Seis actores con mucha memoria

Memoria de la Escena Española
Fundación Aisge
Sala Russafa de Valencia
Lunes 22 de octubre de 2018

La dedicatoria de Paco Sanchis en su libro Un actor de provincias lo dice casi todo: “A todos los compañeros y compañeras profesionales de provincias que, como yo, nunca fuimos premiados con un Goya por nuestro trabajo en el cine, haciendo pequeños papeles. Ni con un Ondas, por haber colaborado en radio y televisión. O, ni siquiera, con un accésit a premio alguno”. Actores como Antonio Campos La Margot, Piero Falla, Gaby Fariza, Isabel Requena, José Soler o el propio Sanchis, a los que la Fundación Aisge hace un hueco en su colección Memoria de la Escena Española, para que sus recuerdos no se pierdan y sigan vivos con el paso de los años. Ya son un centenar los incluidos en la colección, la segunda vez que toma a los actores valencianos como protagonistas.

Paco Sanchis durante su alocución en la Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Paco Sanchis durante su alocución en la Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

A través de una serie de talleres de escritura, repartidos por toda España, Aisge posibilita que actores que han dedicado toda su vida a la profesión, puedan dar cuenta de ella en una serie de libros. La Sala Russafa acogió esta semana la presentación de seis de estas autobiografías. La de Antonio Campos, bajo el título de Margot: el maquillaje son mis personajes. La de Piero Falla es Diario de un actor. Rabiosamente jóvenes, agresivamente dinámicos, la de Gaby Fariza. Isabel Requena, Material fungible. Al galope Garicope (o un actor que muere una y otra vez) es la dedicada a José Soler, además de la mencionada de Sanchis.

Isabel Requena durante la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Isabel Requena durante la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Con la enigmática frase, “cuando la actriz se despertó, el dinosaurio aún estaba allí”, arrancó su breve alocución Isabel Requena, durante la presentación de los seis ejemplares, que contaron con los actores Juanjo Navarro e Isabel Martí como maestros de ceremonias. Edu Borja con sus títeres, la cantante Mireia Vives, la bailarina Isabel Abril y el pianista Arcadi Valiente subrayaron igualmente con sus actuaciones el emotivo acto. “¿Por qué soy actriz?, se pregunta la propia Requena en su autobiografía. “Porque a veces los actores en el escenario, sea en un teatro o en la plaza de un pueblo, llegamos a pensar con la piel, con las plantas de los pies, con el pulso de la garganta y el batir de las sienes”.

Piero Falla en la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Piero Falla en la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

La misma pregunta se hace Paco Sanchis. “¿Qué es un actor? Esta es una pregunta a la cual se han dado miles de respuestas…Cuando alguien me lo pregunta a mí, siempre respondo lo mismo: un actor es el envoltorio de todos los sentimientos que puede experimentar el ser humano”. Por esa misma línea se decanta Piero Falla, recogida en palabras del periodista Vicent García: “El Teatro, con mayúsculas, es el arte de vivir en la propia piel la vida de los otros/as, sus otras vidas, sus risas y sus llantos”.

José Soler durante su alocución en la Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

José Soler durante su alocución en la Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Esa necesidad de vivir a flor de piel la existencia de otros ha supuesto para muchos  de ellos una forma de enfrentarse a sus propios miedos, que suelen ser, de nuevo, la de casi todos. “Pero, ¡por Dios bendito!, si yo siempre había sido un tremendo “timidajo”, incapaz de hablar dos palabras seguidas en público”, reconoce Soler. Y añade: “Empecé a darme cuenta de que no era yo, José Soler, quien estaba hablando o actuando ante el público. ¡Era un personaje!, el personaje de turno, al que me tocaba dar vida en aquel momento”.

Gaby Fariza durante la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Gaby Fariza durante la presentación de su libro. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Las autobiografías siguen un relato más o menos cronológico de los acontecimientos vividos, aunque en el caso de Requena salpicados de pensamientos fugaces y más novelados. Pensamientos como éste: “Nombrar al personaje es una ciencia, un personaje bien nombrado facilita mucho el trabajo”. O este otro: “Las iglesias del Estado son las cárceles. La Cárcel Modelo de Valencia es muy hermosa, tiene la belleza de una catedral. Una catedral del poder. Es la belleza de la paradoja”. Y culminando su propia reflexión en torno a la pregunta de por qué es actriz, señala lo siguiente: “Porque a veces, en el escenario, los actores logramos una proeza terrorífica: la compasión”.

