Paco Ibáñez encabeza el cartel del festival MiL

Festival Música i Lletra (MiL)
Gran Teatre de Xàtiva
C / Académic Maravall, 8. Xàtiva (València)
Del 3 al 11 de mayo de 2019

Paco Ibáñez, Mara Aranda, Miquel Gil, Clara Peya, Roger Mas, Carles Pastor y Anari son los artistas que protagonizan el cartel del festival Música i Lletra, Xàtiva cançó d’autor, 2019 (MiL). En esta cuarta edición, el festival ha buscado el equilibrio entre los grandes nombres de la canción de autor, como la vasca Anari, y algunas de las nuevas voces más premiadas, como Clara Peya o Carles Pastor, para celebrar la palabra cantada.

Este año, el Institut Valencià de la Música se suma a la organización de un festival que, además, destaca ya en las ediciones anteriores por garantizar precios populares para el público, combatir la precariedad del sector con condiciones laborales dignas para todos los trabajadores de la música, promover jóvenes talentos, ser muestra de la música de autor crítica, e implicar a la población en el festival con el trabajo de varias asociaciones y entidades sociales de Xàtiva en tareas del proyecto.

con el cartel del festival MiL. Imagen cortesía de la organización.

Elias Taño (izda), creador del cartel del festival MiL, y Feliu Ventura, director del evento. Imagen cortesía de la organización.

Novedad de esta edición es que los menores de 12 años acompañados tendrán entrada gratuita a todo el festival. La edición MiL 2019 constará de cuatro días con ocho grandes conciertos los viernes y sábados entre el 3 y el 11 de mayo en la capital de La Costera.

Como ya es marca de la casa, el cartel propone una gran variedad de estilos dentro de la canción de autor, de la canción denuncia clásica de nuestro país al pop que flirtea con la electrónica hasta nuestro ‘folk’ más valenciano. El festival también ofrece voces de todo el Estado, en varias lenguas, y se mantiene inseparable de la defensa de las mujeres en los escenarios, que este año quedan tres a cuatro. En la fiesta de presentación del festival, que es de entrada libre, actuará también Dani Miquel, para pequeños y no tanto pequeños, y se celebrará la final del MiL Descobreix: III certamen de joves cantautores, que vuelve a repartir 2.700 euros en premios para autores no editados.

La edición de este año reivindica la defensa de la libertad de expresión en el mundo de la cultura con el lema ‘Yo canto a la diferencia’, un verso de la cantautora chilena Violeta Parra, y el cartel obra del muralista e ilustrador establecido en València Elías Taño.

De izda a dcha, Marta Landete, Elías Taño, Feliu Ventura y Alfred Boluda. Imagen cortesía del MiL.

De izda a dcha, Marta Landete, Elías Taño, Feliu Ventura y Alfred Boluda. Imagen cortesía del MiL.

“En esta edición de Música i Lletra, el Institut Valencià de Cultura ha apostado por coorganizar el festival, conjuntamente con el Ayuntamiento de Xàtiva. Lo hemos hecho porque es el único festival de nuestro territorio dedicado exclusivamente a la canción de autor y, además, en un sentido muy amplio. Iniciamos esta colaboración y esperamos que sea muy duradera”, explicó Marga Landete, directora adjunta de Música y Cultura Popular del Institut Valencià de Cultura.

“El MiL es un festival público que busca ir más allá de las instituciones, queremos que el público participe de la cultura como hecho transformador, que la música te haga disfrutar y pensar. Pretender que la cultura o la música sea neutra es convertirla en cultura o música de ascensor, o de escaparate”, explicó Alfred Boluda, concejal del Gran Teatre de Xàtiva.

Para Feliu Ventura, músico y director artístico del festival, “el MiL es un festival diferente, por eso queremos hacer un grito de alerta contra la intolerancia, celebrar la diferencia, cantar a la diferencia y reivindicar el derecho a la disidencia. Si no lo hacemos desde la cultura, ¿quien lo hará?”

Paco Ibáñez. Festival MiL de Xàtiva.

Paco Ibáñez. Festival MiL de Xàtiva.

Premi Nacional de Pintura Juan Francés

Convocante: Ajuntament de Xátiva
Dotación: 10.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 30 de junio de 2018

Premi Nacional de Pintura Juan Francés. Fira d’Agost 2018. Xàtiva

1 Pueden participar todos aquéllos artistas mayores de 18 años, residentes en el Estado español que lo deseen.

2 El concurso está abierto a cualquier temática, técnica y estilo. Tanto el tema como la técnica pictórica a utilizar serán de libre elección. No se podrá hacer alusión hacia ninguna marca comercial y de ninguna forma el contenido de la obra podrá ser ofensivo, en el más amplio sentido. De hecho, la organización se reserva el derecho a no admitir las candidaturas que, según su criterio, no cumplen con las condiciones técnicas, artísticas y/o legales exigidas para el certamen, o que hieran la sensibilidad de las personas, incitando a conductas violentas, discriminatorias o contrarias a los usos sociales.

3 Las dimensiones mínimas del lienzo donde se plasme la obra, son 81×60 cm y las máximas de 180 x180 cm.

4 Cada participante podrá presentar un máximo de 2 obras, sin enmarcar, no se admitirán obras protegidas por un vidrio, pero sí podrán estar protegidas por un listón que no supere los 2 cm de ancho. Las obras deberán ser originales y no haber estado premiadas en ningún otro concurso nacional o internacional.

