Taller sobre fiscalidad para artistas profesionales

‘Fiscalidad, contratación y modelos prácticos’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Museu 2, València
Jueves 21 de febrero de 2019
De 17:00 a 21:00

Bajo el título ‘Fiscalidad, contratación y modelos prácticos’, el próximo 21 de febrero, de 17:00 a 21:00, tendrá lugar en el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) un primer taller teórico-práctico para artistas visuales, enfocado a dotar de conocimientos legales necesarios y de herramientas básicas, para poder desenvolverse bien como profesionales.

Desde AVVAC se ha diseñado este taller, en una única jornada dividida en varios bloques, contando con especialistas legales en el campo de las artes visuales, colaboradores habituales de la asociación y con amplia experiencia. Alexandre Devís (abogado) y Jorge Seguí (asesor fiscal), pondrán al alcance de las/los artistas de la Comunidad Valenciana, conocimientos prácticos sobre temas como el funcionamiento del Régimen Especial de Trabajadores Autónomos (RETA), los derechos de propiedad intelectual, cuestiones sobre facturación, contratación, etc.

AVVAC. MAKMA

En el contexto de este taller se presentará, en el último bloque, el ‘Libro Blanco de contratos para artistas visuales’, editado recientemente por la Plataforma Assembleària d’Artistes de Catalunya (PAAC), presentación que correrá a cargo de Tomás Pariente, artista gráfico y miembro de su equipo de redacción. Considerado de gran interés para los profesionales del sector, este documento recopila entre otras cuestiones, más de una veintena de modelos diferentes de contratos, que tratan de recoger la complejidad y variedad de las actividades que se desarrollan en este sector, facilitando así una relación laboral equitativa, que no lesione los derechos de las/os artistas. Editado además bajo licencia Creative Commons, puede descargarse y consultarse libremente en la página web de la PAAC (http://www.paac.cat/p/1/108/0/Publicacions).

Recordemos que estudios recientes de la UNESCO y otros publicados en nuestro país indican que el empleo y la condición social de las/los artistas siguen siendo muy precarios, con escaso acceso a la seguridad social, las pensiones y otras prestaciones sociales, además de reflejar unos ingresos qué, en un altísimo porcentaje, no alcanzan el salario mínimo interprofesional en su cómputo anual.

Artistas Visuales de Valencia Alacant i Castellò (AVVAC9 pertenece, junto al resto de asociaciones de artistas visuales del estado, a la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC), que a su vez es representante en España de la International Association of Art (IAA).

Miembros de AVVAC publicitan el curso en las aulas de la Facultad de Bellas Artes de la UPV. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

Miembros de AVVAC publicitan el curso en las aulas de la Facultad de Bellas Artes de la UPV.
Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

AVVAC trabaja promoviendo la profesionalización de la condición de artista, las buenas prácticas, la defensa de sus condiciones de trabajo, económicas y sociales, como parte esencial para el desarrollo de las libertades y la cultura, tal como se recoge en la Constitución Española, entendiendo como imprescindible agrupar y formar a las/los artistas en la defensa de sus intereses, y para un mejor desarrollo del arte contemporáneo en la Comunidad Valenciana. Para combatir la injusta precariedad que padecen las/los artistas visuales, AVVAC, junto a la UNIÓN_AC, trabaja intensamente en avanzar hacia la creación de un Estatuto del Artista, que recoja sus derechos y los regule de un modo más equitativo.

Esta reivindicación histórica ha recibido recientemente un impulso, cuando el pasado 28 de diciembre de 2018, el Consejo de Ministros aprobó un Real Decreto-ley de medidas de urgencia sobre la creación artística, (http://www.congreso.es/backoffice_doc/prensa/
notas_prensa/61825_1536230939806.pdf) con las que se pretende garantizar un adecuado desempeño de la actividad artística, atendiendo a sus peculiares características, que la hacen merecedora de un régimen fiscal, laboral y de la Seguridad Social específico. Se pone de manifiesto de esta manera, la urgente necesidad de amplias reformas destinadas a superar la profunda crisis en la que sobreviven sus profesionales, donde las medidas hasta ahora aprobadas por el Gobierno, no serían mas que una pequeño avance para el sector, que, sin duda, desde AVVAC valoramos
positivamente, sobre todo por haber sido aprobadas por unanimidad de grupos políticos que componen el Congreso de los Diputados.
Lamentamos, por otra parte, que debido al adelanto electoral recientemente anunciado,
las 75 medidas recomendadas para su reforma hechas por el Congreso queden en suspenso, cuestión que deseamos no sea mas que un retraso circunstancial y momentáneo y que se pueda retomar el trabajo en esa dirección, tras los comicios.

Se comprende fácilmente (y más con este panorama) la importancia de dotar de formación legal relacionada con la actividad de las artes plásticas a los profesionales del sector, de modo que puedan desenvolverse legalmente de la mejor forma posible. Así, desde Artistes Visals de València Alacant i Castelló (AVVAC) se ha comenzado con este taller en Valéncia, un ciclo que en fechas próximas se repetirá en otras ciudades de la comunidad, entre ellas Alicante y Castellón.

Miembros de AVVAC visitan la Facultad de Bellas Artes de la UPV publicitando el curso. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

Miembros de AVVAC visitan la Facultad de Bellas Artes de la UPV publicitando el curso. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

AVVAC

Compromiso de Albert Girona con AVVAC

Comunicado de los Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

En un ambiente general de entendimiento y buena disposición, el pasado día 19 de septiembre de 2018, tuvo lugar una reunión con Albert Girona, secretario autonómico de Cultura y Deportes y Rafael Tormo y Lluci Juan, representantes del Grupo de Coordinación de Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló – AVVAC -.

En esta reunión se pasó revista a temas que desde AVVAC se consideran de urgente consideración y se barajaron diversas soluciones, haciendo entrega al secretario autonómico de un decálogo con las principales líneas de actuación y reclamaciones en las que la asociación viene trabajando.

Así mismo, se le entregó de nuevo en mano el comunicado enviado por AVVAC a la Consellería en 2015, donde ya se denunciaba la falta de valoración de los artistas visuales en la Comunidad Valenciana. En él se señalaba la marginación sufrida en la participación en iniciativas de cambio que se estaban poniendo en marcha. Expresamos, entonces y ahora, el malestar por la falta de consideración a la hora de hacer un amplio tratamiento del sector y que en ningún momento se ha contado con el colectivo, como ámbito de experiencia y amplia capacidad para aportar soluciones, señalando la ausencia de representación en la toma de decisiones a la hora de legislar, en especial en el Plan Estratégico de Cultura.

En este sentido, Albert Girona, en nombre de la Consellería, se comprometió a comunicar nuestras impresiones a la directora de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, como encargada de convocar la mesa sectorial, con el fin de que dispongamos de un ámbito apropiado para tratar nuestra problemática y reivindicaciones (estatuto del artista, participación en la toma de decisiones, plan estratégico, etc.)

