Neil Young y su mirada contemplativa

Neil Young y su mirada contemplativa

Con NEIL YOUNG siempre es difícil. Qué decir, qué aportar de un artista al que tengo allá arriba, en el pedestal de una subjetiva pirámide jerarquizada, como ejemplo de dinosaurio que continúa sobreviviendo a los impactos de cometas o asteroides que se vienen repitiendo desde el período cretácico de la era mesozoica rocanrolera. El gran maestro me infunde demasiado respeto y admiración pero por qué no un acto de valentía, de consideración y de deferencia hacia alguien que tanto nos ha dado.

Storytone”, el nuevo y trigesimoséptimo (se dice pronto) disco que ha publicado en este 2014 posee connotaciones como mínimo sorprendentes al estar acompañado de un coro y una orquesta de 92 miembros. Y digo sorprendentes aunque tampoco sean para tanto porque a estas alturas de la vida, o mejor a estas alturas de la década 10, ya no desorienta ni pilla de imprevisto tras haber grabado un disco tan arriesgado como controvertido, entre la experimentación y la tradición, titulado “Le noise” (exquisito a mi gusto, todo sea dicho), una “Americana” repleta de canciones tradicionales clásicas de folk, un brillante pildorazo psicodélico que se abre con un tema que dura casi media hora y cuyas dos de mis coplas preferidas oscilan alrededor de los 16 minutos, y/o un también controvertido pero valiente (a mi gusto infumable) disco de la cabina titulado “A letter home”.

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Aquí, en el que nos ocupa, el tito Neil emociona en otra muestra más de agradecimiento a la madre naturaleza hasta convertir el misticismo en arte. En “Plastic flowers” contempla desde la orilla cómo se dibujan líneas en el agua, cómo fluye la corriente del río, acaso la vida que discurre. Incluso observar un simple puñado de arena entre los dedos puede ser un acto tan simple como vital en el sentido más existencialista. Y de la abstracción o recogimiento a la denuncia, hay que proteger la tierra de la codicia del hombre. Algún día no muy lejano, antes de que sea demasiado tarde, debería retumbar de uno al otro confín del planeta una copla como “Who’s gonna stand up”. No estaría mal que más de uno, y más de mil, fuesen encadenados y obligados a escucharla durante varias horas, una y otra vez, para ver si comprenden algo, aunque sea un poco.

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En “I want to drive my car” me recuerda al Neil Young ochentero del “Everybody’s rockin” o del “This note’s for you”, ese que quería, con mayor o menor acierto, controlar su dirección artística explorando y buscando combustible para hallar inspiración.

El viaje continúa, los duros golpes de la vida, el amor y los nuevos sentimientos que asoman en “Glimmer”. Ídem de lo mismo en “Tumbleweed” y esa vida llena de pequeños trucos, todo alma, todo espíritu, toda armonía. En ambas la voz del gran maestro mantiene tras tantos años todas sus virtudes, tan nasal, tan aparentemente frágil y quebradiza que parece que se romperá en algún gorgorito. Se le puede acusar a este corte (y a otros) del “Storytone” de poseer unos arreglos con demasiado sabor a Disney tal y como he leído en algún lado. Puedo llegar a entender desde la perspectiva más purista que una vez más Neil Young proporcione algún shock entre cierto sector de sus fans pero al final creo que bendita Disney, por qué no, al fin y al cabo factoría de tantos sueños.

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Tampoco es lo suyo, se supone, el swing, a modo de clásicas big bands, pero volvemos a lo mismo, me parece muy interesante como resuelve el presunto aprieto o dificultad en “Say hello to Chicago”. Incluso le da un nuevo sentido, armónica en mano, al disfraz de crooner en “Like you used to do”. Entre teclas de piano, evocando matices del soberbio “Prairie wind” del 2005, me quedo principalmente del “I’m glad i found you” con ese intenso y emotivo final de “…so many people don’t understand, what it’s like to be like me, but i’m not different from anyone else, i’m glad i found you,…”

Turno para la perla, con todo el sabor a la grandeza de un viejo corazón de oro, “When i watch you sleeping” y la historia de un destino, repitiendo carreteras y repitiendo temores hasta llegar al final del trayecto, ese que se encuentra en “All those dreams”, en el hogar, observando como duerme, observando como sueña ella.