Antonio Campos, La Margot,  durante su intervención en Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Antonio Campos, La Margot, durante su intervención en Sala Russafa. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

En las seis autobiografías de la colección que dirige Amparo Climent, bajo la coordinación de Juan Jesús Valverde, siendo Paco Alegre el responsable de los talleres, se destila esa compasión, también mucha crítica hacia una época, la franquista, que ha dejado en todos ellos un poso agridulce. En cualquiera de los casos, como destacó Climent en su encendido elogio de cada uno de los actores, “en todos los libros no hay ningún resentimiento”, porque lo no se llegó a manifestar, “se decía a través del teatro independiente”. Teatro que todos ellos profesaron con auténtica pasión, a pesar de los pesares. Así lo proclama La Margot, en palabras de Walt Whitman: “La sociedad de hoy somos nosotros, los “poetas vivos”. No permitas que la vida te pase a ti, sin que tú la vivas”.

Foto de familia del acto de presentación de los libros de la colección Memoria de la Escena Española. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Foto de familia del acto de presentación en Sala Russafa de los libros de la colección Memoria de la Escena Española. Imagen cortesía de Fundación Aisge.

Salva Torres

El ‘minuto cero’ del convenio del sector teatral

Primer Convenio colectivo de los actores y actrices valencianos
Jueves 8 de febrero de 2018

La Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte ha impulsado, mediante el Institut Valencià de Cultura, el primer Convenio colectivo de los actores y actrices valencianos, que firmaron el pasado jueves 8 de febrero en el Teatro Principal de València la Associació d’Empreses d’Arts Escèniques del País Valencià (AVETID), la Associació d’Actors i Actrius del País Valencià (AAPV) y representantes de los sindicatos.

A la firma del convenio asistieron el conseller de Cultura, Vicent Marzà; la diputada de Teatros y Memoria Histórica de la Diputación de València, Rosa Pérez Garijo; el director general del Institut Valencià de Cultura, Abel Guarinos, y el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, Roberto García. El convenio lo firmaron la presidenta de AVETID, Maria Ángeles Fayos; el presidente de la AAPV, Ximo Solano, y representantes sindicales. Después de la firma, la Generalitat se adhirió al convenio, un apoyo que da ejemplo para que otros productores públicos y privados de nuestro territorio apliquen también este acuerdo.

De izda a dcha, Mariángeles Fayos, Vicent Marzà y Ximo Solano. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

De izda a dcha, Mariángeles Fayos, Vicent Marzà y Ximo Solano. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

Según el conseller Marzà, “por primera vez, el sector del teatro valenciano dispone de un convenio colectivo, un paso histórico para la regularización, la profesionalización y la dignificación laboral del sector escénico. Un acuerdo que nos iguala a convenios semejantes firmados desde hace años en el resto del Estado”. Esta iniciativa ha sido impulsada por Cultura de la Generalitat y consolida uno de los objetivos de trabajo del primer semestre de 2018 establecidos en el Seminari de Govern de Benicarló-Vinaròs.

El responsable de Cultura de la Generalitat apuntó que “hay que aplaudir el trabajo de la AVETID y de la AAPV, que han buscado el consenso en todo momento, y también el trabajo hecho por los sindicatos. Desde la Generalitat no solo hemos impulsado que este convenio fuera una realidad, sino que nos comprometemos a ponerlo en práctica desde el minuto cero por lo que respecta a la contratación de actores y actrices en las producciones teatrales públicas que dependen de nosotros”.

Además, las convocatorias de ayudas del IVC tendrán en cuenta lo que se detalla en este acuerdo. Se consensuará con el sector la modificación de las bases reguladoras de ayudas a la producción de espectáculos, giras y salas o teatro de exhibición regular y profesional. El convenio estará vigente hasta el 31 de diciembre de 2019 y se prorrogará por períodos sucesivos de un año, mientras no sea objeto de denuncia escrita por cualquiera de las partes firmantes. Esta prórroga comportará un incremento de las condiciones económicas de acuerdo al IPC.

Representantes institucionales y profesionales del sector teatral, tras la firma del convenio en el Teatro Principal. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

Representantes institucionales y profesionales del sector teatral, tras la firma del convenio en el Teatro Principal. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

El conseller Marzà explicitó que “estamos en un momento de recuperación del sector de las artes escénicas en nuestro territorio. Hay que recordar el significativo incremento económico de las ayudas al sector por parte de la Generalitat, que han aumentado un 178 % con respecto al año 2014. En 2018 se llegará a 3.500.000 millones de euros, la cifra más alta de la historia”.

Y añadió: “Esto es solo un dato, no vamos con triunfalismos, ya que nos encontramos con una industria teatral a punto de desmantelarse por las políticas del antiguo gobierno y lo que estamos haciendo es revertir y reconstruir la escena teatral valenciana entre todos”. El titular de Cultura explicó que “el objetivo compartido es aumentar y fidelizar público valenciano que vaya al teatro y mejorar las condiciones del sector”.