5 La fecha límite de inscripción al concurso será el 30 de junio de 2018.

Los participantes tendrán que realizar la inscripción online a través de MundoArti por medio del siguiente enlace: www.mundoarti.com

La fotografía de la obra presentada estará debidamente recortada (es decir, sin que aparezca el marco, caballete, etc.) en formato JPG de máximo 5 MB.

6 El jurado realizará una selección de 25 obras que se comunicará el 10 de Julio de 2018 a los interesados. Únicamente las obras seleccionadas deberán de ser enviadas personalmente o remitidas por agencia de transportes antes del día 20 de julio de 2018, debidamente identificadas a:

AJUNTAMENT DE XÀTIVA – CASA DE CULTURA

C/ Montcada, 7 – 46800 XÀTIVA. Telèfon: 96 228 23 04

correu electrònic: casacultura@ayto-xativa.es

7 El jurado se reserva la posibilidad de aumentar o disminuir el número de obras seleccionadas atendiendo a la calidad de éstas, pudiendo declarar desierto el premio si así lo considera.

8 De entre las obras seleccionadas, se establecerá un único Premio en metálico, de 8.000 € a la mejor obra a criterio del Jurado, y este importe está sujeto a las normativas fiscales vigentes. La obra premiada pasará a ser propiedad de el Excmo. Ayuntamiento de Xàtiva.

9 Los participantes acceden voluntariamente al uso de su nombre y a la reproducción de las obras seleccionadas por el material de difusión relativo al concurso, en cualquier medio y asimismo para la edición del catálogo que se editará con la finalidad exclusiva de promocionar a los artistas seleccionados y sin ánimo de lucro, por lo que tal cosa no generará ninguna retribución por derechos de autor. El catálogo recogerá la totalidad de obras seleccionadas.

10 Este año y de forma excepcional, también se concederá un accésit valorado en 2.000 euros.

11 El premio será librado el día 15 de agosto de 2018, a las 12.00 h en el acto público de inauguración de la exposición de las obras seleccionadas y de la premiada.

12 El Jurado está formado por personalidades de reconocido prestigio en el mundo de las artes plásticas:

– Ricardo Forriols: Director del Área de Actividades Culturales, Vicerectorado del Alumnado, Cultura y Deportes, Universidad Politécnica de València.

– Maite Ibáñez Giménez: Doctora en Historia del Arte por la Universidad de València, crítica y comisaria de arte.

– Rosa Santos: Directora de la Galería Rosa Santos y Presidenta de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVac).

Designado por la familia Juan Francés:

– Rosmary Bellod Durá

El jurado será presidido por el Sr. Alcalde o persona en quien delegue, actuando de Secretario un funcionario municipal. Este jurado será designado por la Comisión Informativa de la Regidoria de Fira.

13 El período de exposición de las obras seleccionadas será del 15 de agosto al 14 de septiembre de 2018, en la Sala de Exposiciones de las Columnas de la Casa de Cultura de Xàtiva.

14 Los gastos de transporte, para enviar a recoger las obras, son a cargo de los participantes.

15 El Ayuntamiento de Xàtiva no se hará responsable de las pérdidas o desperfectos de las obras durante el transporte.

16 Las obras seleccionadas podrán ser retiradas del 17 de septiembre al 11 de octubre de 2018. Transcurrido este término, las no retiradas pasarán a ser propiedad de el Excmo. Ayuntamiento de Xàtiva.

17 Cualquier discrepancia respecto a la interpretación de las presentes Bases, o que no esté prevista, será resuelta por el Jurado. Su pronunciamiento será inapelable.

18 Participar en el presente concurso supone la total aceptación de estas bases.

Contra la desaparición del arte en secundaria

Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 16 de octubre de 2016

La Universitat de València acoge en la Sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’, un proyecto que reivindica los estudios de educación artística en la secundaria, con la implicación de 12 centros valencianos y la Universitat de València.

Comisariada por Ricard Huerta, profesor de la Universitat de València y coordinador de CREARI Grupo de Investigación en Pedagogías Culturales, la exposición exhibe 120 obras elaboradas por los 12 institutos de educación secundaria que han participado en el proyecto: IES Lluís Vives, IES Juan de Garay e IES Benlliure, de Valencia; IES Clot del Moro, de Sagunt; IES L’Estació, de Ontinyent; IES Laurona, de Llíria; IES Tirant lo Blanch, de Torrent; IES Número 1, de Requena; IES Josep de Ribera, de Xàtiva; IES Ausiàs March, de Manises; IES Sanchis Guarner, de Silla; e IES María Enríquez, de Gandia.

‘Second Round’ es un proyecto académico que arrancó el curso pasado con la colaboración de los vicerrectorados de Participación y Proyección Territorial, con la producción e itinerancia de una muestra compuesta por 21 paneles explicativos; de Políticas de Formación y Calidad Educativa, con la organización de ciclos de conferencias que reunieron a centenares de alumnos en los diferentes centros educativos; y de Cultura e Igualdad, que acoge la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’.

Second Round. Joan Llorca. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo día 16 de octubre, aglutina todas las manifestaciones artísticas a través de 120 piezas realizadas por el alumnado de secundaria, exalumnos de los centros participantes y profesorado, entre ellas, dibujo, pintura, instalación, escultura, poesía visual y ‘performance’.

“Este es el resultado de un proyecto que parte con la idea de visibilizar los estudios de creación artística en la etapa secundaria, después de detectar que estos tienden a su desaparición. Lo que queremos con ‘Second Round’, desde la Universitat y con la implicación de los institutos valencianos, es apoyar la educación artística ante esta situación salvaje y extrema”, explica Ricard Huerta.