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Creo que “Storytone” es un disco que gana con cada audición, no se le recordará como una de sus grandes obras maestras, de las de la primera división zona Champions, pero es de esos que dicen que son para oir y escuchar. El viejo maestro ha arriesgado con unas letras más directas, con unos arreglos cargantes o brillantes, según dependa del instante en que sean escuchados, pero sobre todo ha conseguido que tenga más interés que nunca prestar atención a unas versiones desnudas y acústicas que acompañan el formato “deluxe”. Por ello y por todo es una enorme alegría que el más grande siga tan vivo, tan inquieto y tan creativo.

JJ Mestre

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Chuck, el profeta del rock ‘n’ roll

Chuck, el profeta del rock ‘n’ roll.

Estaba cantado y eso que no había sido vaticinado por ningún iluminado vidente con supuestas facultades paranormales. Los indicios eran claros y precisos. Superar el “Temple beautiful” (comentado aquí) del 2012 era prácticamente imposible. Aquel disco donde CHUCK PROPHET homenajeó a su ciudad natal, a San Francisco, ha quedado para la historia como palabras mayores, mayúsculas, subrayadas en negrita o en fluorescente. Y digo mayores por decir algo ya que, con carácter subjetivo, considero ese disco como una de las tres obras musicales más interesantes de lo que llevamos de década 10.

Tampoco creo que sea un lumbreras por predecir otros hechos futuros rebosantes de lógica. Y es que otro detalle en el que los suficientes no andábamos mal encaminados era en sospechar que el nuevo trabajo del californiano iba a ser de traca. Su estado de forma podría ser comparable al de Messi o Ronaldo en el fútbol de los últimos años. Chuck Prophet juega en otra liga aunque no se le reconozca como tal por la mayoría. Su trayectoria lo avala, es un valor seguro con un permanente estado de gracia donde el desperdicio brilla por su ausencia. Y además “Wish me Luck” como adelanto resultaba una pista ilusionante.

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Por tanto aquí el único que merece cualquier muestra de elogio es el que se apellida “profeta” porque él nos guía y nos indica el buen camino a algunos, algo así como pudiera sucederle a otros en el pasado con Noé, Elías, Jeremías, Abraham, Mahoma,… Y el buen camino, la senda está en mantener el tipo y seguir la misma dirección con el nivel que acostumbra, algo que ha vuelto a conseguir con “Night surfer”, un disco urbano donde permanece la influencia de una ciudad como San Francisco, donde incide en las virtudes de esa línea dibujada en el tiempo desde los Green on Red y donde cuenta con la ayuda como invitado especial de Peter Buck, el que fuera guitarrista de REM. En definitiva un disco de guitarras que suena moderno y clásico al mismo tiempo, con lo que eso conlleva, en el que Chuck Prophet estira con maestría su estilo y sus virtudes por decimotercera vez.

“Night surfer” me gusta por muchos motivos, entre ellos porque en el trasfondo plantea dudas del porvenir mezclando optimismo y cabreo pero sobre todo porque posee nervio y lo transmite con una actitud y energía que canaliza el estrés con el que se convive a diario en las metrópolis. El título del disco tiene también su justificación y es que según contaba en una entrevista «surfeaba por las noches cuando era un crío, bajo las luces del paseo de Huntintong Pier cerca de Los Angeles, ya que de día estaba demasiado saturado de gente».

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A nivel musical se podría generalizar que debajo de las capas de guitarras hay una sección acústica que, junto a una base rítmica aparentemente sencilla, es la que cede el protagonismo a sólidos riffs de guitarra, a sorprendentes líneas de teclado o a instrumentos de cuerdas que en ningún momento resultan cargantes.

Una explosiva “Countrified inner city technological man” de tendencias rollingstonianas sirve para abrir fuego dentro de una inclinación o querencia que hallará la mejor rúbrica después, con “Felony glamour”.

