Liminal: el arte de jugar con lo digital

‘Liminal’, del colectivo Fluenz
Sergi Hernández y Carlos Izquierdo
Centro Cultural Las Cigarreras, Alicante
#DIM2020
Lunes 1 de junio de 2020

Mientras las instituciones culturales repiensan sus formatos y modelos para poder seguir prestando apoyo a artistas y proyectos –sin olvidar a un público cada vez más conectado–, el pasado 18 de mayo, Día Internacional de los Museos, fue, sin duda, un momento para la reflexión y proyección digital en el ámbito museístico. En este contexto, se estrenó la nueva pieza audiovisual realizada por el colectivo Fluenz y titulada ‘Liminal’, un proyecto de arte digital producido por el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante con motivo de su programación online que consistió en un despliegue de opciones audiovisuales y diferentes actividades que todavía complementan el resto de contenidos a los que la institución está dando salida gracias a la redes sociales y otros canales de distribución digitales. El objetivo de prestar el servicio de la cultura y su difusión continúa; aunque, quizá, nos gustaría de otra forma más cercana y sin contar con el cierre de espacios o la reducción de aforos. 

Detalle de ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

Es precisamente aquí donde actúa la adecuación de la pieza ‘Liminal’. El concepto de liminalidad habla precisamente de un estado limítrofe, una zona de transición entre lo que conocemos y lo que nos depara el devenir. El término aparece por primera vez en el libro ‘Ritos de Paso’, de Arnol Van Gennep, y se genera en el contexto de la etnología y antropología para explicar fases previas o intermedias como la enfermedad, la locura transitoria o una enfermedad. Teniendo presente que estos espacios liminales son zonas entre dos estados, se les confiere la característica de la versatilidad, la identidad móvil y la evolución permanente. Siendo así, la pieza plantea una experiencia en la que el ámbito visual y el sonoro se reformulan, mutan y juntos plantean nuevos significados.

Fluenz es el colectivo artístico formado por Carlos Izquierdo, que utiliza la firma de Arco Glanz al realizar música electrónica, y Sergi Hernández. Carlos Izquierdo es compositor, pedagogo y artista sonoro, ha trabajado en numerosos proyectos relacionados con el audiovisual y la innovación tecnológica pero siempre teniendo como eje central de su producción la música. Sergi Hernández completa este dúo aportando su experiencia en la parte visual. Es arquitecto y tecnólogo creativo, y ha trabajado desarrollando plataformas digitales interactivas y de investigación, así como creando experiencias museográficas interactivas; es por ello que le interesa la interoperatividad entre espacio, danza contemporánea, música y artes visuales a través de las artes interactivas.

Detalle de ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

Fluenz genera en sus piezas un potente diálogo entre las disciplinas visual y musical, utilizando el lienzo sonoro como pieza básica y posteriormente desarrollándolo hacia la abstracción narrativa. Este paralelismo acertado entre imagen y ritmo es consecuencia de una técnica apurada que consiste en que el vídeo se genera al mismo tiempo que sonido entra en el software correspondiente. Podemos rastrear la experiencia del colectivo con esta tecnología a través de la pieza precedente ‘Relieve’, donde desde un punto de vista más experiencial se mezclan técnicas que consiguen modificar los parámetros geométricos según la intensidad del sonido y aplicar diferentes texturas a la imagen. En ‘Liminal’ esta sincronización llega a un punto culmen y el observador disfruta de los cambios de ritmo, donde lo instrumental y lo electrónico van superponiéndose según se requiera; la imagen capta a la perfección esta capacidad de juego. 

Es precisamente esta capacidad de ambos de articular lo lúdico y lo artístico lo que va desvelando ‘Liminal’ en sus veinte minutos de duración. Ya desde el principio, se deja atrás la quietud sonora dando paso a la sensación vertiginosa que les induce a apropiarse de lo limítrofe como hilo conductor. Es así como mediante la combinación de cambios de ritmos y texturas móviles, puede rastrearse la experimentación y la necesidad de narrar una historia. Hacia la mitad de la pieza se vislumbran imágenes de planetas que inquietan por el color y el contexto musical. Acechan al observador en las ligeras ondulaciones que se van produciendo hasta quedar desdibujados por una líquida sensación de inestabilidad. Tras este período, regresa el ritmo geométrico del principio, los sonidos e imágenes aumentan hacia tonos más agudos y el bombardeo de luces invitan a asomarse a esa zona desconocida, a salir del trance, para aproximarnos de nuevo a un agitado juego –ahora ya no tan desconocido–, propio de los tiempos que nos acompañan. 

Se puede disfrutar de ambas piezas entrando en el perfil de YouTube del colectivo en el siguiente enlace: Colectivo Fluenz.

Portada de la pieza ‘Liminal’. Imagen cortesía del colectivo Fluenz.

María Ramis.

Los deseos futuros que inauguran 10 Sentidos

‘Future Desires’ | ‘Soñadores’ | IX Festival 10 Sentidos
De mayo a diciembre de 2020
8 de mayo de 2020

El centro de innovación Las Naves, del Ayuntamiento de València, ha inaugurado el Festival 10 Sentidos con el proyecto ‘Future Desires’, con el que se abre una ventana a la acción conjunta de la mano de los soñadores. De este modo, se ha presentado la web http://www.future-desires.com/, donde se irán alojando los deseos de cambio de jóvenes de todo el mundo en forma de imágenes, textos y vídeos. Esos deseos serán altavoz de ideas, ilusiones, pensamientos, intenciones y generarán reflexiones y debates. Todos ellos se transformarán más adelante en una instalación multimedia que se podrá ver en Las Naves y darán pie a un foro con expertos.

