arte en el espacio público. Llobet & Pons presentaran varias obras escultóricas que subvierten la experiencia de nuestro día a día, y que toman como punto de partida para crear una reflexión sobre lo cotidiano. Entre sus exposiciones más recientes destacan Madou Sugar Industry Art Triennial, Madou, Taiwan (2019); Bundeskunsthalle, Bonn, Alemania (2018); Taehwa River Eco Art Festival, Ulsan, Corea del Sur (2018). Entre sus próximos proyectos está la realización de una pieza permanente para el Kunstverein Springhornhof. Neuenkirchen, Alemania.

piscina

Más info
Patricia Carrasco // 635388311 // patricia@espaitacteltoormix.com
Visitas concertadas: info@espaitacteltoormix.com

El ejercicio de ajedrez con la realidad de Ximo Rochera

‘La entropía de los relojes rotos’, de Ximo Rochera
Ediciones Canibaal, 2018

Neus Flores entrevista para MAKMA al escritor Ximo Rochera (Castellón, 1968) con motivo de la presentación de ‘La entropía de los relojes rotos’ (Ediciones Canibaal, 2018), en la Clínica Arvila Magna de Barcelona –un acto que hubo presentado la escritora y periodista Roser Amills, con la presencia del artista Antonio Beneyto–.

¿Cómo surge la necesidad de escribir ‘La entropía de los relojes rotos’?

Este libro obedece a una necesidad de escribir casi diaria. En realidad, se trata de una recopilación de relatos, por lo que, para ser preciso, es el resultado de muchas necesidades a lo largo de estos últimos doce años. El orden de estos relatos en el libro no sigue, sin embargo, ningún tipo de cronodeterminación, sino más bien un impulso temático que lo muestra más coherente.

¿Cuál ha sido la parte más difícil de la escritura del libro? ¿Alguna anécdota?

Como digo, es un libro lleno de momentos. Doce años dan para muchos momentos y unas cuantas anécdotas. Pero me parece interesante la argucia familiar que utilizo algún domingo para refugiarme y escribir poemas: lleno la bañera de agua y, una vez dentro, subo la temperatura (seguramente busco algún tipo de respuesta corporal, como una bajada de tensión), cojo un lápiz y comienzo a escribir poemas. Mis hijos saben que en esos momentos no pueden molestarme y lo respetan. Los dos poemas del libro están escritos de esta forma.

Ximo Rochera. MAKMA

¿Por qué decidiste estructurarlo en capítulos descriptivos?

Algo que caracteriza a todos los relatos es el final. La mayoría de las veces (me refiero a los relatos más cortos) la historia la tengo determinada antes de comenzar a escribirla. El final condiciona el relato. También ocurre lo mismo con el título (en muchas ocasiones viene condicionado por el final). Otras veces, cuando la historia es más larga, ocurre como en las novelas: son los personajes los que se adueñan, de alguna forma, de la escritura y no sabes muy bien en qué va a acabar todo (una especie de antideterminismo literario).

¿Cuál es la idea más directa que quieres que la gente entienda de ‘La entropía de los relojes rotos’?

Marga, mi pareja, siempre me dice que busco la justicia universal. Como científico, analizo demasiados datos diarios y cotidianos que forman un cuadro muy colorido en mi mente. Es de ahí de donde cojo los personajes, las ideas y las retuerzo, llevándolas un poco hacía el surrealismo o el postismo. Quizá también como científico no me dejo influir por los resultados y puedo llegar a ser despiadado con los personajes. Esto puede llevar al lector a reflexionar sobre lo que somos y el camino que recorremos. Si eso ocurre, ya me siento satisfecho.

Tus títulos anteriores ya dibujan tu genérico perfil literario. ¿Crees que esta nueva publicación marca una distancia al respecto o, por lo contrario, sigue fiel a tu estilo?

En el mismo libro se puede encontrar una evolución. Aquellos relatos más antiguos tienen otro pulso diferente a los más actuales. El estilo quizá sea similar en todos ellos: relatos delirantes, absurdos en ocasiones, con toques de humor y, en general, desgarradores en cuanto a la capacidad de diseccionar la condición humana y su cotidianidad.

Respecto a los otros libros, diría que se trata de un libro más maduro y, quizá, el estilo, con el paso de los años, lo he ido depurando, aunque la esencia es la misma.

Habiendo presentado el libro en Barcelona, ¿volveremos a verte durante San Jordi para que nos firmes algunos ejemplares?

Siempre es agradable pasarse por Barcelona, recorrer las Ramblas y visitar a los amigos que tengo en la ciudad. Desde 2013, en el que, junto al escritor y artista chileno Aldo Alcota y al poeta Fran Amador, fundamos la revista de arte y literatura Canibaal, es obligada nuestra visita a Barcelona para presentar alguno de los números de la revista o de la editorial. Ahora voy solo, pero siempre que me acerco a Barcelona voy a Canaletas a dar un trago de agua (es una tradición que he copiado de mi amigo Aldo Alcota y que mantengo para recordar los principios de Canibaal). Así que yo creo que es posible que pase el día de Sant Jordi en Barcelona.

"#culturebaal #summertime #laentropíadelosrelojesrotos #animals. También los burros leen 'La entropía de los relojes rotos'. Poniendo orden". Fotografía cortesía de Ximo Rochera.

“#culturebaal #summertime #laentropíadelosrelojesrotos #animals. También los burros leen ‘La entropía de los relojes rotos’. Poniendo orden”. Fotografía cortesía de Ximo Rochera.

