John Paul Keith y su rock & roll trasnochador de Memphis

John Paul Keith
Sala 16 Toneladas Rock Club
c/ Ricardo Micó nº 3 de Valencia
Martes 22 de noviembre de 2016-11-2016
21:30 apertura de puertas
Venta anticipada: 12 € (www.movingtickets.com, Harmony, Ámsterdam); 15€ taquilla.

Una de las giras rocanroleras más esperadas para finalizar el año en curso es la que entre el 20 y el 26 de noviembre nos trae la promotora I Wanna Management a siete ciudades españolas.

01 - john paul keith gira

Concretamente los lugares privilegiados para ver a John Paul Keith son por orden cronológico de fechas concertadas los de Sevilla, Granada, Valencia, Madrid, Alicante, Irún y Vitoria-Gasteiz.

02 - John-Paul-Keith-gira 20 noviembre

Estamos pues ante una estupendísima oportunidad de poder degustar el directo que ofrece junto a su Telecaster y junto a su banda este fenomenal y carismático guitarrista, cantante y compositor de Memphis.

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El morbo principal de la gira es la presentación de algunas de sus nuevas canciones para un álbum que se presume inminente en próximas fechas. Por supuesto no faltarán canciones de su excelsa trilogía formada por “Spills and thrills” en el 2009 junto a The One Four Fives, “The man that time forgot” en el 2011 y muy especialmente “Memphis Circa 3AM” en el 2013, su último álbum hasta la fecha, así como algo del “Motel mirrors”, el proyecto paralelo acompañado por Amy LaVere, Shawn Zorn y Will Sexton.

(2008) Spills and thrills

(2008) Spills and thrills

(2011) The man that time forgot

(2011) The man that time forgot

(2013) Memphis Circa 3AM

(2013) Memphis Circa 3AM

(2013) Motel Mirrors

(2013) Motel Mirrors

Entre riffs y twangs de guitarra, entre swing, rock & roll, rhythm&blues, rockabilly, country y pop de los 50’s y de los 60’s, y con esos ecos que aunque suenan modernos y actualizados recuerdan a nombres como Buddy Holly o Roy Orbison, no hay que dejar pasar esta oportunidad. Altamente recomendable.

Juanjo Mestre

Russafa Creativa: escaparate para gestores culturales

Russafa Creativa
Fruto de la colaboración entre Creador.es y Russafa Escènica
Festival Russafa Escènica de Valencia
Del 12 al 18 de septiembre de 2016

De la colaboración de las Residencias Teatrales Creador.es y Russafa Escénica nace Russafa Creativa, un programa que surge gracias a la ayuda que concede Acción Cultural Española y que permitirá que agentes internacionales vengan a Valencia del 12 al 18 de septiembre y vean espectáculos en Russafa Escénica y, a la vez, que debatan sobre las artes escénicas en Creador.es.

El objetivo de Russafa Creativa es que durante esas dos semanas Valencia sea un escaparate para gestores y agentes culturales internacionales para dar a conocer el potencial creativo y escénico de la ciudad, al tiempo que se reflexiona en charlas, debates y mesas redondas sobre el oficio creativo y la gestión cultural.

Responsables de Creador.es y Russafa Escènica. Imagen cortesía de Russafa Creativa.

Parte del equipo de Creador.es y Russafa Escènica en los premios Pública 16. Imagen cortesía de Russafa Creativa.

“La idea surgió a raíz del premio que Pública’16 concedió a Creador.es y a Russafa Escénica, dos certámenes valencianos que coincidimos en las fechas de celebración pero que además trabajamos por una nueva manera de hacer cultura en la ciudad después de años de oscurantismo y malas praxis”, explica el director de Creador.es, Gabi Ochoa.

Desde ambos certámenes explican que sus iniciativas son totalmente complementarias, mientras que Russafa Escénica trabaja el hecho escénico y la puesta en marcha de un festival, Creador.es se preocupa por las semillas y las reflexiones anteriores al concepto de espectáculo.

“Será fantástico, para ambos eventos, la presencia de los gestores y artistas invitados en este primer Russafa Creativa. No sólo por las redes que se crearán entre las compañías y los creadores de ambos festivales sino por lo que significa este programa:  la recolección de un nuevo fruto no visto hasta el momento, resultado de mucho trabajo.” recalca Jerónimo Cornelles, director de Russafa Escènica.

El ring. Imagen cortesía de Russafa Creativa.

El ring, de Néstor Mir. Imagen cortesía de Russafa Creativa.

Lo que plantea ahora Russafa Creativa es trabajar la transversalidad codo con codo con una institución como Acción Cultural Española, revitalizar el tejido cultural valenciano y operar con referentes que puedan mostrar nuestras piezas fuera de nuestras fronteras al tiempo que se reflexiona sobre estos tiempos carentes de jerarquía, tiempos de cultura ciudadana, proactiva y alegre.