Y parece que la visibilización ha sido uno de los logros, pues han trabajado en el proyecto miles de personas entre estudiantes, exalumnos y profesorado; la muestra itinerante ha recorrido 12 institutos de una decena de municipios del territorio valenciano; e incluso ha promovido el nacimiento de la Asociación Valenciana de Profesorado de Dibujo (AVPD).

La exposición ‘Second Round’ que se puede visitar en La Nau se divide en dos partes tituladas ‘El cuerpo’ y ‘El alma’, que describen dos líneas de trabajo: una primera, que ofrece representaciones del cuerpo humano a través de dibujos y pinturas, y una segunda, que se hace cargo de geometrías y mapas que reflejan las esencias más conceptuales, respectivamente. Según señala el comisario, este relato se relaciona con la formación del profesorado de Dibujo procedente de las especialidades de Bellas Artes y de Arquitectura.

‘Second Round’ se convierte así “en referente de una temática poco tratada hasta ahora: la actividad artística en los centros de secundaria valencianos, y sirve para reflexionar sobre aquello que queremos realmente para el futuro de la educación artística”, apunta Huerta, quien apuesta por la investigación como clave de futuro. En este sentido, anuncia que, a partir de ahora, el proyecto ‘Second Round’ se centrará, con el apoyo de la Universitat de València, en el impulso de la investigación académica a través de una red en línea con la que se creará un espacio común de debate entre las personas, instituciones, organizaciones y agentes afectados e implicados en la enseñanza de la creación artística.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Así, ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’ se configura como un proyecto de investigación académica y de innovación educativa, impulsado por el Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València, que ha empezado ya a generar investigaciones (tesis doctorales, TFM del Máster de Profesorado de Secundaria o artículos en revistas especializadas) sobre la temática del impacto de las actividades artísticas en los centros de secundaria valencianos en las últimas décadas. Y, en la actualidad, ya ha comenzado a prepararse una web con las incorporaciones más remarcables del proyecto de innovación educativa.

Coloquios Second Round en La Nau

En la exposición de La Nau, además, se proyectará un vídeo recopilatorio de lo que ha sido la actividad artística y su repercusión educativa en los institutos, un audiovisual dirigido por Emilio Martí que se presentará oficialmente y en abierto, con el título ‘Second Round Movie – Líneas’, el 14 de octubre, a las 19.50 horas, en el marco del ciclo académico ‘Col·loquis Second Round a La Nau’, que tendrá lugar en la Sala Gonzalo Montiel los próximos días 13 y 14.

 

Artur Heras o la pintura como combustible

No Ficción. Artur Heras
Sala Estudi General i Acadèmia
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 18 de septiembre de 2016

Artur Heras, acuciado por la rabiosa actualidad del discurso periodístico, tuvo que aclarar: “No hay temas de actualidad en mi obra; no pretendo hacer crónica puntual”. Gay Talese, al que Tom Wolfe atribuyó el nuevo periodismo que a él le adjudicaban, ya advirtió que para escribir un buen reportaje había que poner mucho cuidado en no imaginar absolutamente nada. Se trataba, dijo, de colocarse en la posición de quien nada sabe de antemano y por eso escucha. Y el emigrante le parecía un buen punto de arranque.

“La razón por la que la emigración es necesaria es porque la gente necesita sentirse un extraño. Eso es combustible, te da energía”. Artur Heras diríase que, siguiendo el ejemplo de Talese, se vuelve un exiliado cuando pinta, atendiendo a la extrañeza que le produce la vida. De manera que su obra, lejos de navegar plácidamente por esa actualidad palmaria, se deja empapar de la extrañeza que produce el tejido mismo de la realidad. “Yo escribo reportajes, y un reportaje no es ficción”, que decía Talese y secunda Heras.

Imagen de la exposición de Artur Heras en La Nau.

Imagen de la exposición de Artur Heras en La Nau.

La exposición ‘No-Ficció’, que ocupa dos salas del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, explora esa ficción que no es tal. El propio Heras lo aclara cuando dice que al igual que la literatura, “la pintura está históricamente asociada a la ficción y en cualquier caso, tanto en las historias inventadas como en la transcripción de un hecho real, esta construcción se hace a través del lenguaje”. Y es a través de él como el artista de Xàtiva pone en tela de juicio los lugares comunes, emergiendo la extrañeza propia de quien se descubre atravesado por esas formas pictóricas.

Las más de 400 obras que integran esa ‘No-Ficció’, y que según Heras bien podrían servir de biografía, parecen construir una red mediante la cual contener cierta energía destructiva. De ahí la presencia de calaveras, de muerte, de esqueletos, pero también de esvásticas, de utopías, de rostros cariacontecidos. “Me interesa la pulsión a la hora de crear”, y cómo “cada proyecto es un modo de viajar por la experiencia, sin un plano para ese viaje”. Algo así como el texto y el abismo, con el que el profesor Jesús González Requena distingue ficción y artificio.

Vista de la exposición de Artur Heras en La Nau.

Vista de la exposición de Artur Heras en La Nau.

“La palabra ficción no me gusta. Todas las grandes películas y todas las grandes novelas son verdad. Son verdad subjetiva. Son el resultado del trabajo que le ha permitido a un sujeto sobrevivir. Y que permite a otros sobrevivir porque lo revisitan y lo hacen suyo”. Artur Heras acoge en su obra “las emociones y el laboratorio” mediante el cual recrea ciertas experiencias. De ahí la importancia de las citas literarias como parte intrínseca de ciertas vivencias y que le llevan al artista a emitir cierta crítica: “Eso de que una imagen vale más que mil palabras es una soberana estupidez”.

