ARCO premia a la Colección Per Amor a l’Art

Colección Per Amor a l’Art
Bombas Gens Centre d’Art de Valencia
Premio “A” al Coleccionismo por la Fundación ARCO
Enero de 2018

La Fundación ARCO, impulsada por IFEMA, ha otorgado los Premios “A” al Coleccionismo. En esta vigésimo segunda edición, ha concedido a la Colección Per Amor a l’Art uno de los seis galardones que reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como su labor en el apoyo a la difusión del arte contemporáneo.

Concretamente, el Patronato y el Consejo Asesor de la Fundación ARCO han querido premiar esta colección por la puesta en marcha de Bombas Gens Centre d’Art en Valencia, donde se exhibe la misma. La colección premiada es propiedad de José Luis Soler y Susana Lloret. En 2014 el matrimonio creó la Fundació Per Amor a l’Art, con la misión de sensibilizar y compartir en tres áreas: ayuda social, enfermedades raras y arte.

“Nos sentimos muy honrados por recibir este premio. Per Amor a l’Art es una colección privada que iniciamos mi marido y yo hace años con el compromiso de construir una colección de calidad, sin ánimo de lucro y con un destino público. Hicimos realidad este sueño poniendo la colección a disposición de la Fundació Per Amor a l’Art y de su centro de arte, Bombas Gens, que dirige Nuria Enguita. Este reconocimiento nos transmite más ilusión todavía por continuar en el camino de compartir la colección con el público”, ha afirmado Susana Lloret, directora de la Fundació Per Amor a l’Art.

Per Amor a L’Art es una colección de arte moderno y contemporáneo con inclinación a la abstracción en pintura, escultura y cine. Gran parte de la colección, que cuenta con el asesoramiento de Vicente Todolí, la componen autores nacionales e internacionales que trabajan con fotografía, muchos de ellos representados en profundidad. Se podría definir como una colección de exposiciones, que actualmente cuenta con más de 1.800 obras de más de 140 autores.

La Fundación ARCO ha premiado también a cinco  importantes colecciones más. Por la calidad de sus obras y las exposiciones realizadas en Madrid y París, a la colección Alicia Koplowitz – Omega Capital; de Portugal se distingue la labor de Armando Martins y su familia, que cada mes de mayo muestran sus obras en el Palacio de Correio Mor; a la Colección Ella Fontanals Cisneros por la visibilidad que su colección y la Fundación CIFO han dado a los artistas de Latinoamérica.

Vista de una de las salas de Bombas Gens.

Vista de una de las salas de Bombas Gens. Imagen cortesía de la Fundació Per Amor a l’Art.

Y también por su acervo latinoamericano del siglo XX se ha premiado a la Colección de Arte Latinoamericano de The Museum of Fine Arts Houston, que próximamente inaugura una nueva ala dedicada a la misma. Por último, se ha premiado a Luis Paulo Montenegro (Brasil), cuyas obras pueden verse en la Fundación Banco Santander hasta el mes de mayo de 2018.

El acto de entrega de los premios tendrá lugar en el Teatro Real de Madrid el martes 20 de febrero, tras el que se celebrará una cena patrocinada por el Grupo Canalejas en la que se recaudarán fondos destinados a la adquisición de obras para la colección en ARCOmadrid.

El mundo como prisión del IVAM

Please, come back. ¿El mundo como prisión?
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 8 de abril de 2018

“Tenemos más libertad en un mundo cada vez más interconectado y, sin embargo, estamos teniendo menos libertad de expresión”. Hou Hanru, directo del MAXXI de Roma y comisario de la exposición Please, come back. ¿El mundo como prisión? se refirió a esa paradoja utilizando poco después el término de paranoia. “Paranoia que existe en los muros exteriores y que estamos sugestionando interiormente”, para hablar a continuación de “la cultura del miedo”. El IVAM acoge 53 obras de 26 artistas como reflejo de ese miedo al control social, que preside una gran jaula del artista de Malasia H. H. Lim, el cual se hace eco de esa misma paradoja entre la seguridad y la libertad.

Obra de Rem Koolhaas en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión? Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Rem Koolhaas en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión? Imagen cortesía del IVAM.

Dice Lim: “No hay jaula que no se asemeje a una cárcel. Lo extraordinario, sin embargo, es que esas jaulas pueden mirarse desde ángulos diferentes: uno que se desprecia y otro que se ama”. Se desprecia, lógicamente, “la cárcel, la prisión humana”, pero se aprecia por otro lado, “la cámara acorazada, tremendamente atractiva”. De manera que el sujeto contemporáneo demanda seguridad contra la violencia externa que amenazaría su confort, al tiempo que, de tan confortable, necesita el peligro, real o imaginario, que le haga vivir intensamente.

Lim, una vez constatada esa paradoja, señala que vivimos contaminados en la vida diaria a causa de esa “obsesión por todo lo que nos rodea y de una constante autovigilancia”. “Y así, a lo largo de la historia, los seres humanos han logrado construir una jaula para sus tesoros y otra para ellos mismos”, añade. Jaula que abre el recorrido expositivo bajo el título de La jaula, el banco y el equipaje, realizada a base de metal, en cuyo interior está ese banco, mitad dentro mitad fuera, y una maleta con cadena y candados.

Obra de Elisabetta Benassi en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión?' del IVAM.

Obra de Elisabetta Benassi en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión?’ del IVAM.

La pieza de neón del colectivo parisino Claire Fontaine es la que da título a la exposición. Please, come back (Por favor, vuelve) son las palabras luminosas que se apagan y encienden cuando la gente pasa por debajo, ubicadas justo encima de esa jaula que sirve como metáfora del conjunto. Una frase “romántica” vinculada con la “irónica cita del mensaje que los clientes leen cuando salen de una tienda”, según recoge el texto explicativo. Metáfora de la paranoia del mundo como prisión a la que alude igualmente el título de la muestra que hasta el 8 de abril permanecerá en la Galería 7 del IVAM.

Hanru explicó que la exposición se dividía en tres partes: detrás, fuera y más allá de los muros. Detrás de sus paredes, en tanto reflejo “físico del encarcelamiento”. Fuera de los muros, donde se pierde esa sensación de falta de libertad para vivir en las ciudades “como prisiones abiertas”. Y, por último, el más allá de los muros, “donde se juntan realidad y ficción; los muros que vemos y no vemos”. De nuevo, la paranoia de vivir en libertad sintiéndose el sujeto contemporáneo en todo momento vigilado.

Vista de la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión?' Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión?’ Imagen cortesía del IVAM.

El colectivo ruso AES+F (siglas de los apellidos de los artistas Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky y Vladimir Fridkes) muestra en un gran video esa mezcla de utopía y distopía que caracteriza la sensación del mundo como prisión. Mundos soñados como paraísos que devienen pesadillas. “No sabemos hasta dónde nos va a llevar” todo esto “muy curioso que nos está sucediendo”, subrayó Hanru. En la exposición hay referencias a esos controles de las videocámaras instaladas en las ciudades (Mikhael Subotzky), al engaño y la manipulación (en los videos de Rä Di Martino), a las huellas de esos muros carcelarios (Patricia Gómez y María Jesús González) o a los expedientes desclasificados de la CIA (Jenny Holzer), entre otros.