La antes mencionada “Wish me Luck”, entre pegadiza y melódicamente rocanrolera, me sirve una vez más para pensar que donde más brilla Chuck Prophet es a la hora de utilizar las influencias de un clásico de finales de los ochenta como era Ben Vaughn, entre el eclecticismo, la ironía y el humor, algo que se ratifica en las formas de medios tiempos como “Guilty as a Saint”, en baladas como “Truth will out (ballad of Melissa and Remy)” o “If i was a baby” (versión de un tema del 2008 de Ezra Furman & The Harpoons) con sus vibrantes arreglos de violín acompañantes, o en el desparpajo de “Tell me anything (turn to gold)” que se complementa con una vertiente más folk-rocanrolera en “Ford Econoline”, homenaje a la mítica furgoneta o compacto monovolumen que surgió en los años sesenta y usado en muchos casos como vehículo comercial o de carga.

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Por su parte, el protagonismo relajado de las acústicas en “They don’t know about me and you” deriva en un in crescendo intenso de guitarras mientras que “Lonely desolation” es pegadiza y adictiva gracias a los cambios de modulación vocal del gran Chuck, acaso powerpoperamente hablando enraizada con la «Gran Estrella» de Alex Chilton.

Y llegamos a “Laughing on the inside”, mención especial para este épico temazo de tomo y lomo que sorprende a propios y extraños por devolver la esencia de los brillantes y menos empalagosos teclados ochenteros y que me recuerdan por momentos fugaces a episodios de Laurence Tolhurst con The Cure. El disco se cierra con otra sorpresa sónica, “Love is the only thing”, himno con un riff de guitarra glam-rockero que invita a tararear el estribillo de la canción junto al «Profeta».

“Night surfer” crea adicción. Como leí hace poco más o menos a my mestrefriend Chals nos quedan héroes del rock, mal que les pese a algunos, eso de que el rock ha muerto son pamplinas, solamente hay que levantarse del sofá y buscarlo. El Profeta del rock ‘n’ roll otra vez lo ha conseguido. Grande.

JJ Mestre

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La isla mínima, excelentísimo thriller policíaco español

La isla mínima, excelentísimo thriller policíaco español.

Menudo bofetón en la cara, metafóricamente hablando, ha recibido el cansino frente anti-cine español, ese que con cierta frecuencia enjuicia despiadadamente cualquier producto fílmico parido por aquí. Y ya no me refiero a la crítica más especializada, que imagino habrán estandartes de todos los colores, sino más bien al amigo, conocido o tercero en discordia que en cualquier debate, charla o conversación sobre el séptimo arte deja su impronta con un desprecio vasto y desmedido hacia todo el cine que nace en estas latitudes. Y esto viene a colación de que a ellos, principalmente a ellos es a los que les recomendaría “LA ISLA MÍNIMA”, la última peli de Alberto Rodríguez.

Pues eso, “La isla mínima” me ha parecido un thriller policíaco de un excelentísimo nivel, de esas películas que enganchan desde principio a fin manteniendo la tensión en todo su desarrollo. Sinceramente todavía estoy sorprendido y, aunque llevaba buenas referencias de amiguetes no me había aleccionado en críticas, por lo que de inicio me asaltaban unas dudas que rápidamente se disiparon hasta el punto de que la cinta ha superado sobradamente cualquier expectativa que en ella pudiera haber depositado.

Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo

Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo

Se podría decir que “La isla mínima” es real como la vida misma, está perfectamente documentada en la época y en los lugares (no conozco el entorno exacto del Guadalquivir de aquellos tiempos pero más o menos podría habérmelo imaginado así) donde circula la trama y donde se muestra inteligente en todos los detalles (como ejemplo esos métodos policiales de escuchas telefónicas que ahora podrían parecer tan primitivos). Para colmo el ritmo de su narrativa entre argumento y diálogos es de una agilidad pasmosa, mientras que la fotografía y la música resultan un complemento ideal.

En cuanto a los actores, todos y cada uno de los que aparecen me han parecido a una excelente altura en sus papeles, con especial mención por supuesto para los dos principales Javier Gutiérrez (me alegra mucho esa concha de plata en el Festival de San Sebastián) y Raúl Arévalo, siempre teniendo en cuenta que el protagonista realmente más distinguido es el mencionado punto geográfico del río Guadalquivir.

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Es en ese entorno sórdido cual si estuviésemos en otro episodio de la España negra a pesar de que el argumento circule en unos tiempos donde la evolución socio-cultural pretendía quitar ese lastre, el que consigue atraer y repeler al mismo tiempo. Atracción porque nos mete de lleno en la película y repulsión por esas historias que leímos, oímos o nos contaron de adolescentes desaparecidas, violaciones, cadáveres en orillas fluviales,…, inevitable que vengan al recuerdo episodios muy tristes del pasado como por ejemplo el de las niñas de Alcacer.

