‘IVAM
Retrovisor’ | ‘#IVAMdesdecasa’ Institut Valencià d’Art
Modern (IVAM) 6 de mayo de 2020
Un
total de doce artistas españoles participan en la iniciativa ‘IVAM
Retrovisor’ para rememorar a través de sus ojos y en solo cien
palabras sus propias obras de arte pertenecientes a la colección del
IVAM. Carmen Calvo, José Mª Yturralde, Jordi Teixidor, Artur Heras,
Patricia Gómez y Mª Jesús González, Ángela García Codoñer,
Chema López, Isabel Oliver, Maribel Doménech, Mira Bernabeu y
Ricardo Cotanda son los creadores que forman parte de esta propuesta,
englobada en el programa ‘#IVAMdesdecasa’, con la que el museo
pretende acercar su colección a los usuarios a través de su página
web y difundir el valor de sus fondos, un patrimonio de más de
12.000 obras de arte.
El
pintor Jordi Teixidor, ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas
2014 por su abstracción reflexiva, comenta sobre su obra ‘Pintura
Azul’ (1986) que “desde un primer momento la precisión del
título deja bien claro que la obra no es un paisaje; con su
obviedad, el título señala al espectador la actitud que debe tomar
cuando se coloca frente al cuadro”, poniendo de manifiesto las
circunstancias y maneras del proceso de ejecución de esta pieza.
‘Has hecho de mi lo que querías’ (2005), de Carmen Calvo. Fotografía cortesía del IVAM.
Entre
las obras que conforman esta selección, la artista conceptual Carmen
Calvo explica una de sus características fotografías intervenidas
titulada ‘Has hecho de mí lo que querías’ (2005). “Una vez me
preguntaron: ¿qué quería decir el cubrir el rostro de estas
mujeres con una estrella de David? No es cubrir, es anular a estas
mujeres. Por ser mujer y por ser de raza judía”, proclama en su
texto rotunda.
También
bajo el género de arte feminista se encuadra la serie ‘Misses. Los
concursos de belleza’ (1974) de la pintora Ángela García Codoñer,
“obras reivindicativas hechas por mujeres que no aceptaban el papel
que aquella sociedad había organizado para ellas”, escribe la
autora. En esta línea, la obra ‘Cirugía’ (1970-1973), de la
valenciana Isabel Oliver, trata, según la creadora, sobre “la
dictadura de la belleza, impuesta a las mujeres respondiendo al
arquetipo del gusto masculino de cómo debían ser las mujeres para
ser adecuadas”. Por su parte, Maribel Doménech desvela por qué
incorpora la fotografía en su trabajo titulado ‘La energía de una
segunda piel’ (1993): “la piel como escudo protector y espejo de
acontecimientos me permite desvelar el cuerpo en lugar de ocultarlo,
la luz negra transforma la piel de la modelo, de tal manera que
caderas, vientre, pechos y glúteos asemejan un cuerpo cíborg”.
En
la propuesta de ‘IVAM Retrovisor’ también participa José Mª
Yturralde, que cuenta en cien palabras el proceso de creación de
‘Figura Imposible’ (1972), una serie en la que el artista
“trataba de explorar la idea del espacio-tiempo, de la forma,
integrándola con los conocimientos científicos del momento”. Otro
artista valenciano, el pintor e ilustrador setabense Artur Heras,
destaca “la duplicidad y colores vibrantes propios del pop art”
de su obra ‘Els set pecats capitals’ (1971). Mientras que Chema
López selecciona su serie ‘Los años de plomo’ (2012-2013),
donde traslada al lienzo las fotografías insertas en las fichas
policiales de delincuentes. “Imágenes fotográficas con rostros
tachados, hendidos y rasgados, en una operación que pone en cuestión
la obstinación de nuestra sociedad por fijar y controlar a los
‘sujetos’ que la conforman”.
‘Cirugía’ (serie ‘La mujer’, 1970-1973), de Isabel Oliver. Fotografía cortesía el IVAM.
La
fotografía también es el medio utilizado por Mira Bernabeu en su
pieza ‘Panorama social, 1965 – 2007† – 2009* – 2014’ (2014),
donde retrata el viejo zoo de València en una fase avanzada de
dejación y abandono como elemento simbólico que puede extrapolarse
a otros contextos.