En este sentido hay que recordar que los teatros Principal y Rialto de València han tenido un 40% más de espectadores en 2017 con respecto al año anterior, y específicamente la obra ‘Tic tac’, una coproducción del IVC y la Diputación de València, superó los 7.000 espectadores. Asimismo, el Teatro Principal de Castellón ha incrementado en un 8 % los espectadores con respecto a 2016 y el Teatro Arniches de Alicante ha tenido 6.600 asistentes en 2017, destacando en este caso que, de octubre a diciembre de 2017, hubo un 68 % más de espectadores que en el mismo período de 2016.

Miembros institucionales y representantes del sector teatral tras la firma del convenio, en el hall del Teatro Principal. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

Miembros institucionales y representantes del sector teatral tras la firma del convenio, en el hall del Teatro Principal. Imagen cortesía de la Conselleria de Cultura.

Un futuro de cine: Adrián Lastra y Elena Martín

Un futuro de cine
Adrián Lastra y Elena Martín
Cinema Jove
Del 23 de junio al 1 de julio de 2017

Cinema Jove lleva años apoyando a los nuevos talentos del cine español a través de su premio Un futuro de cine. El trofeo ha reconocido en el pasado a jóvenes promesas que, con el tiempo, se han convertido en actores consagrados. Elena Anaya, Marta Etura, Carlos Areces, Michelle Jenner, Macarena García, Leticia Dolera y Gorka Otxoa se encuentran entre los intérpretes que el festival ha destacado en ediciones anteriores.

En esta ocasión, el festival ha decidido destacar a los actores Adrián Lastra y Elena Martín. A ambos se les dedicará un ciclo durante la muestra de cine. Los dos actores participarán en sendos encuentros con el público al término de la proyección de sus películas más destacadas.

Adrián Lastra. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Adrián Lastra. Imagen cortesía de Cinema Jove.

 

El salto al cine de un hombre de teatro

A pesar de que Adrián Lastra (Madrid, 1984) ha triunfado entre el gran público con su papel del mozo de los recados de la serie de Antena 3 Velvet, cuenta en su trayectoria con un largo recorrido en el teatro musical, con papeles en los montajes Broadway Millenium, Hoy no me puedo levantar, 40, el musical y Más de cien mentiras.

También sobre las tablas, Lastra protagonizó este año pasado la versión teatral de la película El discurso del rey (Tom Hooper, 2010), dirigida por Magüi Mira. Su interpretación del rey Jorge VI de Inglaterra le deparó en 2016 el prestigioso Premio Ercilla al mejor intérprete masculino.

En cine la hemos podido ver en Primos, de Daniel Sánchez Arévalo, por la que recibió una nominación al Premio Goya como mejor actor revelación, En la actualidad, tiene pendiente de estreno el filme de terror Noctem, de Marcos Cabotà, sobre dos amigos que desaparecen en México y, un año después, son hallados sus móviles, repletos de grabaciones donde se puede rastrear lo que les ha ocurrido.

Entre sus próximos proyectos destaca la comedia coral Toc toc, de Vicente Villanueva, y Nadie muere en Ambrosía, un proyecto cercano al realismo mágico del dominicano Héctor Valdez.

En breve se le volverá a poner en la piel de Pedro en la serie Velvet Colección. El personaje televisivo le ha valido el reconocimiento a Mejor actor de reparto en los Premios de la Unión de Actores de este año. En octubre vuelve a los escenarios con el musical Billy Elliot.

Elena Martín, primera por la izquierda. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Elena Martín, primera por la izquierda. Imagen cortesía de Cinema Jove.

 

Actriz, pero también directora y guionista

Elena Martín (Barcelona, 1992) se dio a conocer el año pasado al protagonizar Les amigues de l’Àgata (Alba Cros, Marta Verheyen, Laia Alabart y Laura Rius), trabajo final de carrera de un grupo de estudiantes de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra.

Este 2017 salta a la dirección cinematográfica con Júlia Ist y se pone delante y detrás de las cámaras para protagonizar una historia que “tiene mucho de autobiográfico”. Bajo la tutoría de Gonzalo de Lucas y aconsejados por directores de la talla de Mar Coll (Tres días con la família) e Isaki Lacuesta (La próxima piel), decidió llevar a cabo una película sobre la beca Erasmus que reflejara su propia experiencia.

La propuesta se hizo con la Biznaga de Plata a la Mejor Película, la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección y el Premio Movistar + a la Mejor Película en la sección Zonazine del pasado Festival de Cine Español de Málaga.

Recientemente, Elena ha participado en la última película de Meritxell Colell Con el viento, y ha representado la obra Wohnwagen en La Seca Espai Brossa y el Teatro Español de Madrid. Actualmente está preparando una nueva obra con la compañía Íntims, que se estrenará en septiembre en la Fira de Tàrrega.