Otro atractivo paralelo es el choque de personalidades entre los dos compañeros policías en plena época de la transición, con uno que procede de una brigada franquista y el otro de asentados valores democráticos y que, sin embargo, encuentran puntos de conexión e incluso de oculta admiración mutua. Por supuesto emerge en todo ello ese trasfondo de un país con clases privilegiadas, con sus similitudes sociales a la actual pero diferente lógicamente en connotaciones culturales dentro de un espacio/tiempo.

Directamente, apuesto por ella como la peli española del año. Mucho, demasiado me tendría que gustar la que le quitara ese honorable y subjetivo puesto.

JJ Mestre

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Martin Newell y el retorno al mundo bohemio

Martin Newell y el retorno al mundo bohemio

En pleno fragor veraniego, cuando el calor del umbral de agosto golpeaba con mayor crudeza e inclemencia, se despachaba bien a gustito my dear Lord del Cierzo apuntándome material novedoso, sospechando que podía ser de mi interés a fin de, en cierto modo, combatir el bochorno reinante.

martin newell

No iba mal encaminado en sus sugerencias con el regreso de Martin Newell al candelero. A la primera de cambio no tuve dudas, parece mentira pero otra vez, en esta ocasión con más de 60 tacos a sus espaldas, el trovador salvaje de Wivenhoe, una de las instituciones musicales más desconocidas y apreciadas como artista británico de culto, ha demostrado otra vez más cómo se puede sonar moderno y fresco, a mucha distancia de lo que hacen en la actualidad bastantes propuestas de las nuevas generaciones y de las que por supuesto omitiré nombres. Eso sí, no está de más decir que más de uno se podría mirar al espejo mientras suena “Return to bohemia”, el nuevo trabajo, el regreso del incombustible Mr.Newell al mando de sus CLEANERS FROM VENUS, otra de las numerosas e interesantes bandas semi-ocultas de finales de los ochenta. Asimismo apuesto que algún que otro mozalbete aficionado a la música popular que ignora la trayectoria de estos “limpiadores de Venus” se echará las manos a la cabeza al escucharlos (tal cual he visto el caso en un estupendo chaval veinteañero con buenas dotes de intrépido explorador) cual si hubiese descubierto el tarro de las esencias más vanguardistas o cual si se tratase de un nuevo y excitante indie-pop que se está gestando. Claro, todo sea dicho, si ven el careto del Sr.Newell, curtido en mil batallas y con bastantes problemillas de salud en los últimos años, es también probable que alguno diga de ir a otra cosa, mariposa.

Insisto, “Return to bohemia” suena actual, genuino y lozano como pocos, incluso en ocasiones me recuerdan a los inolvidables Dukes of Stratosphear, el proyecto psicodélico paralelo de XTC a mediados de los ochenta, o incluso a Elvis Costello. Ojo, no digo ni mucho menos que sea el mejor disco del año en curso para el que suscribe pero es un artefacto harto interesante donde el pop onírico juega un papel determinante y donde las guitarras se muestran impecables en unas melodías muy elaboradas. Incluso podría llegar a entender a aquel fan que lo ubique en el podium de esta añada. La única pega que le veo, muy subjetivamente hablando, es la falta de uniformidad en la segunda mitad del disco cuyos temas no están a la altura de los imbatibles seis primeros (salvando, claro está, esa maravilla posterior titulada “The king of the sixties”).

THE CLEANERS FROM VENUS - (2014) – Return to bohemia

Abre una explosiva y arrebatadora “Cling to me”, la mejor del disco a mi gusto en dura pugna con la ulterior “He’s goin’ out with Marilyn” (collons, qué temazo más chulo con ese pegadizo estribillo que induce a tararearlo una y otra vez). A continuación una balada que quita el hipo, “The days of May”, la cual posee una descomunal carga melancólica con esas notas de piano que le dan la puntilla en los instantes más adecuados.

“The Royal Bank of Love” podría definirse como una especie de himno a medio camino entre el glam-rock y el sixtie-pop onda Kinks. El acercamiento a la banda de los hermanos Davies se intensifica todavía más en dos temazos exquisitos de la talla de “Mrs. Gale and her new lover” o “A european girl” con el que llegamos al ecuador tras una primera parte sublime.