También constatamos, como una de las tareas importantes pendientes de abordar la necesidad de que todas las entidades, públicas o privadas, que soliciten ayudas o subvenciones a la Administración Pública tengan como uno de los requisitos indispensables el cumplimiento del ‘Manual de Buenas Prácticas’ del sector. De este modo, se induciría a resolver uno de los males endémicos a los que las/los artistas nos enfrentamos día a día. Sobre este tema hay multitud de ejemplos: galerías que internacionalizan sus propuestas sin que los artistas tengan un contrato firmado, ayuntamientos que no pagan los honorarios de las exposiciones, concursos con cláusulas abusivas, etc.

Albert Girona manifestó, ante la situación expuesta, la voluntad de su departamento de respetar la representación de las/los artistas, asumiendo la necesidad de tender a la aplicación de las buenas prácticas en el sector. De este modo, se  comprometió  a estudiar fórmulas para solucionar el reciente conflicto planteado por AVVAC, al haber sido marginada su representación en el Consejo del IVAM, buscando fórmulas de inclusión de la representación profesional.

Igualmente y, también, respecto al IVAM, se acordó activar con celeridad la firma de un convenio que lleva atascado demasiado tiempo y que, entre otros asuntos, impide la entrada libre al museo de las/los artistas miembros de este colectivo profesional, dándose la paradoja de que pueden entrar al Museo Reina Sofía en Madrid o al Louvre en París, pero no al IVAM.

Por último, la representación de AVVAC comentó con el Secretario Autonómico la importancia capital que desde el colectivo concedemos a la elaboración del Estatuto del Artista, como medio de avanzar en la urgente mejora que requieren las condiciones de las/los artistas. En este sentido, nuestra asociación, como integrante de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC), informó que está trabajando en la elaboración de un borrador que recoja toda la compleja problemática del sector de las artes visuales y que sirva para implementar las recomendaciones aprobadas recientemente por el Congreso de los Diputados con respecto al Estatuto del Artista.

Desde AVVAC nos parece un avance esta reunión y celebramos la buena disposición encontrada en la representación institucional, si bien, tendremos que ir constatando paso a paso, que esta percepción se va plasmando en hechos.

Rafa Tormo, Lluci Juan y Albert Girona durante un instante de la reunión. Fotografía cortesía de AVVAC.

Rafa Tormo, Lluci Juan y Albert Girona durante un instante de la reunión. Fotografía cortesía de AVVAC.

AVVAC

 

 

 

Des-cerebrados

Las desafortunadas declaraciones aparecidas en el artículo publicado por el periódico Las Provincias el pasado día 1 de abril, bajo el título “Comisarios, los cerebros del arte” han generado un profundo descontento en el sector profesional artístico valenciano.  Los principales representantes del sector profesional de las artes visuales valenciano: la Asociación Valenciana de Críticos de Arte (AVCA) y la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC), han elaborado un comunicado-réplica a algunas de las ofensivas declaraciones que aparecen en dicho artículo, que reproducimos íntegramente en MAKMA:

RÉPLICA DE AVVAC Y AVCA A LAS DECLARACIONES APARECIDAS EN EL ARTÍCULO “COMISARIOS, LOS CEREBROS DEL ARTE”

Desde la Asociación Valenciana de Críticos de Arte [AVCA] y la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón [AVVAC], nos vemos obligados a responder a algunos de los comentarios que aparecen en el artículo firmado por Carmen Velasco y publicado por el periódico Las Provincias el pasado día 1 de abril, bajo el título ‘Comisarios, los cerebros del arte’. Estos comentarios no hacen sino poner en evidencia un notable desconocimiento de las más elementales nociones de las Buenas Prácticas Profesionales reconocidas para con los y las artistas, comisarios y curadores por todo el sector profesional de las artes visuales, así como la falta de respeto hacia el ejercicio del y la artista visual o de quién ejerce la crítica-comisariado de arte contemporáneo.

El enfoque que se da en el artículo a la relación comisariado-artista se caracteriza por una perspectiva desigual donde se perfila una total subordinación de la figura del artista a la del comisario. El punto culminante de este enfoque llega con la declaración de Juan Lagardera en la que afirma que “Estoy en contra de pagar a los artistas porque éstos se benefician directamente de la acción de ser expuestos en un espacio público. Si se paga, se adultera uno de los procesos más democráticos y libres que existe en el mundo del arte que es la irrupción del mercado”. Resulta sorprendente que a estas alturas un comisario que ha percibido dinero público en múltiples ocasiones por su trabajo niegue este derecho a las y los artistas, basándose en el supuesto beneficio de la visibilidad del que, en todo caso, también él participa. Además, con dicha afirmación también demuestra ignorar la estrecha relación que existe entre mercado, galerías, museos públicos y productores culturales, un entramado indisociable en el que no existen compartimentos estancos.

Este trasnochado punto de vista únicamente revela el nulo conocimiento del funcionamiento del mundo del Arte por parte del mencionado comisario, pues demuestra que no sólo desconoce el Manual de Buenas Prácticas Profesionales en las Artes Visuales, aprobado y consensuado por el Ministerio de Cultura y por todo el sector del Arte en el año 2008, sino que ignora que el propio IVAM firmó su adhesión a dicho Manual el pasado 10 de diciembre, en un comunicado público que se encuentra disponible en la web del Museo, comprometiéndose, entre otras cosas, a pagar a los y las artistas siempre que participen en una exposición, práctica que todos los Centros de Arte de excelencia del país vienen realizando desde hace años. Incluso el propio Defensor del Pueblo, Síndic de Greuges, instó hace meses a la Consellería de Turisme, Cultura i Esport a comprometerse con la firma de un contrato en toda relación entre artista y espacio de arte público, en el cual entre varios conceptos debía necesariamente figurar los honorarios del artista. Ante la inexistencia de un contrato y honorarios nos encontramos ante un claro caso de discriminación laboral, abuso profesional y deterioro del tejido artístico.

También se hace obligado recordar que la tarea que llevan a cabo los y las artistas constituye una labor de investigación, en muchas ocasiones inmaterial, que escapa a las leyes de mercado. Afirmar que “es el mercado quien debe aceptar o no a un artista” supone ningunear la labor no sólo de los y las artistas sino de quiénes ejercen la crítica y el comisariado, desplazándoles en su labor profesional en favor de los caprichos de quien puede permitirse el lujo de adquirir obras de arte. Y acudir a la falacia de que el mercado es democrático y libre es insostenible. Es por ello que el apoyo con dinero público a críticos, artistas y comisarios debe existir, puesto que es el medio para proveer a la sociedad un acceso democrático y libre a la cultura, del mismo modo que no dudamos en pagar a los y las empleadas públicas de la cultura en museos y universidades. Considerar que el o la artista es el único agente que no debe ser remunerado por su trabajo en una exposición pagada con dinero público es algo que, a día de hoy, nadie con sentido común y conocimiento del funcionamiento de un proyecto expositivo se atreve a defender.

Estos razonamientos, sumados al hecho de no encontrar a ninguna mujer comisaria en el grupo de entrevistados y a la sorpresa que nos causa la consideración de las y los artistas como incapaces de dirigir un proyecto expositivo, producir conocimiento y experiencias estéticas bien coordinadas o participar de las políticas culturales, nos mueven a mostrar nuestro firme rechazo ante este tipo de planteamientos que, a todas luces, se encuentran en vías de extinción.