¿Qué significaría para ti ganar un premio literario en Cataluña?

Nunca me he planteado qué significaría ganar un premio. Miento; hace quince años, cuando comencé a escribir soñaba con ganar un premio literario. Yo venía del mundo de la química y me dedicaba a crear y fabricar azulejos cerámicos. En la industria cerámica el resultado de tu esfuerzo casi siempre se veía recompensado en un modelo nuevo o en una excelente fabricación, así que fue natural pensar que todo seguiría igual con la literatura. Pero eso ocurrió solo al comienzo. No obstante, la pregunta me ha retrotraído a esos años y un cosquilleo recorre mis brazos mientras contesto, así que imagino que ganar un premio sería maravilloso.

¿Con qué escritores te gustaría colaborar?

La revista me ha dado la oportunidad de colaborar (más bien colaborar ellos en Canibaal) con infinidad de escritores, artistas, fotógrafos. Pese a que son cientos, destacaría, por supuesto, a Antonio Beneyto –además ha colaborado en ‘La entropía de los relojes rotos’ con una colección de 6 maravillosos dibujos– o a Roser Amills, con la que desde que colaboramos nos une una amistad muy bonita; por supuesto a Vila Matas y recuerdo con especial cariño al poeta Raúl Zurita. Pero por ceñirme exactamente a la pregunta: creo que tengo el gusanillo de poder colaborar en alguna ocasión con Arrabal (con el que mantengo contacto) y con Houellebecq.

¿Cuál es el nuevo proyecto en el que estás trabajando? ¿Puedes contarnos algo?

Sí, aunque son varios. Por un lado, acabo de poner en marcha otro sello editorial, Libros del Baal, con el que espero publicar varios títulos al año; por otro, en 2019 me gustaría publicar un poemario en el que he estado buceando en la bañera todo un año: ‘Nacimiento, vida y muerte del pájaro-apóstol’. También he acabado una novela que espero que se publique este año, ‘Teoría de cuerdas’. Y quizá algún proyecto más que de momento está en fase embrionaria.

¿Qué le dirías a un estudiante de literatura que quiera convertirse en escritor? ¿Algún consejo?

Mi consejo a cualquier estudiante o cualquier chico o chica que quiera dedicarse a la escritura es el mismo: lee siempre cuatro veces más de lo que escribes, pero no dejes de hacer ninguna de las dos cosas ningún día del año. Lo otro: el éxito, los premios, la edición, llegarán más adelante.

'La entropía de los relojes rotos' exhorta al lector "a reflexionar sobre lo que somos y el camino que recorremos". Fotografía cortesía de Ximo Rochera.

‘La entropía de los relojes rotos’ exhorta al lector “a reflexionar sobre lo que somos y el camino que recorremos”. Fotografía cortesía de Ximo Rochera.

Neus Flores

The Shortest Lines Go For A Walk en Espai Tactel Toormix

The Shortest Lines Go For A Walk
Comisariada por Fran Ramallo con obra de las artistas Momu & No Es, Anne Berning y Amanda Moreno
Espai Tactel Toormix
Ca l’Alegre de Dalt, 55. Baixos C. Barcelona
Inauguración: viernes 8 de febrero de 2019

‘The Shortest Lines Go for a Walk’ es un capítulo de la biografía ficcional de la línea, manifestada en la obra de diversas artistas. Esta biografía comienza con Sixteen Miles of Stream de Duchamp, que se instala en la obra y en los escritos de Klee, que protagoniza uno de los capítulos de Lines. A Brief Story de Tim Ingold, que “sobrevuelva” un poema de T. S. Eliot., y que es descubierta en una camiseta de segunda mano, que se vende online como “Sonic Youth shirt L White Lines Vintage 90 ́s”.
La línea, durante el tiempo de la exposición se materializa en escultura, en dibujo, en los pasos de baile de un video, en itinerario, en el texto que leemos en una pintura, en unas pegatinas o en una hoja de sala.

Obra de Anne Berning

Obra de Anne Berning

Una línea, otra línea, …
(A partir de las reflexiones en torno a la línea en los Escritos de Paul Klee, de “Up, Across and Along” (capítulo de Lines. A Brief Story de Tim Ingold), de un garabato sobre un fragmento de Preludes de T. S. Eliot, y una camiseta de segunda mano que se vende online como “Sonic Youth shirt L White Lines Vintage 90 ́s”, etc.)

Una línea, el elemento más primitivo, cuando escribir y dibujar coinciden.
Una línea, al principio era el caos y también el comienzo del orden.
Una línea, a partir del punto. Cósmico. El origen del movimiento.
Una línea como el habla, como canto.
Una línea es una guía.
Una línea dinámica, temporal.
Una línea para caminar. Una línea natural.
Una línea cultural. Una línea de lectura. Una línea.
Una línea como escritura, un documento.
Una línea es una abstracción que puede tener múltiples títulos. (Camnitzer)
Una línea no es un discurso. Una línea que grita.
Una línea como anuncio de imágenes.
Una línea como anuncio de imágenes de una línea.
Una línea para que el marco sea ventana y la sala sea uno y otra.
Una línea es una voz en el espacio.
Una línea que es una voz en el espacio que continúa en la voz, en el espacio.
Una línea espesa. Una línea física.
Una línea ocupada. La línea baila.
Hey! Mum look, no more panty line.
Una línea con prisa. Una línea de dos dimensiones o tres.
Una línea atrapada en un banner.
Una línea corta. Una línea curva. Una línea que respira. Una línea clásica.
Una línea presa, una línea libre. ¿Qué le pasa a la línea?
Una línea, otra línea, …

Sobre las artistas

Anne Berning
Artista alemana nacida en 1958 y habitual de la galería Espacio Mínimo, ha expuesto entre otros en la Kunsthalle de Bremerhaven, en la Städtische Galerie Waldkraiburg, en el CAC de Málaga, en la galería Kuckei + Kuckei de Berlin, Grunt Gallery de Vancouver entre otras.