A partir del séptimo corte, “Welcome to Bohemia”, pierden a mi gusto y criterio ese brillante resplandor anterior y temas como “Time we talked”, “Imaginery seas”, “The band plays Delilah” o “I wanna stay in”, a medio camino entre Beatles y Beach Boys guardan demasiado las distancias con sus influencias. Sea como sea, alrededor de un 60% de este retorno al mundo bohemio es de sobresaliente, y eso es mucho, demasiado en estos tiempos. Giles Smith y su odisea pop en forma de libro (“Lost in music”) debe continuar agradecido al viejo lobo, el Sr.Newell. Ah, y los suficientes de nosotros también porque nos atraen los malditos perdedores.

JJ Mestre

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La sucesión de ilusiones de The War on Drugs

La sucesión de ilusiones de The War on Drugs

War on Drugs, el término americano que se utilizó para la campaña contra la producción, consumo y comercio ilegal de drogas durante el mandato de Richard Nixon a principios de los setenta. Fue el nombre de esta banda de Philadelphia lo primero que me impactó en casa de my friend Lou para, acto seguido, escuchar Burning  y sentir esa preliminar atracción que me indica dónde puede haber material musical que merece la pena. Después my tete Joserra en su Land lo elevó a los altares para, insistentemente a posteriori, sentar cátedra en el Exile SH Magazine sobre este artilugio polifónico que mucho me temo, ahora ya sin dudas, estará encaramado en los puestos altos de muchas listas (de las que merecen confianza) sobre mejores discos del 2014.

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Y es que al final tuve que rendirme ante la evidencia a pesar de que me asaltaron ciertas dudas iniciales por las que, incluso, me costaba reconocer dónde estaba el origen de las mismas. Tuvieron que ser más de media docena de audiciones para rastrear y delimitar concretamente esa indecisión, ese titubeo o desconfianza que me impedía admitir que estábamos ante algo grande. Ahora, superadas esas vacilaciones o en un momento determinado absurdos recelos, creo que eran las connotaciones comerciales de algunos de los cortes de este viaje entre sueños las que me provocaban pensar si ese primer flechazo se podría mantener en el tiempo.

Y así, como quien no quiere la cosa, el descubrimiento de “Lost in the dream” me ha servido para indagar en la trayectoria de THE WAR ON DRUGS, de la que no tenía ni pajolera idea. Tercer disco tras “Wagonwheel” del 2008 y “Slave ambient” (que por cierto está de lujo también) del 2011. Verifico muchos nombres que me vienen a la cabeza y que se corresponderían con el mencionado artículo de Joserra porque todo sea dicho, los clava, a partir de ese poso tan denso y ochentero, desde Mike Scott y sus Waterboys a Arcade Fire, desde Mercury Rev a David Bowie, desde Blue Nile a los Cure, desde Al Stewart a Fleetwood Mac o Dire Stratis, desde Pink Floyd a Bruce Springsteen…, para adquirir toda la obra una sensación de épica grandilocuente que pudiera resultarle rimbombante a más de uno pero que por otra parte también tiene mucha lógica en que puede generar bastantes incondicionales y simpatizantes hacia esa exquisitez de arreglos que contiene.

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La sucesión de fantasías empieza con una hipnosis ambiental de pop sofisticado y enigmático, “Under the pressure”, que podría gozar perfectamente de la bendición de Paul Buchanan. Ídem de lo mismo para una melancólica y sentida “Suffering” o para una etérea “Dissapearing”.

Con los “Red eyes” no miran de reojo sino de frente y con la cabeza bien alta al “Funeral”, la gran obra maestra del S.XXI que los Arcade Fire publicaron en el 2004, mientras que un corte como “All ocean in between the waves” debería pincharse en todas las discotecas del mundo porque lo tiene todo para ser bailada y así, de paso, dejar a un lado tanta tontería y tanto producto mediocre, anodino y vulgar que mueve a los jóvenes en muchos locales nocturnos.

