La plástica espiritual de José Cosme en Miami

‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme
10º Miami New Media Festival
Diversas sedes de la ciudad de Miami
Hasta el 25 de noviembre de 2016

El artista conceptual José Cosme, profesor de la UCV, participa con su vídeo arte titulado  ‘Plástica del Espíritu’ en el Miami New Media Festival. Cosme es uno de los 8 artistas invitados que han mostrado su trabajo en el PAMM (Perez Art Museum Miami) el pasado 22 de octubre, dentro del seno del festival, que conmemora su 10ª edición mediante una programación desarrollada en diversas sedes de la ciudad, como Arts Connection Space, Vice City Bean, ICL Studio, Imago Art in Motion y el Miami Theatre Center, hasta el próximo 25 de noviembre de 2016.

Treinta y tres artistas locales e internacionales procedentes de 15 países presentarán videoarte, performances, arte sonoro y las nuevas obras de arte de medios digitales.

‘Plástica del Espíritu’ es un video arte reinterpretativo de dos performances enlazados en el tiempo: el primero titulado ‘Manresa’ y realizado en 1966 por el conceptual alemán Joseph Beuys y el segundo realizado por José Cosme en Aranjuez, en 2005, y llamado ‘¿Dónde está el Elemento 3?’.

La proyección transforma las imágenes que fueron reproducidas en otras piezas del artista como ‘televisión de fieltro’, obra expuesta en CIRCA Puerto Rico, y adquiere un carácter atemporal. El vídeo, producido en blanco y negro con evocación retro, tiene al fieltro como principal elemento discursivo de la evolución y la relación entre épocas y artistas en la búsqueda de una «Plástica del Espíritu». La cristología reflejada en el Fluxus de los 60 se plantea ahora como “teología conceptual” (término acuñado por el artista y del que utiliza sellos propios en otras ocasiones).

Fotograma perteneciente a 'Plástica del Espíritu', de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Fotograma perteneciente a ‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Por otra parte, bajo el título ‘Plástica de Espíritu’ la proyección es a su vez perteneciente a una propuesta de diferentes obras relacionadas con la expresión y búsqueda de lo espiritual desde una concepción teológica. Todas estas obras que el artista evoca con el mismo título muestran un mismo hilo discursivo desde lo teológico hacia una expresión poética propia, que en su metamorfosis matiza aquellas características que cada obra pretende revelar acerca del misterio trascendente y su manifestación en el mundo espiritual. Toda las obras inscritas en ‘Plástica del Espíritu’ muestran una transformación en continua evolución del proceso creativo, de la obra en si misma y de su relación con el público con la intención de provocar, desde la experiencia estética, una búsqueda de la presencia real de lo espiritual presente en cada ser humano. Puesto que la obra es básicamente conceptual, la proyección, limitación o concreción en la estética propuesta, así como en su factura artesanal, puede tener diferentes interpretaciones formales dependiendo de las distintas obras que el artista realiza.

La escena transcurre en un fondo de fieltro. Unos brazos gemelos  surgen lateralmente y actúan paralelamente desde la parte izquierda y derecha de la imagen a modo de danza lenta y armónica. El elemento central es una maleta de médico de los años 50, donde las manos se sumergen y buscan pausadamente un misterio escondido valioso y posiblemente curativo. Una fina cuerda comunica con el interior del maletín y va siendo extraída por las manos de una forma casi ritual. Aparece  como conectada con algo interno y termina emergiendo como pieza amorfa envuelta en fieltro. Las manos descubren con cuidado aquello que contiene la tela de fieltro. Es una Tau franciscana. Una cruz partida. Un elemento que representa la cruz de Cristo y su fuerza redentora en el Espíritu. Las manos desaparecen y todo queda en contemplación. Es el elemento1 de la acción ‘Manresa’ de 1966.