Perteneciente
a la serie ‘Llegar a la nieve’ (1995), Ricardo Cotanda presenta
la obra ‘Dado’: un pañuelo masculino de algodón con una mancha
bordada en hilo de seda, “la alusión más ‘filial’ a Marcel
Duchamp”. La lista de artistas participantes en ‘IVAM Retrovisor’
culmina con el trabajo del dúo de artistas Patricia Gómez y Mª
Jesús González, una intervención con arranque mural en un edificio
del s. XVIII situado en el barrio del Carme de València para
recordarnos que “ciertos lugares, en vísperas de su desaparición,
funcionan como contenedores de memoria, y son capaces de hacernos
percibir y reconstruir pedazos de historia y vivencias pasadas”.
Esta
actividad de ‘IVAM Retrovisor’ es la segunda entrega de una
iniciativa dedicada a recordar exposiciones y obras de arte de la
colección del IVAM. Tras la primera serie, en la que participaron
periodistas y críticos de arte recuperando en cien palabras sus
muestras del IVAM favoritas, llega el turno de reunir a doce artistas
para que comenten sus propias obras de arte.
Imagen de los artistas participantes en ‘IVAM Retrovisor’. Fotografía cortesía del IVAM.
‘Salva lo Público’ | Manifiesto conjunto de más de 160 artistas en defensa y apoyo de lo público 1 de mayo de 2020
La inquietud y el compromiso del artista multidisciplinar Carlos García-Alix comenzaba a movilizar, hace unas semanas, a gran parte del colectivo de artistas visuales con el fin de sumarse a esta iniciativa elaborando un manifiesto conjunto en apoyo de lo público. “Un hermano médico me pidió dibujos para diferentes webs de hospitales y fundaciones de la sanidad pública, me puse a ello y, tirando de hilo, pedí a un grupo de pintores y grafistas amigos que me apoyaran en esta iniciativa”, explica Alix.
Obra de Óscar Mariné para ‘Salva lo Público’.
Artistas nacionales de la talla de los premios nacionales Alberto García-Alix, Óscar Mariné y Chema Mádoz, el propio Carlos García-Alix, Elena Goñi, Sean Mackaoui, Teresa Moro, Vari Caramés y Álvaro Laíz, así como diversos creadores valencianos, entre los que destacan Roberto Mollá, Teresa Tomás, Juan Cuéllar, Paco de la Torre, Emilio Gallego e Ignacio Evangelista, entre otros, se han sumado, sin dubitaciones, a este manifiesto que conforman ya más de 160 artistas.
Obra de Alberto García-Alix para ‘Salva lo Público’.
Igualmente,
según afirma García-Alix, “decidimos luego, hacer un manifiesto
en defensa de lo público, de la sanidad, sí, pero también de la
educación, de la cultura, de los servicios de asistencia social”,
en tanto que “somos conscientes de
que
pertenecemos a ese mundo que se llama la
cultura,
un mundo muy amplio y diverso, un mundo con muchos y diferentes
intereses. Sabemos que los artistas visuales necesitamos todo un
conjunto de medidas de manera urgente: ley de mecenazgo, estatuto del
artista, bajada del IVA cultural…, y que debemos movilizarnos por
ello, pero también pensamos que todas estas medidas solo pueden
llegar desde un parlamento y un Gobierno que apoye e impulse, con
decisión, políticas al servicio de la mayoría social, y que no
permita nunca más el desmantelamiento de lo público, de aquello que
es de todos y nos protege a todos. ‘Salva
lo Público’ se propone, también, de inmediato, abrir una reflexión
y un debate entre los artistas visuales sobre qué tipo
de relación se debe dar, después de la pandemia, entre la cultura,
el arte y lo público”.
Obra de Sean Mackaoui para ‘Salva lo Público’.
En esta línea, Juan Cuéllar considera importante “visibilizar la defensa de lo público desde nuestro trabajo, un sector de la cultura que no es industria y que rara vez se postula en bloque, porque lo público, entendido como lo universal, es el camino que garantiza una mayor igualdad en sanidad, educación, justicia, etc.”.
Obra de Juan Cuéllar para ‘Salva lo Público’.