Y con el lenguaje como único medio de acceder a esa extrañeza de quien emigra hacia territorios siempre nuevos, Artur Heras va construyendo esos espacios de ficción que se comportan como reflejo de experiencias vividas. “Arte y artificio están en el mismo registro. Lo que debe quedar claro es que artificio no es sinónimo de mentira: es sinónimo de construcción humana”, apunta González Requena, como abriendo camino hacia la obra Heras, quien dice “reivindicar el poder de les imatges per transcendir les fronteres de la simple percepció, intentant oferir un antídot a l’excés de missatges que inunda les nostres retines”.

Vista de la exposición de Artur Heras. Fotografía de Miguel Lorenzo por cortesía de La Nau.

Vista de la exposición de Artur Heras. Fotografía de Miguel Lorenzo por cortesía de La Nau.

Josep Salvador, comisario de la exposición ‘No-Ficció’, explica que en las propuestas de Heras “hay una defensa del carácter revelador y comunicativo de la emoción, más allá de una lógica reductora y programática: la imagen siempre como símbolo o metáfora. Se trata pues de descifrar y no de la simple efusión lírica”. También: descifrar a partir de las formas efusivas que dialogan entre sí en su obra, y que hacen de sus imágenes un territorio a explorar, ajeno a la profusión de mensajes tan nítidos como atropellados.

La Sala Academia de La Nau reúne una veintena de piezas en torno a ‘Les emocions’, mientras que la Sala Estudi General compendia las relacionadas con el ‘Laboratori’, en una de cuyas paredes se suman 365 + 1 imágenes que vienen a radiografiar el actual año bisiesto en otras tantas emociones. “No se trata de ejercicios formalistas, sino que son trabajos que tratan de describir una significación precisa”, señala Salvador. “Son el simulacro de una experiencia”, añade.

Vista de la exposición de Artur Heras en La Nau.

Vista de la exposición de Artur Heras en La Nau.

Antonio Ariño, vicerrector de Cultura de la Universitat de València, ofrece un título alternativo de la exposición: “La estética aumentada”, refiriéndose a la realidad aumentada tan en boga ahora. Sin embargo, la ‘No-Ficció’ de Artur Heras, en tanto espacio donde múltiples formas combaten entre sí en medio del mundanal ruido, ya parte del aumento que provoca la extrañeza. El artista fija su atención en algo que le conmueve y, a partir de ahí, crea formas que le permitan sobrevivir. En este sentido, Heras, como Talese, se colocan siempre del lado de quien no es el conquistador o el poderoso, sino de quien siente la fragilidad del ser humano.

“La práctica de la pintura es solitaria”, dice. Y en esa soledad ha producido en tres o cuatro años el 90% de la obra inédita que muestra en La Nau. Obra en la que también subyace la idea de memoria “existencial o de ocultamiento de la misma”. Historia e intrahistoria, que diría Unamuno, de esa memoria que vuelve a luchar contra el olvido o los lugares comunes. “Hay mucho de memoria, de cuestionamiento acerca del sentido de la vida”.

Artur Heras, en medio de la vorágine de las presentaciones y las ruedas de prensa, recuerda lo que apuntó el compositor ruso Dmitri Shostakóvich, cuando en plena Guerra Mundial, sitiada Leningrado, hablaba de las emociones que le llevaban a seguir creando sinfonías en medio del horror bélico. He ahí el combustible, sin duda producto de la extrañeza, del que hablaba Talese y del que Artur Heras se nutre para construir la ‘No-Ficció’ que hasta mediados de septiembre se mantendrá en La Nau.

Artur Heras delante de una de sus obras. Fotografía de Miguel Lorenzo cortesía de La Nau.

Artur Heras delante de una de sus obras. Fotografía de Miguel Lorenzo cortesía de La Nau.

Salva Torres

Deconstructing ab Borjas con Alfredo Pardo

Deconstructing ab Borjas
Sant Domènec, 7 (Convent de Sant Domènec). Xàtiva (Valencia).
Miércoles a domingo de 10 a 14h y 18 a 20h.
Clausura domingo 29 de mayo.

Todo empezó con los preparativos del congreso sobre los Borja a celebrar en Xàtiva. En la configuración de calendario y ponentes alguien reparó en la idea de complementar las jornadas con una exposición de artes plásticas y surgió el nombre de Alfredo Pardo.

De él, el artista y crítico Jesús Andrés, -dijo-: “Si Alfredo Pardo estuviera exponiendo en Londres arrasaría”.

Y es cierto, pero nadie en su pleno juicio se atreve a cuestionar la importancia de los lobbies -también- en el mundo del arte contemporáneo, en donde además de talento, es definitivo tener respaldo de críticos, galeristas, marchantes, medios de comunicación y coleccionistas, no puede fallar ni uno solo de los elementos.

En cualquier caso, Alfredo Pardo declinó la propuesta de hacer una exposición individual. “Hace tiempo que no pinto” –confesó-, pero a la vez, se sintió comprometido con su municipio. “De los Borja no hay nada en Xàtiva que tenga continuidad y prevalezca en el tiempo”, “forman parte de nuestro patrimonio histórico”, -afirma-.

