El artista en aislamiento (II): ÓS GAT

#MAKMAEntrevistas | El artista en asilamiento (II)
Ós Gat
Miércoles 27 de mayo de 2020

Un día más es un día menos. Así, aunque cada vez parece estar más cerca la puerta de salida, el aislamiento ha puesto en nuestro interior todo tipo de sensaciones y emociones que hierven con más intensidad a cada día que pasa. Estas sensaciones no son más que respuestas que muchas veces no sabemos o no somos capaces de descodificar. Y no es de extrañar: la fascinación de vivir una hiperrealidad ha hecho olvidarnos de nuestra realidad interior, que muchas veces pide ser escuchada.

Y ¿qué mejor forma de descifrar estos mensajes que el arte, acostumbrado a deambular entre nuestras preocupaciones y tratar de darles forma y sentido? Para ello, desde Makma, nos hemos puesto en contacto con Ós Gat, una joven ilustradora valenciana de 21 años, estudiante de Bellas Artes, que bajo su seudónimo realiza un arte muy personal e intimista que está triunfando en las redes sociales.

Después de la primera entrega de ‘El artista en aislamiento‘ en el que explorábamos el mito del artista que trabaja encerrado en su estudio, nos sentamos a charlar telemáticamente con la joven ilustradora para ver cómo es su actividad creadora y cuáles son sus reflexiones acerca del arte.

‘Tirachinas’, de Ós Gat.

La figura de Ós Gat nació en la calle realizando graffitis por los rincones de Valencia y, aunque hoy se dedique al arte digital, añora sus inicios como artista urbana en los que su estudio no estaba encerrado entre cuatro paredes, ya que, como asegura, es una experiencia totalmente diferente: “tienes otros tiempos, a veces tienes que ser rápida, no es como estar en casa, que te puedes tomar las cosas con calma. Además, hay muchos factores externos que intervienen en el proceso de una forma u otra, como el tiempo, la superficie, la gente, etc. Pero al final eso es lo que lo hace interesante y diferente, no lo tienes todo tan controlado y los resultados son muy diversos.”

A día de hoy acostumbra a trabajar en la intimidad de su habitación, lugar donde se siente más cómoda y a gusto para liberar sus pensamientos y sentimientos, confirmando el mito del artista que se aisla en su estudio refugiándose del mundanal ruído. En este sentido, el confinamiento por el que atravesamos no le ha supuesto ningún obstáculo para continuar con sus ilustraciones.

Sin embargo, sí que ha incidido en ellas, al causar ciertas sensaciones en el interior de la artista: “Al principio me generó un poco de ansiedad, me agobiaba sobretodo la incertidumbre de no saber qué iba a pasar. Luego se fue pasando esa sensación de angustia, pero la incertidumbre sigue ahí. En mis ilustraciones casi siempre se refleja cómo me siento, y de una forma u otra, en las que he ido realizando desde que empezó la cuarentena se puede apreciar esto.”

‘Apretada’, de Ós Gat.

En sus dibujos resaltan los colores pastel sobre un fondo blanco y el uso de metáforas, frases hechas y juegos de palabras, de forma que simpatizan y conectan fácilmente con el público. Así, ha creado todo un universo onírico donde conviven humanos, plantas y animales, que a veces se entremezclan originando criaturas fantásticas, manifestando la relación orgánica entre el ser humano y la naturaleza.

Las cariñosas formas y colores seducen rápidamente al espectador que, al realizar una segunda lectura, se topa con un mensaje crítico, algunas veces directo y conciso, pero otras sutilmente sugerido que, junto con los recursos textuales, impregnan las ilustraciones con tintes poéticos. El feminismo se alza como uno de los pilares fundamentales de su obra, en la que constantemente cuestiona los roles de género y los estereotipos establecidos. Así, muchas veces, encontramos personajes transgénero o andróginos que invitan a un debate sobre el concepto de identidad.

‘Crece’, de Ós Gat.

Pero también reflexiona acerca de la identidad propia: la reivindicación del amor propio como mujer se hace presente en todas las ilustraciones. “Es fundamental incluir el feminismo en el arte, no solo por la visibilización que da, sino también por el hecho de ocupar espacios donde hasta hace relativamente poco no se han podido tratar estos temas y se ha invisibilizado a las mujeres”, asegura. “Hay que reclamar los espacios que se nos han negado durante años.”

‘8M’, de Ós Gat.

El ecologismo, la relación del ser humano y su entorno, es otro de los temas que trata la artista. Considera que “hay que ser críticos con los problemas que sufrimos hoy en día, y el arte es una buena forma de darles voz y visibilidad.” Sin embargo, tammbién esclarece que la protesta en el arte no es una obligación: “no todo el arte debe tener esa función, el arte por el arte, simplemente la función estética y otras temáticas no reivindicativas me parecen perfectamente válidas y las disfruto igual.”

En este sentido, antes que por su reivindicación, las ilustraciones de Ós Gat destacan por la expresividad de sus pensamientos y emociones. Ella misma nos explica: “considero que mi obra sí debe tener el compromiso de ser consecuente con los temas que creo importantes, y por tanto verse reflejados en ella. Pero puede que sea porque las ilustraciones que hago son muy personales y mi manera de pensar va implícita en ellas.”