Los gestores culturales que viajarán hasta Valencia durante estos siete días, expertos en artes escénicas en sus países de origen,  tienen un perfil  de gestión creativa. Sus nombres, ya confirmados por la organización, son Romina Paula, dramaturga, gestora y actriz argentina; Malena Schinitzer, directora general del Festival de Dramaturgia de Buenos Aires; Jibbe Willems y Olinda Larralde, de Het Toneelschrijshuis y Bellevue de Amsterdam (Holanda) y Claudio Marcelo Kogon, del Suzanne Dellal Center For Dance And Theatre de Tel Aviv (Israel).

Mike Farris y su gospel sureño evangelizador

Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue
Gira España (Pamplona, Santiago de Compostela, Gijón, Valencia, Molina del Segura, Barcelona, Madrid, Bilbao)
Cita Sala 16 Toneladas
c/ Ricardo Micó nº 3 de Valencia
Martes 7 de junio del 2016 a partir de las 22:00 horas
Precio: 22€ anticipada(www.movingtickets.com, Harmony, Amsterdam); 25€ taquilla

Mike Farris - Gira

El próximo viernes 3 de junio comenzará la gira de Mike Farris por España que le llevará por ocho ciudades, ocho lugares privilegiados tales como Pamplona (Sala Zentral), Santiago de Compostela (Sala Capitol), Gijón (Sala Acapulco), Valencia (Sala 16 Toneladas), Molina del Segura –Murcia- (Teatro Villa de Molina), Barcelona (Sala Bikini), Madrid (Teatro Barceló) y Bilbao (Kafe Antzokia).

Mike Farris - Gira - 2016

Estamos ante una estupendísima oportunidad de ver a un portento vocalista que practica actualmente un impactante ritual de soul, blues, rock sureño y góspel. Acompañado de los siete músicos que actualmente forman The Roseland Rhythm Revue repasará toda su carrera musical junto a versiones clásicas del género.

Recordamos su trayectoria discográfica. Durante la década de los noventa lideró The Screamin’ Cheetah Wheelies, una banda esencial a pesar de que no llegaron a gozar de una merecida popularidad. Dejaron para los anales de la historia una trilogía de traca compuesta por “The Screamin’ Cheetah Wheelies” en 1994, “Magnolia” en 1996 y “Big Wheel” en 1998.

The Screamin' Cheetah Wheelies

(1994) The Screamin’ Cheetah Wheelies

Magnolia

(1996) Magnolia

Big Wheel

(1998) Big Wheel

En solitario cuenta con otra trilogía formada por “Goodnight sun” en el 2002, “Salvation lights” en el 2007 y “Shine for all the people” en el 2015, con los que ha conseguido diversos premios, especialmente relacionados con el góspel.

Goodnight Sun

(2002) Goodnight Sun

Salvation in Lights

(2007) Salvation in Lights

Shine for All the People

(2014) Shine for All the People

Lo dicho, recomendamos encarecidamente a Mike Farris junto a su banda The Roseland Rhythm Revue. Seguro que los amantes del soul, del blues y de la música de New Orleans o, en su caso,  cualquier aficionado a la música de alta calidad está frotándose las manos ante la posibilidad de ver a esta bestia en directo.

JJ Mestre

Los fabulosos Fleshtones recorren España

Fleshtones en concierto
Viernes 11 de marzo del 2016
Sala 16 Toneladas (calle Ricardo Micó nº 3 de Valencia)
23:00h (apertura de puertas)
15€ anticipada (www.movingtickets.com, Flexidiscos, Amsterdam, Harmony); 18€ taquilla.

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The Fleshtones: Keith Streng y Bill Milhizer, Keith Streng, Peter Zaremba y Ken Fox.

Hablar de los Fleshtones es hablar de una de las bandas de calidad más divertidas de la historia del rock, con un legado impresionante formado por 18 álbumes de estudio, algún que otro disco en directo y un sinfín de singles y EP’s. En todos ellos la honestidad por bandera aunque quizás sean solamente los primeros trabajos aquellos que gocen del status de auténticas obras maestras de la música popular (o así creo que deberían considerarse).

Pero no se puede dejar de hablar de los Fleshtones sin atender a sus conciertos en directo. Pocos, muy pocos grupos se pueden comparar con los neoyorkinos en esa faceta de alegría, buenrollismo e interconexión con el público. Desde la primera vez que los vi en la capital de España presentando el “Soul Madrid”  no han sido pocas las oportunidades en que he podido verificarlo. Y en todas ellas más de lo mismo, jamás han decepcionado y la diversión a raudales.

Fleshtones - portada último single

Portada último single Fleshtones ‘I surrender – Dominique Laboubée’

Superados los problemillas del pasado año 2015 por los que tuvieron que suspender la gira debido a la enfermedad del bajista Ken Fox, han vuelto a España entre los meses de febrero y marzo del 2016 para reencontrarse con el público español. Junto a Ken se completa el incombustible cuarteto con las leyendas vivas de Peter Zaremba, Keith Streng y Bill Milhizer.