Fotograma perteneciente a 'Plástica del Espíritu', de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

Fotograma perteneciente a ‘Plástica del Espíritu’, de José Cosme. Fotografía cortesía del artista.

 

Punto quebrado, las huellas del éxodo

Punto quebrado, las huellas del éxodo
Museum Jorge Rando
C/Cruz del Molinillo, 12-14, Málaga
Desde el 4 de abril, hasta el 4 de junio de 2016

El Museum Jorge Rando alberga desde el 4 de abril la exposición Punto Quebrado. Los más destacados representantes en el Arte de la Fibra de España convergen en la Sala 4 del museo con el arte textil como medio de expresión artística.

La exposición organizada por la World Textile Art, la asociación de gestión cultural ID arte en un trabajo conjunto con el Museum Jorge Rando ha sido comisariada por Carmen Pallarés y María Ortega, coordinada por Amalia Campos y con la colaboración de Antonio Jurado, Publicitarios Implicados y Proactiva Open Arms.

El arte textil contemporáneo español destaca en la escena artística actual por su capacidad de aunar la tradición que reside en la elaboración artesanal y una búsqueda conceptual. En palabras de la comisaria Carmen Pallarés, « punto quebrado, sujeto y adjetivo, no designa aquí procedimiento de costura alguno. Ni una puntada de tal modalidad aparece en ninguna de estas obras, pero sí está en ellas su sentido, rastro tocado por un anhelo de cobijo, amparo, dignidad y altruismo frente a la destrucción y las desgarraduras que provocan las crisis inhumanas».

Detalle de la exposición.  “Triada” de Cristina Gaméz 167 x 130 cm 2014. Cortesía del Museum.

Detalle de la exposición. “Triada” de Cristina Gaméz 167 x 130 cm
2014. Cortesía del Museum.

El resultado es una muestra de diez artistas con gran fuerza expresiva en el que la potencia estética de las fibras y el tramado crean nuevos lenguajes y sinergias con otras técnicas artísticas coetáneas como el video-arte, fotografía, instalaciones, collage, esculto-pintura, escritura o impresión digital. En la presente exposición la poética personal nos permite recorrer el ‘grito ahogado’ de los chalecos falsos de la Isla de Lesbos como testimonios mudos de la tragedia del éxodo, de abrazos metálicos, de vidas que se tejen sobre la propia piel, de apariencias errantes, de invitaciones a perdernos entre bosques de lino y algodón.

Esta exposición de obras firmadas por creadores del arte de la fibra, artistas tan singulares como variados, experimentan una misma vivencia sustancial que puede definirse de esta forma: sus mimbres creadores, sus dones y recursos, se hermanan con la esencia del acto de tejer. En sus manos, se reúnen y encuentran, se acercan y se anudan materiales, materias y texturas que en muchos de los casos no son únicamente los de fibras y telas habituales: imbricados en el arte contemporáneo y actual. Hilos, papeles, fotos y palabras, objetos, luces, lienzos y tejidos naturales, ramas, raíces y mallas metálicas son urdimbre y son trama, son diseños, son hebras de este tiempo.

Punto quebrado es, como demandaba la Bauhaus, un retorno a la unidad perdida entre artesanía y arte, tanto desde los ámbitos teóricos como de sus implicaciones sociales. Una exposición que nos permite recorrer las emociones coetáneas, las realidades del siglo XXI, a través de una las manifestaciones artísticas mas ancestrales, el tejido. 

Detalle de la exposición. "Apariencias Errantes" de Román Iglesias. 75 x 100 cm 2016. Cortesía del Museum

Detalle de la exposición. «Apariencias Errantes» de Román Iglesias.
75 x 100 cm
2016. Cortesía del Museum

Sesión en vivo del Harddiskmuseum

Harddiskmuseum. Live Session
Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Jueves 7 abril, 2016, a las 20.30h

En Septiembre de 2015, se presentó en la galería Punto de Valencia el proyecto Harddiskmuseum, en el que Solimán López cuenta con la colaboración de artistas internacionales en la creación de un contenedor de arte único. Un disco duro con archivos de arte digital que sólo se encuentran en ese dispositivo, lo que lo convierte en un disco duro muy especial tanto por su concepto como por su contenido.