Sus ilustraciones son un espejo, un espejo del alma en el que la artista cristaliza sus pensamientos y esculpe su ámbito emocional con absoluta sinceridad. “En ellas pretendo representar emociones y sentimientos, reivindicando su expresión de manera pública en una sociedad que nos priva de mostrarnos tal y como somos.”

‘Rapada’, de Ós Gat.

Muchas veces, por miedo al que dirán, tendemos a guardar nuestros sentimientos y emociones en nuestro interior, como si se tratasen de un objeto viejo preciado del que no queremos deshacernos, pero no encontramos un lugar para él, dejándolo arrinconado acumulando polvo. De alguna forma, Ós Gat, a través de sus ilustraciones, les quita el polvo y los ilumina, encontrándoles un sitio donde exponerlos. Y es que el aislamiento emocional, con el paso del tiempo, resulta más violento que el aislamiento físico.

Porque no hay duda que el arte es un lenguaje, incluso uno de los más eficaces a la hora de expresar los sentimientos y emociones y así lo testifica la joven ilustradora: “me permite expresarme de una forma que, de no ser así, a veces no sabría cómo verbalizarlo.”

‘Siempre bien’, de Ós Gat.

A través de sus obras, la ilustradora realiza un profundo ejercicio de introspección. Coloca la oreja en su vientre, corazón y cabeza, y se escucha a sí misma; voltea los ojos hacia dentro y se observa. Y después de un viaje navegando por sus entrañas, vuelve al lápiz para plasmar aquello que ha visto y escuchado.

El arte es casi una excusa para poder expresarse y conocerse, incluso, nos comenta: “No me gusta definir lo que hago como arte, me parece un poco pretencioso. Aún estoy formándome y aprendiendo.” Aunque prácticamente nadie dudaría de su cualidad artística, la obra de Ós Gat destaca por la honestidad y la fidelidad consigo misma que desprende.

‘Discomfort zone’, de Ós Gat.

Probablemente, la búsqueda de sinceridad que transmite ha hecho que su obra goce de gran popularidad en una red social como instagram. Y es que ¿hay algo más auténtico que ser fiel a uno mismo? “Mi intención a la hora de hacer las ilustraciones es expresarme. Son para mí, y luego las comparto. Era así al principio cuando no las veía nadie y lo es también ahora.”

Pau Tronch.

Né per stile, né per fama, né denaro

Parlem d’Art 2019: ‘Né per stile, né per fama, né denaro’
Facultat de Geografia i Història. Universitat de València
28 de noviembre de 2019 a las 16:00

València ha sido el escenario de encuentro para esta pareja de artistas noveles y el arte ha sido el motivo que los ha llevado a encontrarse. Ambos cursan el Grado de Historia del Arte de la Universitat de València; Roberto Riccardo Alvau (Sassari, Cerdeña, 1996) y Zixin Liu (Zhengzhou, China, 1997) destacan la importancia que ha tenido para su producción el creciente panorama artístico que ofrece la ciudad del Turia.

Su formación en Historia del Arte ha sido clave, y les ha permitido aproximarse al arte desde una perspectiva más teórica que práctica, aprendiendo y reflexionando sobre qué es el arte o qué es ser artista, para, con ello, atreverse a actuar como tal. Alvau ya se había adentrado en la producción artística antes incluso de ingresar en la universidad, pero, sin duda, el hecho de encontrar a Zixin ha fomentado esta faceta. La obra de estos dos artistas emergentes se relaciona intrínsecamente con la necesidad espontánea de transcribir los sentimientos derivados de sus vivencias personales, especialmente ligadas al hecho de venir de fuera de España.

Zixin Liu junto a su obra. Fotografía cortesía de la artista.

Zixin Liu ha trabajado transformando materiales diversos: desde telas, hilaturas o plásticos en soportes clásicos como el lienzo, dando como resultado obras en las que la abstracción se adueña y apodera del proceso artístico. La artista destaca que el aislamiento ha sido el empuje que le ha llevado a volcarse en el arte. Además, el mundo artístico le ha permitido poder conocer a otras personas que se encontraban en su misma situación y que, como ella, venían de distintos lugares del globo. En su caso, la soledad, el aislamiento o la desubicación que viven aquellas personas que llegan a un nuevo lugar ha podido, si bien no ser superada, al menos, ser canalizada y exteriorizada a través de la obra de arte, dándole un sentido y una forma.

El resultado de estos procesos de canalización son piezas que en las antípodas de lo figurativo evocan a la abstracción más absoluta, extracto de aquello que subyace de forma inconsciente en la abstracción frente a la figuración. Uno de sus referentes chinos más importantes ha sido Cai GuoQiang, quien ha trabajado con materiales de la tradición china, como es el caso de la pólvora, aplicada en todas sus formas posibles, atrincherándose, con ello, frente a la intromisión del arte occidental en el continente asiático.

Alavau, por el contrario, desde una perspectiva más clasicista, busca sus referentes en la figura humana, la cual transforma, descompone, parte o deforma. Inserto en el proceso artístico, se sumerge, también, en la inclusión de textos escritos, especialmente de prosa y poesía, cuyas procedencias son diversas y que son utilizados ya sea en forma de collage o dibujados por él mismo. Su obra puede insertarse dentro de la corriente neoexpresionista del arte, pues su cultura, la italiana, ha sido una continua fuente de inspiración.