El Festival 10 Sentidos reivindica la relevancia que las artes vivas han de tener en la sociedad que surja tras la crisis, en la que estas deberán servir para hacer pensar, vibrar y concienciar. Por ello la novena edición se adapta a las condiciones actuales, planteando un modelo completamente diferente, y busca aliados con los que poder desarrollar sus propósitos y alcanzar audiencias más amplias.

Cartel de la IX edición del Festival 10 Sentidos, de cuya imagen gráfica se ha encargado la diseñadora PIlar Estrada. Fotografía cortesía del festival.

Con ese fin 10 Sentidos se une este año a Las Naves, centro de innovación social y urbana del Ayuntamiento de València, para desarrollar iniciativas conjuntas que sirvan para concienciar al público de la necesidad de generar cimientos sólidos para asegurar un futuro más halagüeño. En ese empeño serán fundamentales los Soñadores, eje fundamental de la novena edición dedicada a las generaciones más jóvenes, que se van a encontrar con un modelo de vida distinto, con unas circunstancias inéditas y con miles de sueños truncados. ¿Qué piensan? ¿Cómo conciben los años venideros? ¿Por qué luchan? Estas y otras preguntas se tratarán de responder con una programación que se inicia en mayo y se extenderá hasta diciembre de 2020.

En ella jugará un papel fundamental Las Naves. El concejal de Innovación y Gestión del Conocimiento, Carlos Galiana, ha expresado que “desde Las Naves compartimos con el Festival 10 Sentidos el interés por la innovación, la acción urbana y la cultura. Por ello vamos a poner en marcha distintas actividades en los próximos meses. La primera es esta que sirve para inaugurar la novena edición del festival de manera virtual. Se trata del proyecto ‘Future Desires’ y en el que confiamos contar con los sueños y deseos de la juventud tanto de València como del resto del mundo”.

CÓMO PARTICIPAR EN FUTURE DESIRES

10 Sentidos invita a visitar el sitio www.future-desires.com y alojar un comentario que actúe como desahogo, que sirva para que otro recapacite, que forme parte más adelante de una acción común. El Festival ha contactado con institutos y diversas asociaciones y colectivos, tanto locales y nacionales como internacionales, para presentar la web y animar a que el mayor número de personas participen en ella. Esta labor se seguirá manteniendo en los próximos meses. El resultado final y las conclusiones se harán públicas más adelante y determinarán las actuaciones posteriores.

La propuesta está abierta a jóvenes de todo el mundo, de entre 15 y 25 años, para que compartan sus deseos de cambio a través de imágenes, textos y vídeos. Después se expondrá este testimonio generacional, a través de una exposición multimedia y alrededor de un coloquio que tratará de reflexionar sobre el contenido de todos los mensajes recibidos.

BLINDWIKI Y LA EXPOSICIÓN DREAMERS 2.0

En colaboración con Las Naves también se llevará a cabo en los próximos meses el proyecto ‘BlindWiki’ en València, de la mano de Antoni Abad. Consiste en la realización de una cartografía colaborativa en la que, participantes con diversidad visual, utilizan teléfonos móviles para publicar online registros de audio geolocalizados. Generarán, así, mapas sonoros de su particular percepción del espacio público urbano. Para elaborarlo se realizarán expediciones colectivas de mapeado en las áreas de Poblats Marítims y el campus de la UPV, en las que grupos de estudiantes colaborarán con los participantes invidentes. Además llevarán a cabo también reuniones inclusivas, donde se deciden los temas a tratar en sus publicaciones.

Las experiencias, crónicas y opiniones publicadas serán accesibles mediante la aplicación gratuita para móviles BlindWiki, poniendo al alcance de todas y todos, la cartografía sensorial de todo aquello que los participantes no pueden ver. La propuesta cuenta con la colaboración del Departamento de Escultura de la UPV.

Por otra parte, Las Naves acogerá, además, la exposición ‘Dreamers 2.0’, que se propone mostrar, a través de la plástica y de las nuevas herramientas de que disponen los artistas más noveles, el mundo en el que viven, pero también aquel al que aspiran. Inspirándonos en el lema de este año, ‘Soñadores’, coincidente con la película homónima de Bernardo Bertolucci ‘The Dreamers’ (2003), en la que se retrata la revolución de mayo del 68 –donde las revueltas estudiantiles fueron un detonante para cuestionar el orden del mundo, transformar las ideas y los valores, aunque no se cambiara el sistema–, esta exposición pondrá en valor la obra de una selección de artistas estudiantes de diferentes titulaciones de Máster de la Facultad de Bellas Artes de la UPV.

Antonio Abad, encargado del proyecto ‘BlindWiki’. Fotografía cortesía del festival.

Estos jóvenes se encuentran cursando estudios en Animación, Artes Visuales y Multimedia, Fotografía, Ilustración y Producción Artística y se les animará a que con sus trabajos cuestionen la herencia recibida, esa misma que no quieren seguir trasladando a las generaciones futuras. Estudiantes que ponen en valor sus herramientas, como son el conocimiento y la innovación. La muestra, comisariada por la historiadora Cristina Chumillas, tiene como objetivo, a través de planteamientos teóricos formales en torno al momento social, político, cultural, económico y ambiental que estamos viviendo, ser altavoz de la juventud y sus sueños. De cómo, ellas y ellos, plantean el futuro más próximo.