Momu & No Es
El colectivo formado por Lucía Moreno y Eva Noguera residentes entre Rotterdam, Barcelona y Madrid exploran la construcción de historias, hábitos y rutinas derivadas de sus alrededores inmediatos. Su obra ha podido ser vista, entre otros lugares en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró (BCN), DA2 de Salamanca, Het Nieuwe Instittut de Rotterdam, el ING Art Center, Bruselas o el Espai Moncada en Caixaforum.

Amanda Moreno
Artista valenciana, trabaja desde diversas disciplinas como la ciencia, la tecnología o el propio lenguaje del arte para poner de manifiesto la accesibilidad y a la vez inaccesibilidad del sujeto con el conocimiento y su empoderamiento como agente creativo. Su obra ha podido ser vista en Espai Tactel, Luis Adelantado o ferias de arte contemporáneo como ARCO o SWAB.

Obra de Amanda Moreno

Obra de Amanda Moreno

Sobre el comisario

Francisco Ramallo
Es doctor en Historia del Arte, comisario independiente, asesor de arte, profesor de Historia del arte y Arte contemporáneo en Boston University Madrid y autor de artículos como “Espacio hostil y género en 1931: una novela de Miquel Llor y una fotografía de Claude Cahun”, “Ciudad postmoderna, ciudad surreal”, o “La superposición de ciudades como característica surreal del urbanismo postmoderno”. Su extensa formación académica se ha completado con másters en arte y literatura y una serie de estancias de investigación en en la City of New York University, que concluyeron con la tesis “El espacio como categoría surrealista en la producción artística contemporánea”.

Espai Tactel abre con Toormix galería en Barcelona

Secret Diaries, de Fito Conesa y Michael Roy
Espai Tactel Toormix
Ca l’Alegre de Dalt, 55. Baixos C. Barcelona
Del 30 de noviembre de 2018 al 1 de febrero de 2019

Espai Tactel abre sede fija en Barcelona de la mano del estudio Toormix con la exposición ‘Secret Diaries’ el viernes 30 de noviembre. Espai Tactel Toormix continúa la línea de difusión de prácticas contemporáneas iniciada en la galería Espai Tactel de Valencia.

La exposición-diálogo ‘Secret Diaries’ es un acercamiento a la construcción de la masculinidad mediante el uso del diario íntimo que presenta la obra de Fito Conesa (Cartagena, 1980) y Michael Roy (La Rochelle, 1973).

Diario de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Diario de Fito Conesa. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Fito Conesa reside en Barcelona desde donde creó y dirigió el proyecto Habitació 1418 para el CCCB y MACBA. Obsesionado con la comunicación, con lo desconcertante de las segundas lecturas y lo sobre-entendido, Conesa se basta con un par de paréntesis y dos acentos divergentes para tricotar un nuevo lenguaje entre lo material y lo performativo.

Muro de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

Muro de Michael Roy. Imagen cortesía de Espai Tactel Toormix.

El trabajo de Michael Roy es particularmente el hacer sin hacer: realizar una película sin una cámara, crear una obra de arte a partir de imágenes o textos preexistentes, una ficción basada en otras ficciones. Cruza los universos, los compagina y nos invita a apropiarnos de sus obras y ficciones con el propósito de dejarnos crear las nuestras.

Con una clara vocación para encontrar nuevos caminos para la reflexión y a su vez potenciar la búsqueda de nuevos retos e inspiración, el estudio Toormix de Barcelona se alinea con la galería Espai Tactel de València para abrir un nuevo espacio en la capital condal. Concretamente ubicado en el espacio taller del mismo estudio y con la idea de fusionar arte, pensamiento, diseño y experimentación, nace Espai Tactel Toormix Barcelona.

Interior de Espai Tactel Toormix por cortesía de la galería.

Interior de Espai Tactel Toormix por cortesía de la galería.

Además de la programación que la misma galería llevará a cabo a través de exposiciones, ya sean individuales o colectivas, el espacio abarcará nuevas propuestas expositivas en colaboración con Toormix y debates centrados en la reflexión acerca del discurso artístico, la mezcla de disciplinas, el proceso de trabajo, la experimentación y con un papel relevante en el diseño entendido como una forma de pensar y conceptualizar ideas y proyectos.

Toormix es un estudio de diseño especializado en branding, comunicación y experiencia de usuario. Creado el año 2000 en Barcelona por Ferran Mitjans y Oriol Armengou, en Toormix usan el pensamiento creativo y el diseño para crear experiencias de marca innovadoras a través de cualquier soporte con un claro enfoque en las necesidades del usuario así como en la comprensión de los retos y objetivos de los negocios.

Fachada de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de la sala.