Es por ello que destaca el hecho de encontrarse lejos de su isla, Cerdeña, ya que la mayoría de los sardos comparten un sentimiento de pertenencia propio muy arraigado. Desafortunadamente, la realidad artística de Sassari se encuentra bastante estancada y una de las pocas vías que los artistas locales han encontrado para manifestarse ha sido el arte urbano, siempre desde una perspectiva más clásica vinculada al grafiti. No obstante, Alvau enfatiza en el papel de María Lai, artista sarda que ha sido y es un importante ejemplo para el resto de artistas de la isla. 

En un proceso de búsqueda y aprendizaje constante, ninguno de los dos quiere ser etiquetado bajo una corriente concreta, pues su intención es seguir innovando y descubriendo nuevas formas, técnicas y materiales. Su último proyecto ha girado alrededor del arte urbano, aunque ninguno de los dos haya podido realizar más que alguna pequeña intervención en la vía pública; Alvau colocó una serie de lienzos secundarios en la calle, siendo el ciclo de vida de estas acciones sobre el espacio urbano efímero. Como artistas noveles valoran y aprecian las iniciativas que en este campo se están dando, como es el caso de CaminArt, Camins de Cultura i d’Art, empresa dedicada a servicios alternativos turístico-culturales y visitas guiadas para difundir y dinamizar el patrimonio histórico artístico y cultural de la ciudad de València, incluyendo el arte urbano.

Detalle de la obra de Zixin Liu. Fotografía cortesía de la artista.

La trayectoria de ambos artistas los ha conducido hasta Parlem d’art, proyecto de la Universitat de València que promueve el debate, la reflexión, la divulgación y el análisis sobre cultura contemporánea. Todo parte de una visita a Fanzara, pequeño municipio de Castellón, que cada año presenta uno de los principales festivales de arte urbano a nivel estatal. Fue allí donde tuvieron la suerte de conocer a Javier López, director del MIAU, el Museo Inacabado de Arte Urbano.

Esta institución partía de un movimiento social que fomentó la convivencia entre los vecinos y se convirtió en una experiencia colectiva de convivencia, colaboración e intercambio recíproco de aprendizaje entre artistas, vecinos, voluntarios y organizadores, todo a través del arte urbano. Javier López se mostró muy dispuesto a participar en estas charlas, junto a Jaume Gómez, miembro de INDAGUE, Asociación Española de Investigadores y Difusores de Graffiti y Arte Urbano, y Lidia Asensio, de la Universitat de València. En la próxima jornada participaran, además, varios artistas como Cuca, David de Limón, Disneylexya, Elias Taño y La nena wapawapa. 


Alvau y Zixin Liu aportan su granito de arena al panorama artístico valenciano y se suman a otras iniciativas que apuestan por acercar e introducir el arte urbano dentro del panorama académico. Esperan poder realizar futuros proyectos en esta línea y ya planean presentar su obra en el en el Centre Cultural La Nau, para 2020, visualizando una exposición con los artistas anteriormente nombrados y que incluya obras desde stencil con láminas, a performances o intervenciones sobre los muros de la propia sala de exposiciones.

Andrés Ávila

Teriomorfismo y ciberpunk en Plastic Murs

‘Real Fiction’, de Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual
Plastic Murs
Denia 45, València
Del 1 de febrero al 1 de marzo de 2019
Inauguración: viernes 1 de febrero a las 19:30

Es obvio que en la segunda década del siglo XXI, las nuevas expresiones del arte contemporáneo están consolidando un marco de actuación creativa, dejando atrás un modelo de modernidades que durante todo el siglo XX estaba asociado a los diferentes ismos. Todas las corrientes de ruptura del siglo pasado propusieron un esquema diferente de percepción de la realidad y, por tanto, de su representación. Pero nunca hasta ahora la libertad de interacción entre la creatividad artística, la realidad y la ficción habían sido tan activas y, por qué no, efectivas.

Imagen de la obra 'Hunch', del artista Deih, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Hunch’, del artista Deih, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Vivimos tiempos en que la actualidad hiperconectada nutre de forma inmediata la creación artística, dando como resultado nuevas tipologías de obras como las que componen esta exposición; obras que van desde las representación artística de un insider interestelar en la soledad de parajes deshabitados espaciales, hasta elementos de teriomorfismo, ciberpunk y post-pop, realizadas bajo una utópica realidad paralela e inquietante, plasmada por propuestas estéticas creativas que componen esta exposición, creada bajo tres manos que dibujan una alternativa ficción real.

Los potentes matices narrativos propios del cómic, manga y lowbrow, son las líneas gráficas elegidas con las que se encontrarán los visitantes de la exposición ‘Real Fiction’. En estos diferentes modelos de experiencia artística hay algunos que incluso no tienen razón de ser, si no es alimentándose del combustible temático del día a día existencial de la real ficción de los autores, encontrando la inspiración narrativa en los medios y la técnica en el histórico valor de la tradición gráfica oriental y occidental.

A su vez, sus creaciones artísticas nos devuelven la mirada, inundando nuestra consciencia de realidades nacidas de su ficción, reclamando en la composición de sus obras el poder de anticipación visionaria o el paralelismo residente en la obra representada de este hecho y que así lo confirma.

Imagen de la obra 'Creepy House', de Dhani Barragán, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Creepy House’, de Dhani Barragán, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Plastic Murs presenta un reflejo del momento creativo de las nuevas expresiones del arte contemporáneo, centrándose en un tándem que siempre ha disfrutado de mucho prestigio en la cultura valenciana: la ilustración y el arte urbano. Una propuesta que busca equilibrio y la contraposición, la posibilidad de disfrutar de una enérgica exposición de una forma única.

