Los efectos sonoros de Mustang Art Gallery

Mustang Art Gallery
Efectos Sonoros
Nuria Fuster, Pablo Bellot y Rubén M. Riera
Hasta el 22 de Junio
Comisariado por Juan Fuster

When the world is your own echo chamber.

“Los objetos que rodean mi cuerpo reflejan la acción posible de mi cuerpo sobre ellos”. (Henri Bergson, Materia y memoria)

La posibilidad de un cuerpo se abre en la acción producida por este. Esta acción puede obrarse sobre el propio cuerpo que actúa, sobre los objetos que le rodean o sobre el propio espacio en el que se sitúa. Cuerpos y objetos parecen cobrar la forma de un reflejo, los unos responden en los otros, como un espejo o como un eco.

Efectos sonoros es un dispositivo expositivo experimental de parámetros abiertos. Entre lo sensible y lo inteligible, la acción humana y los procesos de producción de sonido, las frecuencias y las ondas, el silencio y la palabra todo cobra sentido en su trasmisión. En ocasiones la recepción acústica se confunde con la repetición de la acción, como un eco. A cada secuencia de acciones le siguen consecuencias más o menos predecibles o contingentes de un nuevo cuerpo sonoro. Cuando nos aproximamos al sonido desde Efectos sonoros lo hacemos poniendo nuestro cuerpo en el centro de acción. Los tres artistas elegidos para este proyecto, Nuria Fuster, Rubén M. Riera y Pablo Bellot parten de este cometido, la acción del cuerpo, como formulación de efectos sonoros en los que se incluyen el silencio, el ruido, el eco o la reverberación.

Sounding Stone, Nuria Fuster.

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Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen Roberto Ramos.

Una plataforma de hierro diseñada para que el cuerpo esté abocado a vivir una experiencia que transforme sus sensaciones. La estructura de metal rompe su horizontalidad en una elevación ligera pero precisa para su finalidad. La elevación y su tendencia produce cierta inestabilidad del paso, inclinando el cuerpo que camina sobre la superficie metálica que genera una sensación de vértigo. El vértigo aparece como una sensación de mareo, de movimiento exterior que puede conducir incluso a la caída por la pérdida del equilibrio. Sin embargo, el vértigo es la consecuencia de la descompensación del oído que produce un desequilibrio en la aprehensión del espacio circundante.

Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery

Sounding Stone, de Nuria Fuster. Imagen Miriam Asencio.

La inclinación de la plataforma representa la misma tendencia que produce el vértigo: un ligero o grave declive en nuestro contacto con la realidad. El vértigo produce una sensación de movimiento irreal, puesto que se trata de una sensación subjetiva de movimiento. El trastorno del desequilibrio constituye un cuestionamiento importante en cómo se reflejan los cuerpos en el espacio. Puesto que estos no son solo percibidos, sino apercibidos por sentidos como el oído que es capaz de recrear situaciones, espacios y cuerpos mediante las ondas que produce el movimiento de estos. Al igual que la experiencia de vértigo, Sounding Stone de Nuria Fuster reflexiona sobre las relaciones entre nuestra interioridad y exterioridad.

El silencio de un cuerpo, Rubén M. Riera.

Un vídeo multicanal fragmenta la imagen de un brazo que con la mano abierta y boca abajo se sitúa sobre un fondo negro. La imagen dividida en cuatro pantallas descompone en cierto modo la figuración real.  La mano permanece inmóvil hasta que la escala musical entra en escena: un “Do” se extiende a lo largo del plano y cuando cesa, la mano golpea el fondo negro. Repentinamente este aparece como un agua negra, algo imposible en su sustancia natural. Y entonces las ondas producidas por el choque de la mano en el agua provocan un titilante movimiento lumínico. La luz emana del agua en ondas cuando el sonido desaparece. Así la escena se convierte en una doble realidad. Como en el caso de la reverberación, un cuerpo de producción acústica pierde en la repetición su forma transformándose en otra figura.

El silencio de un cuerpo, de RubenM. Riera. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

El silencio de un cuerpo, de Ruben M. Riera. Imagen Roberto Ramos.

Lapsus es el nombre del proyecto en el que Rubén M. Riera inserta El silencio de un cuerpo y como tal nos advierte de un tiempo entre dos límites. El lapso de tiempo anuncia ese transcurrir entre los límites del audiovisual. El sonido precede a la imagen que parpadea como un eco transfigurado. Al “Do” le sigue el resto de la escala en este inusual causa-efecto invertido. Este espacio de tiempo es capaz de construir una imagen audiovisual en virtud de una virtualidad del presente en el se entremezclan materialidad e inmaterial en un tiempo de dos.

El grito ­_ Acto de comunicación nº2, Pablo Bellot.

El cuerpo, de nuevo, se pone en el centro de la acción. Un puñetazo parece ser el acto que Pablo Bellot elige como evocación del primer ejercicio de comunicación. El grito ­_ Acto de comunicación nº2 toma como inspiración la cita de Paul Virilio: “El puñetazo es el principio de la comunicación: con el puñetazo se gana proximidad cuando ya no se tienen palabras”. Si la palabra parece el acto de comunicación más sofisticado del ser humano en el que sonido, idea y creación van de la mano brindándonos la posibilidad de encuentro, el grito -como un puñetazo- rompe con la reglas de la transmisión del mensaje. Un acto de fuerza que imprime la posibilidad de disenso. Sin embargo, este grito queda enmudecido.

El grito, acto de comunicación nº 2, de Pablo Bellot. Imagen cortesía de Mustang Art Gallery

El grito, acto de comunicación nº 2, de Pablo Bellot. Imagen Roberto Ramos.

En la instalación observamos como un círculo de veintiocho megáfonos rompen con todo mensaje probable. Si la finalidad del megáfono es ampliar el sonido, en este caso amplificaría el grito, este queda enmudecido por el ruido infinito. Un megáfono conduce el sonido a otro megáfono que a su vez reproduce el sonido en otro dentro de una cadena circular irrompible. Entonces el sonido ampliado permuta en ruido.

Los efectos sonoros implícitos en los tres casos nos hacen experimentar cómo el mundo deviene una caja de resonancia permanente.

Johanna Caplliure

La colección expuesta, Arte Sonoro en España

Arte Sonoro en España (1961-2016).
Museu Fundación Juan March de Palma.
Carrer de Sant Miquel, 11, 07002 Palma, Illes Balears.
Hasta el 21 de mayo de 2016.