Imagen publicada por Las Provincias para ilustrar su artículo "Comisarios, los cerebros del arte".

Imagen publicada por Las Provincias para ilustrar su artículo «Comisarios, los cerebros del arte».

NOTA: La imagen de cabecera corresponde a la inauguración de la exposición «Dueñas del arte», con su comisario Juan Lagardera y la concejala de cultura del Ayuntamiento de Valencia, Mª Irene Beneyto. AVCA y AVVAC denunciaron en un comunicado la gestión de ese proyecto.

La política cultural de Alicante en la diana

Las asociaciones de Críticos de Arte –AVCA- y de Artistas Visuales –AVVAC- de la Comunidad Valenciana queremos denunciar, de nuevo, la política que desde el Ayuntamiento de Alicante se está llevando a cabo en relación a su programación artística expositiva. Algo que llevamos tratando de mejorar desde julio de 2012, cuando una representación de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte [AVCA] se reunió con Concejal de Cultura -y actual Alcalde de la ciudad-, D. Miguel Valor Peidró, para solicitar que se aplicara el Documento de Buenas Prácticas en la realización de planes culturales que afecten a las salas de exposiciones y museos de la ciudad: designación de puestos de dirección, calidad de las exposiciones y artistas participantes… Hoy, casi tres años después, no se ha producido ningún cambio en este campo.

Esta falta de sensibilidad y dejadez evidencian el desinterés en cuanto a los planes culturales para Alicante, que se ve nuevamente agravado por la gestión de las exposiciones que se llevan a cabo en la Sala Municipal “Lonja del Pescado” y en especial por el Ciclo de Exposiciones “Arte último 21 días” promovido por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante en dicha sala municipal, con unos únicos comisarios que cobran por su labor -como debe ser- pero en desigualdad de condiciones para con el resto de todos los profesionales, tanto artistas como comisarios, de la provincia.

Recientemente se ha inaugurado dentro de este Ciclo, una exposición individual de uno de sus dos comisarios, en su también faceta de artista, como colofón de otras tantas actuaciones nepotistas, de privilegio, privanza y amiguismo. Estas muestras, recordemos otra vez, se realizan en un espacio público con dinero público, aportado por los impuestos de todos los alicantinos y alicantinas, por lo que la realización de una exhibición artística de uno de los comisarios en un espacio gestionado por ellos mismos, transgrede cualquier código deontológico profesional no solo en España, sino internacionalmente. La otra comisaria, en declaraciones públicas, pretende y aspira a hacer creer que es una práctica habitual en Nueva York, un punto totalmente incierto ya que, repitamos, esta actuación se salta todas las bases de las buenas prácticas profesionales.

El ciclo “Arte último 21 días” promovido desde la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, nació ya con polémica por la falta de presupuesto para abonar a los artistas su producción y su propiedad intelectual, lo que motivó que algunos de los seleccionados renunciaran a exponer en él y a nuestra denuncia pública como asociaciones que defienden los intereses del artista y del arte en general, ya que este tipo de actuaciones refleja la falta de valoración del trabajo del artista por parte de la institución que organiza la muestra. La polémica continuó alimentándose cuando, uno de los comisarios del ciclo, escribió en su columna de un diario local sobre sus propias exposiciones comisariadas, saltándose los mínimos exigibles en la ética profesional. Este hecho de nuevo motivó nuestra denuncia, no sólo de las asociaciones firmantes hoy aquí, sino que sea adhirió ante su gravedad el Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales, una institución de carácter nacional.

Tristemente, hoy, de nuevo, las asociaciones profesionales del sector de las artes visuales contemporáneas signatarias de esta carta, en el desarrollo de nuestra labor de protección de las artes, la cultura y el pensamiento, nos vemos obligados a manifestar nuestra discrepancia con el método de selección de las exposiciones y artistas, que sigue siendo fruto de unos criterios totalmente arbitrarios, subjetivos y unipersonales por parte de la Concejalía de Cultura, lo que no contribuye a la profesionalización del sector de las Artes Visuales en la provincia de Alicante.

A pesar de nuestra denuncia anterior y nuestra propuesta directa a dicha Concejalía para buscar una programación consensuada, en ningún momento se han abierto vías al asesoramiento, participación o colaboración de las asociaciones profesionales del comisariado y la crítica, a pesar de que Alicante cuenta con una gran cantidad de técnicos de este ámbito, muchos de los cuáles forman parte de AVCA, una asociación comprometida desde 1980 con el fomento de la investigación, cooperación y difusión artística, así como con la defensa de la ética profesional y la aplicación del Documento de Buenas Prácticas en el ejercicio de la profesión en todos los ámbitos artísticos.

Por todo esto, reiteramos nuestra denuncia por la actual situación de la programación municipal, mantenida por todos los alicantinos y alicantinas, ya que no está cumpliendo con los criterios básicos de ética, profesionalidad y respeto hacia el resto de profesionales y conciudadanos de Alicante. En este sentido, instamos también a la Diputación Provincial de Alicante a no destinar recursos económicos al apoyo de iniciativas artísticas y culturales impulsadas por el Ayuntamiento de Alicante u otros que no reúnan los requisitos de profesionalidad y buenas prácticas actualmente exigibles.

Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)
Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

Independencia y buenas prácticas para el IVAM

LA INDEPENDENCIA DE UN DIRECTOR DE MUSEO Y LAS BUENAS PRÁCTICAS

Las recientes polémicas desencadenadas por las decisiones de José Miguel García Cortés, tanto al respecto de la sala permanente para Miquel Navarro como por su decisión de anular las exposiciones programadas por Consuelo Císcar (al menos las que no hubieran sido aprobadas por el Consejo Rector), nos mueve a expresar nuestra perplejidad por las dimensiones que está alcanzando dicha polémica, que a nuestro modo de ver, está siendo orientada de una forma fuera de lugar.

Lo que salta a la vista en todo este proceso es la intromisión por parte de un Consejo Rector que fue reformulado el año pasado para que fuera únicamente integrado por políticos profesionales, como actualmente sucede, en lugar de expertos en Arte de reconocida trayectoria, que es lo que sería lógico. Esta falta de independencia, tanto del Consejo Rector respecto a los partidos políticos, como del director respecto al Consejo Rector, hace imposible entender un programa a medio/largo plazo para el IVAM, que de este modo está sujeto a los vaivenes de los resultados electorales, los intereses de partido y la instrumentalización más descarada.

Creemos que las argumentaciones del director del IVAM al respecto del caso de Miquel Navarro son completamente lógicas: la sala estaba prevista para la ampliación del museo, por lo que si no hay ampliación no hay sala, el escultor de Mislata ha estado presente en 49 exposiciones del IVAM y le han comprado dos instalaciones por valor de 1,2 millones de euros, por lo que no se puede decir que haya recibido un trato humillante, y finalmente en la Comunidad Valenciana hay más artistas aparte del mencionado, que también merecen ser promocionados y difundidos. Del mismo modo entendemos que lo más lógico para quien asumiera la nueva dirección del IVAM, después de Consuelo Císcar, era cortar por lo sano con las exposiciones apalabradas por ésta, para, en primer lugar, corregir la nefasta dirección del museo y, en segundo lugar, tener un mínimo margen de maniobra en la programación expositiva.