10 Sentidos se ha caracterizado desde sus inicios por su apuesta decidida por conectar con las inquietudes y los problemas de hoy en día. Y lo ha hecho en sus ocho ediciones anteriores a través de una programación plagada de propuestas culturales y sociales que invitaban al público a reflexionar, a interactuar, a conocer realidades diferentes. Por medio del teatro, la danza, el cine, la música y otras disciplinas ha tratado de visibilizar a colectivos marginados, de dar voz a grupos silenciados, de denunciar desigualdades e injusticias. Todo ello a través de las artes vivas, con el fin de poner de manifiesto la necesidad y la vigencia de la cultura en nuestra sociedad. La novena edición del festival va a continuar esa intención y reivindica su valor en medio de una crisis sin precedentes generada por el coronavirus que nos deja ante una situación de completa incertidumbre.

La novena edición de 10 Sentidos se celebrará de mayo a diciembre de 2020, planteando acciones virtuales y físicas a lo largo de estos meses. La programación albergará propuestas artísticas en torno a la danza, el teatro, el cine y las artes plásticas, así como charlas, talleres e iniciativas de innovación urbana.

Una de las acciones pertenecientes al Festival 10 Sentidos. Fotografía cortesía del festival.

MAKMA

Aquellas cabezas rapadas

Jo sóc. Memòria de les rapades, de Art al Quadrat
Sala Alta del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 1 de abril de 2018

“Yo recuerdo un día, estando en la cola del horno ‘Los amantes’ [Puerto de Sagunto], entró la Guardia Civil y cogió a varias mujeres para llevárselas; todo el mundo permaneció callado, sin protestar, y a continuación se las llevaron y las raparon”. El testimonio de Lola Alonso, recogido en el libro ‘Voces contra el olvido’ e incluido en la exposición ‘Jo sóc. Memòria de les rapades’, es uno de tantos que ha servido a Art al Quadrat para recrear en su exposición del MuVIM la serie de vilezas perpetradas contra numerosas mujeres durante el franquismo.

“El recuerdo de las mujeres a las que se rapaba la cabeza por “rojas” no lo ha podido olvidar”, se añade en el libro. Un recuerdo en el que sin duda sobresale el acto vil de sus ejecutores, pero del que conviene igualmente prestar atención a ese silencio de “todo el mundo” que asistía pasivo, “sin protestar”, ante semejante canallada. Quizás por eso, Rafael Company, director del Museo de la Ilustración y de la Modernidad, amplió el radio de acción de ese maltrato, a modo de advertencia: “No hay sociedad vacunada contra el desastre”.

Gema y Mónica del Rey, Art al Quadrat. Imagen cortesia del MuVIM

Gema y Mónica del Rey, Art al Quadrat. Imagen cortesia del MuVIM

Gema y Mónica del Rey, integrantes de Art al Quadrat, han querido por eso mismo trascender los límites espacio temporales de tan sistemática vileza, con el fin de hacer “memoria del presente”. Una memoria que ellas mismas caracterizaron así: “No es una recreación, sino la reescritura de esa memoria”. El proyecto que presentan en el MuVIM, que reúne fotografías, testimonios escritos y sonoros, e incluso la trenza cortada a una de aquellas rapadas, Marina Torres Esquer, viene precedido de una profunda investigación que culminó en noviembre con una acción performance en Sagunto.

En aquella acción, las hermanas Gema y Mónica del Rey se raparon mutuamente el cabello e hicieron el mismo paseíllo al que obligaban a esas mujeres “rojas”, con el fin de recrear la humillación sufrida. “Eran castigos aleatorios que ocurrían sin sanción jurídica alguna; eran cotidianos”, explicaron las artistas, que rememoran tan singular calvario mediante fotografías tomadas durante su acción en Sagunto. “Las víctimas quedaban marcadas indefinidamente, aunque no tuvieran secuelas físicas, pero sí quedaron grabadas en el imaginario colectivo de toda la población, probablemente para siempre”, recuerda Enrique González Duro en ‘Las rapadas. El franquismo contra la mujer’, también recogido en la exposición.

Art al Quadrat en una imagen de su acción en Sagunto. Imagen cortesía del MuVIM.

Art al Quadrat en una imagen de su acción en Sagunto. Imagen cortesía del MuVIM.

Un imaginario colectivo que Art al Quadrat está poco a poco reconstruyendo gracias a los testimonios de algunas de aquellas mujeres. “Existen en el álbum familiar, pero al ser tan íntimo se guardan. No ha llegado el momento de sacar todo eso con orgullo”, subrayan. Gema y Mónica del Rey están ello: “Vamos a ir ampliando la investigación”. Su intención es evocar lo que subyace en el título de la exposición ‘Jo sóc. Memória de les rapades’, que permanecerá en el MuVIM hasta el 1 de abril: “Aquello que sucedió de forma cotidiana, darle visibilidad hoy”. Actualizarla y que el espectador llegue a encarnar, sentir como propias, aquellas vejaciones.

Susana Blas, comisaria de la muestra, señaló que el rapado no era más que “la punta del iceberg”, bajo el cual se esconden acciones más viles aún, como pueden ser el rapado del pubis e incluso las violaciones. Art al Quadrat pretende sacar a la luz ese oscuro pasado: “Cuanto más se habla del problema menos miedo se tiene”. Company, consciente de los límites de toda exposición, pero también de sus virtudes, agregó: “No se puede reparar el mal, pero es una exposición sanadora”. Amador Griñó, jefe de exposiciones del MuVIM, abundó en ese aspecto sanador del arte, en el sentido de servir de vehículo para “restituir el honor perdido”.

Montaje fotográfico de la exposición de Art al Quadrat en el MuVIM.

Montaje fotográfico de la exposición de Art al Quadrat en el MuVIM.