El Museu Fundación Juan March de Palma albergará el día 10 de febrero, unas Conversaciones radiofónicas sobre el sonido en el arte entre José Iges y José Luis Maire, artistas sonoros y comisarios invitados y los artistas Mikel Arce, José Manuel Berenguer, Peter Bosch & Simone Simons, Xabier Erkizia, Ramón González-Arroyo, Concha Jerez y Javier Maderuelo. 

Arte Sonoro en España (1961-2016)”, es el título que acoge esta tercera edición de la serie La colección expuesta, que ya albergó en los años anteriores otras exposiciones como “Nuevas incorporaciones (2013-2014)” y “El museo en el museo (2014-2015)”, un tipo de exposiciones cuyas obras ocupan los espacios del museo dedicados a exhibir habitualmente las obras de la colección, conviviendo así con ellas.

La entrada del así llamado “arte sonoro” en los museos supone la apertura de una novedad en espacios que se han mantenido más o menos inalterados, en términos visuales, hasta casi los años sesenta del siglo pasado. Y, al igual que en el caso de la musealización del videoarte, también el sonido y su exposición presentan verdaderos desafíos para los ámbitos tradicionales del arte, que han debido plantearse cómo “afinar”, parafraseando el célebre ” The Tuning of the World” de R. Murray Schafer, sus espacios de colección y exposición. Porque cuando aquello a exponer es el sonido como tal y no simplemente la instalación con sonido, la música interpretada o la música experimental, tanto la determinación y elección de las obras como el tratamiento de los espacios donde tienen lugar las prácticas sonoras deben fundamentarse en un concepto sonoro distinto al definido por la ciencia acústica o por la musicología.

 Instalación sonora, Mikel Arce 2004. Cortesía del artista.

Instalación sonora, Mikel Arce 2004. Cortesía del artista.

En las tres últimas décadas, el sonido presentado, usado, evocado o articulado en el medio artístico ha confluido en el aglutinante anglosajón “Sound Art” encontrando también su paralelo en lengua germánica “Klangkunst”, pero con un significado algo distinto, y el así llamado “arte sonoro” ha ido consolidándose casi como una nueva categoría artística, gracias a exposiciones monográficas en museos y galerías, a la aparición de bibliografía especializada, el desarrollo de estudios específicos en el ámbito académico y la aparición de nuevas disciplinas relacionadas con el arte sonoro, como los llamados Sound Studies, la réplica sonora a los relativamente recientes Visual Studies.

En proporción, la atención que se le ha prestado al arte sonoro en España y en todo el mundo, tanto desde el punto de vista del coleccionismo como desde el expositivo, es aún escasa captando de forma manifiesta la plástica, el arte conceptual y el videoarte la atención de las instituciones, y por ende su favor. Por otro lado eventos como Los Encuentros de Pamplona de 1972, algunas exposiciones recientes o fenómenos como el pionero programa de radio Ars Sonora, dirigido hasta 2008 por José Iges o publicaciones como MASE, en sus ediciones de 2006 y 2014, o La mosca tras la oreja, de Llorenç Barber, atestiguan cierto interés por el sonido en el arte.

Taller de arte sonoro en el EACC

El próximo 12 de diciembre, dentro de los programas didácticos que acoge el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) tendrá lugar el taller ”CARTOGRAFÍAS SONORAS: apuntes en torno al arte sonoro”.


DESCRIPCIÓN
Un mapa puede ser utilizado como modelo de ordenación, pero también como una invitación a trazar rutas previstas o imprevistas, por ello, y aprovechando la exposición de Ryoji Ikeda el Espai propone un seminario entorno al presente del arte sonoro, sus protagonistas y el modelo de exposiciones que lo acogen. De este modo, y con la ayuda de Juan Cantizzani, Antonio de Egipto, Ramón González-Arroyo, José Manuel Costa y Edu Comelles esperamos poder ayudar al público asistente a trazar sus propios recorridos, plantear posibles atajos o descubrir paisajes sonoros hasta ahora desconocidos.


PROGRAMA
Juan Cantizzani (Colectivo Weekend Proms) y Antonio de Egipto (Bandaàparte Editores)
MASE. Historia y presencia del Arte Sonoro en España
De todos los terrenos artísticos, quizás el que haya experimentado mayores avances tanto en su recepción como en su generación, sea el Arte Sonoro. Este es un concepto angélicamente indefinible, lo cual lo hace más libre pero no menos efectivo. Y, más allá del concepto, son obras, intervenciones concretas ante las que el público puede tener una experiencia directa, sin la necesidad de mediaciones teóricas o intelectuales. Es el inmediato poder del sonido. Un arte, si se quiere, para todos los públicos. MASE trata de continuar la línea de investigación sobre Arte Sonoro en el Estado Español iniciada por el proyecto Sensxperiment en 2006. Ya entonces, se pusieron en circulación una serie de materiales básicos y referenciales reflejados tanto en una publicación física cómo en una web específica (http://mase.es/old).

Desde aquel año 2006, el Arte Sonoro ha ido convirtiéndose en algo mucho más familiar para los públicos españoles. La puerta de entrada al conjunto del proyecto es una nueva web http://mase.es como espacio de documentación, repositorio, base de datos, archivo y banco de recursos, así como la nueva publicación que contienen algunas de las líneas de investigación generadas por el proyecto MASE durante su nueva edición celebrada entre 2012 y 2014.

De este modo y durante la ponencia se expondrán diversos aspectos y procesos de trabajo que el proyecto puso en marcha en esta nueva edición,

Así como una introducción a los contenidos de la publicación y líneas abordadas.

Weekend Proms (Juan Cantizzani) es un colectivo de producción cultural con sede en Lucena (Córdoba), que trata de generar y dinamizar espacios y redes de accióne investigación donde poner a prueba, explorar o desarrollar procesos de trabajo e iniciativas vinculadas con la práctica artística y su relación conla esfera pública, social e institucional.