El Festival Internacional de Cine de València – Cinema Jove está organizado por el Institut Valencià de Cultura – IVAC, y tiene como objetivo la promoción de jóvenes cineastas. La cita con las últimas tendencias del audiovisual está programada del 23 de junio al 1 de julio.

Elena Martín en 'Júlia Ist'. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Elena Martín en ‘Júlia Ist’. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Una compañía infernal

Cabaret Gótico, de El Circo de los Horrores
Carpa situada en el cauce del río Turia
Puente de las Flores. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

Decía Mark Twain que prefería el paraíso por el clima, pero el infierno por la compañía. Cabaret Maldito, que viene a cerrar la trilogía que Circo de los Horrores inició con el propio nombre de la compañía y siguió con Manicomio, es el sitio ideal para ello. Con Lucifer (Dani Román) ejerciendo de maestro de ceremonias, invita a los valencianos a pecar en la catedral gótica instalada en el cauce del Turia, junto al Puente de las Flores. La mezcla de física (circo) y química (cabaret) da como resultado un espectáculo que saca “el lado oscuro de todo el mundo”, señala Rafael González, productor del renovado show.

Escena de Cabaret Maldito.

Escena de Cabaret Maldito. El Circo de los Horrores.

Más de 30 actores, bailarines y acróbatas dan vida a ese infierno que en su primera semana en Valencia ya ha colgado del cartel de todo vendido. “La gente se desinhibe y saca su parte más canalla, disfrutando a tope”, apunta González, que invita al publico valenciano “a que vengan a vender su alma”. Por el escenario de ese Cabaret Maldito, cuya idea original es de Suso Silva, van desfilando diversos personajes cuyos números sensuales y provocadores incitan a sumergirse en “los deseos más negros y profundos”.

La sinopsis del espectáculo habla de un infierno donde “no existen reglas, ni prohibiciones, ni tabúes” y donde dar rienda suelta “a los instintos más primitivos del género humano”. ¿Es para tanto? “No somos la voz más transgresora, porque este show hace 30 años hubiera sido más rechazable”, pero el productor sí asegura que el espectáculo “saca nuestro lado más gamberro”. Reconoce que la sociedad ha evolucionado, que ya no asusta tanto ver un desnudo (que los hay en Cabaret Maldito), sobre todo “cuando las cosas que vemos por ahí fuera son muchas veces más fuertes de lo que ocurre aquí dentro”.

Cabaret Maldito.

Imagen promocional de Cabaret Maldito.

Y lo que ahí ocurre, y viene ocurriendo desde que hace 10 años iniciara su andadura Circo de los Horrores, es que la fusión de técnicas (teatro, circo, cabaret) y la “profesionalidad” de sus integrantes “ha logrado el éxito que nos ha permitido desarrollar la trilogía que llega a su fin con Cabaret Maldito”. ¿A su fin? “Bueno, Lucifer es un gran mentiroso”, deja caer González. Y añade: “El circo siempre ha sido tratado como el hermano pequeño de las artes escénicas, cuando por el número de espectadores está demostrado que funciona muy bien”.

Ahí está el Circo del Sol para demostrarlo y, ahora, el propio Circo de los Horrores. “Ellos [ por el Circo del Sol] son la perfección, nosotros además tenemos alma”. El alma que quiere que vendan los valencianos a su entrada al espectáculo, donde caben todos: “Los horrores atraen por igual a gente de todo tipo, desde los más góticos a los más pijos”. Todo ello gracias a la atmósfera inquietante creada por Miguel Brayda, el diseño de luces de Juanjo Llorens, la coreografía de Lola González y la música de José Luis Chicote, que versiona clásicos del pop y del rock, junto a composiciones propias.

El plantel de Cabaret Maldito.

El plantel de Cabaret Maldito. El Circo de los Horrores.

Cabaret Maldito estará en Valencia hasta el 13 de noviembre, coincidiendo con Halloween. “No somos un show para Halloween, pero qué mejor sitio para celebrarlo que éste”, subraya González, de tradición familiar circense, que ha querido junto a su hermano Manuel como productores darle ese toque contemporáneo al circo de toda la vida. “Esa mezcla de circo y cabaret es lo que nos distingue”.

Dani Román, caracterizado como Lucifer, dejó entrever en una de las piezas cierta crítica hacia quienes miran por encima del hombro este tipo de espectáculos. “Esto es cultura, es arte, y el que lo cuestiona va mal”, enfatizó Rafa González, rodeado de los 35 personajes víctimas de los siete pecados capitales. “El ser humano necesita este toque de adrenalina”, insistió el productor. Cabaret Maldito, como diría Bataille, une las pasiones de la santa, que llena de pudor aparta la vista del voluptuoso, con las del perverso. En la catedral gótica instalada en el cauce del Turia repican por igual todos los sentidos.