Su pieza ‘#SANIDADPUBLICA’ es un sutil y potente retrato conceptual concebido “de una forma rápida y ágil para redes sociales. Una foto de un juguete vendado de mi hija, un juguete roto y curado. Una alegoría de nuestra situación actual y de lo que defendemos”.
El fotógrafo valenciano,
afincado en Madrid, Ignacio Evangelista tuvo conocimiento de ‘Salva
lo Público’ a través de su compañero de la Galería Utopía
Parkway, el pintor Alberto Pina (uno de los primeros en sumarse).
Evangelista argumenta su propuesta apuntando que “dada
la limitación de movimientos que tenemos, mi primera idea fue tirar
de archivo y utilizar alguna fotografía ya realizada. Recordé una
que había hecho hace tiempo, de un corazón de vaca, y pensé que
podía funcionar muy bien. Ya que la pandemia es mundial, decidí que
el mensaje tenía que hacer referencia a que la sanidad pública (se
sobreentiende que gratuita y en condiciones dignas) debería ser
universal”.
Obra de Ignacio Evangelista para ‘Salva lo Público’.
En relación a la condición ecuménica de la sanidad que defiende Evangelista, recuerda que “hace unos días leí en la prensa que se teme que muchos estadounidenses con síntomas de coronavirus no hayan ido a hacerse las pruebas por temor a que, en caso de estar infectados, la factura que les llegue después del tratamiento les arruine de por vida. Así que decidí hacer un guiño a lo estadounidense y poner el mensaje de ‘Sanidad Pública Universal’, usando tipografías que, de alguna manera, evocaran a Estados Unidos. Utilicé una que recordara toda la iconografía de high schools, universidades, películas de adolescentes, fútbol americano, etc., y otra más dramática relacionada con llamadas a la guerra, lo militar, Vietnam, etc.”.
La amistad de adolescencia y juventud fraguada en mil batallas crea vínculos indisolubles, así que cuando Carlos García-Alix llamó a su amigo Emilio Gallego –artista, comisario y adjunto a coordinación de AVVAC–, este no dudó en apoyar una de las causas que siempre les ha unido. “Mi postura de defensa de lo público viene de muy lejos, desde siempre he pensado que el Estado debe ser el garante del bienestar de las personas y que eso debe estar por encima de cualquier consideración».
Obra de Emilio Gallego para ‘Salva lo Público’.
Gallego concluye manifestando que «apoyo con todas mis fuerzas lo público, como resorte imprescindible para el bienestar de las personas y por supuesto la iniciativa de #salvalopúblico. Es necesario que el Estado fortalezca los servicios a la ciudadanía, como la sanidad, educación, atención a la tercera edad o también la cultura, que son estratégicos y fundamentales para gozar de una sociedad democrática y justa, donde, como tanto se repite actualmente, nadie se quede atrás”. Y esto, precisamente, es lo que ha querido plasmar en su pieza.
Por
su parte, Roberto Mollá, pintor valenciano y ganador del People’s
Choice Award de la feria Pulse de New York en 2010 y que, junto a
Juan Cuéllar, funda ‘Encapsulados’ –un proyecto dedicado al
comisariado de exposiciones de arte portátil–, no albergaba dudas
respecto de ‘Salva lo Público’: “Para
una cosa así no necesitas que te animen mucho. En una situación
como esta los que estamos encapsulados en casa y con los deberes
hechos intentamos echar una mano, por ejemplo, a los mayores con su
compra y con sus ganas de charlar y, también, a los que ahora
apechugan con el problema a diario y que ya están de la dichosa
mascarilla hasta el moño: nuestra panadera Analía, los trabajadores
de los supermercados, los libreros y toda la sanidad pública. Aunque
ahora les homenajeamos a ellos y les mostramos nuestra solidaridad,
el problema gordo lo tenemos todos. Por detrás de la famosa curva de
Simón, como era de prever, se va formando otra que me recuerda a ‘La
gran ola’,
de Hokusai, tragándose diminutos pescadores japoneses. ¿Puede ser
de alguna ayuda una imagen en una situación así? El grabado de
Hokusai no salva a los pescadores pero les reivindica y deja memoria
de su trabajo, como el de los sanitarios y tantos otros ahora,
esencial”.
Obra de Roberto Mollá para ‘Salva lo Público’.