Las previsiones son realizar 18 paradas a lo ancho y largo del actual estado español. Casi nada, cuando vienen aprovechan para conocer a fondo un montón de rincones de la geografía ibérica. En esta ocasión las citas son en Burgos, Vitoria, Donostia, Cáceres, Estepona, Sevilla, Córdoba, Granada, Tomelloso, Cangas de Morrazo, A Coruña, Alcalá de Henares, Alicante, Valencia, Madrid y Albacete, concretamente hasta el domingo 13 de marzo en que dará por concluido el Tour 2016 de los Fleshtones.

CARTEL-The-Fleshtones-16 Toneladas

Cartel Concierto Fleshtones en Sala 16 Toneladas

Garage, beat, surf, soul y rock and roll. Para los que no los han visto en directo prepárense para disfrutar y para los que ya los han hecho ahí tenemos una nueva oportunidad para ir de jarana. Fleshtones, altamente recomendables.

JJ Mestre

La mayor intimidad de World Press Photo

World Press Photo Valencia
Fundación Chirivella Soriano
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 13 de marzo de 2016

La fotografía ganadora del último World Press Photo es “poco común”. Lo dijo Paul Ruseler, representante de la organización que desde 1955 celebra el famoso concurso, explicando enseguida el por qué: “Generalmente las imágenes premiadas reflejan conflictos y esta no lo hace”. Lo que hace Mads Nissen, el fotógrafo galardonado, es recoger un momento íntimo de la vida de Jon y Alex, una pareja gay en San Petersburgo, donde la homosexualidad está discriminada legal y socialmente. Esa imagen “pura” contrasta, según Ruseler, “con la violencia contra el colectivo gay en Rusia”.

Fotografía de Liu Song. World Press Photo Valencia.

Fotografía de Liu Song. World Press Photo Valencia.

Las 140 fotografías, divididas en nueve categorías, que ocupan la Fundación Chirivella Soriano, con declinarse más hacia esa intimidad, no dejan de reflejar la violencia de la que huye la imagen ganadora. Violencia más tamizada, pero muy presente en el conjunto expositivo. El drama de los refugiados, con esa patera rebosante de inmigrantes que fotografía Massimo Sestini; los enfrentamientos en Kiev, con decenas de muertos (imagen de Jérôme Sessini), o la guerra entre palestinos e israelíes tomada por Tyler Hicks en una playa de Gaza, son expresiones elocuentes de esa violencia o crudeza que contrasta con la instantánea de Nissen.

Fotografía de Massimo Sestini. World Press Photo Valencia.

Fotografía de Massimo Sestini. World Press Photo Valencia.

Como recordó Ruseler, World Press Photo ha estrenado código ético, implantado a la edición de 2016, con el fin de poner ciertos límites a la manipulación de las fotografías, tal y como ocurrió con la ganadora de 2013 obra de Paul Hansen. Aún así, la línea roja sigue siendo cosa del jurado que, en esta ocasión, tuvo que elegir entre las casi 100.000 presentadas. “No es un muro técnico, ni una regla de exclusión”, explicó Ruseler en relación con ese código ético. De hecho, la fotografía de Mads Nissen, al reflejar la intimidad de Jon y Alex de forma tan escenográfica, ya corre el riesgo de parecer impostada. De nuevo Ruseler: “El jurado llamó al fotógrafo para preguntarle por las condiciones a la hora de hacer ese trabajo”.

Fotografía de Anand Varma. World Press Photo Valencia.

Fotografía de Anand Varma. World Press Photo Valencia.

De lo que no cabe duda es que World Press Photo, bajo la organización de Doctornopo, se consolida en Valencia al repetir por cuarto año en la Fundación Chirivella Soriano y haber cerrado un acuerdo por otros dos años. El Ayuntamiento de Valencia, más implicado, Banco Sabadell y Heineken España sostienen el proyecto. “La pasada edición recibió a más de 7.000 visitantes”, destacó Pablo Brezo, director de un evento que transmite en las visitas guiadas gran parte de su espíritu. “Queremos que el ciudadano traspase lo que hay en la imagen, que adopte una posición crítica”, señaló Brezo.

Fotografía de Tyler Hicks. World Press Photo Valencia.

Fotografía de Tyler Hicks. World Press Photo Valencia.

La intención es precisamente dar ese salto de la imagen espectacular, impactante, propia de la sociedad de consumo, a esa otra más reflexiva y analítica por la que aboga Doctornopo. Noticias de actualidad, temas o reportajes contemporáneos, proyectos, vida cotidiana, retratos, naturaleza o deportes reflejan ese amplio caleidoscopio del fotoperiodismo a nivel mundial. Fotógrafos de 131 países, ninguno español (“aunque se han presentado 181”, subrayó Ruseler), están representados en la exposición que permanecerá hasta el 13 de marzo en el Palau Joan de Valeriola. Sólo Carlos Spottorno, pero en la categoría de Corto Documental Online, ha sido galardonado con el tercer premio.