‘Jo sóc. Memòria de les rapades’ tiene esa doble vertiente de investigación acerca de sucesos ocurridos en el pasado, al tiempo que arroja luz al presente. De hecho, hay una sección compuesta por nueve fotografías, en la que se recrea mediante instantáneas tomadas en la actualidad, los diversas causas por las que eran sometidas al rapado: asistir a ciertos mítines, repartir determinadas hojas, tomar el sol con vestidos de escote o simplemente atreverse a pensar o leer de forma diferente a la estipulada.

“Cuando alguna se había significado por su firmeza de juicio, por su combatividad político-social o por lo llamativo de sus actitudes, era vista como algo fuera de lo común por la gente bien pensante, debiendo ser públicamente corregida para que se arrepintiera”, recoge González Duro. Company apeló a los “esfuerzos útiles” de exposiciones como la de Art al Quadrat, “porque ayudan a pensar en lo que ocurrió”. Incluso fue más lejos: “Intentamos modificar pautas en un sentido humanístico”.

Art al Quadrat en el MuVIM.

Imagen de la exposición de Art al Quadrat. Imagen cortesía del MuVIM.

Salva Torres

Carmen Calvo: «La inocencia no existe»

Peces de colores en la azotea, de Carmen Calvo
Galería Ana Serratosa
C / Pascual y Genís, 19. Valencia
Hasta el 28 de febrero de 2018

‘Peces de colores en la azotea’. Y la azotea en cuestión es la de la galería Ana Serratosa, que acoge los últimos trabajos completamente inéditos de Carmen Calvo. El título de la exposición alude tanto al espacio donde la artista valenciana exhibe sus esculturas, grabados, fotografías y una video proyección, como al estado de ánimo de una autora que bucea en lo siniestro con remango adolescente. “Me gusta expresarme con la maldad que existe”. Lo dice sabedora de que “la inocencia no existe”. Esa mezcla de inocencia, por muy inexistente que sea, y perturbadora oscuridad juguetona, está presente en la obra que hasta el 28 de febrero permanecerá en el ático de Pascual y Genís.

En una de ellas, titulada ‘Siempre la misma historia’, se halla impresa esta frase: “La pintura la volverá loca”. Y Calvo, como subrayando la manera que tiene de entender la pintura, añade: “Pues en esa locura estoy”. Una locura, “más bien obsesión”, dice, mediante la cual da cuenta de los fantasmas interiores que recorren su trabajo y que adquieren la forma de juguetes y objetos con los que pinta. Porque Carmen Calvo “ante todo es pintora”, señala Rafael Gil, comisario de la exposición. “Pinta con objetos, interpreta con objetos y sueña con objetos”, apostilla Gil.

Soñando con vistas al invierno, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Soñando con vistas al invierno, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Los peces de colores a los que alude el conjunto expositivo se refieren tanto a la intensidad cromática de sus últimos trabajos, como a la fluidez con la que navega su obra por entre un mar de dudas. “Los títulos son siempre enigmáticos; deja siempre abierto el significado de su producción”, apunta Gil, para quien todavía está por hacer una gran muestra en Valencia “que la sitúe en el lugar que se merece”.

Lo dice de una artista que ha sido Premio Nacional de Artes Plásticas en 2013 y ha recibido, entre otros muchos galardones, la medalla de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Aún así, Rafael Gil insiste: “Se la ha reconocido con premios, pero no con obra y todavía está por hacer una que recoja todas sus instalaciones, que no se conocen”. El comisario contextualiza su trabajo en lo que considera la tradición del llamado “arte encontrado”, que Marcel Duchamp inauguró en 1915 con sus ready made. “Carmen nunca ha renunciado a sus orígenes y sus maestros”, añade Gil.

No la creí, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

No la creí, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Sigmund Freud ya apuntó en su texto acerca de lo siniestro la íntima conexión que existe entre lo familiar y la oscura emergencia de lo extraño. Allí donde reina el calor del hogar, acecha la fría sensación de su desmoronamiento. De ahí que Carmen Calvo, al utilizar objetos que evocan a la más tierna infancia, no deje de provocar el sobresalto en su obra. En ‘Golfos sombríos’, por ejemplo, el solo título ya remite a lo que la obra manifiesta: un grabado clásico, sin duda bello, plagado de ojos que parecen salidos de el cuento de ‘El arenero’ al que se refiere Freud en su artículo sobre lo siniestro.

“Sí, muchas de mis obras están basadas en sueños, que no son más que miles de fórmulas de contar una historia”. Historias en las que lanza un guiño irónico al arte, a la vida y a la existencia cotidiana, toda ella plagada de instantes sobrecogedores, a poco que observemos con la mirada curiosa con la que Carmen Calvo escudriña cuanto la rodea. “Hago guiños a la pintura, como ese collar de perro”, y señala la obra ‘Soñando con vistas al invierno’, donde a una bella mujer, en un retrato antiguo en blanco y negro, le añade ese collar quebrando la visión amable del cuadro.

Golfos sombríos, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Ana Serratosa.

Golfos sombríos, de Carmen Calvo. Imagen cortesía de Ana Serratosa.

Y aquí le sale el espíritu reivindicativo de la mujer que vive “en un tiempo confuso”, en una sociedad “que no quiere que crezcamos”. A sus fotografías anónimas, sus grabados clásicos y sus pequeñas esculturas (“son un divertimento”), Calvo les añade sus objetos encontrados en diversos lugares, para provocar en ellos un sutil terremoto interior fruto de lo viejo e inanimado que de pronto echa a andar. El cine, que es otra de sus fuentes creativas, le vale igualmente para dar curso libre a su imaginación.