El proyecto se presentó en su formato expositivo, pero ahora nos sorprende con una versión más dinámica y que refuerza la idea de intangibilidad del arte digital. A este respecto, Solimán López ha diseñado una sesión en vivo en la que a modo de performance va mostrando los contenidos del disco duro, una única oportunidad en la ciudad de Valencia para poder conocer el contenido artístico del museo en el que participan los siguientes artistas: Aram Bartholl, Hugo Martínez-Tormo, Bosch&Simons, Inma Femenía, Rubén Tortosa, César Escudero Andaluz y Mario Santamaría, Enrique Radigales, Fabien Zocco, Rosana Antolí y otros nombres por confirmar.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

El espectáculo con una duración aproximada de 90 minutos comienza con una acción performativa, la lectura del Manifiesto Intangible y a continuación se detiene en ese barrido por el contenido del disco que incluye obras de video arte, net art, fotografía, arte digital, sonoro…

La obra colectiva se gestiona desde el Departamento de Innovación (ESAT LAB) de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia y cuenta con el apoyo de ASUS en una firme apuesta por la vanguardia y la creatividad digital vinculada a la tecnología.

Gracias a esta colaboración, el proyecto será presentado también en Technarte Bilbao en el mes de mayo y da el salto a sudamérica donde tendrá parada en las ciudades de Sao Paulo y Río Grande del Sur en Brasil, Buenos Aires, Córdoba, Rosario y Bahía Blanca en Argentina y Caracas en Venezuela.

Para poder disfrutar de este primer evento único en España, deberán reservar entrada en el siguiente enlace: https://www.ticketea.com/entradas-harddiskmuseum/ y acudir a Las Naves de Valencia el día 7 de Abril a las 20.30 horas o visualizar el evento en streaming en www.harddiskmuseum.com.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Paco Roca diseña el Ciutat Vella Oberta

Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta 2015
Cartel de Paco Roca
Del 12 al 15 de noviembre de 2015

El distrito valenciano de Ciutat Vella acoge, un año más, la celebración de la segunda edición del Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta durante los días 12, 13, 14 y 15 de Noviembre de 2015. La organización del Festival ha introducido varias novedades. Entre ellas, y a partir de esta edición, ha decidido que la imagen del Festival la realice un reconocido artista valenciano y, este año, tenemos la satisfacción de contar con la colaboración del dibujante e ilustrador Paco Roca (Premio Nacional de Cómic, Premio Goya al Mejor Guión Adaptado, entre otros).

Contaremos de nuevo con la Beca de IFITRI (Marruecos), concedida por la Fundación Inspirarte, además de nuevos premios como los que otorga Naranjas con Arte, Wayco y la selección de artistas por parte de la organización de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón MARTE, para exponer como invitados en su siguiente edición.

En esta nueva convocatoria, los artistas participantes tendrán la oportunidad de exponer  en los espacios más emblemáticos de Ciutat Vella sus trabajos de pintura, escultura, fotografía, dibujo e ilustración, video arte, performance, instalación y, como novedad, la incorporación de músicos al Festival. Se trata de un magnífico escaparate tanto para los artistas como para el público que nos visite durante los días del evento, junto con los estudios o talleres de artistas y galerías de arte.

Los espacios expositivos son: Centro del Carmen, Centro Cultural Bancaixa, Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC), Col.legi Major Rector Peset, IVAM, La Nau de la Universitat de València, MuVIM, Sala de Exposiciones El Tossal del Ayuntamiento de Valencia, Teatro Inestable, Wayco, además de la colaboración de la Universidad Politécnica de Valencia, con su Festival Poliniza.

Cartel de Paco Roca para el Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta. Cortesía de la organización.