Fotografía de Kapcer Kowalski. World Press Photo Valencia.

Fotografía de Kapcer Kowalski. World Press Photo Valencia.

Ruseler, entre esas imágenes alejadas de la crudeza y más próximas al relato humano, destacó la de Messi, obra de Bao Tailiang, en la que el jugador argentino observa meditabundo la Copa del Mundo que perdió ante Alemania en 2014. También los ‘Efectos secundarios’ de Kacper Kowalski captan con sutileza la relación entre los seres humanos y la naturaleza vista desde un parapente a unos 150 metros de altura. Y, como novedad, la reproducción de la fotografía ganadora mediante la técnica Didú de Estudios Durero, para que pueda ser disfrutada por personas con discapacidad visual. Más poética, más sensible, más íntima: así aterriza la 61 edición de World Press Photo en Valencia.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Salva Torres

Lo nuevo de Mist y Lülla en Sala Russafa

Mist y Lülla
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Viernes 29 (20.30h) y sábado 30 de mayo (23.00h) de 2015

Sala Russafa centra su programación semanal en la música. El viernes 29 marcará el regreso de Mist, que vuelve tras siete años de silencio con un nuevo disco, ‘The Loop of Love’. Un descanso que su líder, Rick Treffers, ha aprovechado para dar salida a proyectos personales como ‘El Turista Optimista’, una divertida y entrañable colección de canciones en español surgida de la experiencia de vivir en Valencia los últimos cuatro años.

Rick Treffers, líder de Mist. Cortesía de Sala Russafa.

Rick Treffers, líder de Mist. Cortesía de Sala Russafa.

Este holandés creó Mist en Amsterdam, en 2002. La banda publicó tres álbumes y un EP que alcanzaron repercusión en Holanda, España, Alemania, Méjico y Chile, presentándolos en varias giras por Europa y América del Sur, y haciéndose un hueco en la música independiente nacional, gracias a su estrecha relación con nuestro país.

Ahora, afincado en España, retoma su antiguo proyecto con un nuevo disco en el que recupera su característico sonido onírico, lleno de pasajes cálidos, íntimos y envolventes. ‘The Loop of Love’ crea bucles en los que Treffers entra y sale para hablar del amor, de la intención de soltar lastres del pasado para empezar de nuevo, mezclando el optimismo como cierta nostalgia y melancolía.

Para defender este nuevo trabajo en directo en España, ha integrado en la banda a destacados músicos de la escena local como Gilberto Aubán (Gilbertástico), Remi Carreres (Comité Cisne), Sergio Devece (Corcobado) o Javi «Galope» (La Muñeca de Sal). Además, en su actuación en Sala Russafa contarán con la colaboración especial de la vocalista Rebeca Ibáñez (Uncle Son). Y Marta Domingo aportará su voz y violín en una velada de pop evocador, marcada por la cercanía, la sensibilidad y el positivismo que caracterizan a Treffers.

La banda valenciana Lülla. Fotografía: Rubén Soler.

La banda valenciana Lülla. Fotografía de Rubén Soler cortesía de Sala Russafa.

La programación musical del fin de semana se completa con la presentación en directo del tercer trabajo de la banda valenciana Lülla (sábado 30 mayo 23h). Una formación que cumple diez años sobre los escenarios y donde se encuentran músicos de la escena independiente valenciana como Juanjo Frontera (Frontera y Uncle Son), Javier Lacasta (Lola Puñales), Diego López (Ontario), Carolina Otero (The Someone Else’s y Mad Robot) y Juan Terol (Trinidad y Ontario).

Su anterior trabajo, ‘Fall in love with your self because I love no more’ (2012) tuvo una buena acogida por críticos como Julio Ruiz (Disco Grande, Radio 3), Pilar Arzak (Peligrosamente juntos, Radio 3), Carlos Pérez de Ziriza  (El País, Efe Eme, Rolling Stone…), Eduardo Guillot (Levante-EMV, Rockdeluxe, ByTheFest…) o Raúl Serrador (Mondo Sonoro), entre otros. Y fue seleccionado entre los mejores discos de la Comunidad Valenciana por publicaciones especializadas.

En Sala Russafa recorrerán las canciones de su nueva propuesta ‘Lülla’, editado por Malatesta Records. Un disco homónimo, influido por el género negro, en el que caben historias de asesinatos aparentemente involuntarios, mórbidas infidelidades descubiertas, novias de las sombras, inquietantes despedidas de femmes fatales, noches con niños perdidos (o abandonados) o leonas enamoradas de las dulces cebras que van a devorar… Elegantes medios tiempos que crean una atmósfera íntima y que se alternan con temas más luminosos,  combinando los instintos más salvajes y las emociones más desnudas.