Así, excluyéndose él mismo como artista, -aunque ejerce como creativo principalmente en materia de diseño- se comprometió en hacer una exposición colectiva que tuviera a los Borja como protagonistas. No había presupuesto para su trabajo, pero aún así, se comprometió en sacar el proyecto adelante. En artes plásticas siempre hay alguien así, aunque su actitud sería difícil de entender en otros foros. Akira Kurosawa lo definiría muy bien. “En un mundo loco, solo los locos son cuerdos”

Tiró de agenda e hizo una selección de compañeros con quienes compartió en la Facultad de Bellas Artes, en el máster, o en becas, talleres y convivencias artísticas. Esa condición de antiguo compañero lo convierte en un gran conocedor de las diferentes trayectorias de cada uno de ellos. Con estos mimbres, completó una lista de cincuenta nombres, lista que poco a poco fue depurando hasta quedarse con los perfiles adecuados. A ellos sumó dos nombres más, artistas a los que sigue con la admiración de quien cree en el oficio de hacer arte pensando.

Pasado el plazo, y una vez cumplidas las fechas de entrega, el propio Alfredo Pardo se encargó de retirar las obras de cada artista pieza por pieza -con su vehículo- para trasladarlas posteriormente al Antic Convent de Sant Domènec, (sensacional edificio, s. XIV, ubicado en el centro histórico de Xàtiva). Visto lo visto, el resultado del proyecto da lugar a afirmar que hay dos hilos conductores en la exposición, el apellido Borja y el propio Alfredo Pardo.

Chema López. Fotografía de Alfredo Pardo.

Imagen de la obra de Chema López en la exposición. Foto de Alfredo Pardo.

“De Chema López me habló Sergio Luna, lógicamente conocía su trabajo, no lo voy a descubrir ahora al público”, pero no había coincidido con él en ninguna fase de formación ni en ningún proyecto artístico”

En cuanto a Juan Daniel Sanz, -dice- “Es el prototipo de artista que realiza obra y la guarda en su casa detrás del armario”. “Crea por vocación, apenas muestra lo que hace ni a los amigos”, “Fue alumno mío, y en ese tiempo descubrí su talento”

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“Roderic, l’home llapisera”Juan Daniel Sanz. Foto de Alfredo Pardo.

Sanz, propone “Roderic. l’home llapisera”, -un personaje propio que emplea en buena parte de su obra y que interpreta al papa Alejandro VI. Su pieza es una reflexión sobre las luces y las sombras que siempre ha rodeado la figura de Rodrigo de Borja.

Exaltación, crítica, bulo, poder, fantasía, traición, amor, sexo e intrigas, son locuciones con las que se relaciona a los Borja, un linaje que llegó a Italia originario de las tierras de Xàtiva, y que a lo largo de medio siglo daría a dos Papas y más de diez cardenales. Personajes que desafiaron al poder más asentado y recalcitrante, y que después de llegar a lo más elevado del mismo, cayeron en una leyenda negra forjada por la infamia y la destrucción de la memoria.

La Familia Borja, para Joan Francesc Mira, era una familia excepcionalmente misteriosa y polémica a la que se le han endosado muchos mitos. A veces, leyendas y habladurías a las que las generaciones han ido sumando y engordando sin rigor alguno, como en el dicho de la hormiga y el elefante.

Lucrecia según Paco Montañés. Foto de Alfredo Pardo.

Lucrecia según Paco Montañés. Foto de Alfredo Pardo.

El personaje más apetecible para la interpretación es Lucrecia, que sirve de inspiración a artistas como Paco Montañés (1980, Alcalá la Real, Jaén). En sus creaciones, Lucrecia Borja se entrega a su hermano César. Montañés plasma una imagen de Lucrecia en la noche que hipotéticamente se entrega carnalmente a su hermano César, divina, sensual y exquisita.

Lucrecia según Pol Coronado. Foto de Alfredo Pardo.

Lucrecia según Pol Coronado. Foto de Alfredo Pardo.

Pol Coronado (Águilas, Murcia, 1966) muestra en “Lucrecia Borgia” las diferentes facetas del carácter del personaje, a pesar de que no es razonable atribuirle responsabilidad alguna, -por ejemplo- de su primer matrimonio con Gasparo de Procida cuando tan solo tenía 11 años, y que da razón, de todo lo que podría venir después, aunque de ella, ha sobrevivido durante siglos lo mencionado anteriormente, es decir, la leyenda negra y el morbo.

Miguel Carlos Montesinos. Foto de Alfredo Pardo.

Lucrecia según Miguel Carlos Montesinos. Foto de Alfredo Pardo.

Por su parte, Miguel Carlos Montesinos (Vall d’Uixó, 1978) centra su obra en el embarazo que produjo la muerte a Lucrecia en el parto, y en la que aparecen dos figuras que se funden con el fondo de la obra como dos fantasmas que vuelven del pasado: su padre Rodrigo y su hermano Juan.

Marta Pina. Foto de Alfredo Pardo.

Sombras y realidades sobre los Borja, Marta Pina. Foto de Alfredo Pardo.

También Marta Pina parece haber pensado en Lucrecia para representar alguna de las piezas que enriquecen el proyecto. Collages de acreditada solvencia, y que de forma muy sutil abordan el tema de la apariencia y de la realidad, de lo que la sombra es capaz de proyectar.

Daniel Coves. Foto de Alfredo Pardo.

Lucrecia niña, de Daniel Coves. Foto de Alfredo Pardo.

Por su parte, Daniel Coves, de técnica tradicional y audaz en ejecución, representa a una Lucrecia Borgia con la belleza propia de la infancia, inocente y desconocedora del futuro que le espera.

Sergio Luna. Foto de Alfredo Pardo.

Los Borja de hoy, Sergio Luna. Foto de Alfredo Pardo.

Sergio Luna (Archena, Murcia, 1979), participa con una composición pictórica de varios retratos con imágenes extraídas de diferentes perfiles de redes sociales. Imágenes de individuos que tienen en común el apellido Borja en dichas redes sociales, y de las que ha extraído también los datos identificativos de estos perfiles.