Fotogramas de películas de Alfred Hitchcock, Luis Buñuel o David Lynch, entre otros, figuran en la video proyección que acompaña a la exposición y que, durante la inauguración, creaba una atmósfera inquietante al ser proyectado contra la fachada de un patio interior. Imágenes todas ellas igualmente, oscuras, siniestras, que la artista ensambla con la misma pericia creativa con la que alumbra esos ‘Peces de colores en la azotea’ de su más reciente producción. Un universo tan lúdico como extraño a cuyo interior ha de asomarse el espectador con infinita curiosidad. “Hay que acostumbrar al ojo a ver”, concluye Carmen Calvo.

Carmen Calvo. Imagen cortesia de Galería Ana Serratosa.

Carmen Calvo. Imagen cortesia de Galería Ana Serratosa.

Salva Torres

Elena Aguilera y la esencia del azul

El azul no es un color, de Elena Aguilera
Aula Cultural la Llotgeta.
Fundación Caja Mediterráneo
Plaza del Mercado, 4. Valencia

El artista contemporáneo busca la relación con el entorno, donde se forma y donde da a conocer sus proyecto artístico. Así, en la exposición ‘El azul no es un color’, Elena Aguilera se integra en el contexto expositivo de la ciudad de Valencia, haciéndose eco del debate establecido entre los diferentes centros culturales que en la actualidad ponen a Valencia en el centro de este debate internacional sobre las formas y tendencias del arte, abstracción, arte conceptual, deconstrucción de lo formal, las nuevas tecnologías y su influencia en el lenguaje plástico, en cuanto a sus nuevas formas y conceptos expositivos.

También la Llotgeta, donde se ubica la exposición, ha sido en su intermitente historia un lugar de innovación, de compromiso con las nuevas propuestas expositivas. La pintora Elena Aguilera realiza un análisis de su propio lenguaje pictórico a través de las nuevas tecnologías, el vídeo, y nos ofrece cuatro proyecciones en las que visualizamos el proceso, secuencia a secuencia, de reflexión, de ejecución de una obra pictórica, sus dudas, soluciones, su visión del espacio, de la composición, su rechazo o empleo de lo decorativo, la contundencia de la línea, su vibración, el lenguaje de la abstracción, el paisaje…, en la que el tiempo es el factor fundamental.

Vista de la exposición 'El azul no es un color', de Elena Aguilera. Imagen cortesía de La Llotgeta.

Vista de la exposición ‘El azul no es un color’, de Elena Aguilera. Imagen cortesía de La Llotgeta.

El espectador se sitúa ante dos proyecciones simultáneas en cada una de sus salas, pudiendo recrear en su mente el proceso, en la elección de esta alternancia de gestos, de borrados, de indecisiones y de decisiones en la creación de un mundo pictórico.

Tiempo, ritmo, luz, color, duda, proceso, soluciones, borrado, precisión, claridad, espacio, estructura, masa, veladura, el cuerpo, su fisicidad, su gesto, su huella en el espacio, en la arquitectura, en el paisaje natural, la mera observación de estos espacios y su impronta en nuestra mente, elementos que como pequeños seres se van sucediendo, mezclando,  en la creación de una imagen pictórica.

Elena Aguilera atiende a la premisa indiscutible del artista actual que debe acceder a todos los medios ya sean digitales, analógicos, artesanales, conceptuales, que tenga a su disposición para dar a conocer lo que interiormente le urge expresar.

Obra de Elena Aguilera. Imagen cortesía de La Llotgeta.

Obra de Elena Aguilera. Imagen cortesía de La Llotgeta.

El lenguaje, la selección del material, incluso de la obra depende del criterio de ese momento y, en la actualidad, el video, la instalación son medios que convocan la comprensión del público. La pintura es un lenguaje universal e independientemente del material que se utilice en ella, siempre buscará la reflexión sobre su significado, sobre la virtud de su lenguaje para expresar las inquietudes de su tiempo, y la genealogía del arte.

‘El azul no es un color’, el título de la exposición, alude al debate de las primeras décadas del siglo XX sobre la esencia de la poesía, sobre la esencia de la creación y del arte, algo más que retórica, algo que va más allá de las convenciones establecidas y de la crítica al uso. Debate clave impulsado por los propios creadores, por mentes tan lúcidas como la del poeta Juan Ramón Jiménez, que pusieron la poesía española y mundial en la vanguardia pero también en el diálogo con los universales, con los clásicos.

La Llotgeta

Obra de Elena Aguilera. La Llotgeta

Un encuentro abierto de fotografía

Festival Santander Photo
Fundación Santander Creativa. Enclave Pronillo
C/ General Dávila, 129A. Santander
Del 19 al 28 de mayo de 2017

La quinta edición de Santander Photo, que del 19 al 28 de mayo se celebra en la sede de Fundación Santander Creativa, se propone un año más el objetivo de intercambiar ideas y acercar a profesionales y aficionados de la fotografía diversas propuestas. Durante nueve días, los asistentes podrán disfrutar de charlas y talleres, ademas de conocer el ganador del concurso de fotoproyecciones que, este año, celebra su tercera edición.

David Linuesa. Santander Photo 2017.

David Linuesa. Santander Photo 2017.

El festival arranca con la conferencia del valenciano David Linuesa que tiene lugar hoy viernes 19 a las 20.00 horas en Casyc. El fotógrafo valenciano también será el encargado de impartir el primer taller de esta quinta edición bajo el título ‘El multimedia fotográfico. Proceso de lectura, creación y relación en fotografía, audio y vídeo’, que se centrará en mejorar la comprensión del lenguaje multimedia.

On abortion, de Laia Abril. Santander Photo 2017.

On abortion, de Laia Abril. Santander Photo 2017.