“Eyes to the wind” es una puta maravilla, apunta seriamente a mi canción del año este medio tiempo que se halla en una encrucijada fabulosa, a caballo entre la big music de Mike Scott y el soft rock de Al Stewart. Y el viento nos arrastra a un inquietante pasaje instrumental como “The haunting idle” que podría evocar a Pink Floyd y que, en cierta forma, sirve de preámbulo a una apasionada y efervescente “Burning”, un tema que no vendría nada mal que escuchara el Boss. Y ya de paso, que se agenciara unos auriculares y disfrutara de momentos de enajenación, a buen seguro también de asombro y estupefacción, con “Lost in the dream”, la que da título al álbum y que también contiene muchos matices del pequeño gran Willie Nile.

Cierra “In reverse”, auténtica joya de preciosismo desorbitado, una despedida a lo grande que invita a volver a empezar otra vez con esta fantástica sucesión de ilusiones.

JJ Mestre

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Robyn Hitchcock, la elegancia del trovador británico

Robyn Hitchcock, la elegancia del trovador británico.

Hay canciones que por determinadas circunstancias de la vida se quedan grabadas en el ADN, en nuestro material genético, y cada vez que esas melodías se cruzan en el camino actúan como un resorte y se produce una respuesta favorable e inmediata desde el cerebro. Tal es el caso para el que suscribe de “The ghost in you”, el temazo con el que los Psychedelic Furs abrían su exquisito “Mirror moves” del 84. Y más o menos eso es lo que me ha vuelto a ocurrir cuando mi apreciado Lord del Río Rojo, fuente de muchas de mis más estimadas novedades musicales, me descubría la versión que se había cascado el legendario Robyn Hitchcock en su último trabajo del año en curso.

Atrás quedaron exquisiteces de un trovador atípico y underground con los Soft Boys, en solitario, con los Egyptians o más recientemente con Venus 3 acompañado de Peter Buck de los REM y Scott McCaughey de los Young Fresh Fellows. Si he de ser sincero no he seguido con especial interés y dedicación los últimos años de la trayectoria de este fundamental artista británico y es muy posible que me haya perdido más de una cosa a tener en cuenta.

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Robyn Hitchcock – The man upstairs

“The man upstairs” es el nuevo disco que ha publicado en el 2014 y va mucho más allá que la arriba mencionada delicia de la banda de Richard Butler. Otras versiones que se hallan son la también ochentera “Turn you on” que la Roxy Music incluyó en su exitoso “Avalon” así como una sublime adaptación del “Don’t look down” de Grant Lee Philips que perteneció a su primer disco en solitario tras la etapa con Grant Lee Buffalo o el clásico “The cristal ship” de los Doors.

De una elegancia y refinamiento fantástico son “San Francisco Patrol”, “Trouble in your blood” o ese fabuloso cierre atormentado que lleva como título “Recalling the truth», cual si se cruzaran en el S.XXI Arthur Lee y sus Love, Judy Collins y Nick Drake.

Mención aparte para un blues de tintes psicodélicos como “Somebody to break your heart”, para mi preferida “Ferries” donde resplandece esa armónica compañía en los coros de Anne Lise Frokedal de la banda noruega I Was a King, y para esa distinguida composición en francés que es “Comme toujours”.

El señor Robyn Hitchcock ha facturado un disco enorme, que crece exponencialmente con cada audición, otro más que no será reconocido en la justa medida de un hombre, un artista, que mira desde arriba.

JJ Mestre

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J Mascis, otra vez en acústico

J Mascis, otra vez en acústico

Me gusta, me atrae cada vez más un artista como el Sr. Mascis en los últimos tiempos. Me parece un ejemplo encomiable de cómo se puede envejecer musicalmente sin estancarse y sin perder un ápice de inquietud, creatividad, perseverancia y calidad. Incluso me atrevería a afirmar, mal que le pese a los fans más incondicionales de Dinosaur JR, que sus últimas aventuras me provocan mejores sensaciones de largo plazo que buena parte de la extensa discografía que posee la mítica banda de rock alternativo procedente de Massachussets desde mediados de los ochenta. Y digo esto porque, sin faltarle en elogios hacia míticos como “Green mind” o “Where you been”, me seduce mucho más actualmente cierta ausencia de potente distorsión eléctrica que los caracterizaba en pro de una concesión protagonista a formidables melodías como es el caso de “I bet on sky” en el 2012 o ese excelente primer disco en solitario de J MASCIS titulado “Several shades of why” del 2011.