José Miguel Cortés, director del IVAM, se refirió a la “sociedad de cristal” en la que “nos sentimos vigilados”, diciendo que el museo valenciano se alejaba “del ojo del Gran Hermano”. Precisamente de su “hermano” el MuVIM prefirió no hablar: “No tengo nada que decir”, en alusión a la polémica que señalaba al Museo de la Ilustración como posible subsede del IVAM. Fue despejando una tras otra las preguntas de los medios con ese mismo retintín. Eso sí, insistió en que sería “fantástico” que el museo se ampliara próximamente: “El 2019 es una buena fecha”, coincidiendo con el 30 aniversario del instituto valenciano. “No se trata de tener visiones melancólicas de lo que el IVAM fue, sino del futuro que nos aguarda”, concluyó.

Obra del colectivo AES+F en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión? en el IVAM.

Obra del colectivo AES+F en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión? en el IVAM.

Salva Torres

Valencia acoge el fin de rodaje de la webserie ‘¡Tócate!’

¡Tócate!, webserie valenciana
Dirigida por Victoria Avinyó
Protagonistas: María Albiñana, Nuria López, Marina Gutiérrez y Patricia Teruel
Enero de 2018

La webserie valenciana ‘¡Tócate!’ ha grabado el lunes 8 de enero la última de las secuencias de su primera temporada. El restaurante Vinotinto, situado al lado del Teatro Olympia de Valencia, fue el escenario escogido por el equipo técnico para rodar la última secuencia de la serie.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la organización.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la dirección.

Protagonizada por María Albiñana (‘Sin vida propia’, ’Todos queríamos matar al presidente’), Nuria López, (‘Miki’, ‘Didi Hollywood’), Marina Gutiérrez (‘El caso Borne’, ‘The livinguers’) y Patricia Teruel (‘La que se avecina’, ‘Menú equivocado’), ‘¡Tócate!’ cuenta la historia de cuatro mujeres treintañeras con formas diferentes de ver la vida y el sexo, en donde lo único que les une es su amistad.

El proyecto, dirigido por Victoria Avinyó, también cuenta con la colaboración de los actores Alfredo Montesinos, Vicente Aparicio y Jorge de Guillae, quienes dan réplica a las protagonistas, y la actuación especial de María Almudéver.

‘¡Tócate!’ se ha grabado entre Alcàsser, Picassent y Valencia, gracias a la colaboración de establecimientos como Café Volander o el restaurante Vinotinto, quienes se han prestado como escenario de cine. El equipo técnico ya trabaja en el proceso de post-producción y su futura distribución a lo largo de 2018.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

Straub y Huillet, la revolución era esto

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet
Ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Hasta el 8 de febrero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca el ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’, sobre la pareja de cineastas franceses Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que se inauguró con la proyección el 9 de enero del cortometraje ‘Machorka-Muff’ (1962) y del mediometraje ‘No reconciliados’ (1964).

Fotograma de 'No reconciliados', de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘No reconciliados’, de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub (1933) conoció a Danièle Huillet (1936-2006) en 1954. Se casaron en 1959 y trabajaron siempre unidos bajo la firma Straub-Huillet. La pareja de cineastas es una referencia fundamental en el ámbito del cine y del arte contemporáneo desde comienzos de los años sesenta.

Cómplices distantes de una parte de la ‘nouvelle vague’ francesa (Rivette, Godard, Moullet) y periféricos respecto al nuevo cine alemán, Straub-Huillet realizan sus primeras películas entre Alemania, Italia y Francia, lo que caracteriza una filmografía rodada en tres países y lenguas diferentes. En ese sentido, plantean una reflexión sobre la historia, la identidad y las fronteras europeas. También se apropian de otros lenguajes artísticos (dramas, novelas, músicas, partituras y pinturas) de diferentes momentos históricos, que interpretan en el presente como un acontecimiento crítico.

Fotograma de 'El novio, la actriz y el proxeneta', de Straub y Huillet.

Fotograma de ‘El novio, la actriz y el proxeneta’, de Straub y Huillet.

En el cine de Straub-Huillet, textos, obras e imágenes forman parte de una secuencia que describe una pedagogía revolucionaria de la cultura y de la historia a lo largo del tiempo. Tras el fallecimiento de Danièle Huillet en 2006, Jean-Marie Straub ha continuado trabajando y defendiendo una poética del cine como ruptura y revelación.
Organizado por el Museo Reina Sofía en colaboración con Filmoteca Española y comisariado por Manuel Asín y Chema González, el ciclo incluye quince películas de Straub-Huillet, así como nueve cortometrajes dirigidos por Jean-Marie Straub, tras el fallecimiento de su mujer.

La retrospectiva, que podrá verse hasta el 8 de febrero, se inicia con las dos primeras películas de la pareja de cineastas: ‘Machorka-Muff’ es un cortometraje de 18 minutos, basado en un relato corto de Heinrich Böll sobre la falsa paz de la reconstrucción y el rearme de Alemania, y ‘No reconciliados’ es uno de los títulos más importantes del cine alemán de los últimos cincuenta años y se centra sobre tres generaciones de una familia de arquitectos que viven los cambios sociales y políticos de Alemania entre 1914 y 1954.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

La obra en franco devenir de Carmen Ortiz

Devenir, de Carmen Ortiz
Galería MrPink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 26 de enero de 2018

“Mi naturaleza es optimista, pienso que siempre hay algo por delante. Es un devenir incierto, pero no inseguro”. Así explica su obra ‘Devenir’ la artista valenciana Carmen Ortiz, cuya escultura de 350 kilos y 2,5 metros de alto y ancho preside la galería MrPink. Junto a esta gran pieza dialoga en franca armonía otra más pequeña, a modo de hoja en blanco que parece levitar a escasos centímetros del suelo. Es la manera que tiene Ortiz de interrogarse sobre la existencia y las contradicciones del ser humano.

Obra de Carmen Ortiz en la exposición Devenir. Imagen cortesía de MrPink.

Obra de Carmen Ortiz en la exposición Devenir. Imagen cortesía de MrPink.

Contradicciones resumidas en ese contraste entre lo pesado de la escultura, su tremenda fuerza expresiva, y la fragilidad que denota su estructura plana entrecortada a la manera de la papiroflexia. “Es la gran interrogación entre lo fuerte y lo débil. Pero no creo que sea una contradicción, sino el refuerzo de lo que somos”. Y lo que somos, al menos para Carmen Ortiz, se fundamenta precisamente en esa insistencia por perdurar en el tiempo, a sabiendas del final que inevitablemente nos aguarda.

“Nunca hay un final o al menos no lo aceptamos. Descubres la luna y enseguida quieres ir a Marte y luego Júpiter. Pertenezco a la rama optimista de la naturaleza humana”. Por eso la artista dice jugar en su obra con el devenir como espacio intersticial entre dos mundos que se conectan entre sí. Conexión que ella establece dejando siendo la puerta entreabierta. “En mi obra siempre se abre alguna puerta”. Apertura ligada con su voluntad incansable de creación: “No puedo dejar de imaginar y de pensar; de evolucionar constantemente”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

María Tinoco, responsable de la galería MrPink, señala el “carácter espiritual” de su trabajo, destacando en esa evolución los sucesivos cambios del color negro, al gris y ahora el blanco, así como el paso de lo bidimensional a la tridimensionalidad de su actual “devenir”. “Yo con color no trabajo nunca. Indago en los pensamientos básicos y elementales que motivan las dudas eternas y, en este lenguaje, el color a mí no me aporta nada. Busco la introspección máxima; el pensamiento más libre que pueda”.