Es por eso que no entendemos que el debate no se centre en términos como la despolitización del Consejo Rector, la independencia del director del IVAM y el respeto a las buenas prácticas profesionales, puesto que gran parte de las polémicas como las surgidas con Uiso Alemany hubieran sido imposibles si se hubiera establecido una relación contractual con los artistas, como es de rigor en cualquier museo de excelencia, en lugar de llevarse a cabo de las maneras completamente faltas de profesionalidad de la anterior directora. El establecimiento de un contrato por escrito, el respeto a los derechos de autor y la contraprestación económica por los servicios prestados, son la base de una práctica institucional sana y democrática, y por lo tanto no entendemos, ni desde AVCA ni desde AVVAC, la renuencia de José Miguel García Cortés a pronunciarse a favor de las buenas prácticas profesionales y a comprometerse con ellas desde la dirección del IVAM, algo que el sector percibe como necesario si lo que se pretende es una sincera regeneración del panorama artístico de la Comunidad Valenciana.

Por lo tanto, animamos a la dirección del IVAM a defender su derecho a tomar las decisiones que considere oportunas y a seguir los pasos necesarios para conseguir un IVAM respetuoso con los profesionales y entendido democráticamente, ajeno a los intereses de ningún partido político, ya que estamos hablando de un museo que es de todos los valencianos.

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)

Becas para artistas Bilbao Arte 2015

Convocante: Fundación Bilbao Arte Fundazioa
Dotación: Varias becas de hasta 4.000 euros
Modo de presentación: Presencial o por correo postal
Plazo de admisión: hasta el 14 de noviembre de 2014

La FUNDACIÓN BILBAO ARTE FUNDAZIOA , en su deseo de potenciar la cultura e impulsar la producción artística de los jóvenes creadores, colabora con la FUNDACIÓN BILBAO BIZKAIA KUTXA BBK, en la edición de la presente convocatoria de becas para la realización de proyectos artísticos. Dicha convocatoria tiene como objeto la puesta en marcha de un programa de becas consistente en ayudas económicas y asistenciales para la realización de proyectos artísticos. La naturaleza de estas ayudas incluye cualquier disciplina artístico-plástica, tanto individual como grupal, cuyo compromiso sea el de ser realizada a lo largo del año 2015. En caso de incumplimiento de este compromiso por razones de causa mayor será potestad de la Fundación Bilbao Arte Fundazioa tomar la decisión que se estime conveniente al respecto. Su decisión será inapelable. Pueden presentarse a esta convocatoria todas las personas que acrediten una trayectoria artística y académica solvente con independencia de edad y origen. Solo quedan excluidos quienes hayan gozado de esta beca en los últimos tres años o quienes hayan disfrutado tres ayudas provenientes de esta convocatoria a lo largo de su existencia. La selección de los proyectos será realizada por los jurados designados al respecto por la propia Fundación. La composición de dichos tribunales se dará a conocer públicamente en la web de la Fundación Bilbao Arte Fundazioa una semana antes de la publicación de su decisión. Para la duración de los proyectos becados se estiman dos modalidades de tiempo que deberán ser explicitadas en la hoja de inscripción de los proyectos presentados.

  • de seis meses de duración, a escoger entre enero-junio y julio-diciembre.
  • de doce meses a partir de enero de 2015.

Tanto se solicite seis meses o un año de permanencia, las modalidades de las becas es de tres tipos:

A. BECAS DE PRODUCCIÓN CON CESIÓN DE ESTUDIO Dichas becas contemplan una ayuda económica y el uso de un Espacio de Cesión Temporal en la Fundación Bilbao Arte Fundazioa para proyectos que requieran, de manera justificada, la utilización de un estudio: pintores, escultores,…etc. Así mismo, las becas con cesión de estudio facultan no sólo el uso de dichos espacios sino también la posibilidad de acceder al resto de las infraestructuras de las que dispone el Centro en sus diferentes talleres de producción. La asignación de un Espacio de Cesión/ Estudio supone su uso continuado durante el periodo aprobado para la realización del proyecto. Una ausencia continuada e injustificada y/o la falta de aprovechamiento del estudio para el uso para el que ha sido concedido, implica la pérdida automática del espacio. Durante el período de realización de los proyectos aprobados en esta modalidad, los artistas seleccionados deberán mantener su residencia habitual en el entorno de Bizkaia. El incumplimiento de este requisito significará la pérdida inmediata de la ayuda y de los derechos que la misma reporta. Dicha cancelación supone igualmente la renuncia al uso de los materiales patrocinados por la Fundación Bilbao Bizkaia Kutxa así como el reintegro de las cantidades recibidas en materiales hasta el momento de cesar el uso del espacio. En esta modalidad se convoca un máximo de hasta quince becas. Los becados dispondrán de un estudio y contarán con una dotación económica de hasta 4.000 euros para los proyectos de carácter anual y de hasta 2.000 euros para los proyectos semestrales.

B. BECAS DE PRODUCCIÓN SIN CESIÓN DE ESTUDIO Dicha modalidad contempla la realización de proyectos cuya producción NO necesita el uso privado de un estudio, bien porque el/la socilitante posee su propio local de creación, bien porque la naturaleza del trabajo no hace necesario el uso continuado de un estudio como espacio de producción: fotografía, proyectos audiovisuales, trabajos de campo,… Los becados en esta modalidad utilizarán los diferentes talleres que posee la Fundación Bilbao Arte Fundazioa: grabado y serigrafía, nuevas tecnologías, escultura, construcción, fotografía, labotarios y plató de filmación. Los artistas seleccionados para las Becas de Producción tendrán a su disposición las infraestructuras de las que dispone el Centro así como el asesoramiento y coordinación, cuando fuera necesario, de los maestros responsables de Taller. Durante el período de realización de los proyectos aprobados en esta modalidad, los artistas seleccionados se comprometen a mantener un contacto periódico de al menos, una vez al mes con el tutor asignado para evaluar el seguimiento y el desarrollo del proyecto artístico. El incumplimiento de este requisito significará la pérdida inmediata de la ayuda y de los derechos que la misma reporta. En esta modalidad se convoca un máximo de quince becas, con una cuantía máxima de 4.000 euros cada una para la modalidad de un año de duración y de 2.000 euros para los proyectos a desarrollar en el plazo de seis meses.