 

John & Yoko: Suite 1742 por la paz

John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742
Fotografías de Bruno Vagnini
La Térmica
Avda. de los Guindos, 48. Málaga
Inauguración: Viernes 23 de enero, a las 20.00h
Hasta el 23 de marzo, 2015

La Térmica presenta por vez primera en España ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742’, exposición que recoge las míticas fotografías que Bruno Vagnini realiza el 31 de mayo de 1969 que documentan el ‘Bed-In’ desarrollado en la habitación 1742 del Hotel Queen Elizabeth de Montreal por John Lennon y Yoko Ono por la paz.

Esta segunda happening-protesta llevada a cabo por la pareja contra la Guerra de Vietnam, se produce después de la primera, una semana antes en Amsterdam, justo tras su boda en Gibraltar. En la ‘Bed-In’ de siete días (del 26 de mayo al 2 de junio) de Montreal es en la que se graba y retransmite a todo el mundo la mítica canción pacifista ‘Give Peace A Chance’.

Fotografía de Bruno Vagnini en la exposición 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica de Málaga.

Fotografía de Bruno Vagnini en la exposición ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742’. Imagen cortesía de La Térmica de Málaga.

Un joven italiano de 19 años, Bruno Vagnini, que estaba cursando Fotografía en la Academia de Bellas Artes de Montreal, es invitado por un conocido a encontrarse con John y Yoko. Estaba tan emocionado que hasta lleva su cámara Nikon comprada unos días antes con un sólo rollo de película en blanco y negro de 36, seguro de no lograr hacer ni una fotografía. En la espera, en la antesala al dormitorio, realiza algunas fotografías a la hija de Yoko, Kyoko, creyendo que dentro del dormitorio no va a poder realizar ninguna fotografía.

Después es acompañado a la Suite 1742: una suite enorme, pintada de blanco, con libros, folletos esparcidos por todos lados y eslóganes contra la guerra por las paredes. Al fondo, John y Yoko, en pijama, cómodamente sentados en la cama respondiendo a los periodistas. El dormitorio se transforma en un púlpito político y a los que critican esto como una payasada publicitaria, los seguidores del ex-Beatle les responden que se trata de una performance que cuestiona las definiciones de  identidad, privacidad y espacio. Vagnini logra hacerle 26 fotos a la pareja a pesar de su posición a contraluz, delante de la ventana. Una experiencia que este fotógrafo nunca ha olvidado. Una revisión emocionante de nuestra cultura contemporánea, de la paz y del amor.

Kyoko, hija de Yoko Ono, fotografiada por Bruno Vagnini, en 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica.

Kyoko, hija de Yoko Ono, fotografiada por Bruno Vagnini, en ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742’. Imagen cortesía de La Térmica.

La exposición

Casi cinco décadas más tarde esta muestra de La Térmica, comisariada por Ono y Mario Martín Pareja, con la colaboración del profesor de Historia del Arte Rodrigo Gutiérrez Viñuales, saca a la luz esas 30 imágenes que ilustran uno de los momentos más significativos para la historia, la música y el arte del siglo XX. Pero la exposición no se queda en el mero hecho de mostrar estas imágenes realizadas por Vagnini.

Concebida como una gran instalación, ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742’ está formada por tres espacios claramente diferenciados. El primer espacio nos introduce en las creaciones conceptuales de John Lennon y Yoko Ono. Incluye, además de dos monitores con fragmentos de las películas y creaciones musicales experimentales de John & Yoko, varias vitrinas con objetos, libros y documentos.

Portada del disco 'The Wedding Album', incluida en la exposición 'John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742'. Imagen cortesía de La Térmica.

Portada del disco ‘Wedding Album’, incluida en la exposición ‘John Lennon & Yoko Ono: Suite 1742’. Imagen cortesía de La Térmica.

Destacan los elementos que componen el disco conceptual realizado por ambos llamado ‘Wedding Album’, a finales de ese mismo año, 1969. El disco más atractivo desde el punto de vista objetual, y el más vinculado a la exposición, en tanto que incluye, no solo las fotografías de la boda en Gibraltar y el bed-in que antecedió al de Toronto en el Hotel Hilton de Amsterdam, sino también entrevistas y comentarios de esa experiencia, varias fotografías sueltas, un dossier de prensa, dibujos de Lennon, copia del certificado de matrimonio y hasta un trozo de la tarta de bodas en una bolsa de plástico con la palabra ‘bagism’.

Acompañan esta documentación las fotografías de John y Yoko y de la Plastic Ono Band, de Andrew MacLear, y elementos de la trayectoria conceptual de Yoko Ono anterior a su encuentro con John Lennon a finales de 1966 en la Indica Gallery de Londres; de Lennon (músico, poeta, dibujante, más tarde artista conceptual), en las artes plásticas, y de ambos como grupo artístico conceptual.

El fotógrafo Bruno Vagnini. Imagen cortesía de La Térmica.

El fotógrafo Bruno Vagnini, delante de algunas de sus imágenes. Cortesía de La Térmica.

En el segundo espacio que sigue se incluyen el texto introductorio de Yoko Ono en el que habla 44 años después sobre ese happening, junto a la serie de instantáneas de Bruno Vagnini tomadas en la Suite 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal.