Forman este conjunto Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual, artistas que de una forma brillante, consiguen trasladar su estilo desde la hoja hasta el muro, pasando de la ilustración al dibujo, con una fidelidad que hace que sus obras sean perfectamente reconocibles por la gente que habita las ciudades y el “gran público virtual” que sigue a estos artistas a través de sus redes sociales.

La exposición ‘Real Fiction’ es un ejemplo de cómo el arte plural actual, lejos de buscar un nombre comercial con el que #etiquetarlo, desea acceder a la gran lonja del reconocimiento mundial por mérito propio, crear nuevos lenguajes más allá de ser un simple idioma.

Imagen de la obra 'Producer', de Jay Bisual, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Producer’, de Jay Bisual, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Deih (València, 1977), con un trabajo que habitualmente apunta hacia la representación icónica de un insider en un paraje interestelar, representando procesos, inquietudes y razonamientos, experimentados por el propio artista.

Dhani Barragán (Sevilla, 1989), con una estética lowbrow, elementos que evocan a la contracultura utilizando personajes que suelen ser animales personificados representados en forma de collage imposible, enmarañados y aparentemente desordenados, que esconden una orquestada harmonía lowbrow.

Jay Bisual (Vic, 1984), robots, calaveras y seres freaks que conviven en una especie de versión distópica de una neociudad, configurando un mundo psicodélico y surrealista, donde crea retratos distorsionados y con un toque de humor, mezcla de la realidad callejera y la ciencia ficción.

Fran Picazo

“Todos los personajes de mis obras están amenazados”

Dulk en ‘València en papel’
Plastic Murs
C / Dénia, 45. Valencia
Hasta el 16 de febrero de 2018

El arte urbano ha roto aguas para alumbrar una nueva generación de artistas que se manejan con igual soltura ante el muro de una fábrica abandonada que ante el lienzo o el papel. Las pandillas de adolescentes que garabateaban paredes con sus aerosoles desafiando a veces el control policial son hoy artistas de renombre internacional que exponen sus trabajos en salas de todo el mundo. Sin ir más lejos que al barrio de Russafa, en Plastic Murs podemos ver hasta el 16 de febrero una buena representación de los valencianos que más pintan en este aspecto: Deih, Dulk, Duke103, Dyox, Julieta XLF, Laguna626,  David de Limón, Mario Mankey, Miedo12, Napol TBS, Omega TBS, PichiAvo, Vinz Feel Free y Xèlon XLF.

Con algunas excepciones como la reciente exposición Joc de Vinz Feel Free en el Centro del Carmen, el encargo por parte del Ayuntamiento a PichiAvo del proyecto para la Ciutat Fallera o la elección de Escif para intervenir el muro situado en el solar del IVAM, la mayoría de ellos están más valorados fuera que dentro de nuestras fronteras. Un caso paradigmático es Antonio Segura Donat, Dulk que prepara ahora mismo un par de exposiciones colectivas en USA que se inaugurarán en febrero. Una en el Museo de Arte de Honolulúa de Hawai titulada The new contemporary art movement y otra en la Antler gallery de Portland. En diciembre de 2018 presentará en Los Ángeles su primera exposición en solitario.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Desde niño cuando ayudaba a su padre a cuidar a los más de 500 pájaros que éste criaba en cautividad se siente fascinado por los animales y empezó a dibujarlos tal como son y como él los veía en su imaginación. Empezó a estudiar Económicas pero la llamada de la selva pictórica era más fuerte, y hoy es Dulk es un artista gráfico todoterreno que ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Miami, New York, Vancouver, Brussels, Paris y Chicago.

Dulk contempla el mundo a  través de la mirada de un niño que crea tragicomedias cromáticas y alegorías de una extinción cada día más cercana. Su mundo surrealista esta lleno de detalles imaginarios e historias entre personajes que intentan escapar de una catástrofe inminente. Aunque prefiere trabajar en el estudio para tenerlo todo más controlado también necesita la calle para sentirse realmente libre.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Su personal estilo se mueve dentro del movimiento del surrealismo pop o lowbrow, término utilizado para describir un movimiento underground de arte visual que surgió en la zona de Los Angeles, a finales de los setenta también conocido como surrealismo pop.  Su evolución artística ha desembocado en un lenguaje plástico que permite al espectador dialogar con la obra y compartir con ella una historia abierta.

“Actualmente estoy centrado en el estudio de la fauna desde un punto de vista de observación e investigación. El año pasado fui a la selva de Costa Rica, el anterior a la sabana africana en Tanzania y acabo de visitar Yellowstone. Ademas de tomar miles de fotografías, me recreo observando a sus habitantes, cómo interactúan en el medio ambiente. En mis composiciones recreo ambientes biológicos envueltos en conceptos antagónicos. Me encanta interpretar y jugar con su anatomía, darles carácter y crear nuevos personajes a partir de ellos mismos”.