Fachada de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

Además, disponen de un área llamada Toormix Next en donde exploran nuevos caminos, desarrollan proyectos propios desde una perspectiva design-driven y  generan contenido acerca de cómo el diseño es un motor de innovación y transformación a través de eventos, curadoría y docencia. Uno de los proyectos más recientes de Next ha sido la creación de un espacio gastronómico en Barcelona, el restaurante Bicnic, en donde se fusiona la cocina y el diseño de la mano del chef Víctor Ferrer y el equipo del gastrobar Betlem a través de diferentes fórmulas.

Para el nuevo espacio en Barcelona, Espai Tactel contará con Patricia Carrasco como directora del proyecto, la cual ha estado vinculada a diversos proyectos galerísticos y culturales desde 2005 como Ana Mas Projects – masART Galeria, Halfhouse, B,14, Galería Encantada o el festival DOCfield Barcelona.

Vista del interior de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

Vista del interior de la nueva galería Espai Tactel Toormix por cortesía de sus responsables.

Dan Baird, una fiera rocanrolera excepcional

Dan Baird & Homemade Sin
Viernes 14 de Septiembre a partir 23:00 horas
Loco Club
Calle Erudito Orellana nº 12 de Valencia
Entradas 15 € (compra tu entrada en este link)

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Hoy quiero recomendar a uno de los tipos más grandes que hay en el mundillo del rock ‘n roll por talento, calidad y actitud. Con sus 64 años es además un superviviente de mucha dignidad a través de las décadas.

Para ello resulta inevitable recordar sus primeros tiempos como vocalista, compositor y guitarrista de los Georgia Satellites, la banda americana de Atlanta que durante la década de los 80’s enarboló con grandeza y pundonor un cóctel extraordinario de rock sureño, boogie-rock y hard-rock. Seguramente muchos conocerán su gran hit popular “Keep your hands to yourself” pero no tantos aquel MiniLp de debut del 85 titulado “Keep the faith” o la fundamental trilogía de álbumes entre el 86 y el 89 (homónimo, “Open all night”, “In the land of salvation and sin”) donde el desperdicio brillaba por su ausencia.

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Dan Baird, Mauro Magellán, Warner E.Hodges y Sean Savacool.

Tras la separación del grupo grabaría en la década noventera los que considero sus mejores discos en solitario, “Love songs for the hearing impaired” y, muy especialmente, el fabuloso “Buffalo nickel”. Ya en el S.XXI y concretamente en la década 00 tuvo como acompañantes a The Sofa Kings mientras paralelamente formaba parte de otra estimable aventura musical con los Yayhoos o, posteriormente, con The Bluefields. Pero en medio de tantos proyectos es seguramente con Homemade Sin, la banda formada actualmente por Mauro Magellán a la batería, Warner E.Hodges a la guitarra y Sean Savacool al bajo, con la que más ha encontrado sintonía y perdurabilidad desde que en el 2005 publicasen “Feels so good”.

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Imagen de una de las últimas actuaciones de Dan Baird & Homemade Sin En Valencia

Dan Baird lleva un motor de puro rock ‘n roll incrustado en su cuerpo, motivo por el que no ha parado en toda su trayectoria salvo el pasado año en que una leucemia lo apartaba de los escenarios, hecho que se producía casi inmediatamente después de la publicación de “Rollercoaster”, “SoLow” y del directo “The Red Wristband Special” en Kendal (Inglaterra). Por suerte lo ha superado y ahora vuelve para presentar otro trabajo, “Screamer” que, como no podía ser de otro modo, supura una vez más esa fiereza y esa esencia rocanrolera que le caracteriza.

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Cartel de la gira por España de Dan Baird and Homemade Sin

Cuatro posibilidades hay de verle con Homemade Sin en esta gira, el 12 de Septiembre en el Museo Marítimo de Bilbao, el 13 de Septiembre en la Sala El Sol de Madrid, el 14 de Septiembre en el Loco Club de Valencia y el 15 de Septiembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona. Entre los muchos conciertos que el que suscribe ha podido ver en esta vida están los de Dan Baird en lo más alto del ranking. Por eso creo que todo amante del buen rock ‘n roll debería hacer lo posible por no perderse a estos fenómenos.

Juanjo Mestre.

“En novela histórica el dato debe producir emoción”

La tierra maldita, de Juan Francisco Ferrándiz
Editorial Grijalbo

El abogado y escritor alicantino Juan Francisco Ferrándiz (Concentaina, 1971) se ha consagrado como autor de novela histórica. Tras ‘Las horas oscuras’ y ‘La llama de la sabiduría’ llega ‘La tierra maldita’ (Grijalbo) ambientada en la Barcelona del siglo IX,  gobernada a distancia por los francos, una ciudad de apenas 1.500 almas asolada por intentos de conquista de los sarracenos y hordas salvajes, y sometida a la tiranía de unos nobles corruptos que explotaban a sus habitantes.

A esa tierra maldita llega el joven obispo Frodoí, nombrado para el cargo por el rey franco, acompañado por una comitiva de colonos que anhelan una nueva oportunidad en la última frontera. Su primera impresión no puede ser más desoladora, pero pronto cae rendido a los encantos de una enigmática dama, la noble Goda, que ama la ciudad por encima de todo. Una docena de editoriales extranjeras desde Portugal a Rusia ya se han interesado por publicar esta obra.

Portada de La tierra maldita.

Portada de La tierra maldita.