En esa línea, Mollá asevera que “la sanidad pública es el refugio de todos, al que acudimos cuando enfermamos o cuando creemos enfermar. Todos vivimos momentos de gran intensidad, dolorosos o alegres, en hospitales públicos. Muchos de estos hospitales tienen arquitecturas intimidantes, volúmenes duros y no siempre luminosos. Otros, afortunadamente, tienen un aspecto más acogedor, una escala más asumible. Unos y otros ofrecen cobijo a todos. Ese refugio es el que tenemos la obligación de cuidar para cuando vengan mal dadas. Por esta razón completé uno de mis dibujos geométricos de aire arquitectónico con la tipografía ‘REFUGIO’, alfabeto reconstruido brillantemente por Kike Correcher a partir de la señalización de los refugios antiaéreos de Valencia”.
De Teresa Tomás dicen que “desafía en su pintura el concepto de realismo con el objetivo de representar ideas o imágenes mentales a través de una nueva objetividad poética de carácter científico”. En la obra que ha concebido para ‘Salva lo Público’ se evidencia “la metáfora del corazón como órgano fundamental de una sociedad con un gran problema de salud. Un órgano de cristal debido a su fragilidad, con dificultades de todo tipo, pero que es capaz de crear un sistema circulatorio con bombeos de salud capaces de reanimar esta horrible pandemia”.
Obra de Teresa Tomás para ‘Salva lo Público’.
Desde sus primeras exposiciones en la Galería Postpos de València, pasando por My Name´s Lolita Art durante un periodo muy longevo a la vez que prolífico –en el que explora e investiga la videocreación–, en la actualidad, no ha habido hemisferio donde no haya expuesto. “Me hubiera gustado poder colaborar de manera más activa. Siempre me ha sorprendido la generosidad y la humanidad tanto de médicos como del resto personal sanitario, ya que son capaces de luchar contra la enfermedad como no sabemos hacer los demás. Cuando un problema de salud mundial como el COVID-19 explosiona, están trabajando al límite visibilizando su heroicidad. Como sociedad, deberíamos escucharlos y respetarlos más y mejor. Ahora y siempre”, concluye Tomás.
Obra de Paco de la Torre para ‘Salva lo Público’.
Cuando
interrogamos a Paco de la Torre sobre su voluntad de sumarse a ‘Salva
lo Público’ afirmaba que “los
artistas conformamos tejidos invisibles que se activan en momentos
críticos como el que vivimos. Desde el confinamiento es difícil
ofrecer otra colaboración que poner al servicio de iniciativas como
‘Salva Lo Público’ nuestro imaginario para poder visualizar los
idearios que defendemos como miembros de la sociedad”, y, por ello,
“el impulso de sumarme a la iniciativa con la inmediatez que las
circunstancias exigían me llevó a manifestar el significado de
algunas de las imágenes creadas para mi colaboración con la revista
de pensamiento científico Mètode. Al rotular el deseo de una
sanidad pública sobre la escena hospitalaria avoco al espectador a
una lectura inequívoca”.
Así mismo, desde ‘Salva lo Público’ continúan trabajando para visibilizar todas las obras en una exposición que pueda itinerar a lo largo y ancho de la geografía española. Preparémonos para reflexionar.
#SalvaLoPúblico.
‘¡Viva la sanidad pública!’, de Carlos García-Alix.
#MAKMAOpinión | #ApagónCultural 12 de abril de 2020
Mañana, tarde, noche Mañana, tarde … Mañana …
Mañana, tarde, noche. Mañana, tarde, noche. Mañana, tarde, noche… Así pasan las horas en nuestro confinamiento. Nos hemos acostumbrado, ahora más que nunca, a que nuestro móvil sea la ramificación de nuestro brazo, y gran parte de nuestro entretenimiento lo visualizamos en esa pantalla. Bibliotecas, museos, galerías y cientos de artistas desde el primer momento han abierto sus puertas virtuales e ideado iniciativas culturales para aligerar el peso de la cuarentena, pero no todos nos hemos parado a pensar de qué podrían vivir estos durante y después de ella.