El viernes 26 se reanudarán las actividades de la mano de Laia Abril, fotógrafa y editora de la revista Colors Magazine, quien ofrecerá una charla en el Mercado de Miranda,  cuyo  eje central será su trabajo ‘On abortion’, incluido en la serie ‘Una historia de misoginia’, en la cual Abril expone una comparativa de distintas realidades relacionadas con la feminidad y la sexualidad a lo largo de la historia. Al día siguiente, la catalana impartirá el taller que durará todo el fin de semana durante el cual los asistentes podrán aprender todo acerca de la edición creativa de proyectos.

Algunos de los participantes en Santander Photo 2017.

Algunos de los participantes en Santander Photo 2017.

El 27 de mayo, en Enclave Pronillo, Raúl Hevia impartirá la ponencia ‘Leyendo libros’ en donde reflexionará sobre el mundo de los fotolibros. El asturiano afincado en Santander ha expuesto su obra en ferias tan importantes como MIA Fair o ARCO, aunque también destacan sus exposiciones individuales en el Museo de Arte moderno y Contemporáneo de Santander o en la galería pazYcomedias de Valencia, entre otros lugares. Tras la charla, se proyectarán los trabajos finalistas del tercer concurso de fotoproyecciones de entre los cuales se seleccionará al ganador.

El festival se clausurará el 28 de mayo con el taller práctico ‘Perfecta fotografía imperfecta’, impartido por el santanderino David Montero. El artista compartirá sus conocimientos con los alumnos con el objetivo de lograr que sus fotografías vayan más allá, sin quedarse en el mero aspecto técnico.

Santander Photo es un vehículo para ir más allá y descubrir nuevas formas de hacer, difundir y promover la fotografía, un lugar en donde descubrir artistas y mostrar proyectos, en donde los asistentes puedan conocer otras formas de proyectar sus ideas. Para más información: https://www.santanderphoto.es/

Cartel con el programa de Santander Photo 2017.

Cartel con el programa de Santander Photo 2017.

Danae N

Lo bello y lo triste de Máscara Humana

(Sin título) Máscara Humana, de Pierre Huyghe
(Untitled) Human Mask: Película en color, con sonido estéreo, 19 min.
Museo Guggenheim
Abandoibarra Etorbidea, 2. Bilbao
Hasta el 16 de junio de 2017

‘(Sin título) Máscara Humana’, la obra cinematográfica del creador interdisciplinar Pierre Huyghe, toma como referencia un breve video doméstico de youtube titulado ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’ En él se muestra cómo un macaco disfrazado con una máscara blanca, semejante a las del teatro Noh, con peluca y con un vestido de niña, sirve las mesas para deleite y regocijo de los clientes del restaurante Kayabuky al norte de Tokyo. El restaurante, una tradicional casa de sake, emplea a dos monos, Yat-chan y Fuku-chan, como camareros, en concreto el macaco del vídeo es Fuku-chan. (https://www.youtube.com/watch?v=JzZz9geEBjo)

Pierre Huyghe, como ha declarado en varias entrevistas, quedó fascinado, tras ver el video, por el espíritu, la rareza y la ambigüedad de cómo los humanos y los animales se relacionaban. Gran parte de la obra de Huyghe está atravesada por una perspectiva biológica, antropológica y entomológica. De tal modo que sus representaciones artísticas, desde las instalaciones hasta sus exposiciones, se conforman como biotopos donde observar la estructura, el funcionamiento, la distribución y la relaciones entre los seres vivos que los habitan.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

En estos espacios, humanos, animales, plantas, etc… se presentan, se desplazan, como imágenes oníricas, a veces siniestras, con máscaras que aluden a la metamorfosis y al antropomorfismo. Sólo traer a colación algunas de sus obras, como son las películas: ‘Streamside day follies’ (2003) y ‘The host and the cloud’ (2010), donde humanos y animales están caracterizados por máscaras, y ‘A way in untitled’ (2012), donde una de las esculturas del jardín (Untitled. Liegender Frauenakt) es un cuerpo de mujer desnudo con una cabeza cubierta de avispas y hormigas, y un galgo, llamado Human, que deambula con una pata pintada de rosa. Un galgo que, al igual que en el video, deambuló, como si fuese un visitante más, por el Centro Pompidou en la  retrospectiva dedicada al artista en el  2013.

La fuerza de la obra de Pierre Huyghe, como sugiere Jean Baudrillard, surge de “haber comprendido …(que) las imágenes se han convertido en máscaras de una forma de ventrílocuo universal”. La máscara, como imagen o como reflejo del “otro” -animal o humano, real o ficticio-, es el artificio a través del cual este artista francés lleva cuestionando y reflexionando acerca de las ceremonias y rituales sociales, la repetición y la alienación de los modos de trabajo, los ciclos de la naturaleza, la complejidad de la inteligencia y comunicación no humana, tal y como declaran con unanimidad los críticos y comisarios de sus exposiciones.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Esencia poética

‘(Sin título) Máscara humana’ no sólo tiene como referente de inspiración el video casero de youtube ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, tal y como ya hemos apuntado, sino que además establece relaciones intertextuales con él. La obra de Huyghe alude de manera explícita e implícita a elementos narrativos del texto de youtube: las acciones mostradas, el protagonista y su caracterización -el macaco Fuku-chan-, así como el espacio donde se ubica. Ahora bien, la película de Huyghe se eleva, a modo de asunción, por encima de esas reminiscencias narrativas.

La película ‘(Sin título) Máscara humana’ exhala una esencia poética que la hace digna de estar en la sala de un museo. Una esencia poética que proviene “no de la cosa presentada, sino de su representación”, tal y como el crítico cinematográfico André Bazin se preguntaba en su libro ‘¿Qué es el cine?’ Una representación que surge de la plástica de la imagen y de la metáfora creada por el  montaje.

‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, el video de youtube, sólo presenta un suceso de la realidad, mientras que  ‘(Sin título) Máscara humana’ representa ese suceso ante la pantalla con vuelo estético. Un vuelo estético dibujado con el trazo, por una parte, de una cámara que se desliza sigilosamente tras los pasos abruptos y torpes del protagonista, Fuku-chan, y que se va deteniendo para no interferir en sus constantes y repetitivos movimientos, a la distancia prudente que cualquier biólogo mantendría ante la especie observada; por otra, de una iluminación acuosa y verdosa, con tonos claroscuros, que simula el escenario de un sucio acuario; y, por último, de un montaje visual y auditivo que evoca soledad, incertidumbre, melancolía,  miedo, desolación.

‘Lo bello y lo triste’, título de la novela del  escritor japonés y Premio Nobel de literatura Yasunari Kawabata, concentra de manera poética la esencia de la película de Pierre Huyghe. La belleza de las imágenes provoca un sentimiento siniestro al desvanecerse los límites entre lo humano y lo animal, entre lo real y lo ficticio, entre lo animado y lo inanimado. Todo se fusiona. La máscara, de teatro Noh, borra la animalidad de Fuku-chan. El espacio desolado del interior y el exterior del restaurante, a causa del terremoto de Fukushima, desvanece los límites de lo animado, de la realidad, para con-fundirse con lo inanimado, de la ficción.

'(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Un sentimiento siniestro que, obviamente, connota cierta  melancolía.  Una tristeza que, al igual que la obra de Kawabata, perturba al hacer visible que la máscara humana no cubre la angustia de la vida. Un sentimiento que la obra de Pierre Huyghe concentra en el primer plano de los ojos de Fuku-chan que se atisban tras la máscara. La última imagen bella y triste de ‘(Sin título) Máscara Humana’.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Begoña Siles

Adelantado se engalana de nuevo

‘Plasma Pool’ de Folkert de Jong, ’Tristes Topiques’ de Ting Ting Cheng y ‘Why Animals Travel’ de Fuentesal & Arenillas
Galería Luis Adelantado y Boiler Room
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: miércoles 25 de enero, 2017, a las 20h

La galería Luis Adelantando vuelve a apostar por una triple apertura donde podremos disfrutar de tres interesantes proyectos artísticos entre los que se establecen relaciones creando así un recorrido expositivo interesante y que no nos dejara indiferentes.

En primer lugar, presentan ‘Plasma Pool’ el nuevo proyecto de Folkert de Jong en el que nos habla del concepto de colisión entre el hombre y la naturaleza. Esta relación se refleja —según el artista—, en las historias de ciencia ficción, y la inteligencia artificial. Se trata de una propuesta en la que se mostrarán una serie de esculturas en bronce, con referencia al cuerpo humano, se presentarán algo distorsionadas, modeladas por el bronce caliente, dado su paso por la fundición. En diálogo con estros fragmentos de vida, encontraremos animales de un bronce dorado impoluto, en un ejercicio cargado de sinergias.

De Jong otorga una fuerte carga simbólica y de significado a estas obras. El oro, como metal precioso que posee un estatus superior sobre el resto de metales, simboliza en ellas la pureza y la inmortalidad. Pero, también nos mostrará la otra cara de la moneda; representando a su vez, el egoísmo humano y la explotación.

En esta relación de extremos, el artista encuentra la oportunidad de resucitar una nueva obra que viene de lugares dispares, como el ave fénix. Los animales dorados emergen como vencedores sobre un mundo material, destrozado por la violencia humana.

En diálogo con las esculturas, encontramos dibujos, que giran en torno a la idea de conflicto, la colisión y la interferencia. Algunos de ellos dirigen nuestra mirada hacia lo infinito, en alusión a la red de constelaciones que pueblan el universo. Otros, nos recuerdan en su complexión a unas súper dimensionadas manchas de Rorschach, que manifiestan el encuentro directo entre el cuerpo y la tinta, como medio artístico.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

En segundo lugar,  podremos observar ‘Tristes Tropiques’ la segunda exposición individual de la artista taiwanesa Ting-Ting Cheng. La exposición incluye los más recientes trabajos de la artista, que fueron realizados durante una residencia artística en Brasil, entre los años 2015 y 2016.

El título de la muestra es homónimo al del libro Tristes Tropiques del antropólogo y estructuralista francés Claude Lévi-Strauss, publicado en 1955, quien documentó su viaje a Brasil, donde realizó una serie de destacados estudios de antropología. A pesar de su formato de diario de viaje, el libro explora su interés por la filosofía, la sociología, la geología y la historia de Sudamérica, a través de una perspectiva antropológica europea.

Durante su estancia en Brasil, Cheng se influenció e inspiró en los análisis críticos que Lévi-Strauss realizó del país. Irónicamente, encontró una conexión entre la colonización y la antropología. En sus constantes viajes de una a otra punta del país, se evidencia la intención de atrapar el momento, de conocer la cultura en primera persona.

En conclusión, Cheng genera su propia guía de viaje a través de su propuesta artística, en la que podemos encontrar fotografía, vídeo, pintura e instalación, a través de los cuáles examina los conceptos de viaje, sur, conocimiento, ficción y resistencia, trazando un recorrido tanto del país, como de su relación con él.