Dedica especial atención aquellas propuestas que emplean o parten del sonido como medio de transmisión, producción de conocimiento y reflexión, como elemento de creación de subjetividad, como herramienta de observación social y práctica crítica. La actividad del colectivo da comienzo en 1994, constituyéndose como Asociación Cultural en el año 2000. Desde entonces vienen poniendo en práctica distintos procesos de trabajo, tratando de propiciar, apoyar y visibilizar diversas iniciativas que se inscriben en estos ámbitos.

http://weekendproms.tumblr.com

Bandaàparte editores (Antonio de Egipto)es una editorial independiente andaluza, nacida en octubre de 2012, que da cabida en su catálogo a lo que llaman “noescritores”, creadores que aun viniendo de disciplinas diferentes a la escritura encuentran en este medio una forma más de canalizar susinquietudes. Todo esto en torno a 4 colecciones (Narrativa, Poesía, Gráfica y Ensayo). Entre sus autores encontrarás músicos, gente del cine, delmundo de la tecnología, periodistas, artistas plásticos, visuales, sonoros… En la colección de ensayo apostamos por obras divulgativas que enprincipio podrían estar destinadas a minorías pero de las que creemos que no están reñidas con lo comercial. Las publicaciones de Bandaàparteestán reforzadas por un cuidado trabajo de edición.

www.bandaaparteeditores.com

Ramón González-Arroyo
El Sonido como Entidad Espacial. Arte Sonoro y Música Electroacústica.
Los mecanismos de nuestra percepción unidos a una concepción espacial del sonido han sido ejes fundamentales en la experimentación y creación de Arte Sonoro y Música Electroacústica. Se han trazado así dos líneas de evolución independientes, que acaso se han encontrado allá o aquí.

Ramón González-Arroyo. Realiza sus estudios musicales en Madrid, continuando posteriormente en Utrecht, La Haya y París. Entre sus maestros: C. Bernaola, L. de Pablo, G. M. Koenig y H. Vaggione. Realiza cursos de informática musical en IRCAM, GRM y ACROE/ZKM. Combina su labor creativa como compositor con la investigación musical, colaborando o dirigiendo diversos proyectos en diferentes instituciones europeas. The Choreography of Sound, su proyecto más reciente, enmarcado en la investigación artística y que tuvo como sede el Instituto de Música Electrónica (IEM) de Graz, se adentra en la interacción entre materia sonora y espacio para explorar distintas formas de concepción del sonido musical. Surgen así diversas obras musicales, como Topoi o Fantasyu (on matter and color) que buscan potenciar la plasticidad del sonido musical como motor de creación. Sus obras, instrumentales, electroacústicas o de instalación, han estado presentes en diversas temporadas, festivales o museos de Europa, como Wien Modern, Berliner Inventionen, Musique en Scéne, Multiphonies, Signale, o el Kunstmuseum Bonn, Essl Museum de Viena y Koldo Mitxelena de San Sebastián.

José Manuel Costa
El arte sonoro expuesto
Una observación sobre la forma en que se ha presentado el arte sonoro y los problemas a que se ha enfrentado, lejos de suponer una mera cuestión técnica, explica muchas de características y problemas que definen las peculiaridades y la experiencia personal del mismo arte sonoro. Exponer un arte que también suena supone un profundo cambio de paradigma en el mismo concepto museístico. Comprender los problemas técnicos, administrativos, ergonómicos e ideológicos que plantea este tipo de práctica, supone en realidad comprender también la práctica en sí.

José Manuel Costa. Crítico de artes visuales y sonoras, periodista y comisario de exposiciones. Mientras estudiaba Medicina en la UCM, se incorporó al equipo de Onda 2, una de las FM de los primeros setenta que vinieron a renovar, no ya la música programable sino incluso la misma forma de hacer radio en España, actividad que continuó como uno de los fundadores de Radio 3 en RNE. Prácticamente al mismo tiempo empezó a escribir en revistas especializadas de música (Vibraciones, DiscoExpress), participando en la fundación de alguna de ellas (Ozono) y recalando finalmente en un recién nacido El País como crítico de música no clásica en obtener el Premio Nacional de la Crítica, pasó a fundar y dirigir Radio El País. A continuación saltó a la recién abierta revista La Luna de Madrid como subdirector de la misma, para luego pasar a ABC y fundar, junto a Catalina Luca de Tena el “Suplemento de las Artes” en ABC.

Edu Comelles
AGOST
Presentación en directo del disco Agost publicado en directo por el sello Spa.RK de Barcelona. La intervención se divide en dos partes, una breve explicación introductoria sobre el concepto y la producción del disco acompañada de una reflexión sobre el uso musical y compositivo de grabaciones de campo o paisajes sonoros y su puesta en escena performativa y gestual.

Agost es un disco creado utilizando, única y exclusivamente, el sonido de una copa de vino. El autor ha explorado las posibilidades sonoras, musicales y compositivas del acto de rozar con el dedo el cuello de una copa de vino o percutir el propio vidrio. El material ha sido sampleado, estirado, disminuido y transformado hasta crear un universo sonoro único. El cual se ha conjuntado con las intervenciones en el disco de cuatro músicos aportando la guitarra, el chelo y la percusión al trabajo de grabaciones de campo del propio Edu Comelles.

Edu Comelles. Doctor en Bellas Artes, MSc en Diseño de Sonido (Edinburgh University) MA en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente se encuentra involucrado en varios proyectos artísticos individuales y colectivos que entran en relación directa con el paisaje sonoro y la composición. Edu Comelles trabaja desde el año 2006 en composición sonora. Sus trabajos han sido publicados por varios sellos discográficos de libre distribución, tales como Resting Bell (Berlín), Test Tube (Portugal), Impulsive Habitat (Portugal) o Audiotalaia (España). Ha participado en festivales llevando al directo su proyecto personal y Cello + Laptop en colaboración con Sara Galán. Su obra ha sido expuesta o difundida en el Museo Reina Sofía de Madrid, el CCCB de Barcelona o en el MUAC de Ciudad de México entre otros. Es el fundador y director de Audiotalaia, una plataforma dedicada a la difusión y producción de músicas experimentales en España y también co-dirige, junto a Juanjo Palacios, la plataforma de difusión LEA Ediciones, centrada en grabaciones de campo. Actualmente trabaja junto a Fernando Ortuño en la Escuela Superior de Diseño de Valencia desarrollando un proyecto de investigación que plantea modelos expositivos para el arte sonoro y las músicas experimentales.