Cartel de Paco Roca para el Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta. Cortesía de la organización.

«Vidas cruzadas» en la galería Paula Alonso

Vidas Cruzadas. Festival de Videocreación
Galería Paula Alonso
C/ Lope de Vega, 29. Madrid
Inauguración: 27 de mayo, 20 h.
Del 27 al 30 de mayo de 2015

Vidas Cruzadas –nombre homenaje a la película de Robert Altman‐ se propone mostrar de manera acotada (no puede ser infinito…) las relaciones humanas, los vínculos que se
establecen en la esfera artística, principalmente entre artistas y entre artistas y teóricos. Un mapa orgánico de los lazos personales y profesionales que se generan en el ámbito artístico.Para ello la galería ha hecho participe a los artistas y comisarios que han colaborado durante estos dos años –les llamaremos 1º generación‐ y ellos son los que han implicado a los siguientes artistas y comisarios ‐2º generación‐.

El planteamiento de Vidas Cruzadas es vincular a esa primera generación de contacto con la segunda generación y la segunda con la tercera y así progresivamente.
La galería sólo tenía tres premisas que determinaban el proceso de selección por parte de
todos los implicados:

‐ La elección del artista o comisario debía ser una persona con la que se mantuviese un
estrecho vínculo personal o profesional, donde existiese una empatía en la forma de
entender procesos y metodologías de trabajo, una afinidad a la hora de comprender el
mundo del arte.
‐ Los artistas seleccionaban sus propias obras.
‐ Los artistas podían nominar a 2 personas (artista y comisario o artistas) y los
comisarios sólo a un artista

El resultado es un gran árbol genealógico donde se vislumbra ese mapa emocional del
panorama artístico actual.

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Pepa L. Poquet. 365» De Pel·lícula, Positiu-Negatiu, 2015 (7′ 27»). Imagen cortesía galería Paula Alonso

Vidas Cruzadas es un Festival de videocreación en el que han participado en su proceso 58 artistas y 22 comisarios (teóricos).

1ª Generación: Haritz Guisasola (a), Joseba Eskubi (a), Paula Rubio Infante (a), Ángel Masip (a), Chema López (a), CIRIA (a), Marta Soul (a), Manolo Bautista (a), Antonio Barea (a), Suso Basterrechea (a), Mar Solís (a), Nacho Martín Silva (a), Carlos Delgado (c), Bruno Leiato (c), Javier Martín-Jiménez (c), Montse Badia (c).

2ª Generación: Iván Pérez (a), Michico (c), Yolanda de los Blueis (a), Raisa Maudit (a), Nerea Ubieto (c), Alberto Feijo (a), Diana Guijarro (c), Pilar Beltrán (a), Álvaro de los Ángeles (c), Aurelio Ayela (a), Eduardo Infante (a), Arantxa Boyero (a), Diana Larrea (a), Fernando Clemente (a), Ángel Luís Pérez Villén (c), Juan Jesús Torres (c), Mercedes Peón (a), Ouka Leele (a), Angel Calvo Ulloa (c), Misha Bies Golas (a), Ana Esteve Reig (a), Marlon de Azambuja (a), Pedro Luís Címbranos (a), Andreas M. Kaufman (a).

3ª Generación: Libres para siempre –colectivo- (a), Cristina Ramos (c), Pablo A. Padilla Jargstorf (a), Félix Fernández (a), Semiramis González (c), Olalla Gómez (a), José Gómez Isla (c), Rosana Antolí (a), Pepa L. Poquet (a), Diego López Bueno (a), Juan Fuster Selva (a), Javier Romero Vera (c), Delphine Delas (a), Antonio Blanco –Don Lindyhomer- (c), David Crespo (a), Carmen Dalmau (c), Angela Cuadra (a), Guillermo Espinosa (c), Miki Leal / Juan del Junco (a), Jesús Reina Palazón (c), Fernando M. Romero (a), Carlos Martín (a), Rosendo Cid (a), Manuel Eirís (a), Jorge Varela (c), Julia Llerena Iniesta (a), Marta Ramos-Yzquierdo (c), Javier Casado (a), Iciar Sagarminaga (c), Raúl Díaz Reyes (a), David Armengol (c), Antonio Ortega (a).