Las redes sociales explotaron el 9 de abril en un mar de protestas con el hashtag #ApagonCultural, creado por la Unión de Actores y Actrices, desembocando en una huelga de 48 horas en la que se pretendía que la cultura no estuviera disponible en plataformas streaming, ni en ninguna red social. ¿La razón? Como dice Trimagasi en la película ‘El Hoyo’, obvia: el ministro de Cultura no ofreció medidas para mitigar la crisis que va a tener que superar el sector artístico. En otros países, como en Alemania, Francia o Italia, la cultura se ha declarado un bien de primera necesidad con medidas especiales para protegerla. Por el contrario, José Manuel Rodriguez Uribes aludió a Orson Welles, el pasado martes, para poder recalcar que “primero va la vida y luego el cine”. Así, algunos artistas se han visto con la cuenta a cero y con un futuro desalentador, viendo cómo se hunden, mientras al resto nos intentan rescatar de las peores situaciones.
Ilustración de yyyyoa (Yolanda Tortosa Sanz).
Seguramente, lo que más ha molestado a este sector es que se les ha vendido como un grupo insolidario que desea medidas especiales para no caer en el círculo de la crisis que nos afectará a la mayoría de nosotros. Pero esa afirmación no es justa ni cierta. Como se ha podido comprobar en este tiempo de cuarentena, empresas de artes escénicas y musicales, artistas plásticos, músicos, y de todos los sectores culturales en general, han subido vía online sus obras de forma gratuita con el fin de aportar luz, risas, conciencia social y compañerismo. Como siempre se ha demostrado en cada situación difícil. Además, se sienten confusos al ver como Deportes sí que ha obtenido una ayuda de 50 millones de euros para las federaciones deportivas.
Ilustración de de.be.pe (Diego Blanco Prieto).
Debido al descontento generalizado y la rápida respuesta por parte de la cultura, que abarca a más de 700.000 trabajadores, el gobierno actual ha optado por escuchar las demandas del sector. La ministra de Hacienda, María Jesús Montero, ha anunciado que se reunirá con representantes del sector junto al ministro de Cultura para escuchar sus reivindicaciones. Por ello, los convocantes de la huelga han decidido suspenderla para dar un voto de confianza al Ejecutivo.
Sin embargo, aunque los ánimos se hayan calmado, los artistas siguen airados; significativa es la declaración de Juan Echanove mostrando su descontecto: “Nosotros llevamos soportando esto desde el comienzo de la democracia. Se lo voy a explicar: cada cosa que ocurre cae sobre la cultura como una losa de granito. (…) En lo que a mí respecta, ya no eres mi ministro de Cultura, porque si no tengo cultura para qué coño quiero un ministro”.
Sobre la dignidad de los artistas y del mercado del arte Valencia Martes 21 de mayo de 2019
1.Había una cierta dignidad en aquellos artistas antiguos que fueron desplazados por los modernos allá por el siglo XVIII. Pero los modernos llegaron con su espíritu libertario y rompieron sus lazos con el tirano y restrictivo Poder, ese que les imponía los asuntos que debían pintar y además con la adecuada forma de representarlos. Así, llegó el siglo XIX y los artistas se liberaron definitivamente de los despóticos Reyes y de los malditos Arzobispos. Y aceptaron las consecuencias, quedar expuestos y estar sujetos a una demanda mucho más inestable y abstracta: el mercado. Como todos ustedes saben Van Gogh sería un perfecto representante del artista moderno; la libertad de poder hacer lo que le viniera en gana fue el precio que tuvo que pagar para no comerse un rosca. Había una cierta dignidad en aquellos artistas modernos que desplazaron a los antiguos aún cuando esto les supusiera comer raspas de sardina (en nombre de la libertad, claro).
Autorretrato de Vincent Van Gogh.
2.Ahora los artistas son otra cosa, carecen de dignidad. Y sus prescriptores también, pero vayamos primero con los artistas. Criados en su propia autosuficiencia -la que deviene de ser más resolutivos y acomodaticios que sus mayores- los artistas del hoy nadan sin guardar la ropa y por eso están permanentemente humedecidos. Se valen de la tecnologización globalizadora para ser hippies con sus perfiles y sus followers, pero sueñan con que un matrimonio maduro les pague las cervezas y las nikes; son relativistas de libro pero necesitan tranquilizantes cuando alguien no entiende sus pesadillas. Dicen rechazar el mercado por sus vinculaciones a la economía liberal, pero en realidad todos son unas doñas ineses que se mueren por el abrazo de un cínico protector; les gusta ir de escépticos pero cuando la Consejería de Cultura de turno les llaman para cubrir un espacio con su contenido político/social, estos entran en trance místico. Se dicen comprometidos pero en realidad les gusta levitar.