Horario: De las 11.30 h a las 14.00 h y de las 16.00 h a las 18.30 h
Precio: 5 € público en general
Modo de inscripción: A través de la dirección electrónica actividades@eacc.es
Fin de la inscripción: Viernes 11 de diciembre
Plazas Limitadas: Hasta cubrir aforo

Concha Jerez, Premio Nacional de Artes Plásticas

Concha Jerez, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Artes plásticas 2015, a la edad de 74 años y con una trayectoria más que consolidada.

El jurado ha estado presidido por Miguel Angel Recio, director general de Bellas Artes y Bienes Culturales y de Archivos y Bibliotecas, como vicepresidenta ha actuado Begoña Torres González, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes y ha estado compuesto por Jordi Teixidor de Otto, Premio Nacional de Artes Plásticas 2014; María de Corral López-Dóriga, crítica de arte y comisaria independiente; Beatriz Espejo Arce, responsable de arte de la revista El Cultural de El Mundo; João Fernandes, subdirector de Conservación e Investigación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Ignacio Moreno Segarra, historiador del arte y crítico; José Luis Pérez Pont, crítico de arte y comisario; y Belén Poole Quintana, directora del Centro de Arte de Alcobendas (CAA).

Concha Jerez recibe este premio, según las valoraciones del jurado, «por su dimensión pionera en el uso de tecnologías, por ser representativa de una generación de artistas que ha marcado el tránsito de la era analógica a  la cultura digital, con sus investigaciones, creaciones e innovaciones. Por su transformación del lenguaje artístico en  el uso de diferentes  formatos, desde lo escrito a lo audiovisual pasando por lo sonoro y por su constante conciencia crítica que expresa una fecunda relación entre el arte, la cultura y la vida de nuestro tiempo».

Dicho  galardón está dotado con 300.000€, que le permitirá como ha dicho, tomarse un mayor tiempo para seguir aportándonos obras de arte. La canaria, ha sido sorprendida con la notica fuera del país, y promete seguir en su línea cuyo objetivo primordial es comunicar sin censura.

Concha Jerez. Fotografía de Cristóbal García.

Fotografía de Cristóbal García.

Así pues, desde los años 70 ha ido cambiando y adaptándose a diferentes corrientes o movimientos artísticos, siempre manteniéndose fiel a aquello que desea expresar. Desde los inicios de su formación, hemos visto como se entrega a aquello que le interesa: estudió la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la Licenciatura en Ciencias y ello se reflejará en su arte.

En el 2011 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes, y es que desde 1991 hasta entonces fue profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Su actividad no cesa, y tenemos tanto obras individuales como conjuntas desde 1973 por países como España, Francia, Suecia, Italia, Polonia, Estados Unidos… y un sinfín más.

El mundo de la performance vio la inclusión de esta gran artista en los años 80, y es que ya desde el 1976 centraba su desarrollo del concepto de Instalación.El dinamismo de Concha no cesa, y ha impartido hasta el 2011 diversos cursos, seminarios y talleres colaborando con diferentes instituciones, y además podemos encontrar más de una veintena de publicaciones de la mano de la artista.

Podemos ver la obra de esta artista, ahora premio nacional, de forma permantente en diversos museos como el Museu Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Vostell de Malpartida o el Museo de Bellas Artes de Santander, así como en colecciones como las de Fundació Caixa de Pensions de Barcelona, Comunidad de Madrid o Caja Burgos, entre otras.

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Fotografía cortesía de Tabacalera Promoción del Arte.

PINPANPUN FESTIVAL EN VALENCIA

Festival PINPANPUN
Octubre Centro de Cultura Contemporánea
C/ San Fernando 12. Valencia
Valencia 10 de enero 2015

El festival de arte sonoro y experimentación PINPANPUN celebra el día 10 de enero de 2015 su IV Edición en Octubre Centre de Cultura Contemporània, en pleno centro de la ciudad de Valencia. PINPANPUN es un lugar de encuentro artístico-cultural que aúna creatividad, riesgo y diversión.

Bajo un espectro muy amplio y con el sonido como eje estructural, el festival abarca desde conciertos y propuestas audiovisuales hasta acontecimientos performativos. PINPANPUN es una plataforma pionera en la ciudad para estilos y corrientes sonoras tan transgresoras como el noise, el drone, el glich, el DIY, el field recording o la música electroacústica entre otros. Es un festival heterodoxo, mutable y sorprendente.

Imagen cortesía Pinpanpunfest

Imagen cortesía Pinpanpunfest

El carácter marcadamente local de las propuestas se mantiene desde sus inicios con la voluntad de mostrar la evolución de los artistas autóctonos. Estos creadores, tanto los emergentes como los veteranos, encuentran en PINPANPUN un lugar de expresión que las estructuras culturales públicas de la ciudad no ofrecen. De ahí radica la relevancia y la particularidad de este festival: PINPANPUN apoya y muestra el excelente trabajo de los creativos valencianos y residentes, de forma independiente. Además, supone un extraordinario lugar de encuentro e interacción para todos los asistentes.

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El propio festival ha experimentado una importante evolución, siendo año tras año un evento más comprimido e intenso. En su primera edición mostró nueve propuestas en tres semanas consecutivas. Actualmente ofrece en un solo día diecisiete propuestas distintas, con más de treinta y cinco artistas involucrados. Por este motivo, esta IV Edición del festival se denomina PINPANPUN Collapse.

PINPANPUN Collapse será un maratón de doce horas que arranca durante el día y termina acercándose la noche (de 12:00 a 24:00). El festival tendrá lugar el día 10 enero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, sede del festival desde la primera edición. Habrá también bebida y comida variada a precios populares.

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El elenco de artistas participantes es más que destacable, con figuras de renombre internacional y nacional en el entorno de la música experimental como el profesor y poeta sonoro Bartolomé Ferrando, el incombustible Avelino Saavedra, el ya mítico compositor, musicólogo y tocador de campanas Llorenç Barber, Josep Lluis Galiana, además de otros muchos grandes nombres como Monserrat Palacios, Truna, Edu Comelles, Jorge Marredo, Víctor Tréscoli, MKM, We are not Brothers, Antonio Sánchez, ALOZEAU, Camí de Fondo, Martí Guillem y otros muchos que especificamos en la programación. Todas las propuestas están fuera de los estándares musicales convencionales.

PINPANPUN Collapse se trata de un acontecimiento ineludible para una ciudad, Valencia, en la que el concepto de cultura se ha malentendido durante mucho tiempo, gastando los recursos en actos e infraestructuras faraónicas. ¡Es hora de cambiar! La gestión independiente, la sencillez y el trabajo duro deben ser el leitmotiv de la cultura.