“Frodoí es un personaje histórico, en la catedral de Barcelona hay una placa de mármol con su nombre y una historia que oculta un singular misterio”, explica Ferrándiz. “Goda es un personaje ficticio que encierra la esencia del pueblo godo. La alianza de ambos traerá la esperanza a esa tierra pero no será fácil. La novela no sólo la protagonizan ellos, sino que es un tapiz de varias vidas entrelazadas, de hombres y mujeres, nobles y plebeyos, de manera que tenemos varias perspectivas y cada uno con su propia meta personal”.

Ferrándiz escogió ese lugar y esa época del pasado de forma casual. “Quería escribir una novela épica, la más potente que había escrito nunca y encontré mi propia Avalon: la Marca Hispánica. Un puñado de condados pobres y castigados entre los Pirineos y el río Llobregat que separaban el imperio carolingio de Al-Ándalus. Según las crónicas, era uno de los lugares más oscuros y peligrosos del orbe, pero también un manantial de hechos épicos increíbles. Por si fuera poco, en la frontera resistía Barcelona, despoblada y a punto de sucumbir ante el azote sarraceno. Han pasado dos años y aún no he logrado escapar de allí”.

Juan Francisco Ferrándiiz. Imagen cortesía del autor.

Juan Francisco Ferrándiiz. Imagen cortesía del autor.

Remontarse tan atrás en el tiempo no le supuso problema a la hora de documentarse pues hay bastantes estudios históricos. “Además, visitando yacimientos arqueológicos de aquella época la he visualizado en mi mente. Descubrí, por ejemplo, el misterioso origen de los reyes de la Corona de Aragón, la hechicería de la época, la vida en la frontera o historias familiares dignas de la saga de ‘Juego de Tronos’. Sí, la Marca Hispánica era un lugar donde se vivía al límite y así son las historias de sus protagonistas pero no he querido recrearme en la violencia. Procurar que el lector viva aquel tiempo supone mostrarle su cara cruel pero no me regodeo en eso”.

En el año 861 el condado de Barcelona parece al borde de la aniquilación total. Como vasallo de Francia debía proteger la frontera o sucumbir en el intento, pero dos siglos después va camino de su esplendor: ¿Qué ocurrió? “La tierra maldita nos lleva a un tiempo en el que aún no había nada decidido. Todo pudo ser diferente de no ser por la suma de pequeños detalles y grandes proezas. Estaba todo allí, esperando a ser contado. Así cambió el curso de la historia. La novela transcurre en Barcelona y muchos otros escenarios, no es localista sino un universo épico perdido en el tiempo”.

Portada de La llama de la sabiduría.

Portada de La llama de la sabiduría.

Tras sus viajes literarios por el pasado, Ferrándiz opina que el ser humano ha cambiado muy poco en lo que se refiere “a nuestros impulsos básicos: lujuria, ira, codicia… Y al leer las noticias diarias da la impresión de que no tenemos la menor intención de hacerlo. Nunca hasta ahora habíamos tenido tanta información sobre nuestro pasado y sobre la fragilidad del mundo que habitamos, pero sigue siendo casi imposible rectificar y no cometer los mismos errores. Igual que en el siglo IX, hay quien trata de evitar que todo cambie y mejore para la mayoría”.

Como autor de novelas históricas su mayor ambición es aportar detalles, sucesos y hechos insólitos. “Pequeñas historias que para mí son las más grandes, pues son humanas. Siempre he tratado de que el lector viaje a la época donde sucede la novela, que pierda la conciencia de que tiene un libro en las manos y simplemente viva la historia. En ficción histórica el dato debe convertirse en emoción y vida. Si de paso aprendemos cosas de la historia, mucho mejor”, concluye Ferrándiz.

Juan Francisco Ferrándiz. Imagen cortesía del autor.

Juan Francisco Ferrándiz. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

“El apoyo a los músicos es lo que hace falta”

Entrevista a Daniel Negro, director del Harlem Jazz Club y de Zingaria Producciones, con motivo del trigésimo aniversario del club de jazz
Harlem Jazz Club
Comtessa de Sobradiel 8, Barcelona

El Harlem Jazz Club, uno de los locales más emblemáticos de la Ciudad Condal, acaba de cumplir 30 años de historia y de saber hacer. Este aniversario viene cargado de reconocimientos y su trayectoria ha sido alabada por Down Beat, la Biblia del jazz, que les considera entre los mejores clubes de jazz del mundo. Otras distinciones recibidas recientemente son el certificado de excelencia de TripAdvisor y el Recommended Award 2017, de la revista Time Out.

En Makma hemos tenido la feliz ocasión de entrevistar a Daniel Negro, director del Harlem Jazz Club y de Zingaria Producciones, quien programa cada año algunos de los conciertos más aclamados de Barcelona.

¿Cual es el origen del Harlem Jazz Club, es un negocio familiar?

Llevamos 30 años haciendo jazz, somos la sala más antigua de Barcelona. Lo empezamos Sonja y yo. Cuando vivíamos en Estocolmo veníamos a Barcelona de vacaciones, y no entendíamos muy bien, porque la parte más antigua, céntrica y más emblemática de la ciudad era también la más abandonada. Así que nos salía barato, y abrimos el local los dos. Le llamamos club por el aforo reducido y para programar estilos de música compatibles con el jazz. Así empezó, con la ilusión de dos personas que se enamoraron de Barcelona (y sin subvenciones).

Instate de uno de los conciertos en el Harlem Jazz Club. Fotografía de Daniela Giannangeli.

Instate de uno de los conciertos en el Harlem Jazz Club. Fotografía de Daniela Giannangeli.

¿Programáis otros estilos de música?