C. BECAS DE COLABORACIÓN Los artistas becados en esta modalidad se comprometen a colaborar como asistentes de los maestros de taller con una dedicación de 4 horas diarias y un máximo de 20 semanales. Dicha modalidad contempla paralelamente el desarrollo de sus propios proyectos artísticos a lo largo de su período de colaboración. Los interesados deberán apuntar además de su trayectoria curricular y la especialidad en la que están interesados (nuevas tecnologías, gráfica o escultura), un proyecto para ser desarrollado a lo largo de su estancia en los talleres del Centro. En esta modalidad se convoca un máximo de tres becas, con una cuantía de 5.500 euros cada una y una duración única de once meses, del 15 de enero al 15 de diciembre de 2015. Dicha beca se hará efectiva en aportaciones mensuales de 500 euros. La falta de asistencia o el incumplimiento de las bases anularán automáticamente la percepción de la beca. Las becas de colaboración de esta edición son: A. Montaje de exposiciones y mantenimiento y asistencia al responsable del Taller de Construcción y Escultura; B. Colaboración en la edición de catálogos, comunicación y mantenimiento de la página web y las redes sociales y asistencia al responsable del Taller de Nuevas Tecnologías C. Catalogación e inventario de los fondos artísticos de la Fundación, colaboración en las actividades pedagógicas de la Fundación y asistencia al responsable del Taller de Grabado.

AYUDAS PARA ALOJAMIENTO Con independencia del tipo de beca que los solicitantes hayan pedido en cualquiera de las tres modalidades anteriormente expuestas, la Fundación Bilbao Arte Fundazioa establece la posibilidad de solicitar un máximo de 7 ayudas de alojamiento-residencia en vivienda compartida entre los artistas de la Fundación. El coste de alojamiento y gastos corrientes (seguros, agua, luz, wi-fi…), estimado en 200 euros mensuales por persona, será deducido de la cuantía de la beca. Este gasto deberá contemplarse en la hoja del presupuesto de necesidades materiales que se incluirá con la petición de la beca en las modalidades de Estudio y Producción. Para las becas de colaboración no se precisa presentar el desglose. A este respecto, en las solicitudes de las becas se hará preciso explicitar en un apéndice anexo a la misma las razones y necesidad de solicitar alojamiento. La concesión de la beca no conlleva el derecho a acceder a este tipo de ayuda al alojamiento dado que la limitación de los mismos tiene que ajustarse necesariamente a la demanda variable que pueda producirse. Dada la limitación de plazas, la Fundación escogerá las solicitudes atendiendo a razones de necesidad y lejanía.

DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR EN CUALQUIER MODALIDAD:

1. Los interesados en cualquiera de las tres modalidades deberán aportar un dossier del proyecto a realizar que contenga los siguientes apartados:

  • Breve explicación del proyecto sintetizada en 30 líneas máximo.
  • Imágenes, bocetos y trabajos realizados previamente que guarden alguna relación con el proyecto presentado.
  • Un currículum personal con los méritos académicos y profesionales (en el caso de grupos, se presentará los currículum de todos y cada uno de los miembros).

2. Todo tipo de documentación gráfica complementaria, catálogos, bocetos e imágenes que se estime oportuna y que ayuden a complementar la comprensión del proyecto.

EN LAS MODALIDADES DE ESTUDIO Y PRODUCCIÓN

3. Los solicitantes de la beca de cesión de estudio y/o beca de producción deben aportar un presupuesto estimativo de los gastos (impuestos incluidos) del material necesario para la realización del proyecto. Quedan excluidos de este concepto la compra de equipamiento que exceda de un 15% de la cuantía total de la beca. Otros gastos como viajes que tengan una relación directa con la producción del trabajo, dietas y subcontratas no podrán superar el 35% del presupuesto total aprobado. Se recuerda que los aspirantes que también demanden el uso de vivienda deberán consignar los gastos fijados en el punto D en el desglose de gastos. Ha de especificarse la duración del proyecto. Un año, de enero a junio o de julio a diciembre. Toda la documentación debe presentarse en los puntos 1 y 3 mecanografiada, en copia única en formato Din–A4 y en un CD aparte, ensobrado e identificado, en formato PDF. La documentación del punto 2 no es necesaria remitirla en PDF.

EL JURADO

  • El jurado para las modalidades Becas con Cesión de Estudio y Becas de Producción estará constituido por tres profesionales de prestigio reconocido en el mundo de la creación, formación, crítica y gestión artística. Su decisión será inapelable.
  • El jurado de las modalidades de Becas Colaboración y Becas Residencia estará constituido por el equipo académico de la Fundación Bilbao Arte Fundazioa. Su decisión será inapelable.

PRESENTACIÓN DE SOLICITUDES: Todas las solicitudes, para cualquiera de las modalidades, deberán ser entregadas en la Fundación o remitidas por correo postal a partir de la fecha de divulgación de estas bases y hasta las 20:00 h. del 14 de noviembre de 2014. En las solicitudes remitidas por correo será la fecha del matasellos la que testifique la presentación dentro de los plazos establecidos.

Imagen: estudio de Jørund Aase Falkenberg, artista residente en 2014
Más información, bases completas y ficha de inscripción

Donde habita el olvido

No es cierto que el poder corrompa. El poder, sencillamente, produce amnesia. Del mismo modo que la melancolía, hoy tipificada como depresión, fue una enfermedad corriente a  finales del siglo XIX, la no menos dañina amnesia política, o el olvido sistemático del que ciertos políticos hacen gala  será, con seguridad, una de las patologías características de finales del siglo XX y comienzos de éste. Un olvido selectivo y una falta de pigmentación sanguínea, que impide el rubor en situaciones vergonzantes, en las que un ciudadano normal parecería un crustáceo cocido, son los síntomas más evidentes de esta dolencia. Bajo esta óptica, por tanto, podemos comprender no solamente el sistemático incumplimiento de programas electorales por parte de los dos partidos que se alternan en el poder, sino las recientes declaraciones de Felipe Garín, director del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, el pasado 24 de junio en este mismo medio, las cuales son el motivo por el que se escribe este artículo.

Pero vayamos por partes. Sería terriblemente indecoroso señalar con un dedo acusatorio a cualquier persona cuyas acciones, palabras o sentimientos son producto de una enfermedad. Por no mencionar que olvidos, sean pequeños o grandes, tenemos todos: ¿quién no se ha visto nunca en la situación de apelar al donde dije digo, digo Diego? Sin embargo, lo que sí se puede hacer es argumentar y razonar, lo cual, si el sentido común imperara en las instituciones culturales  valencianas, tendría que ser la constante dentro del marco de una democracia plena y saludable, pero como ya se ha dicho en alguna otra ocasión recientemente, tenemos la cultura que tenemos (sic), y punto. Y si dicen las malas lenguas que falta comunicación entre las instituciones valencianas y los profesionales del sector del arte, habrá que hacer oídos sordos porque en realidad no hace falta, y es que ya hay una comisión científico-técnica que lo resuelve todo. Para mí, particularmente, el mero hecho de calificar de científica a una comisión encargada de dar el visto bueno a las exposiciones del Consorcio podría aparecer en una antología del dislate, pero nos estamos desviando del tema. El tema es que a estas alturas la comisión científico-técnica todavía no le ha explicado a don Felipe Garín cual es la diferencia entre pagar la producción de una pieza y ponerle un marco, y de que no hay argumento científico que sostenga que el único profesional que no debe cobrar por trabajar en un proyecto expositivo es el artista, como de hecho sucede, de modo que al parecer no sólo no hay comunicación entre el Consorcio y los profesionales del arte, sino que ni tan siquiera hay comunicación entre los propios integrantes de tan magna institución. A ver si un día de estos le explican que en la producción van incluidos todo tipo de gastos, honorarios del artista incluidos.