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

Cinema Independent Valencià: 7 directores

Cinema Independent Valencià
La Llotgeta
Plaza del Mercado, 4. Valencia
Proyecciones los días 5, 12 y 18 de diciembre, a las 19.30

El ciclo Cinema Independent Valencià, que tiene lugar en La Llotgeta, recoge el trabajo de cineastas valencianos, tanto aquellos que poseen una dilatada trayectoria, como aquéllos que han realizado una serie de trabajos destacables. La mayoría de los autores ha sufrido tanto la carencia de medios como la de una inexistente industria audiovisual que les respalde.

Fotograma de 'Mundo de papel', de Iván Campos. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Fotograma de ‘Mundo de papel’, de Iván Campos. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Todos ellos han realizado obras, con cantidad de elementos en su contra, ejecutando las mismas por el afán de hacerlas, demostrando que cuando se hace algo con pasión e ilusión, aún teniendo elementos en contra y escasos apoyos, se realiza, teniendo luego una repercusión, porque a fin de cuentas, eso es lo que marca la diferencia.

Fotograma de El cadencioso movimiento de los vagos, de Javier Marisco. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Fotograma de El cadencioso movimiento de los vagos, de Javier Marisco. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

La lista de los cineastas que participan en el ciclo Cinema Independent Valencià la integran J. Frames Bond, Javier Marisco, Pablo Llorens, Chechu Berlanga y Pablo Barrachina, Jorge Montalvo e Iván Campos. J. Frames Bond es director, escritor y animador en 2D y 3D. Dentro de su trayectoria emergente, ha realizado varios cortometrajes que le dieron a conocer, pudiendo realizar las series que le están dando fama, como ‘Cosas de Cosa’, cuya segunda temporada se está preparando, o ‘Subnormal muvis show’ nueva serie que está produciendo.

Fotograma de I don't no guay, de Jorge Montalvo. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta

Fotograma de I don’t no guay, de Jorge Montalvo. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta

Javier Marisco es un artista multidisciplinar, responsable del festival Incubarte y cuyo trabajo abarca también el cine. Ha realizado obras de vídeo creación, de distribución internacional, y realizado el cortometraje ‘El Cadencioso Movimiento de los Vagos’, y ahora se concentra en la preparación de su primer largometraje.

Javier Marisco, director de El cadencioso movimiento de los vagos, en Cinema Independent Valencià, retratado por Pedro Hernández.

Javier Marisco, director de El cadencioso movimiento de los vagos, en Cinema Independent Valencià, retratado por Pedro Hernández.

Pablo Llorens es director y animador en stop-motion. Ganador de dos premios Goya, por ‘Caracol, Col, Col’, en 1995, y ‘El enigma del Chico Croqueta’, en 2004.

Chechu Berlanga y Pablo Barrachina son director y documentalista, respectivamente. Han realizado diversos cortometrajes y documentales, así como gran cantidad de trabajos audiovisuales. Son los creadores de pasodetodo.com y de producciones exprés.

Pablo Llorens, director de Caracol col col, en Cinema Independent Valencià de La Llotgeta.

Pablo Llorens, director de Caracol col col, en Cinema Independent Valencià de La Llotgeta.

Jorge Montalvo es artista plástico y audiovisual. En la actualidad, su obra más representativa se compone de decollage, collage digital y vídeo creaciones difíciles de encasillar. Sus vídeos se integran en el colectivo valenciano ‘Hay don´t’ , desde el cual realizan diferentes proyectos de vídeo, performance y arte sonoro. Su obra plástica y piezas vídeo gráficas se han mostrado en diversos espacios expositivos a nivel nacional e internacional.

Iván Campos es director de cine, artista gráfico, divulgador y gestor cultural. Ha trabajado en la industria audiovisual y fue a principios de década cuando comenzó a realizar trabajos de vídeo creación, así como de investigación. Ha realizado un gran conjunto de obras en casi todo el espectro del sector audiovisual.

 

Imagen promocional del ciclo Cinema Independent Valencià. Cortesía de Art Gruppe.

Imagen promocional del ciclo Cinema Independent Valencià obra de Art Gruppe.

Llorenç Barber: LA APOTEOSIS DE L’ESCOLTA(r)

Llorenç Barber: Apoteosis de l’escolta(r)
Teatro principal
C/ Barcas, 15. Valencia
Sábado 17 de mayo a las 21 h.

NOTAS ANTE LA COMPOSICIÓN DE “LA APOTEOSIS DE L’ESCOLTA(r)”. Siete situaciones de escucha para Banda y Teatro Principal.

Andaba escribiendo una composición de concierto de ciudad para la muy teresiana Alba de Tormes cuando llegó la invitación de participar en el ENSEMS. A lo largo de la conversación telefónica, entre consideraciones de cariz poco halagüeñas sobre el presente de las músicas llamadas ‘contemporáneas’ ya consuetudinarias en Cerveró, éste me sugería escribir algo para piano de juguete, o hacer un pequeño taller para alumnos de composición. Por mi parte, yo daba rienda suelta a mi imaginación con la vieja idea de conformar una nueva versión ampliada de música del “género balcón”, iluminando toda una calle del viejo barrio de Velluters mediante el poblar con bien armados músicos algunos de sus balcones, mientras los escuchas/paseantes deambulan por el asfalto, eso sí, aurículas en ristre. Y fue aquí donde apareció la posibilidad de hacer algo para banda, pues el bueno de Joan andaba tramando algo para ‘los feos’ de Buñol que, en esta ocasión, estarían dirigidos por mi amigo y colaborador Andrés Valero. Para más inri, a estas dos suculentas circunstancias se sumaba una tercera que para mí añadía un plus inconmensurable: el estreno iba a tener lugar en nuestro Teatro Principal. Inmediatamente entré en entusiasmos y no hubo duda alguna a pesar de la cercanía de la fecha, y de la primavera tan repleta, en mi calendario de este año, de viajes y compromisos musicales otros.