"Alejandro VI, rara avis" de Ivan Izquierdo. Foto de Alfredo Pardo.

“Alejandro VI, rara avis” de Ivan Izquierdo. Foto de Alfredo Pardo.

En cuanto a “Alejandro VI, rara avis“, es una representación alegórica en la que se aprecia una figura antropomórfica con el escudo de la familia Borja. Pieza de grandes dimensiones realizada por Ivan Izquierdo que recaba en las formas e iconografía centrada en el poder papal.

MADAFAKA & The Toxic Kiwis. Foto de Alfredo Pardo.

“By the dis-Grace of God”, de MADAFAKA & The Toxic Kiwis. Foto de Alfredo Pardo.

MADAFAKA & The Toxic Kiwis han concebido la pieza titulada “By the dis-Grace of God” (Dios nunca tuvo el poder). Los MADAFAKA & The Toxic Kiwis son un colectivo de creadores surgido en Xàtiva, y están dirigidos  por Fran Pons y Sandra Moscardó, ambos profesionales de diseño, comunicación y sociología.

Jesús Herrera. Foto de Alfredo Pardo.

La visión de Jesús Herrera. Foto de Alfredo Pardo.

Jesús Herrera Martínez (Petrer, 1976) evoca el tema de la vanitas y lo relaciona también con la leyenda negra de los Borja. Por medio de una cabeza cortada, autorretrato del artista, dispuesta sobre una bandeja, con los ojos y boca cosidos. La imagen, recuerda a “Salomé con la cabeza del Bautista”  (Caravaggio, 1607) y sostiene la idea de mantener el poder mediante la violencia,  y el miedo.

Antonio Velfin. Foto de Alfredo Pardo.

La visión de Antonio Velfin sobre la espiritualidad y los papas. Foto de Alfredo Pardo.

Por su parte, Antonio Velfin, realiza una aproximación a la espiritualidad y abre debate sobre lo que fueron aquellos años de excesos renacentistas que vivió la familia Borja. En su obra, surge de la abstracción un cuerpo desgarrado que retrotrae a “La noche oscura del alma” (San Juan de la Cruz), y con él, nuevamente aparece la referencia a Caravaggio, y también a Rembrandt.

Yann Leto, bajo el título “Cold Deep Waters”,  retrata a la familia de los Borja aportando una visión fresca, pero sin renunciar a la crítica, como en su conocido trabajo “Congress Topless” expuesto en la edición de la madrileña feria ARCO 2014. Francés afincado en España, Leto empezó su formación de BBAA en Burdeos y abandonó para dedicarse a la música, hasta que se trasladó a vivir a España y encontró el marco ideal para su carrera como artista plástico, ocupación que compatibiliza con la música, a la que no renuncia.

Yann Leto. Foto de Alfredo Pardo.

“Cold Deep Waters”, de Yann Leto. Foto de Alfredo Pardo.

Juan Antonio Baños, (Linares, Jaen, 1980), da parte de su inspiración “borgiana” con una pieza rectangular de grandes dimensiones, “Majestuoso Illuminatti Borja”, realizada con técnica mixta y a la que ha incorporado elementos luminosos muy atractivos.

Juan Antonio Baños. Foto de Alfredo Pardo.

“Majestuoso Illuminatti Borja”, de Juan Antonio Baños. Foto de Alfredo Pardo.

Daniel Galván (Valencia, 1978), con su “Juego de Manos” completa una secuencia realizada con tres pinturas donde las manos de Rodrigo de Borja están representadas en plena acción pelando una naranja. Galván, recurre a la cinematografía, y en concreto a escenas de la trilogía The Godfather (Francis Ford Cópola) donde la naranja aparece en varias secuencias de forma premonitoria para anunciar un suceso violento.

Daniel Galvan y su juego de manos. Foto de Alfredo Pardo.

Daniel Galvan y su juego de manos. Foto de Alfredo Pardo.

La exposición Deconstructing ab Borjas, custodia la filosofía de un proyecto didáctico que acerca la creación contemporánea al público a través de la historia y viceversa, pero tras lo visible, hay mucho más, como la relación entre artistas que hace posible su culminación, en este caso, la amistad del comisario, Alfredo Pardo, con muchos de los participantes.

“El sol es nuestro padre, pero a veces nos portamos mal y llora”.
Dersu, al capitán Vladimir Arseniev. (Dersu Uzala,1975. Akira Kurosawa)

Vicente Chambó

Pérez Contel, anticipado a su tiempo

Rafael Pérez Contel, precursor en la educación de las artes visuales en Valencia
En el año del 25 aniversario de su fallecimiento

Rafael Pérez Contel nace un 24 de octubre en el pueblo de Villar del Arzobispo (Valencia), municipio de la comarca de los Serranos cuyos habitantes hablaban el castellano con una importante variedad de valencianismos. Segundo hijo de una familia de origen humilde: su padre era minero. Su abuelo materno, Marcos Contel Aparicio, herrero del pueblo, es quien descubre y promueve las habilidades artísticas del niño. Su madre le enseña a leer y a reconocer los números. Es su primer maestro, Demetrio Gil de Boix, quien lo alienta a que ingrese en la escuela antes de tiempo. Sus progresos son tan prematuros que sin haber cumplido la edad reglamentaria sus padres lo matriculan en la escuela pública.

La obra de Pérez Contel es la de un creador íntimamente comprometido con el arte, la educación, el pensamiento, la cultura y la democracia. Un artista y docente que, dotado de una personalidad multifacética, renueva el panorama artístico y educativo en España.