Finalmente, el tercer y último espacio es el que muestra una blanquísima e inmaculada cama de matrimonio sobre la que se proyecta el vídeo ‘Give Peace a Chance’ y el documental ‘Bed Peace’ grabado en aquellos días. Encabezan dicho lecho una instalación repetitiva con los carteles creados con la leyenda en blanco y negro ‘War Is Over!’.

John Lennon y Yoko Ono en la 'bed-in' de Montreal de 1969. Fotografía de Mario Vagnini, cortesía de La Térmica.

John Lennon y Yoko Ono en la ‘bed-in’ de Montreal de 1969. Fotografía de Mario Vagnini, cortesía de La Térmica.

Iris van Dongen, huidiza y enigmática

Iris van Dongen
Comrade shadow (La sombra del camarada)
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 16 de Enero de 2015

Para su segunda exposición individual en Valencia titulada ‘Comrade shadow’ (La sombra del camarada), Iris van Dongen (1975 Tilburg, Paises Bajos) muestra un recorrido por su trabajo de estos dos últimos años en el que incluye sus impresionantes retratos psicológicos de mujeres, junto con pinturas e instalaciones objetuales, que surgen de su interés por el coleccionismo de antigüedades.

Van Dongen es conocida principalmente por sus retratos en pastel, donde logra juntar la realidad con elementos de carácter transitorio: la expresión de apatía, la vitalidad, la nostalgia, el yo en proceso de desaparición, tratando de mantener el tiempo y a su vez quitarlo completamente. Nos lleva a un viaje infinito a través del tiempo, siempre acompañado por el florecimiento de la juventud.

Obras de Iris van Dongen. Cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obras de Iris van Dongen. Cortesía de la galería Luis Adelantado.

Junto con los dibujos y pinturas, van Dongen presenta por primera vez la parte más objetual de su trabajo, tras varios años coleccionando cerámica holandesa Delft blauw (ya reconocidas mundialmente y que comenzaron a realizarse en el siglo XVII siendo copias más asequibles de las cotizadas porcelanas Chinas). El trabajo que hace van Dongen presentando varios jarrones de esas cerámicas sobre alfombras persas genera unas piezas escultóricas en las que los objetos presentados hablan al mismo tiempo sobre el trabajo y el ocio; el tiempo y el dinero, en unas composiciones que plantean cuestiones sobre la idea de lo auténtico en el arte.

También ha incluido esculturas africanas, que son presentadas con vitrinas de metacrilato extremadamente estrechas que se convierten en parte activa de las piezas, como dice van Dongen: “Son como unas gafas extrañas para las esculturas que han perdido la vista”.

Obras de Iris van Dongen. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obras de Iris van Dongen. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Las paredes están salpicadas de sus conocidos dibujos al pastel de pequeño y mediano formato de bellas y atemporales mujeres que parecen sacadas de un mundo de fantasía idílico (retomando, quizás, la huida de la realidad del Simbolismo).

En la exposición, los objetos se presentan junto con los dibujos como confrontación entre el presente y el pasado y a su vez como huida de la realidad, presente especialmente en los intensos retratos, con una gran carga de melancolismo, que nos acerca a la pura esencia del ser creativo.

Obras de Iris van Dongen. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obras de Iris van Dongen. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Después de sus estudios en la “Academie voor Kunst” en Hertogenbosch, Países Bajos, la artista ganó dos becas de residencia sucesivas en el “Kunstlerhaus Bethanien” en Berlín. Entre las numerosas exposiciones colectivas tanto en galerías como en museos podemos destacar el Nationalmuseum de Berlín, el Museo Vincent van Gogh de Ámsterdam, el Stedelik Museum de Ámsterdam, el CGAC en España, The Flag Art Foundation de New York, La Bienal de Tinara, White box de New York y el centro De Hallen de Holanda.

Su obra se encuentra en colecciones como: Smart Fine Art Collection, The Hunting Family Private collection, Van Dam Art Collection, Ruy Brandolini d’Adda; Paris, ABN AMRO Art Foundation, Glenn Furhman; Nueva York, Collection Nathalie Fournier, Lyon, Collection Defares, Aedes Real Estate Amsterdam. Rabo Bank Art Collection, Chadha Art Collection; Países Bajos, Gemeentemuseum Den Haag, Advaney Art, ING Collection Amsterdam, Marella Arte Contemporanea, Collection of Nicholas Rohatyn & Jeanne Greenberg Rohatyn; Nueva York, Collection Roel Arkesteijn, Michael & Susan Hort; Nueva York, Francesca Kaufmann, Sohohouse collection, Deutsche Bank art collection, Collection Wilfried en Yannicke Cooreman, Erik van Lieshout Collection, y la Ann Valerie Hash Collection entre otras.

Obras de Iris van Dongen. Cortesía de la galería Luis Adelantado.

Obras de Iris van Dongen. Cortesía de la galería Luis Adelantado.