Gracias al Taller de Músics del Raval, empezaron a salir una generación de músicos catalanes y valencianos, hoy ya consagrados, como Perico Sambeat, Jordi Rossi, Eduard Tharrats, Ignasi Terraza, etc., que tocaban en la Cova del Drac con artistas internacionales, y les trajimos aquí para que mostraran su talento europeo a un estilo musical nacido en América.

También empezamos a programar música brasileña a partir de los Juegos Olímpicos, cuando aquí aún nadie la programaba. Había gente que no la conocía. Por ejemplo, la bossa nova se susurra, y Euclides Matos tocaba bonito. Era muy lindo y la gente pedía que cantara más fuerte, cuando en realidad es un estilo basado en el susurro.

Lo mismo con la música africana, los músicos que tocaban la Kora, una especie de arpa, con un sonido muy acuático, era precioso y la gente se asombraba porque era algo que no había escuchado nunca.

También programábamos tango. Tenía bastante aceptación.

¿Cuál es vuestro target de lientes?

Solo estamos en zona considerada turística desde el año 2000, y nuestro público es local y fiel, pero con el boom turístico la gente internacional que nos llega viene con el mismo espíritu de escucha y de respeto que un cliente barcelonés. Tienen una actitud correcta. Lo bonito es que todo el mundo se siente cómodo aquí. No hay uniformidad de criterio, ni edad concreta, para venir a escuchar buena música. Solo se necesita sensibilidad.

Las salas de música en vivo no son una moda pasajera. El público se renueva, porque los músicos están mejor preparados y el público lo aprecia.

¿En estos 30 años, cual es el concierto que recuerdas mejor y por qué?

Sean Lewitt vivía en Valencia y vino instalarse en Barcelona. Era el mejor guitarrista de be-bop pero era yonqui, y siempre venía a tocar por aquí para sobrevivir. Además, Josep Cucurela era un habitual, así como Quico Pi de la Serra y Pep Pla. Les propusimos que actuasen juntos.

La sala estaba a reventar y el pacto era intercalar canciones de cada uno. Pero al final, Sean Lewitt y Cucurela terminaban los temas como les parecía. Fue tan brutal ese concierto en el 96, que ellos mismos se asombraron de que la gente ni aplaudía. ¡Fue una catarsis brutal! Un momento inesperado que me sorprendió, que nos sorprendió a todos. Fue la cúspide. El amor, la complicidad musical absoluta. No se puede ni recrear, ni preparar, ni explicar. Fue lo más.

¿Tenéis previstos algunos festivales para el verano?

Nosotros somos sede de casi todos los festivales. Ahora es el festival BarnaSants, de canción de autor; el Festival Internacional de Jazz; el Festival Inauditus, el Simfónic para escuelas, el GREC, etc.

¿Crees que la ciudad ha reconocido el valor de la sala suficientemente, o se reconoce más la cultura en el extranjero?

Barcelona tiene un presupuesto para cultura. El 70% se lo llevan los grandes equipamientos: Liceo, TNC, Palau de la Música, Auditori, MNAC, etc., es decir, que con el 25% restante hay que hacer todo lo demás. Hasta el año 2006, las salas de conciertos no tenían la posibilidad de pedir ayudas y ahí nos plantamos. Hicimos una rueda de prensa para reclamar la música en vivo con el regidor de cultura de la época, Ferran Mascarell, del PSC, y por esas empezaron a darnos una pequeña partida. Pero la normativa municipal nos dice que una sala de conciertos es una industria molesta. La ciudad hace un agravio comparativo entre equipamientos culturales.

Con eso lo que quiero decir es que, si la inversión en cultura es tan vergonzosa, es curioso que la gente aún tenga criterio y capacidad para apreciar los conciertos en directo. Los músicos saben de esta situación y cobran muy poco. Sin la complicidad de los músicos, las salas de concierto en directo no existirían. Pero si Harlem tuviese el equivalente proporcional de lo que le correspondería, por ejemplo al Liceo, entonces los músicos podrían cobrar bien.

Al final yo creo que en el extranjero hay más inversión en cultura y, por lo tanto, se reconoce más.

Instate de uno de los conciertos en el Harlem Jazz Club. Fotografía de Daniela Giannangeli.

Instate de uno de los conciertos en el Harlem Jazz Club. Fotografía de Daniela Giannangeli.

¿Cómo habéis sobrevivido a la crisis iniciada en 2008 y que aún sigue coleando?

No redujimos personal, ni conciertos, ni horarios, ni salarios, lo único que hicimos fue aumentar el precio de las entradas un 5%. En realidad, siempre quienes pagan las crisis son los ciudadanos.

Los grandes equipamientos hicieron justo lo contrario, recortaron por todas partes y despidieron a mucha gente, porque solo saben gastar. No tienen ni pizca de imaginación para adaptarse a nuevas realidades. No saben gestionar.

¿Que debe hacer un artista para poder tocar en vuestro club?

Que me envíen un email con música, y su propuesta. Me siento un privilegiado porque en lugar de tener que salir a buscar o a inventar grupos o artistas, ya me vienen y tengo que escoger. Eso es un privilegio. Bueno, una suerte. Y debo decir que contesto a todo el mundo. Incluso a los que no me interesan, como un grupo de trash-metal de Nueva Zelanda que me contactó recientemente. Forma parte de la realidad.

¿Y a alguien que quiera emprender un negocio como el tuyo, que recomendación le darías?