Porque el artista, y este es otro tema, no es exactamente un trabajador (sic). Al artista las obras le crecen en el estudio por generación espontánea. No son fruto de años de estudio y dedicación, las más de las veces pasando por la Universidad, y el alquiler del taller, los materiales frecuentemente costosos y las horas de trabajo físico y mental son pequeñas bagatelas que corren a cuenta de esa tía ricachona que cualquier artista que se precie tiene a la vuelta de la esquina, encantada de resucitar la antigua costumbre del mecenazgo. De modo que si cede para una exposición alguna de esas obrillas de poca monta que nada le han costado de realizar, pues que no se le suba el ego a la parra que todavía no ha llegado a la categoría de pintor normal. Los cuales habrá que suponer que son los que pintan las paredes de blanco, es decir, los auténticos profesionales.

Esto viene a cuento de que todavía recuerdo la alegría, no exenta de cierto escepticismo, con la que Nacho París, el anterior presidente de AVVAC, tras una reunión con Felipe Garín hará ya más de año y medio, nos transmitió a algunas personas la firme convicción que había mostrado el director del Consorcio respecto a la obvia obligación moral del pago a los artistas en las exposiciones, ejemplificando que a él mismo, tras dar una conferencia, le habían pagado con un libro, a lo que él se había preguntado dónde estaba el libro para pagar al electricista que fuera a su casa. Pero ya se sabe la epidemia que está asolando la política, haciendo estragos en los más inopinados recuerdos de nuestros dirigentes. Algunos de ellos olvidan incluso que su labor consiste en servir a la ciudadanía, y hay que recordarles que la tarea principal del Consorcio de Museos consiste en promover una política museística sostenible y de calidad, que para eso cuentan con un presupuesto de más de dos millones de euros, como se dijo en una rueda de prensa a principios de año. Por tanto, sostenible significa que apoyan y enriquecen el tejido cultural de la región, pagando a los profesionales por su trabajo y ofreciendo una programación expositiva de calidad, que es la única forma de que ese dinero público, de todos los ciudadanos, revierta en la sociedad.  Puesto que si priorizan la financiación privada de las exposiciones y no pagan a los artistas, la gran pregunta que a todos nos gustaría que nos respondieran es a qué pesebres van a parar tantos dineros, y en qué medida ese reparto beneficia a nuestra sociedad. Puesto que con unos presupuestos tan jugosos, y unos resultados tan magros, resulta como mínimo chocante la comparativa con el EACC de Castellón, el cual ha mantenido una política expositiva con unos estándares de calidad muy superiores a la del Consorcio, con una quinta parte de ese dinero y pagando a los artistas, por supuesto. Por no hablar de las maravillas que harían con ese mismo dinero al norte de los Pirineos.

Por otro lado, tengo que aclarar que jamás he puesto en duda la caballerosidad y gentileza, de la que puedo dar fe, de don Felipe Garín: con lo que tengo problemas es con su memoria. Es por eso que creo oportuno repetir, una vez más,  este tema hace tiempo superado, y es que el hecho de que los artistas cobren por su trabajo ya no es un tema de debate. Trabajar y no cobrar tiene un nombre, y es algo que, tras la Revolución francesa y la declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, se abolió, en Francia, en 1794, y no hay mucho más que decir al respecto. Quizás tan sólo haya que recordarlo.

Ernesto Casero es artista y miembro de la junta directiva de AVVAC

 

Art Dating2: mi selección (III)

Art Dating2. Tercera jornada

Tania Pardo con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Tania Pardo con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

ART DATING2 ha sido un evento con una gran implicación por parte de todos los asistentes, tuve el placer de participar junto con Beatriz Herráez, Tania Pardo, Rafael Doctor Roncero, Juan de Nieves y Nuria Güell  en la tercera sesión (28/05/14), donde se llevó a cabo una jornada intensa: escuchando, discutiendo y aportando a los artistas participantes toda la experiencia profesional con la máxima generosidad.

Nuria Güell con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Nuria Güell con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Las propuestas presentadas mostraban una gran variedad de entendimientos del arte contemporáneo.  La mayoría trabajos en proceso y en muchos casos más enfocados a dar respuesta a las estructuras propias de un master que al ámbito profesional, entre los cuales existían trabajos que mostraban un potencial muy interesante. Quisiera destacar el compromiso personal por parte de todos los artistas que participaron, como así se demostró en sus exposiciones y sobre todo en el dialogo, en el intercambio de opiniones, su gran atención, participación e interés.

Isidro López-Aparicio con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Isidro López-Aparicio con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Agradecido a SELECTA’14, a AVVAC y a MAKMA paso a comentar algunos de los proyectos:

Gil Gijón
El trabajo de Gijón presenta un gran interés cuando juega con lo insignificante y con el factor tiempo. Y más interés se manifiesta cuanto más presente está el paso del tiempo de forma lenta y este participa en la creación de la propia obra. Este aspecto debe de manifestarse con contundencia para que su obra se defienda más allá de la correcta habilidad para concluirlas formalmente.
Lo insignificante, la utilización del polvo, que se barre y desprecia, como parte fundamental de la obra, dignificado en elementos de dibujo o escultóricos generan unas propuestas más que interesantes. Pero sin lugar a dudas son sus planteamientos de base los que le pueden permitir el desarrollo  de una obra sistematizada y profesional.

Gil Gijón. Retrato de polvo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Gil Gijón. Retrato de polvo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Enrique Campayo
Desde su preocupación actual por lo hibridación de los distintos medios y la importancia del proceso, trabaja con la distorsión de la imagen en el escáner junto a propuestas de video. Pero es en la pintura donde muestra una obra más armada y sólida, ya sea con la incorporación del “ruido” como interferencia en la imagen final como en los dípticos en los que el silencio y el reposo dialoga con propuestas más dinámicas propias de su proceso técnico-formal.

Enrique Campayo. La realidad del artista, 2013. Imagen cortesía del artista.

Enrique Campayo. La realidad del artista, 2013. Imagen cortesía del artista.

Toni Signes
Muchas de las propuestas analizadas, versan sobre temas en muchos casos tan genéricos que hacen dudar de la autenticidad de las propuestas y la vinculación real del artista a su obra. Este no es el caso de Toni Signes pues planteaba la propuesta generada a partir de su propio contexto, vivido y “sufrido” en la Comunidad Valenciana. Su propuesta parte de un estudio pormenorizado de los acontecimientos reflejados en la prensa sobre la actividad cultural local, sus vínculos y relaciones. La visualización en forma de esquema que teje una red de influencias y clarifica al espectador lo que ha acontecido genera una obra artística que amplía el público y a partir de la “denuncia didáctica” a toda la ciudadanía. Quizás, lo más interesante de su obra es cuando aparece la ironía como elemento fundamental y son esos fakes de cartas infantiles enviadas a la anterior directora del IVAM, donde se encuentra uno de sus grandes potenciales aún por explotar.

Toni Signes. L'espoli, 2014. Imagen cortesía del artista.

Toni Signes. L’espoli, 2014. Imagen cortesía del artista.