Y por último, en la siempre innovadora sala Boiler Room se expondrá ‘Why Animals Travel’ de los andaluces Fuentesal & Arenillas. Se trata de un proyecto de investigación basado en su experiencia dual como creadores de forma antagónica, y el estudio de la traslación. Del dibujo expandido y de su desterritorialización. Trabajando con materiales propiamente destinados al dibujo, los cuáles son despojados de su función original y dotados de un nuevo concepto, manteniendo el paralelismo de la materia pero desplazando todos sus componentes a un nuevo territorio.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

‘Why Animals Travel’ describe los desplazamientos periódicos de su trabajo artístico, ciclo experimental y búsqueda constante. Narran la realidad adquirida por su proceso de vida, viaje, trabajo, tiempo, formación, como reflejo de su momento actual. Les interesa la idea de adaptación, desterritorialización y holismo.

Hablar de la desterritorialización les remite necesariamente a la obra de dos filósofos: Gilles Deleuze y Felix Guattari, quienes utilizan éste concepto en su filosofía, y para los cuales, tiene un sentido especialmente positivo: la apertura para lo nuevo, la línea de fuga como momento de salida de una antigua territorialidad y de construcción de un territorio nuevo.

Doce artistas transitando por doce Sendas

Sendas. Exposición colectiva
Galería Fariza
C / Urkijo, 27. Las Arenas (Vizcaya)
Hasta el 20 de octubre

La galería Fariza dio la bienvenida al mes de octubre con la exposición colectiva  Sendas. Clemente García, Dolores de Loma, Iñaki Torres, Fuensanta Ruiz Uríen, José Luis Pacheco, Lucía Higueras, Luis Pardo Martínez, José Luis Flórez de Uría, Miguelina Roldán, Rovira Rusiñol, Wakizashi y Juan María Estancona son los protagonistas de esta exposición. Doce artistas, doce estilos, doce formas de ver una misma realidad.

Las obras, de dimensiones variadas, se entremezclan en un pequeño espacio, en donde el visitante puede sumergirse en diferentes universos, tan distintos como sus artistas.

Inauguración de 'Sendas' en la galería Fariza. Fotografía: Danae N.

Inauguración de ‘Sendas’ en Fariza. Imagen cortesía de la galería.

Esculturas y pinturas de todos los estilos conviven en una galería pequeña que cuenta con pocos meses de vida pero que busca concentrar diferentes puntos de vista en un solo lugar.

Paisajes y retratos, mar y tierra, realidad e interpretación, colores y texturas…una combinación de elementos con la que se busca representar aquello de en la variedad está el gusto.

Obra de Iñaki Torres en la exposición 'Sendas' de la galería Fariza.

Obra de Iñaki Torres en la exposición ‘Sendas’ de la galería Fariza.

Video de la exposición ‘Sendas’ realizado por Néstor Navarro:

Exposición Sendas from Makma on Vimeo.

Danae N.

 

‘Desaparición’ o el límite epitelial de Vicente Talens

‘Desaparición’, de Vicente Talens
Galería mr.pink
Guillem de Castro 110, Valencia
Del 30 de septiembre al 18 de noviembre de 2016
Inauguración: viernes 30 de septiembre, a las 20.00h

Recordemos que en julio Vicente Talens hizo desaparecer una galería. Un acto de ilusionismo matérico de actuación breve que introducía una propuesta conceptual expandida, el principio de algo más grande. Una intervención que nos llevaba ya entonces hasta su nueva exposición en la galería mr.pink que podremos ver a partir del día 30 de septiembre.

Imagen de la pieza 'El bloque', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la pieza ‘El bloque’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.

Una vez más, entrelazando ficción y realidad, Talens pone en cuestión los límites de la realidad más literal a través de un conjunto de piezas excepcionales, muy diferentes técnicamente, interrelacionadas, precisamente, a través del concepto que da título a la exposición: la desparición como punto de unión, principio y fuga de obras que son mucho más de lo que parecen.

Entrar en esta exposición es entrar en el amplio imaginario creativo de Vicente Talens, en su particular iconografía bien conocida, pero también en planteamientos que ponen de manifiesto esa vasta mirada de artista, que cuestiona cualquier imagen suscitada en la realidad cotidana y la extrae para componerla y descomponerla, dentro de ese universo creativo que se ha ido tejiendo a lo largo de los años, las experiencias, las influencias, las lecturas, los encuentros azarosos y la práctica artística.

Imagen de la obra 'Malas influencias', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Malas influencias’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.

‘Desaparición’ es una propuesta multidisciplinar, donde encontraremos desde el cuestionamiento de los márgenes actuales de consumo y mercantilización, tanto de los propios objetos como del arte mismo, como alusiones a diferentes personajes, figuras y artistas que han marcado el universo Talens, desde Zigmunt Bauman, Jarvis Cocker, Jean Giraud o Achielle Bonito Oliva, incluyendo una pieza que nos lleva directamente a uno de las grandes artistas que primero usa la desaparición como forma de depuración ulterior espiritual y pictórica, Kazimir Malévich, o la articulación de otra de las piezas presentadas al modo de Joseph Kosuth; todo esto marcado por una apelación constante a la desaparición. La desaparición como tumba, límite, principio, final, materia y camino; toda una meditación en torno a la huella, al vacío, al rastro, al cuestionamiento de los límites incluso epiteliales, a la caducidad de todo, a lo que queda de los otros y de nosotros, a la fugacidad de la existencia.

Y todo esto sin dejar de lado ese espíritu vital, luminoso, lleno de colorido y de humor, relacionado con esa mirada fascinada y profunda que parece impregnar todo lo que nos muestra Vicente Talens.

Si ‘Desaparición. Pieza n.01’ fue el principio y el fin del primer acto, ‘Desaparición’ es la obra teatral completa.

Fotograma del vídeo 'La piel', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Fotograma del vídeo ‘La piel’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.