Cabaret Maldito.

Cabaret Maldito, de El Circo de los Horrores.

Salva Torres

Los miedos de Russafa Escènica van en autobús

Video promocional de Russafa Escènica 2016
Rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual
Del 15 al 25 de septiembre en Valencia

Como ya es habitual en Russafa Escènica, el festival ha realizado un vídeo promocional para dar visibilidad a su sexta edición, que lleva por título ’Miedos’ y que se desarrollará en Ruzafa, Valencia del 15 al 25 de septiembre.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Rodado por Quatre Films con la colaboración EscaparateVisual y dirigido por Jerónimo Cornelles, director artístico de Russafa Escènica, el vídeo tiene como protagonistas una representación de actores y actrices de las 21 compañías que presentarán sus propuestas en el festival, además del proyecto Invernadero.

El spot, que sirve como carta de presentación de la cita, conecta con el lema de este año y juega con la imaginación. Gracias al acuerdo de colaboración entre Russafa Escènica y EMT Valencia, el vídeo tiene la peculiaridad de que ha sido rodado en uno de los autobuses de la empresa municipal de transportes que recorre la línea 4 y que ha sido totalmente personalizado para el festival con la imagen corporativa de Russafa Escènica.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

En palabras de Cornelles, “a pesar de que el lema de este año sea miedos, la organización y las compañías llegamos sin miedo, aunque a veces el camino sea difícil. Y no lo tenemos porque creemos en este proyecto y porque sabemos que su llegada está cargada de cosas positivas. Porque el miedo paraliza, y porque nosotros estamos en continuo movimiento”.

RUSSAFA ESCÈNICA 2016 – "PORS / MIEDOS" from Quatre Films on Vimeo.

Danzando contra la anorexia

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno
Auditori Municipal de Riba-roja
C / Mayor, 135. Riba-roja (Valencia)
Viernes 20 de noviembre a las 20.30h

Bailarines, modelos, actores y otros profesionales que viven de cara al público son colectivos sensibles a padecer lo que se llama TCA, trastornos de la conducta alimentaria como la anorexia o la bulimia. La obsesión por la delgadez como sinónimo de buena imagen puede llevar a estos peligrosos extremos.

Precisamente desde uno de estos colectivos, el mundo de la danza, irrumpe un grito de aviso y advertencia contra los TCA. Princesas o comerse la vida es el título de la producción de la compañía valenciana Extremus Danza, dirigida por la dramaturga, coreógrafa y bailarina Eva Moreno.

El ballet se estrenará para el público en general el 20 de noviembre en el Auditorio Municipal de  Riba-roja, a las 20.30 horas. El día anterior se ofrecerá un pase especial para el  público adolescente.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

“No he sufrido en persona el problema, pero conocí sus perniciosos efectos a través de unos vecinos que parecían la pareja perfecta”, dice Moreno. “Me impresionó tanto que he estado dos años dándole vueltas a la forma de expresar  mediante la danza este juego de falsas apariencias, lo que hay detrás de lo visible, el doble fondo de la realidad cotidiana”.

Para lograr este complejo objetivo, Moreno ha enlazado de forma audaz tres estilos de baile, el flamenco, la danza española y la contemporánea que borran sus fronteras en  un  espectáculo vanguardista y multidisciplinar. Mireia Fuster, Vicente Ferragud y Sandra Ruiz son los bailarines que participan en la coreografía.

El título, Princesas, es una alusión al nombre con el que se autodenominan las chicas anoréxicas o bulímicas en las redes sociales. Los TCA son la tercera enfermedad entre las adolescentes occidentales, un trastorno  que presenta un elevado número de casos entre los profesionales de la danza.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

Debate en familia

“Princesas nace con el deseo de plantear preguntas a padres y educadores  sobre hacia dónde vamos como sociedad”, dice Moreno. “Pretende ser un punto de partida para un trabajo de debate en familia o en el aula sobre la relación que tenemos con nuestra imagen y con los estándares de belleza actuales”. El espectáculo busca “acercar el problema de los TCA al público en general y a la población más vulnerable, los adolescentes.

Con este doble objetivo la gira programada incluye siempre una función dirigida al público más joven. Con estos espectadores se dialogará después de la representación para abordar la anorexia y bulimia con especialistas de la materia. También se hará  en las aulas con los profesores, a través de una guía didáctica diseñada por la compañía. El montaje cuenta con la colaboración de la Asociación Valenciana de Familiares de Enfermos con Trastornos Alimentarios: Anorexia y Bulimia (Avalcab).

Eva Moreno. Fotografía de Jesús Vallina.