4ª Generación: David Price (a), Sylvia Peceño (a), Ana Soler (a), Máximo Pisani (a), Sonia Carballo –Socatoba- (a), Ana Galán (a), Jimena Kato (a), Daniel Silvo (a), Ignacio García (a), Theo Firmo (a), Irene de Andrés (a), Samuel Labadie (a).

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Diana Larrea. Equibrio, Geofagia O La Dieta Del Artista, 2008 (Vídeo-Performance, 2′ 44»). Cortesía galería Paula Alonso.

Se llevará a cabo una charla entre artistas y comisarios de las diferentes generaciones. Se tratarán temas como las relaciones actuales entre los propios artistas y entre los artistas y los diferentes agente, así como la capacidad de estos mismos para entender y vincularse con los procesos creativos.

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Marta Soul. Equilibrio, 2015 (7’47»). Cortesía galería Paula Alonso.

Cristina Garrido y Nacho Martín en Louis 21

For immediate release de Cristina Garrido

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva

Louis 21 “The Gallery”
C/ San Martí 1, Palma de Mallorca

For immediate release de Cristina Garrido
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 11 de febrero 2014

Para esta exposición, Garrido ha producido una nueva obra que cuestiona la posición del arte en el mundo contemporáneo, su recepción, distribución y valor. Esta muestra busca explorar el significado alternativo otorgado a los objetos a través de su colocación en el espacio de la galería y hace uso de una imagen de paredes blancas y cartelas, notas de prensa y asistentes de galería, una infraestructura que es un tanto sinónimo de la crítica institucional. Garrido utiliza los materiales de forma que eleva detalles típicamente pasados por alto en la vida cotidiana. Su acumulación obsesiva de objetos corrientes ´encontrados´ y ready-mades que convierte en materiales para su arte adopta un rigor formal y estético en la forma en que colecciona, ordena y ensambla, evidente en esta exposición.

Los objetos encontrados o ´readymade´ renuncian a su significado previo y asumen una identidad cambiante cuando son recontextualizados; dejan de ser una cosa para convertirse en otra. Con una aproximación casi arqueológica hacia el medio y la materia, la artista investiga cómo la tecnología ha alterado la producción artística y explora cuestiones de autoría y propiedad.

El punto de partida es la tipografía, utilizando la forma original como guía. Los dibujos progresan sin la exposición. La artista evoca los procesos de impresión mecánica, reproduciendo eficazmente cartas obsoletas de exposiciones readymade. Interesada en la relación entre el hacer marcas pintadas a mano o de forma digital, el proceso es visible y la mano se puede detectar en la fotocopia manufacturada que sería, de otro modo, desechada como detritus. Impresa sobre cada página, una frase que denota el paso del tiempo; una lucha contra el medio de producción en masa. Descontextualizando estas imágenes de sus presentaciones convencionales, la artista desarrolla nuevas relaciones para producir lecturas desconocidas.

Las obras parecen ser idénticas en su lenguaje visual minimalista y parecen contener una colección arbitraria. La artista insiste en la repetición obstinada en la que se ha convertido en el método curatorial. Trata de investigar la originalidad de las cosas y de preguntar ¿qué es original? ¿qué es repetición? ¿Por qué todavía necesitamos el arte, y qué esperamos del arte hoy? ¿Cuál es su promesa y qué prometemos a cambio? Sin embargo, las obras son fundamentalmente una exploración de la belleza.

Cristina Garrido. For Immediate Release.