J Mascis - Tied to a star (imagen cortesía del artista)

J Mascis – Tied to a star (imagen cortesía del artista)

Un tanto de lo mismo me parece Several shades of why. Supongo que más de un fan le podría acusar de que dónde va tan acústico. Y yo digo que olé sus cojones porque en cierto modo evoca la naturalidad de un genio como Neil Young por la dualidad de vertientes y por las connotaciones similares como pueden ser esos registros vocales tan nasales y tan aparentemente indolentes, pero sobre todo por no renunciar a ofrecer un producto atípico desde la perspectiva más acústica mientras mantiene paralelamente esa aureola del mejor y más genuino rock alternativo.

Las colaboraciones de gente de prestigio como Mark Mulcahy o Cat Power (al loro ese dueto en “Wide awake”) engrandecen el resultado. El imperio de los tonos agridulces y melancólicos en “Me again”, “Heal the star” (acojonante ese final instrumental con arrebatos hindúes que se exploran todavía más en el instrumental “Drifter”), “And then”, “Trailing off”, “Come down” o “Better plane” lo convierten en un viaje de una uniformidad y delicadeza pasmosa a pesar de las diferencias respectivas en cada corte. En medio de esta exquisita aventura querría destacar un par de radiantes ultramegatemazos como “Every morning” o “Stumble” que ubicaría entre lo más granado del cancionero del 2014.

J Mascis - Tied to a star (imagen cortesía del artista)

J Mascis – Tied to a star (imagen cortesía del artista)

En la década 10’s hay que valorar como se merece al Sr.Mascis pues mantiene intacta tanto su larga y lacia cabellera como la antorcha del mejor rock alternativo, incluso en acústico. A los hechos, al “Tied to a star” me remito, un disco para oir y para escuchar, a ser posible con los ojos cerrados porque estamos atados a una estrella que no encaja con los modelos habituales.

JJ Mestre

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Programación de 2014 en Artium

Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
C/ Francia Kalea, 24 (Vitoria-Gasteiz)  

Exposiciones

Albur de amor de Teresa Serrano
Del 31 de enero al 23 de marzo  

Artium abre su programa expositivo 2014 con Albur de amor, de Teresa Serrano, una de las más interesantes y contundentes artistas visuales latinoamericanas, cuya producción se refiere en gran medida a cuestiones de género en un sentido amplio. La muestra incluye sobre todo fotografías y trabajos audiovisuales, y está organizada con carácter temático: la violencia de género, el control del otro, las obsesiones y miedos propios, la comunicación y el aislamiento, los prototipos femeninos y los nuevos caminos de solidaridad y reconstrucción.

Albur de amor

Teresa Serrano. Fotografía de la exposición Albur de amor. Imagen cortesía de Artium

Pinturas de Juan Mieg y Luis Gordillo 
Del 9 de abril al 24 de agosto 

A pesar de integrar dos exposiciones distintas, las correspondientes a Juan Mieg  y Luis Gordillo, previstas para el inicio de la primavera, establecen numerosas conexiones: dos artistas nacidos en la misma década, que han mantenido a lo largo de casi 50 años de trabajo la misma pasión por la pintura, dos creadores que han participado activamente en la renovación del lenguaje artístico en el siglo XX y que en el XXI mantienen la misma coherencia y el mismo deseo obsesivo de pintar.

Mieg, uno de los más sólidos representantes de la pintura vasca contemporánea, presenta en esta exposición alrededor de 50 pinturas de grandes dimensiones que reflejan fielmente su particular autorretrato psicológico: a partir de un lienzo en blanco, sin un camino previamente trazado, Mieg afronta el trabajo en solitario, aislado del mundo, con las “persianas cerradas y la mente abierta”.

Por su parte, Luis Gordillo, una referencia de la pintura española, muestra 25 de sus últimos trabajos, todos ellos de gran formato. A diferencia de Mieg, el artista sevillano confronta conscientemente su universo particular con multitud de estímulos exteriores. La serie principal del proyecto responde a conceptos como evolución o derivación y varios títulos remiten a Darwin: una obra incluye el germen de la siguiente, de la que a su vez deriva una nueva pieza, en un proceso que podría ser infinito. En otras obras, sin embargo, se observa cómo el autor se enfrenta al lienzo en blanco, con la ayuda tan sólo de su paleta y sus evocaciones.