A3bandas: Narrativas Culturales

Festival “A3bandas”: Narrativas Culturales
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 25 de mayo de 2014

La galería Paula Alonso presenta dentro del Festival “A3bandas” la exposición Narrativas culturales comisariada por Bruno Leitao, y que recoge el trabajo de cuatro artistas Carlos Amorales (México, 1970), Marlon de Azambuja (Brasil, 1978), Miguel Palma (Lisboa, 1964) y Sara Ramo (Madrid, 1975).

Entre 1738 y 1742, J. S. Bach compuso Die Kunst der Fugue (El Arte de la Fuga); esta obra, publicada después de su muerte, quedó inconclusa. Musicólogos de diferentes épocas se acercaron a ella para finalizarla. Los resultados obtenidos en su aproximación fueron dispares y reveladores. Algunos señalan que la “ausencia de fin” –al igual que la Columna Infinita de Constantin Brancusi– fue deliberada, como si Bach hubiese querido impregnar a Die Kunst der Fugue de esa capacidad que muy pocas obras poseen, la de escapar al tiempo.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Narrativas Culturales es una exposición cuyo punto de partida ha sido la obra Ámsterdam de Carlos Amorales. Ámsterdam plantea como “la destrucción” forma parte de lo inesperado en el devenir de una cultura. La forma perversa en la que algunas veces es usado este proceso y en la manera en que actuara sobre los individuos produciendo la disociación de los mismos es uno de los pilares sobre los que se ha construido la muestra. Las metáforas que incorpora esta obra sirven de detonante para establecer diálogos imposibles con las otras piezas de la exposición. Así Antes, Después, Ahora de Sara Ramo, Up and Down de Miguel Palma y las plantillas de Marlon de Azambuja conversan de forma transversal en el espacio expositivo.

Narrativas Culturales aborda la capacidad inherente humana en la construcción de sistemas organizativos para una posterior sistematización de sus procesos de creación determinando el surgimiento de una idea hegemónica u otra. Precisamente, de entre las construcciones humanas, las metanarrativas son las que permanentemente han estado cuestionadas. En la actualidad, éstas siguen bajo sospecha, y a traves de sus construcciones, basadas en la razon, siguen siendo discutidas mediante discursos paralelos donde realidad y ficción coexisten para formar parte del imaginario colectivo. Carlos Amorales, Sara Ramo, Miguel Palma y Marlon de Azambuja establecen una dicotomía entre la idea Iluminista como desarrollo de una sociedad y el pensamiento mediante el cual el individuo se desarrolla desde sus orígenes.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Es Sara Ramo quien nos introduce a través de Antes, Después, Ahora en el caos organizado que acontece en los procesos creativos. La confusión como herramienta de trabajo. El taller de la artista sirve como alegoría del sistema de construcción de una Cultura.

La investigación de Miguel Palma plantea una mirada sospechosa de la tecnología y la manera en que ésta se circunscribe en el sistema de valores dentro de la morfología social. En la visión no‐utópica de Palma subyace una ironía casi constante que revela los sueños –irrealizables‐ que esconden las máquinas modernas y las promesas que las encierran.

Fotografía de una salas de la Galería Paula Alonso en las que se recoge la muestra expositiva "Narrativas Culturales". Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. «Narrativas Culturales». Imagen cortesía de la galería.

Marlon de Azambuja indaga en la historia del arte para desvelarnos las líneas maestras que se articulan en la evolución de la naturaleza humana. En Narrativas Culturales Azambuja busca la huella del objeto como registro único de su propia existencia. Standardgraph 1310, Faber Castell 172601, Standardgraph 7343… son las pinturas supervivientes que han conseguido escapar a la rigidez y el control de la forma contenida en la plantilla.

Nos gusta pensar en J.S. Bach y en la infinidad de Die Kunst der Fugue o en J.S.Bach y Die Kunst der Fugue conclusa, sea como fuere, Bach nos adentra en una polisemia propia que se recoge en esta muestra a través de los múltiples procesos interculturales. Herramientas que aplican los artistas seleccionados para reconstruir la oralidad, la escritura y la ideología. Ya sea un proceso de deconstrucción o creación, todos ellos nos hacen cuestionar los métodos que sustentan el conflicto entre lo cotidiano –como narrativa individual– y lo hegemónico.

Bruno Leitão

Fotografía de una de las salas de la Galería Paula Alonso en la que vemos una obra de Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

Galería Paula Alonso. Carlos Amorales. Imagen cortesía de la galería.