Eva Moreno. Fotografía de Jesús Vallina.

Discípula de Gades

Afincada desde hace más de una década en Valencia, la madrileña Eva Moreno utiliza de forma vanguardista el lenguaje de la danza española y el flamenco para contar historias de cada día. Su trabajo como coreógrafa no se entiende sin su compromiso social.

Se inició artísticamente en los tablaos flamencos de Madrid y con el Ballet Antonio Gades. En 1999, viaja a Alemania, becada por la SGAE y Ministerio de Cultura, donde se nutre de las tendencias más vanguardistas de la escena contemporánea, mientras estudia Coreografía en Berlín.

Directora de Extremus Danza, con la que crea la premiada obra Pared con Pared, desde 2012 dirige el proyecto de inclusión social a través del baile flamenco ¡A Quelar! y compagina su trabajo creativo con la docencia. Ha sido galardonada, entre otros premios, con el 1º Premio de Dirección del Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena (Madrid) y el 2º Premio de Coreografía en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

Princesas o comerse la vida, de Eva Moreno. Fotografía: Miguel Campos Folgado.

Bel Carrasco

Una mirada escénica sobre ETA

La mirada del otro, de Chani Martín
Espai Rambleta
C/ Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Sábado 7 de noviembre de 2015, a las 20.30h

“En una sala de la cárcel, víctima y victimario conversan ante la presencia de un mediador externo que figura como punto equidistante para que ambos puedan ver a través de los ojos del otro”. Esta escena que se desarrolla sobre las tablas del teatro refleja otras situaciones reales que se han vivido entre víctimas de ETA y presos arrepentidos de la banda terrorista.

La obra teatral La mirada del otro documenta estos encuentros, desconocidos para gran parte de la sociedad, con una puesta en escena directa e impactante -solo tres actores- y un objetivo: contar esta realidad desde un punto de vista humano y dejar al espectador un poso de reflexión.

El espectáculo, dirigido por Chani Martín e interpretado por Ruth Cabeza, Pablo Rodríguez y María San Miguel, documenta los encuentros entre víctimas de ETA y presos arrepentidos de la banda. La pieza contribuye a dar a conocer una realidad desconocida para gran parte de la sociedad y genere diálogo.

Un instante de la representación de 'La  mirada del otro'. Fotografía cortesía de Rambleta.

Un instante de la representación de ‘La mirada del otro’. Fotografía cortesía de Rambleta.

La compañía Proyecto 43-2  (primera vez en Valencia y tras un exitoso paso por otras ciudades) presenta la segunda parte de una trilogía sobre Euskadi, la memoria colectiva y la convivencia con el Otro, con el que la compañía trabaja y pretende establecer una nueva forma de entender la realidad social utilizando como medio el teatro y el diálogo conjunto con el público.

Si en el primer espectáculo Proyecto 43-2 exponía las distintas percepciones de la realidad que se vive en Euskadi, La mirada del otro, documenta sobre lo que fueron los encuentros entre ex miembros de ETA y víctimas directas o indirectas, con la preparación previa de los mediadores, que se desarrollaron en 2011.

http://www.entradas.com/tickets.html?fun=erdetail&affiliate=EES&doc=erdetaila&erid=1502619

Ruth Cabeza, María San Miguel y Pablo Rodríguez conforman el trío actoral de 'La mirada del otro'. Fotografía cortesía de Rambleta.

Ruth Cabeza, María San Miguel y Pablo Rodríguez conforman el trío actoral de ‘La mirada del otro’. Fotografía cortesía de Rambleta.

Russafa Escènica: 25 compañías en Familia

Russafa Escènica
Diferentes espacios del barrio de Ruzafa en Valencia
Del 17 al 27 de septiembre de 2015

Las veinticinco compañías que componen la programación de Russafa Escènica han participado activamente en el spot de bienvenida que abre las puertas al quinto encuentro del festival por excelencia de las artes escénicas valencianas y que se llevará a cabo en Ruzafa (Valencia) del 17 al 27 de septiembre.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual para Russafa Escènica 2015, que arranca el jueves 17 de septiembre.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual para Russafa Escènica 2015, que arranca el jueves 17 de septiembre.

Ideado y dirigido por EscaparateVisual, con Miguel Serrano al frente, y en cuya producción ha colaborado la productora Quatre Films, el vídeo es un reflejo vivo del lema sobre el que gira toda la programación del festival: ‘Familias’. Y es que son más de 200 los artistas que configuran la gran familia de Russafa Escènica entre “actrices, bailarines, músicos, acróbatas, escritores, manipuladores de objetos y supervivientes”.