Libertad que transita del hierro al lienzo y viceversa, sometiendo lo duro y lo frágil a una misma tensión arquitectónica basada en diferentes planos. Tan pronto el hierro parece abrirse como si fuera papel, como el ligero papel constituirse en materia sólida. “Las esculturas están planteadas como interrogaciones: aberturas sutiles, ángulos, cambios”. Y Carmen Ortiz asegura que la luz es el otro elemento por explorar: “He empezado a meter una luz estática que espero vaya evolucionando”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

De hecho, sus esculturas necesitan de la luz para reflejar los cambios que las diferentes aperturas propician. He ahí el devenir abriéndose y cerrándose al mismo tiempo. O como dice la propia artista, cuestionándose lo que pudiera significar su deriva, “si el devenir está hecho o por hacer; si está condicionado o libre de ataduras”. Y apela a ese río “que discurre de forma diferente para cada uno”.

Carmen Ortiz crea sus esculturas para que el espectador pueda transitar por ellas; para que sienta correr el devenir por sus venas y se interrogue por él. “Por esa puerta entreabierta vemos el mundo como si fuera una rendija”. Rendija a cuyo través se cuela la incierta vida que la artista transita con paso firme, arriesgando con su obra nuevas formas de entenderla. “La inseguridad forma parte de todos los artistas y de todas las épocas. Ahora, con la crisis, quizás las puertas se estrechan un poco más, pero siempre se sale por algún lado, se encuentra una salida”. ‘Devenir’ es el “título intuitivo” que ha dado a su última y contundente creación, que MrPink acoge hasta el 26 de enero.

Instalación de Carmen Ortiz

Instalación de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de galería MrPink

Salva Torres

El Centre del Carme dobla su número de visitantes

Centre del Carme
C/ Museo, 2. Valencia
Cifras de visitantes y actividades de 2017

El Centre del Carme Cultura Contemporània despide el 2017 con un total de 182.658 visitantes, lo que supone un incremento del 140% con respecto al año anterior, más del doble que en 2016. De hecho en junio de 2017 el centro de arte valenciano ya había superado las cifras de todo el 2016. Una tendencia que se ha mantenido a lo largo del segundo semestre del año con cifras récord como en los meses de octubre y diciembre, con 24.469 y 22.212 visitas respectivamente, en el caso de diciembre casi cuatro veces más que en el mismo mes de 2016.

El Centre del Carme ha aumentado sus visitantes en cada uno de los meses de 2017 con respecto al 2016. Destaca asimismo el último trimestre del año en el que ha recibido un total de 63.944 visitantes.

Visitantes en la Sala Ferreres del Centre del Carme.

Visitantes en la Sala Ferreres del Centre del Carme.

Estas cifras ponen de manifiesto el respaldo del público al nuevo proyecto para el Centre del Carme como centro dedicado a la cultura contemporánea. En total el centro valenciano ha acogido este año 30 exposiciones con la participación de 767 artistas y más de 300 actividades culturales, entre encuentros, conciertos, talleres, proyecciones y otras acciones.

Su director, José Luis Pérez Pont, accedió al cargo en abril de 2016 y los frutos de este nuevo proyecto han comenzado a verse en 2017. Fue en el mes de febrero cuando el centro valenciano presentaba su nueva etapa con la exposición ‘Discursos premeditados’ compuesta por los fondos de arte contemporáneo de la Colección CAM que custodia el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA). La exposición recibió más de 30.000 visitantes en dos meses.

Por otra parte, en el mes de mayo, coincidiendo con la celebración del Día Internacional de los Museos, se inauguraron las exposiciones resultantes de las primeras convocatorias públicas (Escletxes de producción y apoyo a la investigación, V.O de comisariado y 365 dies VLC, de comisariado de una sala del Centre del Carme durante un año) comenzando así un nuevo modelo de gestión para el centro de arte valenciano.

Espai de Telles del Centre del Carme.

Espai de Telles del Centre del Carme.

Previamente, en noviembre de 2016, abrió sus puertas el ‘Espai de Telles’ el primer espacio permanente dedicado a la primera infancia en un centro de arte español. La nueva sala de experimentación para bebés, de 0 a 3 años, ha influido también en el perfil del público visitante al Centre del Carme, siendo cada vez más familias las que se acercan al centro de arte, atraídas por este espacio que refuerza la función cotidiana de los lugares de la cultura. Casi 10.000 niñas y niños lo han disfrutado a lo largo de este año.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, ha expresado su agradecimiento por la respuesta del público y de los agentes culturales activos, manifestado que “trabajamos para prestar un servicio público de calidad, a la altura de las necesidades de una sociedad que requiere de forma urgente encontrar en la cultura y en el conocimiento herramientas útiles para la construcción de nuevos trayectos personales y colectivos. El Centre del Carme es ahora un espacio de agitación cultural puesto a disposición de la ciudadanía, con la complicidad del sector cultural. Un lugar en el que la vida cotidiana converge con la cultura viva”.

Durante 2017 se ha puesto en marcha el modelo del nuevo Centre del Carme, renovando su imagen a todos los niveles: desde su gestión, el 80% de su programación expositiva es el resultado de diferentes convocatorias públicas; hasta su imagen corporativa con una nueva imagen gráfica y un nuevo sitio web, que ha recibido la visita de cerca de 200.000 usuarios únicos, así como activando su presencia en redes sociales; pasado por la reorganización de sus salas, dando sentido a cada uno de los espacios que componen este conjunto monumental, aprovechando todo su potencial.

Atendiendo a las estadísticas, por género, un 53% de los visitantes al Centre del Carme son mujeres y un 47% hombres. En cuanto a la edad se observa una gran diversidad: con un 59% de adultos y un 13% mayores de 65 años, destaca asimismo que el 21% de su público son jóvenes y más del 7% son menores de 14 años.

El programa de educación y mediación ha desarrollado un papel muy importante en el flujo de nuevos públicos. En este sentido, la cifra de participantes en las actividades educativas del Centre del Carme supera los 9.500 asistentes, habiéndose realizado un total de 240 acciones.

Atractivo turístico

A la ingente actividad que ha generado el Centre del Carme, con más de 300 actividades que han dinamizado la vida cultural de la ciudad, no es desdeñable la relevancia patrimonial que constituye el antiguo convento, uno de los enclaves más singulares de la Comunitat, con elementos representativos de la arquitectura de distintas épocas. El diálogo entre la creación contemporánea y el monumento histórico le confieren un interesante atractivo turístico.

De este modo, otra de las cifras que llama especialmente la atención es la cada vez mayor afluencia de público extranjero que representa ya el 36% de las visitas, frente al 55% de visitantes procedentes de la Comunitat Valenciana, que sigue siendo el conjunto más numeroso, y un 8% del resto del Estado español. Durante 2017 se han registrado visitantes de 121 nacionalidades distintas. Los italianos son los visitantes extranjeros más numerosos en el Centre del Carme, con un 19%, seguido de los holandeses con un 17%, además de los franceses, ingleses y alemanes, con una destacada presencia de público procedente de Estados Unidos y Rusia.

Acción de Yves Klein, homenajeado en el Festival Nits d'Aielo del Centre del Carme.

Acción de Yves Klein, homenajeado en el Festival Nits d’Aielo i Art. Centre del Carme.

Un nuevo escenario

Como centro de cultura contemporánea el Centre del Carme se ha abierto a distintas manifestaciones de la creación actual y ha dado cabida a propuestas que no contaban hasta el momento con un espacio específico para desarrollarse, como la música experimental, el videoarte, el arte urbano o el arte de acción, que se han sumado a otras actividades como el teatro en espacios no convencionales o la danza contemporánea, además de encuentros de pensamiento, grupos de lectura, charlas y talleres.

Estas actividades, tanto las vinculadas con exposiciones como otros encuentros, de carácter educativo o artístico, han supuesto el 28% de los visitantes del Centre del Carme.

Así, el Centre del Carme se ha convertido en un nuevo escenario que ha albergado distintos festivales o encuentros, muchos de ellos de carácter internacional, lo que le ha permitido darse a conocer y abrirse a nuevos públicos y experiencias culturales.

En este sentido destacan el Festival Internacional de Música Contemporánea ENSEMS, el Festival Nits d’Aielo i Art, el Festival Músiques de Nova Creació o el Deleste, en cuanto a música; en cuanto al ámbito audiovisual, el festival Cinema Jove, Docs, o el Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina, además del festival internacional de videocreación ‘Under de subway video art night’; en artes escénicas el festival Tercera Setmana, o el Cicle Migrats y como encuentros de pensamiento el Pechakucha Night València o Tedx València Ciutat Vella, entre otros, además de los festivales de artes visuales Intramurs y Ciutat Vella Oberta; destaca asimismo el programa artístico en defensa de los derechos de los animales y que ha cerrado el año, ‘València Capital Animal’.

Visitantes en la exposición Valencia Capital Animal. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Visitantes en la exposición Valencia Capital Animal. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La servilleta de MAKMA

Restaurante Mar de Avellanas
Plaza Colegio del Patriarca, 6
Valencia

Cena-balance anual MAKMA en el Restaurante Mar de Avellanas de Valencia, con Salva Torres y Vicente Chambó, Migu Gregori, Ismael Teira, Juanjo Mestre, Merche Medina, José Ramón Alarcón, Carles Claver, Andrés Herráiz y Victoria Herrera.

Doce meses no caben en un resumen de tres líneas, sobre todo si valoramos acontecimientos o artistas visuales, actores, músicos, comisarios, bailarines, gestores culturales y protagonistas poco mediáticos por los que MAKMA siente interés. Son consignas invariables, por y para los muchos espacios y nombres a los que referirse, y citarlos uno a uno aquí supondría exponerse a olvidar al más desafortunado de ellos.

Tomando notas. Fotografía Fernando Ruiz.

Cinco años tomando notas. Agenda por año. Fotografía Fernando Ruiz.

Por otro lado, ordenar algunas de las ideas que siguen bullendo después de media década requiere inspirar y expirar con profundidad, el aire entra en los pulmones como después de subir la cuesta más vertical, como hace ya cinco años cuando MAKMA nace en un escenario complicado, en plena crisis. La sociedad está atenazada, los talentos emigran para poder alimentarse, las expropiaciones de viviendas son dramáticas y la corrupción ahoga la esperanza de los más fuertes. Simultáneamente, los medios de comunicación de papel y las hormigoneras han desaparecido del paisaje. Estamos en un escenario cuya predicción únicamente muestra catástrofes, pero la creación de un medio como Makma tiene posibilidades de ofrecer esperanza, de aportar algo de luz y megáfonos. Debe ajustar sus esfuerzos en base al soporte digital, y si mantiene la filosofía de involucrarse para poner en valor el talento y a las entidades que se ocupan de dar visibilidad a ese talento cumplirá una buena labor. Hay elementos cuya supervivencia en la franja más árida del desierto están necesitados de esperanza, y la sequía es menos cruel con riego por goteo.

Amparela Benlliure y Rosa Santos posando ante el fotógrafo Fernando Ruiz ante la mirada de Salva Torres en la sesión fotográfica para el Desayuno Makma con motivo de Abierto Valencia 2017. Fotografía, Vicente Chambó.

Amparela Benlliure y Rosa Santos posan para el fotógrafo Fernando Ruiz ante la mirada de Salva Torres en la sesión fotográfica para el ‘Desayuno Makma’ con motivo de Abierto Valencia 2017. Fotografía, Vicente Chambó.

Todavía quedan numerosos protagonistas activos en el sector, son los que con su fuste y resistencia han sobrevivido con lo mínimo, siguiendo con su plan de exposiciones en un páramo de difícil retorno. Al final, pasada la criba de la selección natural, en una sequía tan brutal solo pueden sobrevivir los poetas hibridados con genes de gladiador. Seguro que muchos de nuestros lectores están levantando la mano.

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Y es que en materia de cultura, artes visuales, escénicas o energías renovables, no hay legislación fiscal ni plan efectivo que haya dado con la clave, y estamos perdiendo el tiempo. Un país de creativos es una potencia en exportación de ideas y de valores. Un patrimonio no explotado que con algunos ajustes movería montañas.

Es verdad que tenemos en nuestra sociedad una cuestión importante a solventar que se percibe claramente cuando se viaja fuera de nuestras fronteras: por falta de información, de educación o de lemas formativos, bajo el manto espiritual de poner la otra mejilla, la ganancia se antoja censurable y poco digna de un artista honesto. Así vamos por mal camino. Son muchas teclas, muchos mimbres que tocar por parte de todas las instituciones para cambiar la mentalidad. Aquí queda la reflexión: en los países (no mejores ni peores) cuya mayoría confesional (practicante o no) es protestante, el esfuerzo tiene como legítima correspondencia el premio, el estímulo y la retribución por ese esfuerzo, por ese logro.

"Introspección" Graffiti del jovencísimo Juan Pablo Bracho presentado a Fresh Art, 2017. Fotografía, archivo MAKMA.

“Introspección” Graffiti del jovencísimo Juan Pablo Bracho presentado a Fresh Art, 2017. Fotografía, archivo MAKMA.

Hemos de tener claro que el desarrollo profesional en materia de cultura requiere una compensación económica por el trabajo. Y cuando el profesional destaca por sus capacidades en una selva tan dura no debería ser cuestionado. En una sociedad con todas estas complicaciones, quien consigue salir adelante honestamente, más bien debería ser digno de admiración y de estudio.

Los lobbies han existido siempre, galerías, críticos, medios, o editores, son piezas clave en la consolidación de un artista, al igual que el productor, director, o gestor de un teatro. Los apoyos determinan el futuro del protagonista, sí. Incluso a menudo se observa la búsqueda de estrategias, la puesta en marcha de la inteligencia, la sintonía de intereses comunes, sí. Pero en los casos de los que MAKMA se ocupa son apoyos independientes, imparciales y justos. Unas veces más, otras veces menos acertados, pero los creativos que cuentan con estos apoyos son ídolos de quienes buscamos la ética en la estética. El mensaje sincero. Por esto sentimos que cuanto más preparada esté la sociedad, más honesta será la criba del artista que se consagrará y más garantías de sinceridad tendrá su discurso. Esto es evidente. Y aquí está Makma para aportar su grano de arena, y esto pasa también por despertar el interés del público que debe sentirse partícipe, atreverse a valorar y potenciar su criterio en el mundo de la creatividad, desarrollar sus argumentos pros y contras.

La mirada de Bizco Books en La Nau, durante el Festival del libro SINDOKMA. Fotografía, Vicente Chambó.

La mirada de Bizco Books en La Nau, durante el Festival del libro SINDOKMA. Fotografía, Vicente Chambó.

Estos son algunos de los pensamientos que durante noches, días, semanas y meses se alternan en orden pero no en intensidad. A veces saben esperar y resurgen como fruto de la excitación al ponerse sobre el teclado. Hoy, aunque de forma un poco desordenada y muy directa necesitaban salir de paseo para poner en valor el trabajo de los que se esfuerzan por hacer bien el día a día sin desfallecer. Este proyecto llamado MAKMA les apoya.

Antonio Damián y Antonio Alcaraz ante el cartel del memorial Emilio Sdun. Fotografía, Vicente Chambó.

Antonio Damián y Antonio Alcaraz ante el cartel del memorial Emilio Sdun. Fotografía, Vicente Chambó.

Estas palabras solo reclaman lluvia para los poetas-gladiadores. Los que siguen sobreviviendo en esta franja más extrema del desierto. Los que consiguen que sus siembras, díganse actividades diarias, exposiciones, películas, guiones y versos, broten con brío. Los que interpretan su danza poniendo el alma. Los que producen las cosechas en condiciones adversas. Nos gusta esta gente por ello, porque sólo los sabios humildes pueden ajustar sus regaderas para sacar el mejor partido al escenario.

Para redactar el balance del año 2016, y cuya impronta se repite para el caso de 2017, me vino a la memoria el caso de la sentada en un restaurante no identificado -probablemente en París- que al parecer reunió a Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max Jacob, André Salmon, Jean Cocteau y Guillaume Apolinaire. Comieron y bebieron tres bocados y ocho tragos más de los que cabían en sus buches, y a la hora de abonar la cuenta todos se hicieron los suecos. Miraban hacia un lado y el otro y silbaban. Entonces Picasso toma la iniciativa, y abre los brazos apartando copas, platos y cubiertos dejando despejada su parcela de mantel. Toma su estilográfica, hace un dibujo sobre una servilleta y solicita la presencia de la dueña del restaurante. Una vez que ésta acude, le ofrece la servilleta para sufragar los gastos. La dueña, sonriente, solicita a Picasso que firme el dibujo. El genio, mirando a la señora, le responde:

“Estoy pagando el almuerzo, no comprando el restaurante”.

Dibujo sobre papel  firmado por Pablo Picasso. Fotografía, cortesía colección particualr.

Dibujo sobre papel firmado por Pablo Picasso. Fotografía, cortesía colección particular.

Estamos algo al sur de París. Concretamente en la Plaza del Colegio del Patriarca de Valencia, los protagonistas toman asiento en el Restaurante Mar de Avellanas, MAKMA ha convocado al equipo en pleno. Hay que hacer balance del año a pesar de las ausencias. Brindar en hermandad. Entre los reunidos siempre queda huella de alguna servilleta coloreada, algún dibujo ilustrado sobre el mantel, aunque cualquier papel es válido si la rugosidad de la servilleta no resulta ser un buen soporte. Es genial planear el futuro sobre tanta vocación en suma. El equipo es fundamental.

Dibujo sobre papel de Ismael Teira. Imagen tomada sobre el mantel. Fotografiada con dispositivo móvil por alguno de los convocados makma.

Dibujo sobre papel de Ismael Teira. Imagen tomada sobre el mantel. Fotografía, dispositivo móvil de alguno de los convocados del equipo makma.

En realidad, la entrega y dedicación a informar de cada uno de los componentes de MAKMA nace por el respeto a la propia condición inventiva. Ama al prójimo como a ti mismo. Construir y crear con humildad es algo innato en todos y cada uno de los miembros presentes, esto no es casualidad. Makma, (mejor repetirlo que quedarse corto), es el resultado de esa voluntad que hace cinco años puso en marcha un proyecto de comunicación innovador y riguroso con vocación de informar y crear, sobre y para creativos y actores de la cultura.

De izquierda a derecha y de arriba abajo, de pie: Carles Claver, Merche Medina, Salva Torres, Andrés Herráiz, Victoria Herrero, Ismael Teira y Migu Gregori. Sentados: José Ramón Alarcón, Vicente Chambó y Juanjo Mestre. Restaurante Mar de Avellanas. Fotografía, selfie del equipo MAKMA.

De izquierda a derecha y de arriba abajo, de pie: Carles Claver, Merche Medina, Salva Torres, Andrés Herráiz, Victoria Herrera, Ismael Teira y Migu Gregori. Sentados: José Ramón Alarcón, Vicente Chambó y Juanjo Mestre. Restaurante Mar de Avellanas, cena balance anual. Fotografía, selfie del equipo MAKMA.

Probablemente, Picasso y los suyos no siguieron ningún orden establecido en sus intervenciones, no creo que pidieran turno de palabra en aquella sentada gastronómica (con la que yo me la jugaría), no de derecha a izquierda, ni de izquierda a derecha, si no de arriba a abajo, al centro y para dentro (trago). Tampoco en esta cena hay turnos. Aquí el vino es de Fontanars dels Aforins y levantar la mano presta a confusión. Cuando alguno de los comensales alza el brazo no se está seguro si pretende decir  “Camarero sírvame” o está pidiendo turno de palabra. En cualquier caso, hay que maridar el Capuccino de foie y maíz o los Mejillones Thai. Y dar el correspondiente sorbo, en compañía del plato principal: Suquet de Corvina y Canelón de Carrillera. De postre, Gelée de cacahuete y chocolate amargo. Con este menú, Picasso habría tenido que recurrir a la estilográfica de Apollinaire para firmar una servilleta a cada cocinero.

Caligrama de Guillaume Apollinaire. Imagen cortesía colección particular.

Caligrama de Guillaume Apollinaire. Imagen cortesía colección particular.

Es más, el propio Guillaume Apollinaire sonreiría si pudiera, al ser recordado con una frase de su ‘Manifiesto Cubista’:

“La buena voluntad no garantiza en absoluto la victoria”

Y con esta frase trasciende la buena voluntad a que hizo referencia Apollinaire y que MAKMA siempre tuvo como consigna: el paso a la acción. Tomar partido en el sector cultural. Es un ejemplo de ello el premio de dibujo organizado por DKV y MAKMA, que ya va por su III edición, y de cuya exposición: ‘La vendedora de Fósforos’ de Marta Beltrán, se puede disfrutar en el MuVIM hasta el 14 de Enero.

La vendedora de fósforos. MuVIM. De Marta Beltrán. III edición premio de dibujo DKV-MAKMA. Fotografía Consuelo Chambó.

La vendedora de fósforos (MuVIM hasta 14 de enero de 2018). De Marta Beltrán. III edición premio de dibujo DKV-MAKMA. Fotografía Consuelo Chambó.

Puro dibujo a color inspirado en la filmografía del cineasta Aki Kaurismäki, del que se proyectó el título ‘La fabricante de cerillas’ como actividad complementaria en el MuVIM, con una posterior mesa redonda de la que salieron interesantes reflexiones por parte de la artista, Marta Beltrán y la profesora y directora de la Cátedra Berlanga Begoña Siles, además de Salva Torres y José Ramón Alarcón, especialistas y seguidores de la obra del director Finlandés.

Di izquierda a derecha, Salva Torres, Marta Beltrán, José Ramón Alarcón y Begoña Siles en la mesa redonda del MuVIM. Fotografía Vicente Chambó.

Di izquierda a derecha, Salva Torres, Marta Beltrán, José Ramón Alarcón y Begoña Siles en la mesa redonda del MuVIM. Fotografía, Vicente Chambó.

Y, hablando de cine, el turno para hacer balance de 2017 llega de la mano de Salva Torres, que entra de lleno con datos para recalcar:

“Seis aspirantes a los Goya el año en que La Fimoteca cumple 30 años”

Conforme recuerda Salva Torres: “El audiovisual valenciano sigue de enhorabuena. El año 2017 concluye con seis aspirantes a los premios Goya, donde estarán presentes con diversas nominaciones en varias categorías. Paco Plaza lo hará en el apartado de Mejor Director por la película ‘Verónica’, por la que opta igualmente en la categoría de Mejor Guión Original, en este caso de la mano de Fernando Navarro.

Escena de la película 'Verónica' de Paco Plaza. Fotografía, cortesía de la productora.

Escena de la película ‘Verónica’ de Paco Plaza. Fotografía, cortesía de la productora.

Los alicantinos Sami Natsheh y Arly Jones, al Mejor Cortometraje de Animación por ‘Colores’, lo mismo que Raúl Díez por ‘El ermitaño’, junto a Adán Aliaga y Álex Lora, al Mejor Corto Documental por ‘The Fourth Kingdom’, completan el resto de aspirantes valencianos a los Goya”

Exposición en La Nau. 30 años de filmoteca.

Exposición en La Nau de la Universitàt de València. 30 años de filmoteca. Fotografía cortesía La NAU.

Torres, destaca el peso de la producción valenciana, más allá de los premios, y recuerda la realización de dos largometrajes: “Alberto Adsuara ha terminado su ‘Error fatal’, película en fase de proyección y distribución, y Nacho Ruipérez está concluyendo su ópera prima ‘El desentierro’, cuyo rodaje ha llevado a cabo en diferentes paisajes de la Albufera, con Leonardo Sbaraglia entre los protagonistas. Además, la Filmoteca de València celebra sus 30 años con una exposición temporal en La Nau de la Universitat de València, a falta de una sede fija que pueda mostrar su rico patrimonio audiovisual”. Concluye Salva.

José Ramón Alarcón, por su parte, replantea la importancia del paso a la acción de MAKMA con el Festival del Libro Sindokma:

“Las máximas que configuran la idiosincrasia y el devenir de MAKMA durante sus cinco años de existencia se focalizan no solo en el refrendo, sino en la contribución al mapa cultural del que formamos parte. En este orden de proactividad debemos destacar la consolidación del Festival del Libro SINDOKMA, cuya tercera edición, celebrada a finales de octubre en el Centre Cultural La Nau, ha consumado una sobresaliente evolución en sus postulados, polarizados en torno de la significancia de los valores de la edición independiente y contemporánea”

Editores y colaboradores celebran la clausura del Festival SINDOKMA el pasado mes de octubre en La NAU.

Editores y colaboradores celebran la clausura del Festival SINDOKMA el pasado mes de octubre en La NAU.

Alarcón, recuerda que “SINDOKMA ha contado con la presencia de medio centenar de expositores nacionales (allegados desde Madrid, Barcelona, Asturias, Zaragoza, Cuenca, Sevilla y Murcia) y se ha configurado un relevante cronograma de contenidos, como la exposición ‘Tipografía y Dadá libros’, comisaridada por Antonio Alcaraz y Antonio Damián, además de una treintena de actividades (entre mesas redondas, presentaciones y talleres infantiles, como el impartido por PINTA), presencia de autores e instituciones invitadas, como el periodista y escritor Javier Valenzuela, Paz Fernández, directora de la biblioteca de la Fundación Juan March, y Jim Lorena, quien, de la mano de Antonio Damián y ‘librodeartista.info‘ han tendido puentes culturales con el país mexicano desde SINDOKMA”

Portavoz del equipo MAKMA en agradecimientos, Alarcón añade: “Debemos destacar el imprescindible apoyo de la Conselleria D’Educació, Investigació, Cultura i Esport, del Centre Cultural La Nau, del Ayuntamiento de València y las empresas Gandia Blasco y Alhambra, a la par que la decisiva cooperación del Col·legi Major Rector Peset, del IVAM, la ESAT, la UPV, la EASD, el Museu Joan Fuster de Sueca, Masquelibros, La Plaza se Mueve y Tapinearte. Presencias y cooperaciones que nos han permitido atender a excelsas y heterodoxas propuestas, cuya visibilización de contenidos se erige tanto en una estrategia de suma relevancia para el editor como una decisiva labor didáctica para el festival y para MAKMA, desarrollando una labor pedagógica que justifica y asegura el devenir futuro del proyecto, en el que ya nos encontramos trabajando de cara a la cuarta edición, que tendrá lugar del 25 al 28 de octubre de 2018”

Para Merche Medina: “Teatro y Danza es, sin duda, una de las pestañas de nuestra revista con mayor dotación de contenidos, de los que MAKMA también ha formado parte mediante diversas acciones y apoyos al ámbito escénico de la ciudad”

En cuanto a la colaboración de MAKMA, Merche Medina añade, “El pasado mes de junio entregábamos, por segundo año consecutivo, el Premio Makma al Mejor Espectáculo Nacional de Teatro en los VI Premios del Público de Sala Russafa, que en 2017 ha recaído en ‘Marx en el Soho’, de La Casa Escénica, concediendo a la compañía teatral una pieza del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira. Igualmente, hemos respaldado mediáticamente proyectos como el Festival 10 Sentidos, de cuya sexta edición, bajo el lema ‘PorMayores’, MAKMA  ha sido media-partner, auxiliando a difundir el notable trabajo emprendido por sus artífices, Mertixell Barberá e Inma García”

Para concluir su balance de 2017, Medina apuntaba “Y, por descontado, han transitado por nuestra sección aquellas propuestas escénicas de mayor interés que han formado parte de la programación del año de teatros y salas de la ciudad y de la Comunidad Valenciana, tarea que proseguiremos desarrollando con mayor ahínco”

Por su parta, Ismael Teira, acude a la cena con una carpeta repleta de documentos y estadísticas que revisan en cifras y datos los apoyos a las convocatorias a las que MAKMA da visibilidad.

“En 2017 hemos publicado en MAKMA decenas de convocatorias dirigidas, principalmente, a artistas visuales que trabajan en el territorio español. La suma total es cuantiosa: 1.027.000, más de un millón de euros destinados a premiar la creación artística. Un porcentaje significativo de esta cifra proviene de las convocatorias del Consorcio de Museos para dotar de programación al Centro del Carmen. Son destacables también los casi 200.000 euros que la Fundación Botín destinó a sus 8 becas de Artes Plásticas este año; pero también hay que aplaudir la intensa labor llevada a cabo en algunos municipios valencianos, como los Premios Adquisición 2017 del Ayuntamiento de Mislata, los certámenes de pintura de Pego, Algemesí y Sant Joan d´Alacant, o las Becas Hàbitat Artístic de Castelló de la Plana; sin olvidarnos de iniciativas privadas como la de Mustang Art Gallery para seleccionar una escultura conmemorativa para su sede en Elche; o las diferentes propuestas que lanzó en 2017 DKV Seguros: 4ª Beca de Producción a la Creación Videográfica DKV/ES BALUARD, IX edición de Fresh Art y III Premio de Dibujo DKV/MAKMA que este año duplicó su dotación económica, alcanzando los 5.000 euros.

La Imagen corresponde a la la exposición de la convocatoria “Premios de adquisición Mislata 2017. Compromiso social en las artes visuales” Al fondo, la obra de Rosalía Banet

Bienal de Mislata. El banquete hambriento 3, 2010. Fotografía, Kike Sempere.

Bienal de Mislata. El banquete hambriento 3, 2010. Fotografía, Kike Sempere.

En materia de música, Juajo Mestre sentencia,

“Harto difícil es siempre sintetizar y condensar con pocas palabras lo más destacable en una añada a nivel musical. Con la subjetividad y parcialidad que ello implica por los gustos y, al mismo tiempo, con el propósito de ser ecuánime y neutral en la medida de lo posible por la experiencia de lo mucho escuchado, me gustaría remarcar a nivel internacional sendos debuts en solitario de Danny de La Matyr y de Ron Gallo, el asentamiento de nombres como Nikki Lane, The Parson Red Heads o Doug Tuttle, la calidad que siempre ofrecen Robyn Hitchcock, The Sadies o Son Volt, y los soberbios retornos de Peter Perrett y de The Dream Syndicate. En el plano nacional el segundo trabajo de Germán Salto, todavía no muy conocido pero que vuelve a demostrar enorme talento y sensibilidad. Y por supuesto un valor seguro como el granadino José Ignacio Lapido, así como el “enemigo” Josele Santiago que está cada vez más brillantemente establecido sin su mítica banda. En cuanto a los numerosos conciertos que en el 2017 he tenido el privilegio de asistir me parecieron enormemente vibrantes los de The Sadies, Cracker, Luna, Germán Salto, Redd Kross y, muy especialmente, el de los granadinos Lagartija Nick presentando su nuevo álbum”

En temas de redes, informática alternativa y territorios afines, Migu Gregori se moja,

“En mi opinión el evento del 2017 es  El Space Apps Challenge de Las Naves celebrado del 28 al 30 de abril, un Hackathon Global de 48 horas para desarrolladores, diseñadores, científicos, ingenieros, emprendedores y estudiantes.

En este Hackathon participaron más de 160 ciudades alrededor de todo el mundo simultáneamente. Los equipos crearon aplicaciones móviles, software, hardware, visualizaciones de datos y soluciones para plataformas frente a desafíos diseñados directamente por la NASA para contribuir a misiones de exploración del espacio y ayudar a mejorar la vida en la tierra”

Para Victoria Herrera, es fundamental la presencia de la iniciativa privada donde no llega la pública:

“Este año se ha combinado el pasado y el presente creando una nueva perspectiva de futuro. Gracias a la reapertura del espacio Bombas Gens, se ha podido llevar a cabo esta excepcional simbiosis con una acogida sin parangón, no solo por la gran rehabilitación de un espacio de todos, sino por las nuevas propuestas artísticas que han vestido sus paredes y han jugado a dar una nueva lectura a un cuento ya conocido”

Dori López ante el edificio de Bombas Gens. Fotografía

Dori López en su Balcón frente al edificio de Bombas Gens. Imagen cortesía de Dori López.

Andrés Herráiz, por su parte, se queda con la poesía: “Dentro de la variedad cultural a la que MAKMA ha dado dado visibilidad este último año, considero a Lara Pairó Agüera como una de las grandes apuestas dentro de la poesía emergente. La entrevista que realicé en torno a “Del Silencio”, su último poemario publicado en Ediciones En Huida, me permitió descubrir a una joven poetisa crítica con una sociedad en la cual el poema ha devenido, en muchas ocasiones, en un simple Tweet. Sus poemas son fruto de una poesía intimista, y en muchas ocasiones desgarradora que ahonda en las complejidades del estar, el vivir y el callar”

Página interior de la edición de

Página interior de la edición de “Del silencio”de Editorial La Huida. Imagen cortesía de la Editorial.

Para Carles Claver: “El comienzo de las emisiones de À Punt Ràdio y la –confiemos- inminente (re)apertura de la televisión pública sirven un prometedor escenario al sector audiovisual valenciano, una situación que contrasta enormemente con los tiempos vividos hasta hace muy poco. De hecho, existe ya un buen número de productoras que han empezado con la producción y rodajes de programas para À Punt. En breve -si el recurso presentado por la Unió de Periodistes no ralentiza o, incluso, impide la consolidación del proceso de reapertura- se sumarán muchas otras productoras, estudios de doblaje y profesionales del sector a la dinámica creadora y creativa que origina la puesta en marcha de un medio de comunicación transversal y potente, a pesar de las estrecheces económicas con las que tendrá que lidiar.

Eso con respecto a los profesionales, en cuanto a la sociedad en general creo –y vuelvo a esperar- que será la gran beneficiada. Por fin los valencianos recuperamos un servicio público que nunca debió desaparecer. Ahora de lo que se trata es de no repetir errores del pasado y, sobre todo, neutralizar cualquier pulsión de tipo político-influencer. Es obvio pero no por eso debemos dejar de repetirlo, si alguien debe regir los parámetros y los contenidos de À Punt Mèdia esa debe ser la sociedad valenciana. En este sentido, el respeto y la promoción del valenciano, así como una programación que nos enriquezca culturalmente deben conformar sus pilares, como así me consta que empieza a ser, debo decir. Llegados a este punto, necesito pecar de optimista.

Para finalizar con el que ya es año de recuerdo 2017, dos referencias que se nos han ido y duele:

Recortar en educación, cultura e investigación, es hipotecar el porvenir.

Juan Goytisolo

“Apenas somos / un haz de luz centrífuga / pero qué luz”

José Ignacio Montoto

Vicente Chambó

Los poemas visuales de Vicky Uslé

Password, de Vicky Uslé
Galería Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 12 de enero, a las 20.00h
Hasta el 2 de marzo de 2018

La galería Espai Tactel presenta la obra de la artista Vicky Uslé (Santander, 1981). ‘Password’ es la primera exposición individual en su galería valenciana después de haber expuesto en galerías, museos y ferias de arte nacionales e internacionales.

Viviendo entre dos culturas (USA y España) y entre ciudad y naturaleza, usa el soporte del dibujo y la pintura para expresar observaciones, sueños y reflexiones. Cada trazo es un poema visual donde encontramos un equilibrio entre sensaciones volátiles y sugerentes líneas concretas. Las imágenes transpiran en un espacio donde detalles oscuros pueden rozarse con pensamientos luminosos, uniéndose en el núcleo de un momento donde reposan como un espécimen sobre papel y lienzo.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Los espacios de Vicky Uslé son dinámicos y pulsantes y, por tanto, se hallan siempre en el umbral de la inestabilidad. Su pincel se mueve como el humo cuando el viento no lo perturba y obedece a órdenes secretos. La artista nos descubre horizontes que son siempre subjetivos, abiertos y desconocidos. No se trata de un territorio hostil, su mundo es decididamente amistoso, como un albergue inesperado en el camino o en un lugar especialmente ameno de un bosque en el que decidimos descansar y maravillarnos.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todas estas formas y circuitos que se engendran a sí mismos, flotan o se desplazan, describiendo equilibrios, parámetros, horizontes, espacios de todo tipo: conceptuales, aéreos, líquidos…sugieren un análisis detallado de la identidad y las relaciones. Una voluntad de orden, de orientación, de autoconocimiento en suma, pone todo en movimiento. Actúa, también, consciente de sus límites. Este proceso, sin duda generado por el deseo, es ya en sí mismo una forma de placer, fin tanto como medio.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Johanna Caplliure

“Toda representación es ficción, por realista que sea”

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera
IV Beca de Investigación Rambleta
Hasta el 14 de enero de 2018

“Toda representación es ficción”. De ahí que para Jesús Herrera, ganador de la IV Beca de Investigación Rambleta, sea “mentira que haya objetividad en la imagen”. Lo que hay, y mucha, es subjetividad, precisamente de la que trata dar cuenta en la exposición Spatium Hermeticum planteada como un “viaje iniciático”. Un viaje al fondo de esa melancolía tan característica del barroco que Herrera, junto al comisario de la muestra, Luis Vives-Ferrándiz, actualiza para extraer de ella los temperamentos que figuran en el proyecto expositivo.

“En Estados Unidos ya no se aceptan las fotografías como prueba documental en los juicios”, señala el artista de Petrer (Alicante), que ahora reside en Dinamarca. Porque las imágenes, por muy fotográficas y realistas que sean, “siempre obedecen a un punto de vista, cierto enfoque y determinado encuadre”, subraya Herrera. Por eso él destaca ese carácter ficcional de la representación, mediante la simulación pintada de la propia cinta adhesiva que sujeta las diversas imágenes, al tiempo que se vale de obras clásicas y contemporáneas, con el fin de rastrear el espíritu que anima su proyecto.

Jesús Herrera ante el retablo de su exposición. Imagen cortesía de Rambleta.

Jesús Herrera ante el retablo de su exposición. Imagen cortesía de Rambleta.

“Trata de encontrar la piedra filosofal y el proceso de transformación interior”, explica el comisario, a través del aire, el fuego, la tierra y el agua que vienen a corresponderse con los humores de lo melancólico, lo flemático, lo sanguíneo y lo colérico de los diversos temperamentos. “El elemento humo me obsesiona”, reconoce el artista, que observa en dicho humo “el indicio de que algo ha ocurrido”. Siguiéndole el rastro, aparece el fuego que viene a consumir el cuerpo humano, el de un pájaro o una salamandra, generando cierto efecto purificador.

Como se apuntó en la exposición que sobre los tiempos de melancolía acogió hace un par de años el Museo de Bellas Artes de Valencia, esa melancolía expresa “la máxima temperatura de la creatividad”, tal y como destacó María Baños, comisaria de aquella muestra. Melancolía que mama de lo subterráneo, de la tierra y del otoño reflejando ese “ambiente oscuro de la bilis negra”. Una bilis que, en el caso de Spatium Hermeticum, rima plásticamente con ese humo negro que se eleva en la gran pieza central del retablo urdido por Herrera, a modo de gran marco escenográfico.

“Me interesa mucho la teatralidad que tiene el barroco”. Y Jesús Herrera incide en ella subrayando el carácter “de trampantojo, de truco”, mediante el cual se atrapa la mirada del espectador para conducirlo por los vericuetos de la representación. “La pintura y el arte tienen un poco de alquimia”, añade el artista. Representación y alquimia, cosmogonía y temperamentos que convenientemente ligados propician ese viaje al interior de uno mismo y del mundo que le rodea. “Se propone un recorrido intelectual; descifrar los elementos, el más allá de las imágenes”, precisa Vives-Ferrándiz.

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Es el comisario quien a su vez destaca la fusión existente entre la ficción y lo real, visible en los diferentes objetos que, insertos en las imágenes, se descabalgan de ellas para mostrarse en su plenitud física: “Son objetos representados e igualmente tangibles”, dice. Todos ellos reunidos en diversas peanas que rodean el retablo central de la exposición, cuya tramoya salta a la vista para destacar la ficción y el relato que propicia. Una actualización del barroco cuya sacralidad toca tierra en la obra de Herrera: “El peso de lo religioso, de lo sagrado, se ve desde lo pagano”, comenta el comisario, que ve en la alquimia y la tradición hermética “la alegoría y los dobles sentidos” que interpelan al espectador dirigiéndose a “los ojos del alma por medio de un lenguaje mudo”.

Spatium Hermeticum, que permanecerá en Espai Rambleta hasta el 14 de enero, establece relaciones con artistas como Edward Hopper o Bill Viola, entre otros, mediante colores que el artista entiende “más profundos”, al igual que ha “subido el tono de frecuencia e intensidad”, quizás debido a su estancia en Dinamarca. “El tiempo allí parece dilatarse porque estás más recogido; igual me estoy volviendo más introvertido”, concluyó irónico. Tiempo de melancolía con el que Jesús Herrera ha ganado la beca Rambleta a la que concurrieron 130 proyectos. Una beca dotada con 6000 euros que no para de crecer.

Jesús Herrera

Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Salva Torres

Homenaje por el centenario de Melville

Centenario Melville
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 28 de noviembre de 2017 al 14 de enero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca un ciclo de homenaje a Jean- Pierre Melville con motivo del centenario de su nacimiento, que se inauguró el martes 28 de noviembre con la proyección de ‘Bajo el nombre de Melville’ (2009), de Olivier Bohler.
Este documental biográfico reúne entrevistas, material de archivo y fragmentos de las películas de Melville para intentar explicar el impacto emocional que tuvieron la Segunda Guerra Mundial y la carrera militar del director francés en su filmografía.

Fotograma de El último samurai, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de El silencio de un hombre (Le samurai), de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Organizado en colaboración con el Institut Français y la Jean-Pierre Melville Foundation, el ciclo reúne nueve de las trece películas de Jean-Pierre Melville, que podrán verse en copias digitales restauradas. Entre las películas que podrán visualizarse en diciembre figuran clásicos como ’24 horas en la vida de un payaso’ (1946), ‘El silencio del mar’ (1949), ‘Bob, el jugador’ (1955), ‘León Morin, sacerdote’ (1961), ‘El confidente’ (1962), ‘El ejército de las sombras’ (1969) y ‘Círculo rojo’ (1970).

Fotograma de 'Le cercle rouge', de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Le cercle rouge’, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Se trata de una oportunidad única de disfrutar del estilo singular de un cineasta que este año habría cumplido 100 años y que fue considerado el padre espiritual de la ‘nouvelle vague’ francesa y un maestro absoluto del denominado género ‘polar’ o policíaco francés.

Es particularmente interesante que el ciclo pueda verse en paralelo al que la Filmoteca dedica al cine negro clásico, pues esto hace posible comparar y entender aún mejor el ejercicio de apropiación y destilación de los códigos del género que Melville llevó a cabo en muchas de sus películas.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.