Dulk intenta captar el dominio que los humanos ejercemos sobre los seres vivos del planeta,  “cómo somos capaces de romper  las costumbres de las criaturas que lo comparten con nosotros en aras del poder que creemos tener sobre todo. Los personajes de mis obras están amenazados, muchas veces heridos y otras muertos, pero presentes en alma para conformar escenas llenas de sarcasmo. Intento capturar al espectador con una paleta agradable a la vista para, posteriormente sumergirlo en un trágico realismo escondido en un mundo ideal”.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Aunque en la Comunidad Valenciana no ha recibido todavía el reconocimiento que merece, opina que aquí “viven y trabajan algunos de los mejores muralistas del momento a nivel mundial. Hay mucha calidad ahora mismo y creo que estamos a la cabeza nacional si contamos el número de artistas trabajando a primer nivel. Deberíamos de tener mas apoyos y facilidades para potenciar el movimiento, aún así contamos con muy buenas escuelas, organizaciones y universidades implicadas y eso, junto con el indudable talento de los artistas hace que se vayan recogiendo frutos”.

Sobre el futuro del arte urbano le preocupa “que se convierta en una moda y eso entorpezca su evolución”. Aunque no está en contra de que los artistas invadan el espacio urbano con su arte  para compartirlo con la sociedad, ahora mismo ve “demasiado actuación en forma de tendencia”. Considera que a nivel nacional poco a poco el reconocimiento esta mejorando pero el camino a recorrer es todavía muy largo. “Conozco a mucha gente por todo el mundo y suelen interesarse por lo que ocurre en España al ver la cantidad de artistas punteros que tenemos. Es alucinante el nivel que hay en cada rincón del país, especialmente en nuestra Comunidad. Es una pena que no tengamos más reconocimiento”, concluye Dulk.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Bel Carrasco

Arte urbano ahora en papel

València en Papel
Deih, Dulk, Duke103, Dyox, Julieta XLF, Laguna626, David de Limón, Mario Mankey, Miedo12, Napol Tbs, Omega Tbs, PichiAvo, Vinz Feel Free y Xèlon XLF
Plastic Murs
C / Dénia, 45. València
Inauguración: viernes 15 de diciembre, a las 19.30h
Hasta el 16 de febrero de 2017

La exposición ‘València en Papel’ reúne a 14 artistas que han dejado su firma en las calles de nuestra ciudad, su trabajo ha trascendido los límites de la misma y puede encontrarse en muros de cualquier lugar del mundo.

Obra de Deih. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Deih. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Invitados por festivales de arte urbano repartidos por los dos hemisferios, sus obras se muestran en galerías, ferias de arte contemporáneo y museos. La escena del arte urbano y graffiti valenciano no tendría el reconocimiento y prestigio del que disfruta sin ellos.

Obra de David de Limón. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de David de Limón. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Deih, Dulk, Duke103, Dyox, Julieta XLF, Laguna626, David de Limón, Mario Mankey, Miedo12, Napol Tbs, Omega Tbs, PichiAvo, Vinz Feel Free y Xèlon XLF se apropian para la ocasión de los muros de la galería, mostrando una selección de obras en pequeño formato, bocetos, dibujos y pinturas sobre papel.

Obra de Duke. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Duke. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Integración social por el arte urbano

Arte urbano como herramienta de integración social, por Miguel Arraiz
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Martes 21 de marzo, 2017, a las 19.00h

El arquitecto Miguel Arraiz ofrecerá el martes 21 de marzo la conferencia ‘Arte urbano como herramienta de integración social’, en el Centre del Carme de Valencia. La charla se inscribe en el programa del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València ‘Art i ment’ y se realiza en el museo valenciano porque es la sede de la falla ‘Renaixement’, creada por este arquitecto y el artista fallero David Moreno.

La conferencia, que comenzará a las 19 horas y es de entrada libre, tratará sobre las posibilidades que ofrece el arte urbano, a través de la interacción de asociaciones y colectivos, y lo hará mediante ejemplos de colaboración concretos puestos en práctica por estas plataformas con grupos de jóvenes en riesgo de exclusión social y otras entidades, analizando sus resultados: sus éxitos y sus fracasos. Las nuevas tecnologías potencian las capacidades de las personas que disponen de mayores herramientas de integración social a través de la cultura.

El arquitecto Miguel Arraiz es fundador de Pink Intruder, la plataforma artística para la realización de intervenciones urbanas que desde el año 2000 ha planteado proyectos artísticos a través de la conexión de creadores de diferentes disciplinas e investigadores del arte público. El más reciente, la obra ‘Renaixement’, que fue expuesta en el desierto de Nevada en el Burning Man, un festival alternativo al aire libre, que comparte con las Fallas, el culto al fuego.

‘Renaixement’ sobrevivirá a la ‘cremà’ del día 19 y podrá contemplarse en el claustro gótico del Centre del Carme a lo largo del mes de marzo. Con las Fallas declaradas como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, el monumento es un homenaje a la Lonja.

El programa ‘Art i Ment’

‘Art i ment’ es un proyecto de intervención sociocultural promovido por el Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València. Se trata de un programa que une psicología, educación y experiencia estética para fomentar la autoestima, motivación, creatividad y sensibilidad artística en niños y niñas de 10 y 11 años, una edad muy importante para su desarrollo. El programa está siendo evaluado con test y entrevistas diseñados por profesionales. Todas las actividades son gratuitas y la matrícula se cerró rápidamente, un éxito que invita a su continuidad el próximo curso.