Sabela Zamudio
Sabela demuestra una gran cantidad de recursos a la hora de cosificar su obra compleja, a partir de la construcción o manipulación de relatos en la prensa, y en concreto a partir de las publicadas sobre una persona integrante en la banda terrorista Resistência Galega.
Cosidos, trenzados, recortes de prensa, cuadernos, lienzos… construyen un proyecto formalmente bien estructurado. Quizás excesivamente formal, dejándose ver en sus palabras que la utilización de su propia intuición, que le permita alejarse del peso de las apariencias contemporáneas dará lo mejor de su trabajo.

Sabel Rial. Conservar la calma, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Sabel Rial. Conservar la calma, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Judith Álvarez García
Una propuesta interesante basada en los embargos inmobiliarios, proyectada a partir de una plataforma en la red que da acceso a lo que sería un espacio de encuentro, un foro de los afectados y personas sensibilizadas donde poder compartir, información y construir una comunidad. Todo esto viene acompañado de toda una campaña de imagen que permite identificar esta tragedia social.
El proyecto esta elaborado cuidadosamente, pero esto no quita el que haya cuestiones fundamentales que deben de abordarse para que sea un proyecto coherente conforme a su carácter comprometido socialmente. Pues una plataforma como esta necesita tener un carácter sostenible que asegure los tiempos propios de la creación de una red, el compromiso implica evaluar muchos aspectos más allá de las apariencias para pasar a implicarse en aspectos humanos cercanos a la realidad, no solo construyendo sino dinamizando la construcción de esta red.

Judith Álvarez García. Cabreo, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Judith Álvarez García. Cabreo, 2013. Imagen cortesía de la artista.

Otros participantes de la sesión, con los cuales no todos tuve el placer de entrevistarme, fueron Carmen Jimenez Suero, Mery Cortel, Gaby Gallego y en particular hubiera estado muy interesado en establecer un dialogo con Ernesto Casero, Juan A. Cerezuela, Luis Lisbona y especialmente Greta Alfaro pues sus dosieres despertaron en mí un gran interés, tanto por cierta empatía ante sus propuestas como por el potencial y profesionalidad de sus trabajos.

Juan de Nieves con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Juan de Nieves con una participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Rafael Doctor Roncero con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Rafael Doctor Roncero con un participante en la tercera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Isidro López-Aparicio

Art Dating2: mi selección (II)

El pasado 29 de mayo fui invitado a participar en la segunda sesión de Art Dating 2014, una cita organizada por la AVVAC y el Master de producción Artística de la UPV para conocer de primera mano el trabajo de artistas de muy diferentes disciplinas, y generar un diálogo enriquecedor y de intercambio entre los profesionales asistentes.

Javier Martín-Jiménez con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Javier Martín-Jiménez con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

De los catorce artistas participantes en esta sesión, presento a continuación una selección de los proyectos artísticos:

Aris Spentsas
En los últimos años, Aris Spentsas ha desarrollado una investigación basada en la práctica y la reflexión. En sus proyectos propone un diálogo directo con el espectador, como en la instalación audiovisual “Háblame”, donde invita al público a subir a una escalera en medio de la sala e interactuar con él y con otros visitantes de la instalación; o en otras propuestas como “De cuerpo a cuerpo” ó “Mesa redonda para artistas”, acciones realizadas en espacios públicos, donde ese diálogo es sólo posible con ayuda de los espectadores que actúan como “mensajeros” de conversaciones entre artistas. En definitiva, busca crear una experiencia de diálogo creativo.

Aris Spentsas. Háblame, 2013. Instalación audiovisual monocanal. Escalera, video proyección y auriculares. Imagen cortesía del artista.

Aris Spentsas. Háblame, 2013. Instalación audiovisual monocanal. Escalera, video proyección y auriculares. Imagen cortesía del artista.

Rosana Sánchez Rufete
Su investigación gira siempre entorno al espectador-participante de sus propuestas artísticas, pues espera siempre una reacción. De hecho, sus piezas deben ser “activadas” por los espectadores, que son los actores de unas “performances” programadas por la artista. De esta manera, rompe las concepciones clásicas del arte, donde el objeto artístico, además de ser elaborado con materiales cotidianos (como bolsas de plástico unidas entre sí e infladas), puede ser manipulado por el espectador en propuestas lúdicas que juegan en muchos casos con el absurdo.

Rosana Sánchez. Monkey see, Monkey do, 2014. Hinchable, ventilador, dos personas. Performance, La Capella Barcelona. Colaboración con Aris Spentsas. Imagen cortesía de la artista.

Rosana Sánchez. Monkey see, Monkey do, 2014. Hinchable, ventilador, dos personas. Performance, La Capella Barcelona. Colaboración con Aris Spentsas. Imagen cortesía de la artista.

Guillem Juan Sancho
El dibujo, con líneas de diseño arquitectónico y un claro componente futurista (aunque con una extraña presencia del tiempo pasado), es la herramienta de Guillem Juan para inventar otras realidades. Los prototipos que proyecta se superponen creando varias capas de posibilidades arquitectónicas, como diferentes mundos que se mezclan en el espacio, como si hubiera varias dimensiones. Son estructuras aparentemente sólidas y frías, pero en cualquier momento pueden caer y romperse como el cristal.

Guillem Juan Sancho. Serie heterotopías nº 01, 2014. Lápiz, rotulador permanente, acrílico y vinilo sobre papel Lithographic 270 gr. 48,5 x 40 cm. Imagen cortesía del artista.

Guillem Juan Sancho. Serie heterotopías nº 01, 2014. Lápiz, rotulador permanente, acrílico y vinilo sobre papel Lithographic 270 gr. 48,5 x 40 cm. Imagen cortesía del artista.

Agnès Ricart Gregori
Las acuarelas o pinturas de Agnès presentan escenas “difuminadas”, normalmente con presencia de uno o dos personajes. Digo “difuminadas” porque de un primer vistazo no se puede descifrar lo que se está viendo. De hecho, se crea una complicidad con el espectador ya que éste tiene que completar la escena, buscando esos elementos que faltan para dar una explicación a lo que está sucediendo allí. Los personajes muchas veces no tienen rostro, y los colores y el paisaje donde desarrollan su acción transmiten una sensación de tranquilidad o cotidianidad. Pero siempre queda una incertidumbre relacionada con la escena.

Agnès Ricart Gregori. Neu, 2013. Acuarela sobre tabla. 9x9cm. Imagen cortesía de la artista.

Agnès Ricart Gregori. Neu, 2013. Acuarela sobre tabla. 9x9cm. Imagen cortesía de la artista.

Eva Caro con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Eva Caro con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Jorge Sebastián con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Jorge Sebastián con una participante en la segunda jornada de Art Dating2. Foto: Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

 

Javier Martín-Jiménez

Art Dating2: mi selección (I)

Art Dating2. Primera jornada

Álvaro de los Ángeles con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Álvaro de los Ángeles con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Inmersos en la segunda edición de Art Dating, organizado por AVVAC y el Master
de producción artística de la Universitat Politècnica de València, el miércoles 28 de mayo tuve la oportunidad de pasar un día completo en OctubreCCC. Por la mañana, entre las 9’30 y las 14’30, visionando el trabajo de varios estudiantes del Master o artistas jóvenes asociados a AVVAC que se habían inscrito, y entre las 18’00 y las 20’30 en una mesa redonda donde se debatió sobre las enseñanzas artísticas en el ámbito universitario.