Tres grabados de Linoleografía, de Rafael Pérez Contel.

Tres grabados de Linoleografía, de Rafael Pérez Contel.

En 1928 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, allí  conoce a los artistas con quienes renueva el paisaje artístico de los años treinta. En el año 1933 se presenta en el primer cursillo convocado por el Ministerio de Instrucción Pública con el fin de seleccionar al profesorado de Enseñanza Media; actividad que hasta entonces impartían en exclusividad las órdenes religiosas.

En la primera eliminatoria madrileña sólo tres valencianos son seleccionados: Antonio Ballester, Francisco Carreño y Rafael Pérez Contel, los cuales al final del cursillo son nombrados profesores de los institutos de Valencia, Xàtiva y Alzira respectivamente. Es pues, en el Instituto de Alzira, donde Rafael Pérez Contel inicia su labor docente.

Portada actual de la revista Nuestro Instituto.

Portada actual de la revista Nuestro Instituto.

En 1933 le es concedida por oposición una pensión de escultura para España y el extranjero de la Diputación de Valencia, siendo también becario del gobierno francés. Como Catedrático de Dibujo, amplia sus estudios en el extranjero residiendo temporalmente en Francia, Bélgica, Holanda, Italia y Portugal, países en los que conoce a los artistas y museos más importantes del momento.

Al acabar la Guerra Civil la dictadura lo encarcela como represalia por defender la democracia y lo despoja de su plaza docente. A partir de ese momento, Rafael Pérez Contel se ve obligado a empezar de cero e iniciar alguna actividad remunerada que le permita vivir y mantener a su familia. Es una de las etapas más duras la que tiene que afrontar en estos años de su vida adulta.

“Cuando estuve encarcelado en la Cárcel Modelo de Valencia, atrapado por los ‘liberadores’ fascistas, por aquello de redimir Penas por el Trabajo, el Director de la cárcel nos permitía tener en los talleres, herramientas para la práctica del oficio de escultor. Tallaba figuras femeninas, la mayoría de ellas representando maternidades -mi primer hijo nació a los tres meses de estar encarcelado-, figuras que vendía mi mujer a los amigos o forofos de mis esculturas”.

Portadas de la revista Nuestro Instituto, de Rafael Pérez Contel.

Portadas de la revista Nuestro Instituto, de Rafael Pérez Contel.

En 1950, recupera su plaza docente y se le destina al Instituto José de Ribera de Xátiva. Se vincula entonces durante más de veinte años a una ciudad y a una institución que llega a amar profundamente. Es en Xàtiva, pues, la ciudad donde hallará el ambiente académico, intelectual y humano que estaba buscando desde hacía tiempo. El 6 de noviembre de 1983 es nombrado «Hijo Ilustre de la Ciudad de Xàtiva» junto a Francisco Carreño Prieto, Carmen Gómez Carbonell y Francisco Lozano Sanchis.

Las clases de dibujo de Rafael Pérez Contel no se limitan sólo a su asignatura, sino también a diversas actividades curriculares y extracurriculares; entre ellas, realizar salidas para investigar el patrimonio arqueológico de la región fomentando el conocimiento del arte íbero, las pinturas rupestres, los abrigos y las cuevas. También se preocupa porque sus alumnos conozcan la cerámica y las diversas técnicas que se pueden aplicar al barro, como el «socarrat», técnica en la cual se especializa. La música, las fallas, los juegos infantiles y el folklore también ocupan un lugar importante en su labor pedagógica.

Portada y contrapartida de Arte Infantil, de Rafael Pérez Contel.

Portada y contrapartida de Arte Infantil, de Rafael Pérez Contel.

Entre los años 1958 y 1971 se implica en reforzar la presencia de la revista Nuestro Instituto. Con un formato novedoso, crea un diseño con la idea de que estas publicaciones representen los movimientos artísticos que se desarrollan en ese momento en Europa.

Uno de sus trabajos más importantes como profesor y editor es Linoleografía, expresión gráfica con linóleo, un libro que se compone de aproximadamente doscientas páginas con ciento diez estampas originales realizadas por sus alumnos, un libro dedicado a su mujer e hijos. En su inicio, Pérez Contel escribe: “El arte es la piedra de toque de la cultura de una época y de un pueblo, y puede medirse por la comprensión del arte del momento en que se vive. El arte es también un medio educativo del que no podemos prescindir en los planes de la educación general de los hombres de mañana”.

Portada y contraportada de Linoleografía, de Rafael Pérez Contel.

Portada y contraportada de Linoleografía, de Rafael Pérez Contel.

Las estampas se encuentran organizadas en diferentes apartados que ilustran los diversos temas propuestos en sus clases: «Bodegones», «Paisajes de Játiva», «Animales», etcétera. Además de esta práctica docente de grabado, su innovación pedagógica supone que el trabajo de sus alumnos se vea destacado al ocupar la parte central de un libro o de una revista escolar dedicados a la enseñanza de las artes plásticas y visuales. Para su trabajo como editor contaba con el apoyo de las imprentas de los hermanos Bellver, y Ricardo Mateu de la ciudad de Xàtiva y Manuel Soler de la ciudad de Valencia.

Aunque su influencia en el ámbito educativo es importante, tiene una trascendencia limitada debido al rigor ideológico y a la censura impuestos en los años de una España sin democracia. Pese a estas dificultades, trabaja incansablemente para desarrollar su labor docente, investigadora y artística, lograda en gran medida gracias a su esfuerzo personal y el apoyo de sus amigos y compañeros de Xàtiva y Valencia.