La puesta en marcha de este programa ha sido posible gracias a la Fundació General de la Universitat de València y a la implicación de varias entidades: Caixa Popular, Fundació Per Amor a l’Art, Fundación Antonia Mir, Berklee College of Music de Valencia, Facultat de Psicologia de la Universitat de València (Màster Universitari en Investigació, Tractament i Patologies Associades en Drogodependències), Conservatori Professional de Música de València, United Nations Office on Drugs and Crime, Associació ÀMBIT, Fundación por la Justicia, IVAJ (Generalitat Jove) y los colegios públicos Cervantes, Dr. Oloriz, Primer Marqués del Turia, Mestalla y Nuestra Señora de los Desamparados.

Miguel Arraiz junto a su pieza Renaixement. Fotografía: Noel Arraiz.

Miguel Arraiz junto a su pieza Renaixement en el claustro del Centre del Carme. Fotografía: Noel Arraiz.

Entre entresijos y tejidos

Encreuat de Raquel Rodrigo Baviera
Espai d’Art Colón
C/ Colón 27. Valencia
Hasta el 15 de enero de 2016

Resulta realmente cautivador el proceso mediante el cual el artista, fundamentalmente urbano, reduce su espacio de actuación y presenta su trabajo en galerías, museos, o emplazamientos en los que no “debería” sentirse del todo cómodo. Pero Raquel Rodrigo vive por y para sus “arquicosturas”, piezas artísticas que forman parte de un proyecto que emprendió en 2011 y que le ha llevado a realizar diversas intervenciones por toda la ciudad.

Con Arquicostura la artista borda con punto de cruz las paredes de las calles, creando y reflexionando sobre la ciudad y su entramado urbano, dotando de significados a diversas arquitecturas que han dejado atrás su eficacia. Caminando entre el arte y el diseño, y poniendo en valor el contraste entre la tradición y lo contemporáneo, la artista ornamenta el espacio público con el sentimiento de aquello que nos es íntimo. Bordando a gran escala las fachadas, evoca la idea del hogar como un sitio cálido, tierno y privado, invitándonos a dotar de memoria los espacios públicos.

Cartel de la exposición. Imagen cortesía Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle” (CDAVC).

Cartel de la exposición. Imagen cortesía Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle” (CDAVC).

No cabe duda que la obra de Raquel Rodrigo le es reconocible al público. Por ello quizá la artista comienza su nueva exposición ‘Encreuat’ con una barrera física, una cortina que se debe atravesar, que es al mismo tiempo una de las pieza clave de la muestra. La cortina actúa como catalizador y nos introduce en una serie de actuaciones que difieren, en ocasiones, de los motivos naturales que suelen estar presentes en su trabajo. Aún así, ‘Encreuat’ sirve a Raquel Rodrigo para explorar los diferentes caminos que rodean su cotidianidad y le sirven para enmarcar, con el tejido usado, sentimientos y emociones.

Esta nueva muestra de arte emergente que, como desde 2009, vienen realizando el Espai d’Art de El Corte Inglés junto con la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, y con la coordinación del Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle” (CDAVC) se consolida con su traslado al accesible centro de Colón, en pleno foco de la ciudad Valencia. Para esta temporada todavía esperamos la muestra de otras tres artistas, Rebeca Zurru, Paula Prats y María González, ganadora del XVII Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes, que cerrará el ciclo. Una manera de observar como se van entretejiendo (nunca mejor dicho) puntos de inflexión y ciertos torcimientos que un futuro probablemente afectarán al panorama artístico de la ciudad.

María Ramis

Doble excepción

Shape & Forms de 1010, CT, Nawer, Nelio y SatOne
Plastic Murs
C/ Dénia 45, Valencia.
Inauguración 16 diciembre a las 20.00h
Hasta el 21 de enero de 2017

Mucho ha evolucionado el fenómeno ochentero del grafitti de raíces Hip-Hop, al tiempo que ha ido adoptando nuevas denominaciones y naturalezas menos vandálicas y callejeras. Desde entonces, el mundo de las galerías no ha dejado de echar cables y tender puentes para tratar de integrar aspectos sin duda valiosos e interesantes. Sin embargo, no es sino hasta fechas recientes cuando estamos viendo superado el enorme recelo que los artistas urbanos han sentido hacia el mercado del del arte y acortando la distancia que han estado guardando. Afortunadamente, la convivencia está demostrando que las incompatibilidades no son ni mucho menos genéticas, sino más bien culturales.

La segunda excepción tiene que ver con la minoritaria presencia de la abstracción en el arte urbano. Sus orígenes derivados de la firma y el poder iconográfico de determinados tipos de imágenes, han dejado un papel muy secundario a las manifestaciones abstractas… pero también esto está cambiando a velocidad de vértigo.

Bajo el doble juego de Shapes & Forms, nos encontramos con obras de cinco artistas sobradamente conocidos en el panorama internacional. Todos han sabido compaginar diferentes facetas de su actividad artística con una naturalidad que sería inimaginable hace un par de décadas. Cuando menos evidentes son las referencias figurativas, más claras y profundas han de ser las motivaciones y las raíces que animan y vivifican sus respectivas poéticas.

Obra de Nelio. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Nelio. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Nawer construye unos espacios expansivos que como pequeñas galaxias parecen extenderse desde su centro hasta rebasar los márgenes perimetrales del soporte. Formas geométricas y líneas duras conviven con unos contrapuntos evanescentes y un tanto gestuales.

SatOne despliega una actividad que se podría calificar de barroca. Con una cuidada puesta en escena en la que domina una paleta limpia, de formas abigarradas que generan ritmos sinuosos y dinámicos cuya fuerza no puede encerrarse en los límites ortogonales de la obra.