Que la oferta de las grandes ciudades está bastante saturada. Es más fácil empezar un proyecto de este tipo en provincias, donde no hay tanto riesgo ni tanta competencia. Existe la posibilidad de ser el único.

Y que no se preocupe, porque músicos no le van a faltar. Hay que tener criterio para seleccionar con olfato y sensibilidad, para marcar una línea de estilo, pero ofertas y propuestas de grupos no les van a faltar nunca. La cultura nunca muere.

¿Cuales son los proyectos de futuro más inmediatos que tenéis?

Venderlo (risas). ¡Noooooo, ya no sabría que hacer sin el Harlem!

Mientras me siga emocionando, seguiré programando –sin que se vayan clonando las programaciones–. Siempre intento que la programación sea mejor. Primero, por la continuidad del negocio y, después, porque si hay un grupo que es bueno, pues que actúe con frecuencia, pero que no sea el único que actúe.

El apoyo a los músicos es lo que hace falta y así todo irá bien.

Muchas gracias por tu tiempo, Daniel, y ¡hasta el próximo concierto!

Daniel Negro, director de Harlem Jazz Club. Fotografía de Manuel Pérez.

Daniel Negro, director de Harlem Jazz Club. Fotografía de Manuel Pérez.

Neus Flores

 

Brain Film Fest: el cerebro como objeto cinematográfico

Brain Film Fest
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB)
Montalegre 5, Barcelona
Del 15 al 18 de marzo de 2018

El Brain Film Fest tendrá lugar del 15 al 18 de marzo de 2018 y, durante estos 4 días, convertirá el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) en un espacio de encuentro dedicado al cerebro en todas sus condiciones, desde las enfermedades que lo afectan hasta su función esencial como acumulador de conocimiento, memoria e identidad. Un festival para mostrar e impulsar la creación y difusión de cortometrajes sobre cualquier aspecto del cerebro, sus increíbles capacidades y también sus patologías.

Brain Film Fest. Makma

Esta primera edición del Brain Film Fest acogerá la VIII Gala del Premio Solé Tura, donde se entregará el galardón a las tres películas premiadas y contará con la participación de destacados miembros de la cultura, la sanidad y los medios audiovisuales. Después de siete ediciones, el Premio Solé Tura se ha convertido en una cita anual obligada de concienciación social en torno las enfermedades neurodegenerativas. El Brain Film Fest está impulsado por la Fundación Pasqual Maragall y, junto con el Premio Solé Tura, está organizado por la Fundación Uszheimer, la Fundación Pasqual Maragall y la productora Minimal Films, para promover la creación audiovisual, ofreciendo a expertos y estudiantes del ámbito cinematográfico la oportunidad de mostrar sus trabajos y, a la vez, sensibilizar la sociedad sobre las enfermedades del cerebro, mostrando la realidad cotidiana de los pacientes, sus familias, cuidadores y profesionales que conviven con este tipo de enfermedades.

El Brain Film Fest está enmarcado dentro de la Brain Awareness Week, la campaña mundial para aumentar la conciencia pública sobre el progreso y los beneficios de la investigación del cerebro, que tendrá lugar aquella misma semana.

Promo BFF cat from Minimal Films on Vimeo.

Programación del Brain Film Fest: proyecciones

La programación del Brain Film Fest 2018 arrancará el viernes 16 de marzo con el largometraje ‘Monster in the Mind’ (EE.UU., 2016). El filme inaugural es un documental de la periodista Jean Carper que, al enterarse de que corre un alto riesgo de sufrir Alzheimer, inicia una investigación sobre la historia de esta enfermedad rodeada de misterio, en la que toma como inspiración las pesadillas, los films de ciencia-ficción, horror y desastres.

El Brain Film Fest 2018 proyectará también veintiocho cortometrajes a competición de nuevo países, donde destaca la producción española con 15 cortos. Las piezas han sido seleccionadas por un comité de selección y serán evaluadas por el Jurado por el Premio Solé Tura, formado, en esta edición, por los directores cinematográficos Maria Ripoll y Agustí Villaronga, el profesor de periodismo Bienvenido León, la educadora social Roser Guerra y la psiquiatra Paz Flores.

Fotograma de la película 'Monster in the Mind', documental de la periodista Jean Carper que inaugura el festival. Imagen cortesía de BFF.

Fotograma de la película ‘Monster in the Mind’, documental de la periodista Jean Carper que inaugura el festival. Imagen cortesía de BFF.

Además, se proyectarán dos largometrajes fuera de concurso. El primero es ‘Rocks in MyPockets’ (Letonia, 2014), una película de animación que narra la historia de cinco mujeres de la familia de la directora que combaten la depresión y la esquizofrenia. Su directora, Signe Baumane, visitará el festival y conversará con los espectadores que asistan a la proyección. El segundo film es ‘Can You Rebuild My Brain?’ (Gran Bretaña, 2018), una historia de la ganadora del Premio Solé Tura honorífico del 2014 con el film ‘My Beautiful Broken Brain’, Lotje Sodderland, que ahora se adentra en el mundo de la neurocirurgia para observar tratamientos para el Parkinson, el Alzheimer y el autismo y que acompañará la proyección ofreciendo un coloquio con el público.

Hay que destacar, también, una actividad especial enmarcada en el CCCB Programa Alzheimer que organiza actividades culturales destinadas a los enfermos y a sus cuidadores. En esta ocasión, se ha elegido un filme que por su estructura es fácil de seguir por los enfermos de Alzheimer y adapta la proyección a sus necesidades para que tanto ellos como sus cuidadores puedan volver a disfrutar de asistir al cine. Dentro del Brain Film Fest, el film que se proyectará será el clásico ‘Escuela de Sirenas’ (EE.UU., 1944), de George Sidney.