Rafael Pérez Contel ha sido un profesor comprometido con su tierra, su cultura y su historia con una destacada trayectoria artística y una apasionada labor educativa. Su deseo cumplido fue aportar a sus alumnos una visión del mundo que en ese momento no existía.

Ilustración de Rafael Pérez Contel, con motivo de su capacitación en 1933.

Ilustración del propio Rafael Pérez Contel, con motivo de su capacitación en dibujo en 1933.

Alejandro Macharowski

Seducción iconográfica, elegante protesta

Artur Heras. Antológica
Fundación Chirivella Soriano
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 5 de enero de 2014

Hay artistas que llevan impreso en su figura la propia obra. Como si los años de pertinaz trabajo, de interrogación constante, hubieran penetrado de tal forma los poros de su piel, que ya fueran indisolubles el genio y la figura. Es lo que le sucede a Artur Heras (Xàtiva, 1945). Su obra, aunque posee sin duda múltiples capas, se construye principalmente alrededor de dos: una seductora, tejida con signos iconográficos de indudable atractivo plástico, y otra más radical, elaborada a partir de elementos y objetos cuya elegancia formal atenúan la carga de profundidad presente en su trabajo a lo largo del tiempo. Seducción y elegante protesta extensibles a su figura y al discurso del que se nutre.

L'etern combat, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

L’etern combat, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

Recorriendo junto a él la exposición A cent metres del centre del món, en referencia al Museo de Arte Contemporáneo de Perpiñán dirigido por Vicent Madramany, de donde proceden las 44 piezas de la antológica (“sí, yo diría que es una antológica”), se percibe rápidamente esa mezcla de seducción y protesta disparada con silenciador. Seducción por la abundancia de elementos iconográficos, cromatismos,  y esos grandes formatos que invitan al espectador a meterse dentro. Y protesta, porque la obra de Artur Heras está salpicada de agujeros, desgarros, crítica social en forma de elocuentes collages y una tensión dramática propiciada por el continuo balanceo entre lo amable y lo áspero.

“LA POLÍTICA CULTURAL ES UN POCO PATÉTICA”

“Hay piezas que tienen sin duda un componente de protesta, de grito, pero no sólo vinculado a un momento determinado –el franquismo-, sino que es un hilo conductor que aparece y desaparece a lo largo de mi trabajo”. Artur Heras lo vincula también a su pintura gestual, aunque matiza que más que crítica del momento “hay un ejercicio de memoria”. Y haciendo memoria conviene recordar que Artur Heras fue director de la Sala Parpalló durante 15 años. Una Sala Parpalló ahora “aparcada y disuelta” en el MuVIM. Como disuelta parece la cultura en la actualidad. “La política cultural es un poco patética; está todo mal, con el 21% del IVA y un cierto viraje hacia la superficialidad, aunque Russafa parece estar vivo”.

The Pilar entre aguas, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

The Pilar entre aguas, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

Artur Heras recuerda aquellos años 80 del pasado siglo “más solidarios”, donde había cierto “entusiasmo social” ahora desaparecido. “Ahora la voz social está más anestesiada”, en el marco de una ciudad como Valencia donde “no se deberían permitir ciertas barbaridades, tanto desde el punto de vista urbanístico como desde el cultural”. Salen a relucir ciertos nombres de la política valenciana, aunque no merezca la pena insistir en ello por el vuelo rasante al que conduce tan bajo perfil ilustrado. De manera que volvemos A cent metres del centre del món, en alusión al museo de Madramany, tan próximo a la estación de tren de Perpiñán.

“LA IDEOLOGÍA NO ES BUENA CONSEJERA”

“El límite del cuadro es un código cerrado”, por eso Artur Heras suele salirse de él, así como utiliza grandes formatos “para poder meterte dentro de la pintura, como en los murales, a modo de capilla”. Se trata de salir del “espacio bidimensional del muro” y volar lejos, muy alto. “Necesito que el cuadro me apasione; me tire hacia algún sitio”. Nada más lejos de su voluntad que saber de antemano las ligazones que promueven esa tensión dramática en su obra. “La abstracción es más un pozo, un objeto enfocado, mientras que cuando utilizas otros elementos iconográficos, incluso ruidos y sonidos, la obra se va por otros derroteros”.

Ramsés II o és Franco? de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

Ramsés II o és Franco? de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor.

Y siempre lo hace, incluso en aquellas piezas más explícitas de la exposición que hasta enero acoge la Fundación Chirivella Soriano. Por ejemplo: la que alude al encuentro de Franco con Hitler en la estación de Hendaya, con tren eléctrico incorporado a tan espectacular obra. “No es buena consejera la ideología, por eso no me preocupa que alguien quiera ver crítica social. Yo me nutro de historias para crear”. Al igual que se nutre de la “confluencia de lenguajes plásticos”, incorporando “distintos elementos de la cultura pop y de factura más realista”, que van a desembocar en esa “pintura gestual” dominante en el conjunto de su trabajo.

Las 44 piezas de la colección de Vicent Madramany (“bueno, hay dos de mi propiedad”) abarcan desde las primeras de 1964 a las últimas de 2013, y eso que Artur Heras dice producir “de manera lenta”. Para qué correr cuando de lo que se trata es de admirar el combate que libra la naturaleza humana en los trabajos de Artur Heras. Combate entre el reino amable de la seducción iconográfica y el más turbio desgarro interior que amenaza con destruir la estabilidad del cuadro. A cent metres del centre del món. Incluso menos.

Mío, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor

Mío, de Artur Heras, en la Fundación Chirivella Soriano. Imagen cortesía del autor

Salva Torres