Nelio realiza una propuesta que conjuga la acción inherente al proceso de pintar con una geometría sintética -a veces orgánica- que suele dialogar con el fondo, especialmente cuando el soporte es un muro abandonado, mientras que en sus pinturas tiende a una ordenación cuasi alfabética.

1010 juega a la repetición creciente o decreciente de una forma cerrada marcadamente lobular que somete a variaciones cromáticas que finalizan o empiezan en un negro absoluto que todo lo absorbe, que todo lo contiene y, por lo tanto, todo puede surgir de él.

Finalmente, CT, su trabajo, es a la vez el más estrictamente geométrico y el que entronca de modo más directo con la tradición del nombre. Aunque en su caso, fuerza el juego de variaciones y fragmentaciones de sus iniciales de referencia a extremos y resultados tan independientes como autónomos. Dos letras, dos tintas.

Como no hay dos sin tres, ¡una exposición de excepción!

Juan Bautista Peiró

El Musical se llena de Encontres

Encontres, Cultura als barris per fer ciutat
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Del 10 al 12 de junio de 2016

La Plataforma de festivales urbanos de Valencia PICUV, en colaboración con el Teatre el Musical presentan Encontres, Cultura als barris per fer ciutat¸ una celebración artística abierta a todos los públicos con propuestas escénicas y artísticas desarrolladas por los propios Festivales durante el año. Encontres evidencia así la importancia que los festivales de PICUV tienen en el calendario cultural de la ciudad.

Encontres, Cultura als barris per fer ciutat, pretende ser un foro de debate, intercambio y conocimiento, al tiempo que un escaparate donde mostrar las propuestas más destacadas programadas por los 9 festivales de la PICUV. Es por este motivo que los organizadores han contactado con directores de propuestas nacionales con la misma idiosincrasia y espíritu que sus festivales para nutrirse y alimentarse mutuamente.

Obra de Cabanyal Íntim. Imagen cortesía de PICUV.

Obra de Cabanyal Íntim. Imagen cortesía de PICUV.

Una programación dinámica, participativa y multidisciplinar que abarca diferentes disciplinas artísticas. El viernes 10 de junio, a partir de las 19.30h., en el hall del TEM habrá: Djs, stands informativos, la presentación del vídeo promocional Encontres, Sígueme, performance de danza a cargo de la Cía. Malarte, la inauguración de las exposiciones Silencio (escultura) de Martí Moreno y Con otros ojos (fotografía) de Maite Bäckman. Para finalizar, a partir de las 22.00h, en la Plaza del Rosario, Groove All Stars con un elenco de “músicos diez” harán mover el esqueleto a ritmo de soul, jazz, funky y hip hop.

Las jornadas del sábado 11 y del domingo 12 llegan cargadas de actividades desde las 11.00h de la mañana hasta las 22.30. El espacio de debate, reflexión y participación ciudadana se ha programado ambos días por las mañanas de 11.00h a 14.00h.

El sábado 11 la mesa redonda está dedicada a presentar diferentes Iniciativas culturales ciudadanas de diferentes partes de la geografía española: Intermediae de Madrid, Cultsurfing de Barcelona, Redetejas de Sevilla, Olas de Energía de San Sebastian PICUV y Cabanyal Horta de Valencia. El debate estará moderado por el periodista y redactor de Cultura en Valencia Plaza, Eugenio Viñas. Por la tarde, tendremos la segunda charla del día ahondando en un tema tan recurrente en los últimos meses como es ‘Models de relació amb l’administració’, a cargo de Azuzena Klett, de Las Mesas de Citykitchen (Madrid).

Café Sol. Imagen cortesía de PICUV.

Café Sol. Imagen cortesía de PICUV.

El domingo 12, desde las 12.30 a las 14.00h, se podrá participar en la charla ‘Art, participació ciutadana i procesos polítics’ en el Auditori del TEM, con las intervenciones de diferentes agentes culturales: Maite Ibáñez, Eponine Franckc (Los Artistas del Barrio, Madrid), José Luís Pérez Pont, Director del Consorcio de Museos de Valencia y uno de los portavoces de PICUV y Director de Russafart, Arístides Rosell. En la mesa de debate de la tarde se hablará y reflexionará alrededor del valor del arte (Quant costes? Reflexions al voltant del valor de l’art).

El teatro y las actividades para toda la familia también tendrán cabida en Encontres ambos días: el sábado hay programados dos eventos, un taller de construcción de marionetas a partir de materiales reciclados por Froggies y a las 13.30h en la Plaza del Rosario, el espectáculo gratuito Jugo de juguetes¸ de Teatre la Estrella. El domingo las actividades familiares serán por la tarde de 18.30 a 20.00h e incluyen un taller con Roll Paper Craft, otro de construcción de aviones de juguete y de flores decorativas.

Río por no llorarme. Imagen cortesía de PICUV.

Río por no llorarme, de Barbàrie Teatre. Imagen cortesía de PICUV.

El teatro, la danza y la performance más contemporánea y vanguardista vendrán de la mano de varios artistas locales y nacionales: Taxácea del Colectivo Croatán (dos piezas alternas de danza contemporánea) se podrá ver en cuatro ocasiones a lo largo del fin de semana; Hamlet Party, la propuesta teatral-musical del director mallorquín Josep R. Cerdà, tendrá dos pases, (uno a las 19.00h y otro a las 21.30h en el Auditorio del TEM. Se trata de una adaptación libre del clásico de Shakespeare, producida por el festival Jardí Desolat. El domingo a las 20.00h en el Auditorio también, Russafa Escènica presenta una de sus piezas revelación 2015, ‘Río por no llorarme’,  de Barbàrie Teatre.