Una banda es siempre algo más que un instrumento plurihumano, disciplinado y capaz de leer – marchando – una partitura. Sonar para ellos es algo más que soplar, golpear o rascar, es un presentar hasta sus más íntimos detalles un manifiesto constituido todo él de sonidos/gestos/pasos y/o silencios. Un lanzarnos fuera de nosotros mismos y un expandir expresivo que puede afectar y mover el universo mundo en su totalidad. Por otro lado un teatro como nuestro Principal es todo un galimatías de alturas, pasillos, recovecos, escaleras y hasta rincones y paraísos a ser desvelados mediante una suma de escuchas cada una de ellas con su aquel de singularidad y complementariedad a poner en acto. Todo un reto, en estos tiempos turbios en dónde no cabe molicie alguna.

Una de las primeras consideraciones que me invadieron hasta la obsesión en el arranque de este proyecto fue la evidencia de que a la banda hasta el día de hoy, se le escurren una enormidad de posibilidades simplemente porque nadie se detiene en proponerles situaciones interpretativas expansivas, laterales, accionales y/o gestuales tan sólo porque de bandas se trata. Para los que estamos cerca tan sólo, a veces, cuando la banda, se encuentra en situación de reposo, preparación, relax o broma se dan atisbos, fragmentos y hasta gavillas de situaciones fortuitas e impronunciables, que luego – uniformados – y ante un público se es incapaz de reproducir con la eficacia y contundencia como en esas (des)composiciones de suelto, desparramado, ensimismamiento. Y es por ahí por dónde yo quería comenzar: planteando una serie de situaciones bien concretas, pero a su aire, a su devenir, algo (o mucho) ajenas – hasta dónde posible fuere – a la situación ‘concierto’.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Para conseguir algo así habrá que entrar – con cuidada antelación – en consideraciones previas que nos preparen adecuadamente para zambullirnos en la ocupación de un teatro de anchos espacios, todos ellos habitados hoy, por un pasado todavía reverberante, condensado y hasta convertido en fantasmales esculturas de aires y memorias. Aceptando lo inevitable, trataremos de salirnos de lo aprendido planteándonos juntos todo un cúmulo de cuestiones como estas: ¿somos o no un ‘playground’ todavía útil y capaz de revolverse, disturbar y hasta reinventarse a partir del rol en que se nos encasilla?, ¿podemos desde ahí todavía apropiarnos de nuevos modos y materiales? Y si ello es posible ¿alcanzaremos a interrogar la actualidad de lo que todavía entendemos y practicamos como lo procesional y celebrativo, lo festivo, lo concertístico (sonoro, performativo, virtuoso y escénico)? ¿Estamos o no todavía a tiempo de reivindicar para nosotros el descubrir las posibilidades de un nuevo vivir, partiendo – eso sí – de la fragmentación y dispersión de los deshechos de lo que queda?

Por lo que a mí concierne queda claro que lo que entendemos todavía por banda tiene por delante mucho campo por ganar, mucho terreno que ocupar, muchas intensidades que practicar invadiendo campos expandidos y profundizando y repensándose a partir de ahí, esto es, explorando su grupal, disciplinado y muchas veces andariego sonar, ocupando el espacio público (sea este el cogollo de la ceremonia, el baile o el transeúnte ir de un lugar a otro, bien erguidos y sonantes, etc.), el espacio escénico, el educativo o el investigador, performativo y/o camerístico. Y todo ello en un constante inquirir: ¿reproducimos modelos de comportamiento jerárquicos, encorsetados y obsoletos, o somos todavía capaces de generar otra escucha y otra socialidad, más abierta, comprehensiva, sea sonando a solas – como banda y basta – sea en conjunción con otros estímulos y artes tales como las que proporcionan las imágenes proyectadas, los cuerpos en acción y danza, los instrumentos inusuales o de tecnología punta, o las situaciones para nosotros todavía inexploradas?

Porque, no lo olvidemos, vivimos ya en un mundo sonoro en el que quienes crean, más que dedicarse a componer partituras que demandan ser escuchadas pasiva y contemplativamente, se esfuerzan por crear o ‘componer’ y presentar al oidor unas situaciones de escucha, singulares y hasta inusitadas. Por ello es por lo que postulamos otra escucha, un atender in extenso el entorno sónico y/o silencioso, deviniendo oidores implicados, vivos y movilizados.

Pero las cosas no acaban ahí porque al igual que el instrumentista del sonar del hoy está implicado en el son, (todo él puro ‘drama’ emancipado ya del ‘auctor’ de repertorio y formatos cerrados), el oidor que el llamado Arte Sonoro (ya no com/puesto) postula, ha de ser sustraído a toda actitud distante y pasiva. Ha de ser arrastrado al círculo mágico del escuchante en posesión de sus plenas energías vitales.

Unos y otros, han de afinar su escucha – con el tono y avatares del no tan frágil son – deviniendo así cuerpo activo concurrente, que pone en acto su principio vital. Todos constituyen – cada quién a su modo – asamblea ceremonial que conforma situaciones diversas en posesión de sus propias energías.

Una situación de escucha es, pues, un dispositivo que convirtiendo al escucha en agente de una práctica colectiva, desvela matices singulares del sonar. Y en esto consistirá esta ‘Apoteósis’, en proveer a estos agentes/oidores de un remolino de acciones sónicas (y a veces accionales o cinéticas), que les haga salir de su posición de meros espectadores (recordad a Guy Debord y su crítica del desposeimiento que el espectáculo conlleva) hasta arrastrarles a la acción. Posición a posición.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Cada situación propuesta exigirá una posición específica al ‘interprete’, y una disposición igualmente distinta y mutante al agente/oidor. Es por ello que el Teatro Principal devendrá para cada quién un aeropuerto de recorridos y estancias bien comunicadas y franqueadas en direcciones y velocidades distintas que muchas veces generan ecolalias, emisiones y hasta roces o lejanías de distancias bien singulares.