En palabras de Miguel Serrano, “este año toca arriesgar porque ya es el quinto. Y efectivamente nos la hemos jugado con la propuesta de este video. Muchos corazones que laten al mismo ritmo y la misma fuerza, decididos a remover los cimientos de un barrio que crece año tras año”.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual del Russafa Escènica 2015.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual del Russafa Escènica 2015.

El texto del spot corre a cargo de Jerónimo Cornelles, director de Russafa Escènica, mientras del sonido se ocupa Pablo Giner y los cámaras son Miguel Serrano, encargado a su vez de dirigirlo y de idearlo, y Sergio Sanisidro. Los responsables del video agradecen igualmente la colaboración de Las Naves, Espai d’Innovació i creació.

Video del spot completo:

Russafa Escènica – Companyies 2015 from Miguel Serrano Gil on Vimeo.

Europa, cabaret del desencanto

Europa, cabaret del desencant
Escena Erasmus
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
C / Universidad 2. Valencia
Sábado 4 de julio 2015, a las 22.30 horas

En el verano de 1932, Federico García Lorca y Eduardo Ugarte, con el apoyo del gobierno de la Segunda República, pusieron en marcha La Barraca, un grupo ambulante de actores universitarios  que llevaban el teatro clásico a las zonas más deprimidas de la península Ibérica. En 2009,  surgió en la Universitat de València Escena Erasmus, un proyecto que recoge el testigo de aquella iniciativa cultural pero con un contenido más amplio, pues los actores y actrices que participan proceden de distintos países de Europa con el único requisito de estar disfrutando una beca Erasmus.

Aunque la crisis económica redujo su radio de acción, no logró enterrar esta singular iniciativa que ha sido copiada por otras universidades europeas como la de Cagliari, Padua, Marburg y Ankara. Cada curso se elige una pieza específica, casi siempre un clásico adaptado a los tiempos actuales, sobre la que los alumnos y actores trabajan.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Este año una pieza informal y desenfadada con un toque musical al estilo cabaret sirve para poner en solfa las políticas de austeridad imperantes en Europa. Europa, Cabaret del Desencant, es el grito esperanzado de unos jóvenes convencidos de que es posible forjar un futuro mejor, aunque la Europa que habitan incite al desencanto. Desde su perspectiva personal cuentan las miserias de su país en un espectáculo con muchos contrastes cuyo formato es un alegre cabaret berlinés. Destapa el lado más acre de la realidad europea: la austeridad, la crisis, la inmigración, la desigualdad, la injusticia, etcétera.

Aparte de la puesta en escena y representación teatral propiamente dicha, Escena Erasmus supone una inmersión de los estudiantes y actores en la vida de los pueblos que visitan. Un estimulante intercambio entre los jóvenes europeos y los habitantes de distintas zonas rurales que favorece a ambas partes. Por otra parte, se da una sinergia con la escena teatral valenciana como demuestra la colaboración de dramaturgos de la tierra que participan este año en la escritura de los textos.  Son: Maribel Bayona, Xavier Puchades, Guada Sáez, Patri Pardo, Eugenia Sancho, Pasqual Alapont, Javier Sahuquillo, Josep Lluís Sirera y Daniel Tormo.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Europa, cabaret del desencant. Imagen cortesía de la Universitat de València.

Once actores, seis pueblos

El pasado fin de semana se inició en Gátova la gira estival de Escena Erasmus en la que participan once actores y actrices de diversos países europeos. Nueve son mujeres, las más exóticas una de Bulgaria y otra de la República Checa, y por una vez no hay italianos entre los estudiantes e intérpretes. Con una obra crítica sobre la actual política de austeridad, Escena Erasmus recorrerá seis municipios valencianos: Alcublas (28 de junio), L’Eliana (1 de julio), Ontinyent (2 de julio), Cullera (3 de julio) y Montesa (5 de julio). En el Centre Cultural La Nau se representará el día 4 de julio, a las 22.30 horas, dentro del Festival Serenates 2015.

Esta iniciativa es posible gracias al apoyo de la Universitat de València y del Área de Cultura de la Diputación de Valencia. Desde 2010, más de 20.000 personas han visto los espectáculos en las distintas giras en las que han participado a lo largo de la geografía española. Desde hace tres años recorren municipios valencianos. Hasta la actualidad se han llevado a cabo más de 40 representaciones en la provincia de Valencia que han sido vistas por 8.000 espectadores.
Además de la implicación de distintos vicerrectorados de la Universitat de València (Cultura e Igualdad, Internacionalización y Cooperación, Participación y Proyección Territorial), el proyecto cuenta con el patrocinio de la Fundació General de la Universitat de València y la colaboración de la Fundación SGAE.

Escena Erasmus. Cortesía de la Universitat de València.

Escena Erasmus y su Europa, cabaret del desencant.  Cortesía de la Universitat de València.