Otra novedad es sin duda la participación del artista urbano Deih (XLF), quien realizará una intervención artística y urbana a través del lenguage del graffiti como homenaje al TEM i al Cabanyal.

Poble Nou. Imagen cortesía de PICUV.

Poble Nou, de Mou Dansa. Imagen cortesía de PICUV.

La Plaza del Rosario se reserva el espacio para la danza con la exhibición del taller ‘Tú creas, tú decides’ de Bucles; Café Sol de Cía. Fil D’Arena, ambos el sábado, y Wild Side de Cia. Botànic Espai de Dansa y Aproximacions a Poble Nou de Cía. de Mou Dansa el domingo, como espectáculo-clausura.

Como actividad lúdica y divertida por las calles del barrio destacamos la ‘Cercavila: Mardigrass per 40-Funk Brass Band’ con la actuación de Hermanos Tachini (circo) y una performance de danza.

La gastronomía más valenciana no podía fallar en un evento cultural de barrio, tal y como manifiestan las dos paellas populares planificadas ambos días a mediodía y aderezadas con música ambiente.

Actividades, espectáculos, exposiciones, conciertos, talleres y gastronomía para todos los gustos y edades que servirán para dar a conocer a los ciudadanos de València estas iniciativas culturales e impulsar el desarrollo de dinámicas que permitan conectar a instituciones, agentes culturales y ciudadanía en una verdadera dinámica que impulse un modelo cultural más dinámico y participativo.

Los integrantes de PICUV son: Russafa Escènica, Circuito Bucles, Distrito 008, Cabanyal Íntim, Benimaclet Confusion, MUV! Circuito Música Urbana, Intramurs, Ciutat Vella Oberta y Russafart.

 

La irreflexiva creatividad de Juanjo Hernández

Automatic Tales, de Juanjo Hernández
Casa de Cultura de El Campello
Plaça de la Constitució, 4. El Campello (Alicante)
Hasta el 11 de junio de 2016

A esta cita con la Casa de Cultura de El Campello, el artista, ilustrador y diseñador gráfico Juanjo Hernández (Alicante, 1961) acude con su ‘Automatic tales’, una serie de obras realizadas en diferentes formatos y técnicas en las que prima el gesto, la rapidez del movimiento, la inmediatez del dibujo realizado sin una idea preconcebida, sin un orden preestablecido, con absoluta libertad creativa, a través de la que Juanjo Hernández narra de manera irreflexiva diferentes escenas que se unen bajo un mismo soporte -como en las lonas de más de dos metros- en lo que el autor ha denominado Cuentos automáticos o Automatic Tales.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Siguiendo la trayectoria de este artista, podemos distinguir en sus obras muchas de las novedades del arte de la segunda mitad del siglo XX, como los soportes, técnicas o materiales utilizados por los grandes informalistas. Formas similares de ejecutar una idea a la que, en esta ocasión, se llega por percepción y convicción. Técnicas como el grattage o el driping utilizadas en sus obras nacen en torno a 1950, al igual que la pintura sígnica y gestual, que presta gran importancia a la velocidad de ejecución, al impulso personal, cinético e irreflexivo. Cuadros con signos que parecen indescifrables y que surgen de manera automática, recordando las caligrafías orientales, y que refuerzan la expresividad del creador y su libre proyección corporal sobre el soporte pictórico. Las obras se realizan directamente sobre el suelo, al igual que pinta Juanjo Hernández los grandes formatos.

Automatic Tales, de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Automatic Tales, de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Entre los movimientos incluidos por el crítico de arte Michel Tapié, en 1952, dentro del Art Autre, se encuentran el Informalismo, el tachismo, la pintura matérica, el espacialismo o el art brut surgidos tras las devastadoras consecuencias y el horror de la II Guerra Mundial, una época de crisis, de profunda transformación de la concepción del mundo, en la que el artista se vuelca en su interior para encontrar respuesta a todas sus preocupaciones, claves en la fuerza expresiva de estos movimientos, que encuentran su paralelismo en la serie Bombardeig, dedicada por Juanjo Hernández a uno de los episodios más tristes acaecidos en Alicante durante la Guerra Civil transmitido por su padre, que lo vivió en primera persona.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

Obra de Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello. Imagen cortesía del autor.

En esta exposición, el artista nos muestra obras grandes, pintadas sobre lonas, otras de menor formato realizadas sobre papel, en blanco y negro o color. Obras mayoritariamente figurativas, creadas entre 2010 y 2016 bajo la técnica de pintura automática, en las que predomina el dibujo, la velocidad de ejecución, el gesto espontáneo y la libertad de trazo. Obras divertidas, con un lenguaje llano, accesible, directo, con una iconografía que se nutre de elementos del mundo cotidiano, de imágenes procedentes de la fotografía, del cómic, de las revistas, la publicidad, el cine o la televisión y que entroncan con aspectos del Pop-art y de las primeras manifestaciones del graffiti como arte urbano.

Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello.

Juanjo Hernández. Casa de Cultura de El Campello.

Pilar Tébar
Comisaria y Vicepresidenta (Alicante) de la Associació Valenciana de Crítics d’Art –AVCA-