Lorenza Barboni con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Lorenza Barboni con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Las conversaciones con los estudiantes y artistas, y el visionado de sus portfolios y obras, fue muy positiva y enriquecedora. La heterogeneidad de los proyectos es un claro reflejo de lo que supone el arte contemporáneo, donde siguen estando latentes los asuntos a propósito de la técnica y el concepto, como si ambas cosas todavía pudiéramos deslindarlas a modo de territorios independientes. Pese al tiempo que pasamos allí juntos, sólo tuve la oportunidad de entablar conversación con ocho de los 14 convocados. Paso a relatar algunas impresiones a propósito de sus proyectos.

Pedro Vicente con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Pedro Vicente con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Manolo Sebastián realiza una pintura vinculada al paisaje no sólo desde el punto
de vista temático, sino también desde la experiencia. Es un pintor de campo,
que necesita sentir la presencia de aquello que pinta, pues según sus palabras,
pintar a partir de una fotografía le quita a la pintura gran parte de su esencia.
Estuvimos hablando sobre la importancia del concepto en el arte contemporáneo, la imposibilidad de evitar enfrentarse a una actitud no meramente técnica, sino también de recorrido conceptual.

Marisol Salanova con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Marisol Salanova con una participante en la primera jornada de Art Dating2. Foto: Lola Calzada. Imagen cortesía de AVVAC.

Andrea Pastor realiza obras con pasta de papel donde experimenta con la
inserción de materiales muy diversos, como acrílico, resina y otros tipos de
celulosa, generando composiciones abstractas que evocan sedimentos, capas
de información y tiempo. También surgió la cuestión del concepto adosado a
la técnica, la necesidad del relato en el arte contemporáneo que posicione su
capacidad técnica.

María Barrachina combina el trabajo pictórico en objetos con el realizado en
espacios públicos, murales y grafitis donde los motivos centrales son los animales y su interacción con los humanos. Destacan, desde mi punto de vista, las pinturas pequeñas sobre soportes naturales, como secciones de ramas de árboles, de aspecto similar a los camafeos y en especial la pieza Caracoles. En ésta, la artista ha transferido retratos de antepasados sobre las conchas de varios caracoles previamente lavadas; los caracoles son devueltos a su hábitat “cargando” con los retratos.

Juan Carlos Rosa Casasola. #BestSeller XXII, Acrílico, spray e impresión digital sobre papel sobre lienzo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Juan Carlos Rosa Casasola. #BestSeller XXII, Acrílico, spray e impresión digital sobre papel sobre lienzo, 2014. Imagen cortesía del artista.

Juan Carlos Rosa Casasola plantea un debate interesante entre opuestos. La privatización del espacio público y la evidente publicidad de nuestra privacidad. Para ello realiza una serie torrencial de trabajos que desde diferentes aspectos y con lenguajes también diversos plantean cuestiones sobre la importancia de estos opuestos. Intervenciones en bibliotecas públicas, donde los libros son sustituidos por ropa; fotografías realizadas con su móvil situando armarios con ropa en el espacio público; dibujos y pinturas sobre esta temática… Todo ello tendente a alertarnos del cambio de paradigma en el que nos encontramos.

Juan Carlos Rosa Casasola. Everybody wants an iPhone XXVI, impresión digital en papel, 2013. Imagen cortesía del artista.

Juan Carlos Rosa Casasola. Everybody wants an iPhone XXVI, impresión digital en papel, 2013. Imagen cortesía del artista.

Meritxell Quevedo presenta un libro de fotografías realizada con una cámara de
medio formato que permite varias exposiciones por negativo, convirtiendo cada
imagen en un escenario de superposiciones físicas y de sentido. Está centrada en analizar lo femenino desde diferentes posturas, desde la tradición rural de algunas mujeres de su Cantabria natal, hasta la presencia de la objetualidad de lo femenino en las fotografías y textos de los medios de comunicación.

Raquel Planas desarrolla un proyecto de gran sensibilidad plástica y conceptual a partir de la enfermedad de Alzheimer de su propia abuela. La serie “(hu)ecos
del presente” es una serie de seis dibujos sobre papel realizados con el punteo de agujas sobre la superficie. Cada dibujo representa el retrato de su abuela en un año, desde el 2009 hasta la actualidad, y conforme avanza la enfermedad, el retrato muestra más y más agujeros que van tornando el dibujo en algo ya informe. La sutilidad de su planteamiento también se observa en otras obras (un vídeo y obras escultóricas) y en el proyecto ideado para finalización del master, donde la vida diaria se mezcla con aspectos extraordinarios.

Raquel Planas. Fotograma de Casimira, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Raquel Planas. Fotograma de Casimira, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Raquel Planas. Fotograma de Casimira, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Raquel Planas. Fotograma de Casimira, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Tana Garrido es una cineasta que plantea cuestiones a propósito de los lenguajes cinematográficos y su vinculación con la experiencia personal. El video 2ha presenta la alternativa de un agricultor que ha decidido vivir de sus dos hectáreas de tierra. La pieza tiene dos partes diferenciadas que la convierte en un hallazgo de gran interés. Una primera claramente más documental, de presentación del personaje; y una segunda donde los planos muestran una cierta distancia, tanto en el tratamiento del paisaje como en el propio protagonista que, a la postre, es el padre de la autora. Referencias al nuevo cine y al cine-ensayo en su versión más poética, y vinculaciones a la biografía, aspecto que lo sitúa en el intersticio entre cine y arte visual.

Tana Garrido, Fotograma de 2ha, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Tana Garrido, Fotograma de 2ha, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Tana Garrido, Fotograma de 2ha, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Tana Garrido, Fotograma de 2ha, 2014. Imagen cortesía de la artista.

Laura Yustas tiene un texto editado a modo de fanzine titulado “Por un hueco”
que narra su experiencia con los ratones que “habitaron” su piso por un tiempo.
El texto tiene calidad y resuenan los ecos del relato Casa tomada de Julio Cortázar. Su trabajo artístico está claramente vinculado al análisis, en la tradición del arte conceptual y la crítica institucional de primera generación. Participa asimismo en la actualización de estos grandes roles, pues su labor se realiza de forma individual, pero también desde la colaboración en varios colectivos. Destacan dos: Las posterioris y El Col·lectibo. El primero plantea en formato blog todo tipo de registros posibles de acciones y performances: la narración de la acción, los dibujos rápidos, a modo de los realizados en los juicios donde no se permite la entrada de cámaras, gifs animados, taumátropos… El blog va compilando una serie de acciones y el modo alternativo de nararlas y registralas. En El Col·lectibo, la dedicación va más encaminada a la gestión cultural, en especial también atendiendo a lo preformativo y las acciones, destacando la organización del festival de arte de acción Farts.

Álvaro de los Ángeles