La artista vasca Itziar Okariz.
3.Noticia (10 de mayo): “La artista vasca Itziar Okariz, que representa a España en la Bienal de Venecia, “mea en diferentes espacios públicos del mundo”; en un proyecto comisariado por el periodista también vasco Pelo Aguirre que se presenta como una iniciativa que “perfora y vacía” el espacio físico, a través del sonido, imagen escultura y arquitectura. Aguirre ha explicado que “es un pabellón en el que el cuerpo aparece representado y esta idea de perforación asociada al cuerpo me parece una metáfora importante y potente en esta edición”.
La verdad es que no sé quién es más tonto, si la artista (que se cree libre) o el prescriptor (que se cree poeta). Lo de menos es la acción de mear, que sin duda es tan inocua e inofensiva como cualquier otra mientras se haga en el nombre del arte*. Tampoco resulta relevante el hecho de si es o no arte la acción mientras la institución sea la que como tal lo señale. Como siempre**. No, lo que verdaderamente resulta hilarante es que se tomen en serio su supuesta influencia sobre la sociedad; lo que resulta desternillante es que crean estar cuestionando las convenciones sociales; que crean estar luchando contra el conservadurismo mientras son subvencionados por la misma Institución político/artística; que se crean provocadores defendiendo además su mismo discurso; y que se crean libres en su perfecta pose genuflexa. Ahora los artistas son, como decía, otra cosa, carecen de dignidad. No tienen mercado (porque el mercado no los quiere y ellos dicen odiarlo) y además son los lacayos de un Poder que sólo les ofrece unas migajas de basura, las que sirven para comprarlos. El que se mea soy yo.
Video de Cristina Lucas en el Centre del Carme.
4.El problema de los tontos es que nunca paran de trabajar, que nunca descansan. Noticia (17 de mayo): titular, “A golpes contra el patriarcado”; subtitular, “Cristina Lucas y Eulalia Valldosera critican en el Carme la tradición artística dominada por el hombre” Y en las fotos que ilustran el artículo vemos a Cristina Lucas destrozando con una maza una réplica del Moisés de Miguel Ángel. Todo muy original e imprevisible como puede verse. Pero por si alguien no se había dado cuenta de la originalidad del concepto y del riesgo que comporta el discurso respecto a la Institución llega su prescriptor, el director del Museo y dice que “se trata de una apuesta por visibilizar la falta de mujeres en colecciones públicas” y alaba esta exposición por situarse en contra “del relato oficial” en el arte, donde “la mujer queda relegada a un segundo plano”. Respecto a lo de estar en contra “del relato oficial” insto a los no perezosos a investigar en las hemerotecas (físicas y digitales, para que contabilicen y analicen los impactos mediáticos, así como la cantidad de eventos “En Femenino”). Respecto a la segunda les aconsejo que lean este post: https://albertoadsuara.blogspot.com/search?q=arte+mujeres (El texto del post es un exabrupto sin gracia estilística pero deja claras las cosas)
5.Había una cierta dignidad en aquellos artistas antiguos que fueron desplazados por los modernos allá por el siglo XVIII. Y también la había en aquellos artistas modernos que pagaron un alto precio por aceptar la libertad de no tener amos. Ya digo, los artistas del hoy, unas doñas ineses en búsqueda de un Don Juan adulador pero canalla.
*Así que los que siempre centran el problema en la tesitura de si es o no arte una bravuconada mejor que se callen, porque su ignorancia es tan grande como la de quienes se llevan las manos a la cabeza porque no entienden nada. La cuestión nunca ha sido dilucidar si es o no arte un “montón de ladrillos” o una “lata de mierda” mientras hayan sido señalados por la Institución; la cuestión es saber cuánto han aportado -humanísticamente- a la Humanidad aún con toda su carga teórica.
**Lo que resulta verdaderamente provocador, transgresor e intranquilizador es ver a todas esas niñas que mean en público en plena calle, durante la farra y sin vergüenza alguna. A ver si os enteráis, pardillos, todo lo hecho en nombre del arte queda desactivado por el mismo hecho de hacerse en nombre de la institución. De hecho, nada hecho en el nombre del arte puede ser eficaz, -en tanto que transgresión comprometida-, porque no puede ser otra cosa que espectáculo manierista y patético.
#EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting Organizan: Fundación Cañada Blanch, Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez y MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea Sporting Club Russafa Sevilla 5, València Viernes 17 de mayo de 2019 a las 19:00
La Fundación Cañaba Blanch y el Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez, en colaboración con MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, organizan los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting, cuya primera edición, que tendrá lugar entre mayo y junio de 2019, se postula bajo el lema ‘Hacia la profesionalidad del artista visual’, con el objetivo de procurar un diagnóstico fidedigno y actual –mediante el desarrollo de una mesa redonda– de las diversas circunstancias y vicisitudes laborales en las que se encuentran numerosos creadores, a la par de ofrecer, a través de un seminario, un mapa de herramientas y estrategias con las que reorientar y enmendar su situación de inestabilidad profesional.
MESA REDONDA (VIERNES 17 DE MAYO DE 2019)
#EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting iniciará sus contenidos con la celebración de la mesa redonda ‘Hacia la profesionalidad del artista visual’, que tendrá lugar en la sede del Sporting Club Russafa (Sevilla 5, València), el viernes 17 de mayo de 2019 a las 19:00.
Formarán parte del debate Marisa Giménez Soler –comisaria y galerista del Museo del Ruso (Alarcón, Cuenca), Emilio Gallego –artista y representante de la Asociación de Artistas Visuales de València, Alicante y Castellón (AVVAC)–, Felicia Puerta –artista y profesora de Metodología de Proyectos de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (UPV)–, Ismael Teira –artista y miembro del consejo editorial de MAKMA– y Lucía Peiró –artista y representante del Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez–, quienes serán moderados por Salva Torres, en calidad de periodista cultural de El Mundo Comunidad Valenciana y director de la revista MAKMA.
Un instante del happening poético ‘¿De qué viven los artistas?’, con Rosa González y Javier Seco. Fotografía cortesía de Laquerencia Producciones.
Esta primera jornada de los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting será rubricada con la escenificación, a partir de las 20:00, de la pieza ‘¿De qué viven los artistas?’, de Rodrigo García, Pedro Gabo y Javier Seco, y protagonizada por Rosa González y Javier Seco, de la compañía Laquerencia Producciones; un mordaz e hilarante happening poético interdisciplinar “cargado de denuncia y sátira, que cuestiona los papeles que juegan el azar, el dinero, el prestigio o el triunfo en la práctica artística, propiciando, junto al espectador, un viaje lúdico y experimental. En definitiva, “las contradicciones e inseguridades de un alma artista y su batalla diaria con el ego y las apariencias”.
SEMINARIO (VIERNES 7 Y SÁBADO 8 DE JUNIO DE 2019)
Bajo el título ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, Marta Pérez Ibañez –historiadora del arte, gestora cultural, miembro del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y docente en la Universidad de Nebrija, entre otras instituciones– impartirá en el mes de junio un seminario de doble jornada (viernes 7, de 16:00 a 20:00, y sábado 8 de junio, de 10:00 a 14:00).
Los contenidos fundamentales del curso, que clausurará la primera edición de los EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting, se aproximarán a la figura del artista profesional mediante la intercesión de conceptos como branding, mercado del arte, comunicación offline (objetivos y estrategias, imagen, composición curricular, etc.) y autogestión (administración y economía, aspectos legales y derechos del artista, entre otros), así como perfilarán un mapa del artista “ante el reto del nuevo mercado global”, en términos de autogestión sostenible y nuevos modelos de negocio, sustentados por razones de “equilibrio y coherencia para conseguir los mejores resultados”.
La participación en el seminario ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, destinado a un máximo de 40 alumnos y con un coste de 20€ por participante, se llevará a cabo mediante inscripción previa a través del correo convocatorias@makma.net, indicando en el asunto “Seminario EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting” e incluyendo en el cuerpo del mail los siguientes datos: nombre completo, NIF y teléfono de contacto.
El criterio de selección final de alumnos se implementará por orden estricto de recepción de solicitudes. El equipo de organización de los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting se pondrá en contacto directo con la nómina definitiva de participantes para proceder con los trámites económicos correspondientes al pago del seminario.