El graffiti coge velocidad en Mr. Pink

‘Ultra Dinámica’, de Felipe Pantone y Demsky
Galería Mr. Pink
C / Guillem Castro, 110 . Valencia
Hasta el 7 de febrero

La actriz Gwyneth Paltrow y su novio Chris Martin han comprado esta semana una obra de Banksy, el más famoso graffitero, por medio millón de euros. Al cantante Justin Bieber le dio recientemente por pintar en el muro de una calle durante su gira por Australia, en un país que pena con siete años de prisión a quien ejerza esta práctica callejera. Ya hay hasta certámenes de graffiti, como el de Linares, y espacios de solera, como la pionera Tate Modern de Londres, que acogen exposiciones dedicadas al arte urbano. ¿Estamos ante un boom del graffiti? ¿Ha pasado de ser un “acto vandálico” a convertirse en arte que cotiza al alza? ¿Ha dejado de tomar a las paredes de la ciudad como exclusivo lienzo de su práctica artística, para ocupar las paredes más prestigiosas de galerías y museos?

Obra de Felipe Pantone para la exposición 'Ultra Dinámica'. Imagen cortesía de Mr. Pink

Obra de Felipe Pantone para la exposición ‘Ultra Dinámica’. Imagen cortesía de Mr. Pink

La galería Mr. Pink no pretende responder a estas preguntas, pero sin duda las suscita con su exposición Ultra Dinámica. Dos de los más pujantes graffiteros valencianos, Felipe Pantone y Demsky, intervienen en cuatro paredes de la sala, para dejar constancia de la efervescencia del arte urbano en los últimos tiempos. Aunque Pantone precisa: “El graffiti es un movimiento de hace 40 años y se ha empezado a valorar ahora, quizás porque no quedaba más remedio”. Al igual que distingue entre graffiti y arte urbano. El primero es “más cabrón, de nosotros para nosotros, muy hermético y cerrado”. El segundo, “se ha vuelto muy complaciente, más blando; el que gusta a las madres”.

Una de las obras urbanas de Felipe Pantone. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Una de las obras urbanas de Felipe Pantone. Imagen cortesía de Mr. Pink.

PUNTO DE LOCURA

Demsky no tiene tan clara la distinción. “El graffiti es una manera de expresión, sin fin lucrativo”. Del arte urbano dice que no lo ha llegado a comprender del todo. Eso sí, aclara que, en todo caso, “el arte no conlleva los riesgos que tiene el graffiti”. Quizás por estos riesgos que asume el graffiti, es por lo que Demsky piensa que se trata de una práctica “atractiva” en tanto resulta “algo ilegal”. Lo cual explicaría a su vez las disparatadas cifras pagadas por algún Banksy, tal y como ha sucedido con la reciente subasta de su globo a modo de corazón lleno de tiritas que ha costado a Gwyneth Paltrow y su novio 500.000 euros. “El arte en general tiene este punto de locura”, remacha Pantone.

Obra de Pantone y Demsky en Ucrania. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pantone y Demsky en Ucrania. Imagen cortesía de Mr. Pink.

La propuesta que Pantone y Demsky trasladan al interior de la galería Míster Pink sigue los dictados del Manifiesto Ultradinámico redactado por el propio Pantone y secundado por Demsky. Los 15 puntos del documento siguen cierta estela del movimiento futurista de Marinetti, sobre todo allí donde se subraya la importancia de la carrera, del salto mortal, de la eterna velocidad omnipresente. Y aunque el “cambio agresivo”, para violentar la “disolución de la tradición”, es elemento nuclear de lo Ultradinámico, el manifiesto de Pantone no llega a proclamar “la bofetada y el puñetazo” con el que Marinetti llegaba a “glorificar la guerra” y el “desprecio por la mujer”.

TIEMPOS EFÍMEROS

Lo que sí destaca Felipe Pantone es que el graffiti “es la máxima expresión de estos tiempos efímeros”. De ahí su apuesta por el Arte Cinético, el dinamismo, el movimiento y la atracción por esa velocidad omnipresente de los tiempos actuales. Un tiempo coherente, según recoge en su manifiesto, con la modernidad líquida (y aquí resuena Bauman), con sus relaciones transitorias y su condición desechable y efímera. Pantone se encarga de incorporar todas esas ideas a los dos murales con los que interviene las paredes de Mr. Pink, mientras Demsky hace lo propio en otra de las paredes, al tiempo que realiza una escultura de hierro. Se trata, como figura en el manifiesto, de “la incorporación en el espacio pictórico de la incertidumbre y la sorpresa”.

Obra de Pantone en Taiwan. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pantone en Taiwan. Imagen cortesía de Mr. Pink.

La reivindicación del graffiti como arte controvertido, en tanto busca apropiarse de la ciudad desde el anonimato y romper los parámetros del mercado sin renunciar a lo crematístico, hace de Ultra Dinámica un magnífico escaparate. Un escaparate que no alcanza las dimensiones de París, Berlín o Amsterdam (“yo vivo de lo que hago fuera”, dice Pantone), pero que sin duda dinamiza el espacio artístico.  Graffiti a toda pastilla, en tiempos de aceleración compulsiva.

Detalle de la obra de Felipe Pantone para 'Ultra Dinámica'. Imagen cortesía de la galería Mr. Pink.

Detalle de la obra de Felipe Pantone para ‘Ultra Dinámica’. Imagen cortesía de la galería Mr. Pink.

Salva Torres