Juan Mieg. Lancelot

Juan Mieg. Sin Título. 100 x 81 cm. Óleo sobre lienzo. Cortesía de Artium

Violencia invisible
De septiembre 2014 a enero 2015 

Para septiembre está prevista la inauguración de Violencia invisible, una coproducción de Artium con el MOCAB de Belgrado. A partir de obras de artistas internacionales la exposición analiza diferentes aspectos de la violencia en distintos contextos sociales e históricos y en relación a un contexto pan-europeo. La muestra explora las distintas capas de violencia invisible dentro de la cotidianeidad, en contexto doméstico, en la vida diaria, y en el ámbito de la publicidad y los medios de comunicación. Aunque referidas inicialmente a territorios marcados por formas específicas de violencia, éstas pueden ser en todo caso extrapolables a un territorio global.

En absoluto. Colección Artium
desde el 3 de octubre de 2014.

El programa de Artium de 2014 culmina en octubre con una nueva presentación de la Colección Artium. La presentación trata de poner de relieve el valor y la profundidad de un vasto patrimonio cultural como es esta Colección. La nueva exposición muestra cómo este mismo patrimonio, suma de voces, autores y obras, conforma una red, una visión del mundo, capaz de articular numerosos discursos sobre la naturaleza humana, sus relaciones y sus deseos. La propuesta es una negación de lo absoluto, de una visión simple y totalizadora de la realidad, ya sea planteada en términos políticos, estéticos o intelectuales. Paralelamente, obras de la Colección integrarán una nueva exposición educativa, como apoyo a los diferentes programas escolares y para otros públicos que desarrolla Artium.  

Praxis
Artium da continuidad a Praxis, un programa artístico experimental que en 2014 cumple cinco años. Bajo el título genérico Less Poetry-Menos poesía, cinco artistas (Greta Alfaro, Elena Bajo, Juan López, Carl Palm y Alex Reynolds) presentarán sendos proyectos centrados en los procesos artísticos con la intención de reivindicar la “indeterminación poética” que parece estar diluyéndose en los discursos artísticos hegemónicos, abogando además por una mayor participación del público a la hora de completar las obras. El desarrollo de estos cinco proyectos estará acompañado de una serie de encuentros periódicos con agentes culturales que aporten distintos puntos de vista sobre las “poéticas” en el arte y la cultura contemporáneas.

Otro programa artístico que se verá representado en una exposición es el de los cuadernos de notas que recibe cada visitante de Artium, cuyas tapas son mensualmente ideadas por un artista distinto, en general creadores del entorno geográfico del museo. Las obras originales realizadas para los ejemplares de 2013 serán expuestas a partir de primavera en la Antesala del Museo. Entre los artistas participantes se encuentran José Ramón Amondarain, Chema Cobo y Belén Sánchez Albarrán.

Por otro lado, la Biblioteca de Artium presentará en 2014 dos nuevas exposiciones bibliográficas. La primera de ellas ofrecerá una muestra del género de la novela gráfica en los fondos de la Biblioteca, se abrirá con motivo del Día Internacional del Libro y contará con ejemplares de algunos de sus principales representantes: Will Eisner, Richard Corben, Fernando Fernández, Horacio Altuna  o Moebius. La segunda abordará el mundo del diseño publicitario y se inaugurará en el mes de octubre.

A lo largo del añoel centro-museo seguirá fiel a su responsabilidad como motor cultural de primer orden, mediante conferencias, mesas redondas, cursos y talleres vinculados a la cultura actual, y con propuestas de artes escénicas en las que dará prioridad a la presentación de artistas locales. El cine tendrá de nuevo una presencia especial, con ciclos como el dedicado a mujeres directoras de cine, el relacionado con la novela gráfica, un tercero sobre el tema de la inmigración y finalmente otro sobre el género “animé” de animación japonesa.

También tendrá continuidad el programa Gauart de arte y música electrónica que Artium organiza en colaboración con Kubik.  Además, contará con un programa especial para el Día Internacional de los Museos, así como para el Día del Libro, con propuestas ya habituales de la Biblioteca: exposición de novela gráfica, “bookcrossing” y lecturas compartidas. En octubre tendrá lugar una nueva edición de los bienales Encuentros de Bibliotecas de Arte Contemporáneo organizados por Artium.

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Vista del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium.