Iñaki Torres, Jone Saitua, Loreto Bayo (‘Trazos y tintos’): “Tanto pintar como elaborar un buen vino son procesos que requieren tiempo, pasión y una mirada personal”

#MAKMAArte
‘Trazos y tintos. El arte de encontrarse’
Organizado por Iñaki Torres
Artistas participantes: Iñaki Torres, Jone Saitua y Loreto Bayo
Bodegas Gure Ahaleginak Txakolina y Viñedos Clemente Sanmartín
Espacio Eraso
Eraso 1, Deusto (Bilbao)
Hasta el 29 de noviembre de 2026

En una época en la que los cinco sentidos parecen encontrarse en un estado abotargado por la falta de estímulos, o en la que solo uno o dos de ellos están dormidos o bien sobreexcitados, aún quedan lugares donde poder reunirse y encontrar la medida justa para estimular de manera adecuada la totalidad de esos sentidos que tan desentrenados tenemos.

Ese desentumecimiento sensorial es la función que quiere desarrollar el nuevo Espacio Eraso, en Bilbao. Para ello, en su presentación contó con la obra de tres artistas —Iñaki Torres, Jone Saitua y Loreto Bayo— que, junto con dos bodegas —Gure Ahaleginak Txakolina y Viñedos Clemente Sanmartín—, buscan explorar los vínculos existentes —y escondidos— entre el arte y el vino en la exposición ‘Trazos y tintos. El arte de encontrarse’.

Esta propuesta acoge las pinturas de Torres y Saitua, procedentes del propio Bilbao, y las obras de la artista sevillana Loreto Bayo, llegada desde Andalucía para la inauguración del espacio. Este terceto artístico indaga con sus obras en ese universo oculto que existe entre la pintura y el arte de la creación del vino.

Con este diálogo que se crea entre ambos mundos, la experiencia sensorial —y conceptual— que se abre despierta todos los sentidos para descubrir cómo el maridaje y las obras pictóricas encierran notas similares, aun siendo universos tan diferentes.

Para que nos expliquen un poco más acerca del evento, hemos podido hablar con el artista y organizador de ‘Trazos y tintos’, Iñaki Torres, así como con Jone Saitua y Loreto Bayo para que nos hablen sobre la obra que han traído a Espacio Eraso.

La muestra ‘Trazos y tintos. El arte de encontrarse’ se encuentra en Espacio Eraso y es posible concertar visitas guiadas por el propio Iñaki Torres previo contacto con el organizador, ya sea por correo electrónico (itm@itembiblio.com) o por teléfono (687016276).

¿Cómo surge la idea de fusionar la pintura con el vino?

Iñaki Torres (IT): La idea surge de querer crear una experiencia diferente, que fuera más allá de una exposición de arte convencional. En ‘Trazos y tintos’ se explora la conexión entre ambas disciplinas, que, aunque se expresan de maneras distintas, tienen una esencia muy similar.

La pintura nos permite conectar con las emociones a través de lo visual, mientras que el vino lo hace a través del gusto, el aroma y todas las sensaciones que lo rodean. Nos pareció muy interesante unir ambos lenguajes y crear un diálogo entre ellos.

¿Hasta qué punto son mundos similares?

IT: Tanto pintar como elaborar un buen vino son procesos que requieren tiempo, pasión, sensibilidad y una mirada personal. De esa conexión nació la idea de crear un espacio donde el arte no solo fuera una experiencia visual, sino que también se pudiera sentir y disfrutar de una manera diferente.

¿Cuál dirías que ha sido la clave para encontrar ese equilibrio a la hora de fusionar el arte con el vino?

IT: Lo primordial ha sido dejar que ambos lenguajes dialoguen entre sí, sin que ninguno de ellos pierda su identidad.

Sin embargo, más que fusionar dos mundos diferentes, hemos querido poner en valor todo lo que tienen en común. Al final, tanto una obra de arte como una copa de vino tienen la capacidad de despertar emociones, generar conversaciones y crear recuerdos.

Espacio Eraso comienza su andadura con este ‘Trazos y tintos’. ¿Cuál es el propósito de este primer proyecto?

IT: La intención es crear un espacio en el que el visitante no solo pueda contemplar el arte o disfrutar del vino, sino vivir una experiencia sensorial más completa, en la que la cultura, la creatividad y el placer se entrelacen.

Mientras que el vino apela al gusto y al olfato, la pintura utiliza la vista, la emoción y el sentimiento ¿Al fusionar ambos se crea la experiencia sensorial completa?

IT: Creo que sí, precisamente ahí reside la magia de esta fusión. El arte y el vino tienen la capacidad de despertar emociones por separado, pero cuando se encuentran, la experiencia se enriquece y adquiere una dimensión diferente.

La pintura invita a detenerse, observar, interpretar y dejarse llevar por lo que una obra nos transmite. El vino, por su parte, nos conecta con los aromas, los sabores y los recuerdos. Al unirlos, conseguimos involucrar más sentidos y crear una experiencia mucho más envolvente.

Pero creo que hay algo todavía más interesante: no se trata únicamente de estimular los sentidos, sino de generar conexiones. Quizá un color nos recuerde a un aroma, una textura nos evoque un sabor o una copa de vino nos haga mirar un cuadro de otra manera.

Al final, lo interesante es que cada persona vive esa experiencia de forma diferente, porque tanto el arte como el vino tienen algo muy especial: no existe una única manera de sentirlos o interpretarlos.

¿Puede el vino ser un ingrediente liberador para que el público conecte con la obra sin los prejuicios actuales?

IT: Sí, creo que el vino puede ser un gran catalizador para generar esa conexión más espontánea y natural con el arte. Tiene un componente social que invita a compartir, conversar y disfrutar, y ayuda a crear un ambiente más distendido en el que el público puede sentirse libre de acercarse a las obras sin miedo de no entenderlas o no saber interpretarlas.

El vino aporta ese punto de encuentro, de conversación y disfrute que puede favorecer esa apertura. No se trata de que el vino explique el arte, sino de que ambos creen el ambiente perfecto para dejarse llevar.

Ahora centrándonos en tu obra expuesta, ¿los colores que utilizas son una elección estética o poseen una finalidad dentro del propio lienzo?

IT: No son solo una elección, son una forma de expresar sensaciones que con las palabras no puedo transmitir. Por eso, cada obra es también una pequeña fotografía de un momento vital.

¿Influye tu entorno o el momento vital en el que te encuentras en la paleta cromática que utilizas en tus lienzos?

IT: Influye más de lo que uno pueda pensar, porque creo que la pintura es un reflejo de lo que somos y de lo que estamos viviendo en cada momento. Aunque no siempre sea algo consciente, nuestro estado de ánimo, las experiencias personales, los lugares que nos rodean e incluso la luz o los colores que forman parte de nuestro día a día terminan trasladándose al lienzo.

Creo que la paleta cromática va evolucionando con el artista. Hay etapas en las que uno se siente más atraído por los colores vivos, intensos y llenos de energía, y otras en las que buscamos tonos más suaves, neutros o armoniosos.

Palabras como ‘notas’, ‘matices’, ‘texturas’ o ‘capas’, son utilizadas tanto en el mundo de la pintura como en el de la enología. ¿Consideras que ambos mundos comparten el mismo lenguaje?

IT: Sí, creo que, en esencia, ambos mundos comparten un lenguaje muy similar, aunque cada uno lo exprese a través de diferentes sentidos. Me parece curioso que utilicemos esas expresiones para hablar tanto de una obra pictórica como para describir un vino, porque todas ellas hacen referencia a algo que va más allá de lo evidente, a esos pequeños detalles que enriquecen una experiencia.

Creo que ambos comparten, sobre todo, un lenguaje emocional y sensorial. Tanto el artista como el enólogo buscan transmitir algo, despertar sensaciones y dejar una huella en quien contempla la obra o degusta el vino.

Quizá por eso esta unión resulta tan natural. Porque, aunque uno se expresa a través de los colores y el otro a través de los aromas y sabores, los dos nos invitan a mirar, descubrir y sentir más allá de lo superficial.

Algunos cuadros que aquí se presentan fueron ideados para una relación vinícola y otros no. ¿Podrías valorar la participación en este tipo de propuestas?

IT: Por supuesto. Creo que este tipo de propuestas abren un camino muy interesante para explorar nuevas formas de expresión y de acercar el arte al público. Aunque algunas de las obras expuestas no nacieran inicialmente con una vinculación directa con el mundo del vino, ha resultado muy enriquecedor descubrir cómo pueden adquirir nuevas lecturas y despertar sensaciones diferentes cuando se presentan en un contexto como este.

De hecho, creo que participar en experiencias que conecten la pintura con otras disciplinas es una oportunidad para experimentar y descubrir nuevas posibilidades creativas.

¿Tras esta experiencia estarías dispuesto a crear una obra en específico para un evento similar en el futuro?

IT: Me parece una idea muy atractiva. Creo que es un reto creativo muy interesante, porque permite establecer un diálogo desde el origen entre ambas disciplinas. Al final, el arte está vivo y evoluciona, y me gusta la idea de que pueda encontrar nuevas formas de conectar con las personas y con otros universos creativos.

En tu caso, Loreto, presentas una propuesta que acompaña al espectador en un viaje conceptual desde el viñedo hasta la copa. ¿Cómo se traduce ese recorrido en tus obras?

Loreto Bayo (LB): Mi intención fue trazar un itinerario mental y visual que acompañe al espectador desde el origen de la uva en el viñedo hasta el momento íntimo de la cata en la copa.

¿Cómo has enfocado tu participación en esta propuesta?

LB: Cuando me invitaron a participar en ‘Trazos y Tintos’, tuve claro desde el principio que no quería limitarme a pintar uvas sin más. Este proyecto me ha brindado la oportunidad de conversar tanto con la enología como con mis compañeros de exposición. Al final, en la pintura y en el vino hace falta lo mismo: paciencia, respeto por los tiempos de elaboración y ganas de crear algo que deje poso en quien lo disfruta.

Tus trabajos están realizados en óleo sobre lienzo ¿qué papel desempeña en este diálogo con el vino?

LB: Trabajar con esta técnica me permitía otorgar una riqueza al color y la posibilidad de trabajar con capas, con ello he podido explorar a fondo ese lenguaje común entre textura, luz y concepto del que hablábamos.

Los trabajos que presento en esta muestra son en óleo sobre lienzo, una técnica que, por la riqueza del color y la posibilidad de trabajar por capas, me permitía explorar a fondo ese lenguaje común entre textura, luz y concepto del que hablábamos.

Háblanos un poco de tu obra.

LB: Son tres: ‘Madurez’, ‘Mediodía’ y ‘Blanco’.

‘Madurez’ es el punto de partida, el origen del proceso. En este lienzo he buscado trabajar la densidad y el volumen de la materia orgánica a través del trazo y la superposición de líneas. Para mí, buscar la madurez en la pintura es exactamente eso: encontrar el equilibrio entre forma, textura, color e intención.

En ‘Mediodía’ desplazo la atención hacia la atmósfera y el entorno que hacen posible el fruto. Me interesaba pintar no solo la forma, sino la temperatura y el paso del tiempo. En este lienzo se crea un juego de sombras y contraluces. Es un ejercicio de contraste donde la riqueza de la obra no está solo en lo que se ve a plena luz, sino en los matices que se esconden en la sombra.

¿Y ‘Blanco’?

LB: Esta pieza es el final del recorrido: el instante de la cata.

¿Por eso es una circunferencia? ¿Por qué cierra el círculo de la vid?

LB: Elegí el formato circular, el tondo, porque me recordaba a la propia geometría de la copa al mirar desde arriba.

Es una obra muy lumínica y sutil, con matices metálicos que cambian según te mueves o según le dé la luz. Aquí se refleja muy bien lo que decía Iñaki sobre involucrar a todos los sentidos: al igual que ocurre al catar un vino, a primera vista la obra parece suave, pero si te detienes y le dedicas tiempo, van apareciendo capas, brillos y matices que no eran evidentes al principio.

Jone, tú también traes tres obras a esta exposición.

Jone Saitua (JS): Sí. Son tres trabajos realizados en acrílico sobre lienzo, con ellos busco un diálogo entre el vino, el cuerpo femenino y las emociones, invitando a mirar más allá de lo evidente, donde la sensualidad convive con la vulnerabilidad, incluso donde una diosa puede encontrar su lugar en la tierra.

El vino está muy marcado en estas obras.

JS: Es un relato que trato de contar mediante la pintura. En ‘El placer tras la vendimia’ evoco la pisada de la uva a través de las piernas femeninas en movimiento, con un juego de formas que sugiere sensualidad, danza, encuentro y placer. La interpretación de si las piernas son de una misma mujer o de diferentes lo dejo a la mirada de quien contempla el lienzo.

En la obra que tiene enfrente, ‘Evasión en silencio’, se ve a una mujer sumida en un instante de calma y conexión interior sosteniendo una copa de vino. En su pecho, un corazón vacío que no expresa tristeza, sino serenidad, ausencia de peso y plenitud en la quietud.

Y la tercera obra, ‘Thyone’, es un trabajo creado expresamente para esta exposición, ¿qué puedes contar de ella?

JS: ‘Thyone’ nace de un giro conceptual y personal: lo que inicialmente iba a ser la representación de una diosa, se transforma en la historia de un descenso a la tierra. Con esta obra propongo una reflexión sobre la fragilidad de la identidad, la pérdida del amor, la necesidad de ser reconocidos y la posibilidad de renacer cuando dejamos de ocupar el lugar que otros nos habían otorgado.

La figura protagonista, Thyone —la madre del dios Dioniso—, trasciende lo meramente simbólico para convertirse en una metáfora de la propia existencia. Al igual que la uva se transforma en vino, ella atraviesa una metamorfosis inversa: abandona la eternidad para regresar a la fugacidad de la vida humana. Desnuda y tumbada, su figura parece habitar un instante de aceptación y recogimiento.

La última para ti, Iñaki. ¿Darías alguna recomendación a los visitantes que acudan a ‘Trazos y tintos’?

IT: Que se olviden por un momento de lo que saben o de lo que creen que deberían saber sobre arte y simplemente se permitan sentir, mirar y disfrutar. Porque no hay una interpretación correcta ni una única manera de conectar con una obra.