Igual que la escucha no es algo ni continuo ni estático, tampoco lo es la emisión/recepción. Y esa diversidad/y/hasta/desencuentro posible de a) y de b), genera situaciones bien mixtas y mestizas. Y todas ellas entran aquí en amable consideración, discusión, contraste, continuación y hasta superposición. Se acabó pues con la escucha pasiva, inmóvil, frontal, rectilínea, sucesiva y escanciada de modo regular. Todas las irregularidades, acumules o vacíos, movilidades o escarceos son aquí – en esta selva/aeropuerto – bienvenidos. También todas las suspicacias, todas las sospechas, pues todo oír es un pasearse por un mundo de bordes y roces, un oír-que-construye instituyendo, no aceptando adormiladamente, pues certeza, tradición y hasta estilo dejaron de ser incuestionables. Nos queda el tropezón, el pescar al vuelo, el devenir, el avatar. El gran místico/músico que fue Giacinto Scelsi decía: “si oyes el ahora, oyes la eternidad”. Una eternidad descolocada, con caminos inesperados, moteada toda ella de variaciones y repeticiones que nos pueden o no, adentrar en el corazón del misterio, un enigma, que siempre anida en los bordes, ahí donde la nota deja de serlo para devenir apoyo del infinito. Es por ello que a veces, la banda sonará con sus ejercitados dedos entre guantes de fino latex, para alterar cuidadosamente su sensibilidad táctil, o acudirá a la respiración canina o grupal cribando así cotidianidades y virtuosismos que conducen mil veces al lugar común. O se saldrá a la calle, (ahí dónde la vida arrasa las convenciones todas, ridiculiza las estancias y sus sillones) para mostrar su urgencia imposible por agarrase a una Euridice ausente.

Los espectadores, convertidos aquí en agentes/oidores, de seguro que en cada transición, desdibuje o corte, sabrán qué postura, actitud, y hasta recorrido hay que tomar sin que nadie se lo diga. En efecto, un Teatro como este, tan Principal, es como una ciudad: un complejo entramado de calles, plazas, paredes, escaleras, vacíos y salidas en bifurcación posible que pueden y deben ser recorridos en cualquier dirección, sentido, velocidad y transcurso temporal. Constituye todo él un complejo galimatías que posibilitan lo que mi amigo, el musicólogo Daniel Charles, llamaba “la escucha aeropuerto”. Para ello, para ejercitar esta escucha omnidireccional, tan sólo se les pide (o sugiere) una cosa: franquear el abismo que separa la actividad de la pasividad.

Hay pues en esta aclamación de la escucha extendida un postulado implícito: cada quien tiene la escucha que se merece, o que merece su intuición, su reparto del tiempo/espacio en esa móvil actividad, y/o su suerte. A la postre, tras la apoteosis, cada quién se llevará consigo ‘su’ ración, una ración tan solo en parte coincidente con la escucha de su vecino quien tuvo iniciativas e incidencias y disfrutes divergentes en cuanto a lugar y tiempo a las de un tercer o un cuarto agente equis. Es a ese desigual repartirse lo escuchado a lo que el filosofo francés Jacques Rancière, (en el ensayo “El espectador emancipado”) llama “reparto de lo sensible”, o “partage du sensible”. Un reparto que no viene aquí descendiendo desde un hipotético compositor y que un disciplinado intérprete transmite inspirando así a un oidor pasivo, sino que, por el contrario, aquí todo, todo, es ida y vuelta, pues todo enriquecimiento nace de un roce, una decisión, un toque, muy de cada quien, y todo en esta “Apoteosis” se quiere agente alternador y hasta trastorne de sentidos múltiples que generan de por sí todo tipo de aventuras y asignaciones nunca ni siquiera previstas o intuidas en guión o partitura alguna.

Suerte, oído y al toro, pues.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Tito Rivas suena en Valencia

Aventuras & Nuevas Aventuras: Tito Rivas / México
Sala Negra. Teatro Principal
Baracas, 15. Valencia
Miércoles 16 de abril de 2014, a las 20 h.

Francisco (Tito) Rivas (México, 1977) es músico, artista sonoro e investigador del fenómeno acústico

Es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad del Claustro de Sor Juana y en Filosofía por la Universidad Nacional Autónoma de México. Estudios de música en la Escuela Autónoma de Música en Ciudad de México. Su trabajo se ha enfocado en la experimentación con medios sonoros y visuales como creador, investigador y gestor cultural. Director musical del Ensamble Psycoacústico y tecladista del grupo de rock electrónico Pez Diablo. Ganador del premio de la Bienal Internacional de Radio en la categoría de Radioarte en 1998 y en 2012.
Cofundador del Centro de Creación Radiofónica de la Ciudad de México en 2001.
Es parte del equipo que fundó la Fonoteca Nacional de México, desde 2006.

Ha sido profesor de las asignaturas Filosofía de la comunicación, Laboratorio de Edición de Audio, Laboratorio de producción radiofónica y Laboratorio de Experimentación Sonora de la Universidad del Claustro de Sor Juana y de la asignatura de Audio y Edición Digital en Centro de Diseño, Cine y Televisión.

Se ha presentado y ha expuesto piezas de arte sonoro en espacios y festivales como Festival Internacional de Arte Sonoro, Museo Universitario del Chopo, Museo Ex-Teresa Arte Actual, Foro Mundial del Agua, Fragmentos Sonoros, Museo Universitario de Ciencias y Artes, Fonoteca Nacional, Universidad Iberoamericana, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Laboratorio Arte Alameda.

Como curador y productor de exposiciones ha montado cerca de 20 exposiciones con artistas sonoros mexicanos y extranjeros en la Fonoteca Nacional de México desde 2008 a la fecha, donde funge como subdirector de programación artística y experimentación sonora.

Ha realizado encargos de música original, diseño sonoro o sonido directo para Discovery Channel, Argos, Televisa, Canal 22, TV Azteca, Sony Entertainment Television, Lemon Films, HBO, Fox Sports, Sky entre otros.

Ha publicado Territorio sonoro: apuntes para una fenomenología del sonido en la escucha, World Forum for Acoustic Ecologie (2009), Qué es el objeto sonoro? Fenomenología del sonido en Pierre Schaeffer, en 100 years Pierre Schaeffer, Mediart, Contemporary Art Museum of Rijeka (2010) y Lo que se oye y lo que suena: ideas para una arqueología de la escucha, Revista RegistroMX (2011), Sonido y tiempo: el sonido como fenómeno temporal, Discantus Festival (en preparación). Escribe mensualmente la columna “Resonancias: Noticias desde el país de los sonidos” para la Revista Santo y Seña.

Ha participado en la organización del Foro Mundial de Ecología Acústica México 2009, el Foro Iberoamericano de Paisaje Sonoro 2011, el Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video Transitio MX (ediciones 2009, 2011 y 2013) así como en la Semana del Sonido (2010, 2011, 2012).