Bel Carrasco

Poética 2.0: poesía visual en la era digital

Poética 2.0. Proyecto audiovisual de poesía
Sala Berlanga
Filmoteca de Valencia
Martes 16 de junio, 2015

La Sala Berlanga acoge la presentación de Poética 2.0, proyecto audiovisual que une las letras, la interpretación y la tecnología para llevar la literatura española ante la audiencia global de la era digital. Nace como un proyecto innovador que reúne por primera vez a intérpretes destacados para realizar un registro de la mejor poesía escrita en valenciano y castellano. Poética 2.0 pone la imagen donde hasta ahora sólo estaba la voz.

En Poética 2.0 / De Ausiàs March a Vicent Andrés Estellés actores del cine, el teatro y la televisión interpretan los poemas en grabaciones exclusivas realizadas en lugares emblemáticos. Constituye un legado audiovisual de valor incalculable y la mejor forma de descubrir la literatura a una generación acostumbrada a leer y ver vídeos en tabletas y teléfonos inteligentes.

Imagen del making off del video grabado en el Museo Benlliure para 'Poética 2.0'. Cortesía de la organización.

Imagen del making off del video grabado en el Museo Benlliure para ‘Poética 2.0′. Cortesía de la organización.

Esta entrega de Poética 2.0 consiste en una antología de los autores más importantes desde la Edad Media hasta el siglo XX. La selección abarca desde autores del llamado ‘Siglo de Oro’ como Ausiàs March, Jordi de Sant Jordi o Joan Roís de Corella hasta poetas de la Renaixença como Teodor Llorente o Constantí Llombart o nombres más recientes como Carles Salvador, Juan Gil Albert, Vicent Andrés Estellés, Joan Fuster, Carmelina Sánchez-Cutillas o María Beneyto.

La primera parte de Poética 2.0 / Poesía Valenciana se rodó en septiembre de 2013 en la Sala de la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset de Valencia. Entre los actores participantes se encuentran Sergio Caballero, Verónica Andrés, Josep Manel Casany, Amparo Valle, Ana Conca, Pep Ricart y María Albiñana.

Y se trabaja en la segunda parte de esta aplicación, con el asesoramiento en la selección de los textos de Ferran Carbó, catedrático de Filología Catalana en la Universitat de València y experto en poesía valenciana. Esta app recibió en diciembre de 2013 una ayuda a proyecto realizado de la Conselleria de Cultura de la Comunidad Valenciana. Se halla en posproducción y estará disponible en la primera mitad de 2015.

La actriz María Galiana en el making off de 'Poética 2.0'. Cortesía de la organización.

La actriz María Galiana en el making off de ‘Poética 2.0′. Cortesía de la organización.

FUNCIONAMIENTO

El menú de la app se despliega en la parte inferior de la pantalla con tres apartados: Los actores, Los poetas y En contexto. En los dos primeros apartados se accede a listados de intérpretes y de poetas, con fotos, ficha biográfica y un índice de poemas organizados, respectivamente, por autores o por los actores que los recitan.

Una vez seleccionado un poema, la aplicación nos ofrece la posibilidad de ver al actor o actriz mientras recita y seguir el texto línea a línea, ya que los versos se van resaltando en sincronía con el vídeo. También existe la opción de ver la interpretación con la grabación a pantalla completa o de escuchar el poema visualizando sólo el texto. La app se complementará con información adicional sobre los autores de los poemas y su contexto histórico a cargo de expertos en literatura.

Juan Echanove en el making off de la grabación en el Museo Benlliure de 'Poética 2.0'. Cortesía de la organización.

Juan Echanove en el making off de la grabación en el Museo Benlliure de ‘Poética 2.0′. Cortesía de la organización.

ACERCA DE POÉTICA 2.0

Poética 2.0 nace con la intención de difundir las letras españolas en todo el mundo y llevar la poesía a las nuevas pantallas digitales con una experiencia multimedia rica y compleja. Es una iniciativa de la empresa Poética 2.0 SCP, creada en marzo de 2013 gracias a la inquietud de un equipo de siete personas con más de 20 años de experiencia en la comunicación y la tecnología.

Poética 2.0 cuenta con un equipo técnico y de rodaje experimentado, encabezado por José Luis Alcaine, uno de los directores de fotografía más importantes del cine español. Ha trabajado en más de un centenar de películas desde clásicos como El viaje a ninguna parte de Fernando Fernán Gómez a Belle Epoque de Fernando Trueba y casi todos los films de Pedro Almodóvar. Cuenta con cinco Goyas y 17 nominaciones, además de la Medalla de Oro de la Academia de Cine.

Poética 2.0, proyecto audiovisual de poesía. Imagen cortesía de los promotores.

Poética 2.0, proyecto audiovisual de poesía. Imagen cortesía de los promotores.