Fotograma del cortometraje 'Villa Mnemosine', de Rubén Salazar. Imagen cortesía de BFF.

Fotograma del cortometraje ‘Villa Mnemosine’, de Rubén Salazar. Imagen cortesía de BFF.

Programación del Brain Film Fest: actividades

Más allá de las proyecciones, el Brain Film Fest ofrecerá un debate, dos talleres y dos charlas como actividades paralelas.

La Dra. Marta Aymerich, Vicerrectora de Planificación Estratégica e Investigación de la UOC, protagonizará el debate con asociaciones, familias afectadas y profesionales, bajo el título ‘Conocimiento y tecnología al servicio de la salud de las personas’.

La Dra. Maria López, socia fundadora y CEO de Bitbrain, empresa especializada en desarrollo de soluciones neuro tecnológicas, será la encargada de impartir el taller ‘Neuromàrqueting: Cuando el consumidor decide y sabemos como lo hace’. Por su parte, el Dr. Miguel Sánchez Romera, neurólogo, profesor de ciencia y tecnología de los alimentos y artista en la cocina, impartirá el taller ‘Neurococina: Alimenta bien tu cerebro’.

Además, el Dr. Luis Miguel Martínez, Doctor en Biología y experto en neurobiología en el Barcelonaβeta Brain Research Center, centro de investigación de la Fundación Pasqual Maragall, ofrecerá la charla ‘El cerebro y la memoria: recuerdo, olvido, y la identidad personal’, y la crítica de cine Núria Vidal conducirá la charla ‘El cerebro en el cine’.

Fotograma de la película 'Monster in the Mind', documental de la periodista Jean Carper que inaugura el festival. Imagen cortesía de BFF.

Fotograma de la película ‘Monster in the Mind’, documental de la periodista Jean Carper que inaugura el festival. Imagen cortesía de BFF.

‘El alma dormida’, vuelve la gira de Lapido

José Ignacio Lapido
Sala Loco Club
Calle del Erudito Orellana, 12 Valencia
Viernes 2 de febrero a partir 23:00 h
Entradas: 14 € anticipada, 18 € en taquilla
Punto de venta: http://www.lococlub.org/ y CRETIN (C/ Quart nª 41 de Valencia)

Vuelve 'El alma dormida', la gira de Lapido

Imagen de Lapido extraida del videoclip canción “¡Cuidado!”

A partir del pasado mes de septiembre del 2017 se dispararon las expectativas cuando veía la luz el nuevo single promocional de José Ignacio Lapido. Hablamos de “¡Cuidado!”, un tema sumamente adictivo donde el compositor, a través del librepensamiento, nos ponía alerta para cuestionar muchas cosas, convirtiéndose inmediatamente en uno de los grandes himnos del granadino. Con una temática similar se ha extraído un segundo single en el presente 2018, “La versión oficial”, con videoclip incluido.

En cuanto al último álbum la fecha elegida en que se hizo oficial su publicación fue el 20 de octubre. Con título “El alma dormida”, era un trabajo muy esperado ya que tuvo que retrasarse debido a la exitosa “Maniobra de resurrección” con los 091 durante el 2016.

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Portada del disco “El alma dormida” de José Ignacio Lapido

Está producido conjuntamente por Raúl Bernal, Víctor Sánchez, Pablo Sánchez y el propio Lapido. Como viene siendo frecuente en los últimos tiempos el maestro está acompañado por su banda habitual, es decir, Víctor Sánchez, Raúl Bernal, Popi González y Jacinto Ríos.

Vuelve 'El alma dormida', la gira de Lapido-2

Lapido en los estudios de grabación con Víctor Sánchez, Raúl Bernal, Popi González y Jacinto Ríos. Imagen incluida en el reportaje ‘El despertar de un alma del rock’ del diario GranadaHoy

A nivel general podemos decir que algunas letras son trascendentales y tienen que ver con el rápido transcurso existencial, como la extraordinaria “Lo que llega y se nos va”, escrita a partir del fallecimiento de su madre y con el punto de partida en las “Coplas a la muerte de su padre”, la elegía de Jorge Manrique en el S.XV.

También temas que tocan la lucha social en “Como si fuera verdad”, sobre reivindicación de su trayectoria en “Nuestro trabajo”, sobre las películas y las bandas de los años 60 en “Dinosaurios”, sobre misticismo en “Estrellas del Purgatorio”, sobre cruces de caminos en “No hay prisa por llegar”, o sobre esos rincones del corazón en “Enésimo dolor de muelas”, “Mañana quien sabe” o “La escalera de incendios”. Todas ellas completan un disco que marca el estado de madurez de un artista cuya regularidad debería estar mejor considerada.

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José Ignacio Lapido

Durante los meses de noviembre y diciembre se presentó “El alma dormida” en Murcia, Sevilla y Granada. La Sala Loco Club de Valencia acoge la reanudación de una gira imprescindible antes de pasar por Madrid, Barcelona, Zaragoza, Córdoba, Málaga, Bilbao… Si Lapido se pone en línea de tiro ningún aficionado a la música de calidad realizada en uno de nuestros ricos idiomas debería perdérselo. Altamente recomendable es poco.

Juanjo Mestre