Ha grabado y editado los discos Paisaje Sonoro de San Luis Potosí, Paisaje Sonoro de Veracruz, Paisaje Sonoro de Oaxaca y Paisaje Sonoro de Guerrero como parte del proyecto Paisaje Sonoro de México, el cual actualmente coordina.

Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Tito Rivas (fotografía blue). Imagen cortesía de Llorenç Barber.

Tito Rivas. Imagen cortesía de Llorenç Barber.

Off_Herzios: La Gallera suena

Off_Herzios (conciertos)
Sala La Gallera
Aluders, 7. Valencia

Viernes 11 de abril de 2014, a las 19:00 h:
NARCOLÉPTICA
MARREDO & MONTAG
dot.tape.dot

Sábado 12 de abril de 2014, a las 19:00 h:
MODE ON
Juan Antonio Nieto
NAD SPIRO

Culminan las actividades de “Off_Herzios” en la Sala La Gallera con tres días de conciertos.

Después de tres meses de intensa actividad, Off_herzios consolida su presencia en el panorama cultural valenciano como una de las propuestas de vanguardia y referente dentro del arte sonoro local y nacional.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

La edición de este año termina con una traca final con 6 conciertos y 3 actividades paralelas. La Gallera se llenará de sonidos electrónicos a cargo de músicos y proyectos noveles como Narcoléptica, Mode On o Marredo & Montag y junto a ellos propuestas más afianzadas como los directos de Juan Antonio Nieto, el asturiano dot.tape.dot o la guitarrista vasca afincada en Barcelona Nad Spiro.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El viernes las actuaciones se iniciarán con el proyecto novel de la madrileña Beatriz Vaca (Narcoléptica) que presentará su post-rock experimental. Seguido, Marredo & Montag ofrecerán su directo a base de atmósferas cósmicas y sintetizadores. Finalmente el encargado de cerrar la velada será dot.tape.dot (Daniel Romero) desatando en La Gallera su música experimental a medio camino de la electrónica, el pop y la música aleatoria.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El sábado abre Antonio Sanchez, uno de los músicos experimentadores más jóvenes de Valencia y una apuesta de largo de Off_herzios. Seguidamente Juan Antonio Nieto venido de Madrid presentará la contundencia de su lenguaje sonoro electrónico. Finalmente, Nad Spiro (Rosa Arruti) será la encargada de rubricar Off_herzios con su directo a base de guitarra eléctrica, efectos y voz.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El festival cierra está edición pero quedan a disposición del público el conjunto de grabaciones, vídeos y fotografías de lo que ha sucedido en el festival Off_herzios. Todos los contenidos del Festival se encuentran disponibles de forma gratuita en la página web del certamen y sin restricciones de derechos de autor. Dando la posibilidad a aquellos que no han podido asistir a La Gallera de poder escuchar en sus propias casas lo que allí ha acontecido durante 3 meses.

dot.tape.dot (Daniel Romero) fotografiado por Jesús Santos. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

dot.tape.dot (Daniel Romero). Foto: Jesús Santos. Imagen cortesía del Festival.

La Gallera, epicentro de la música experimental

Off_Hz / La Gallera Suena
Sala La Gallera
C/ Aluders, 7. Valencia
Concierto inaugural, de “Negro” y Ainara LeGardon: el 18 de enero 2014 a las 20h

El Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana inaugura la primera edición del ‘Off_Hz / La Gallera Suena’ un Certamen de Arte Sonoro y Música Experimental que convertirán el espacio expositivo en el epicentro de las músicas experimentales con proyección nacional.
La propuesta viene de la mano del colectivo Audiotalaia, o lo que es lo mismo, Edu Comelles y Carlos Flores. Este colectivo ha organizado durante cuatro años en Valencia los ciclos Herzios y Off_Herzios donde han tenido lugar más de 80 conciertos, actuaciones, charlas, talleres e improvisaciones. En esta línea nace el próximo festival que acogerá la Sala La Gallera de Valencia.
‘Off_Herzios La Gallera Suena’ es una programación única en el panorama nacional de arte sonoro y contemporáneo hecha a medida para Valencia, una ciudad que acoge el sonido como herramienta creativa proyectando creatividad al resto de España y al extranjero.
La programación de ‘Off_Hz / La Gallera Suena’ se dividirá en tres grandes bloques de actividades que se irán ofreciendo a lo largo de tres meses. En primer lugar el grueso de conciertos suma 14 actuaciones de la mano de artistas consolidados como Nad Spiro (Rosa Arruti) vinculada a la escena electrónica pionera en los años 80, con artistas emergentes como dot.tape.dot (Daniel Romero), entre otros. Además el festival hace una fuerte apuesta por la escena local con la participación de artistas tales como Avelino Saavedra, J. Ll. Galiana, Rauelsson (Raúl Pastor) o la propuesta emergente de Mode On (Antonio Sánchez). La abstracción sonora llegará de la mano de Javier Piñango, figura clave de la experimentación nacional que actuará junto a Miguel Ángel García uno de los artistas con mayor proyección internacional del momento. Tendiendo puentes entre experimentación y músicas más convencionales se contará con las actuaciones de Rauelsson, crecido en Castellón y curtido como músico en Portland (Estados Unidos) o el guitarrista Fernando Junquera con su proyecto Negro.
Fernando Junquera, Negro. Imagen cortesía de la Sala la Gallera

El guitarrista Fernando Junquera (Negro). Imagen cortesía de la Sala la Gallera

El objetivo de los conciertos es mostrar todo el amplio abanico de músicas experimentales y arte sonoro, dando cabida a músicos de la talla de Juan Antonio Nieto, Marredo & Montag, Mode On, Juanjo Palacios o Ainara LeGardon, todos ellos personajes clave para entender la experimentación sonora tanto en la Comunitat como en el resto de España.

Toda esta programación se complementará con otros dos bloques: los comisariados de escucha a través de las selecciones realizadas ex profeso por figuras claves como José Manuel Costa, Rosa Pérez de RNE o Andrés Noarbe. Toda esta programación se complementa con los showrooms, eventos puntuales en formato de presentación, charla o taller en la misma Sala La Gallera.

Durante estos meses la Sala La Gallera del Consorcio de Museos se llenará de sonidos convirtiéndose en una caja de resonancia, en un lugar de encuentro para todos aquellos atraídos por el sonido y sus posibilidades creativas. 
Ainara LeGardon durante una actuación.

Ainara LeGardon durante una actuación. Imagen cortesía de la Sala La Gallera