Cristina Garrido. Fragmento de For Immediate Release. Cortesía de la galería

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 25 de marzo 2014

En el campo de la Química se define “síntesis” al proceso de obtención de un compuesto complejo a partir de sustancias más sencillas. El proyecto Synthesis de Nacho Martín Silva (Madrid, 1977) pretende seguir esta definición de manera literal, aunque irónica, para realizar una pintura a través del dibujo.

La vídeo-instalación que Nacho Martín Silva ha concebido para el espacio The Envelope de la galería Louis21 está formada por un vídeo y un lienzo pintado con ceniza en el que aparece representado el último frame del vídeo que lo acompaña. El vídeo muestra una sucesión de dibujos y anotaciones pertenecientes al cuaderno de notas del artista.

Observamos las hojas quemándose y cómo sus cenizas se acumulan paulatinamente en un plato. Los restos grises de estas páginas serán posteriormente molidos y utilizados como pigmento para pintar el cuadro. La ceniza funciona entonces como la huella del ser que ha concebido aquellos elementos heterogéneos (frases, croquis y apuntes presurosos) que el artista ha ido luego anotando en su libreta a la espera de hacer algo con ellos. Más allá de la imagen que el pequeño lienzo representa, la instalación contiene toda la historia que lo concibió, siendo el cuadro únicamente el desenlace de un relato que incluye un determinado periodo de aprendizaje y de búsqueda del pintor madrileño. La instalación hace referencia al aprendizaje incesante del artista y al largo procedimiento que se gesta entre la idea de una obra y su realización. Si la obra contiene siempre todo el proceso que la ha generado, el proceso no contiene una sola obra, la que se enseña, sino muchas otras posibles.

El proceso puede llegar hasta la culminación de la pieza o simplemente quedarse en el estadio de proyecto para el futuro. Nacho Martín Silva rescata este momento previo a la realización, un aprendizaje convulso y un recorrido a tientas entre lo posible y lo real. Desplaza hacia el primer plano las huellas del proceso, devuelve a las cenizas el calor del fuego y ofrece de este modo al espectador la multiplicidad no reducible del gesto artístico.

Nacho Martín Silva

Nacho Martín Silva. Synthesis: 1 + 1 = 1. Cortesía de la galería

Los signos de Rosenfeld en Espaivisor

Lotty Rosenfeld. La geografía de la línea 1979-2013
Galería Espai Visor
C/ Carrasquer, 2 (Valencia)
Hasta el 10 de enero 2014

Los signos tras los que se organiza la circulación -de bienes, de sujetos, de políticas, de violencia- han constituido la sede más relevante del trabajo visual de Lotty Rosenfeld. Desde su gesto de intervención a las líneas divisorias de pistas de tránsito en las avenidas de Santiago (1979), donde inscribió su emblemático signo +, se puso en marcha un modo específico de interrogar los mandatos y producir un estallido en el simulacro de naturalidad que portan las diversas ordenanzas. Desde una aparente simplicidad proliferaron los sentidos y el deseo de un trabajo de arte que se pensó callejero, ciudadano y rebelde. Una incursión justo en los momentos en que el espacio público se encontraba invadido por el violento y excluyente régimen militar.

Lotty Rosenfeld realizando una de sus obras. Imagen cortesía de la galería visor

Lotty Rosenfeld realizando una de sus «signos». Imagen cortesía de la Galería Espai Visor

A partir del año 1985 buscó establecer nuevas conexiones, integrando al trabajo matrices visuales que continuaban apuntando a mecánicas deconstructivas, básicamente mediante la reelaboración de imágenes sacadas de la televisión pública. La construcción de este signo + fue ampliándose e inició una nueva etapa estético-teórica, en la medida que el signo se estableció como denuncia y confrontación frente a otros espacios de poder hegemónicos. Así el signo se transformó en “arma crítica”.

La producción de sus multi video instalaciones muestran escenarios visuales móviles y abigarrados, e incorporan el sonido como elemento estructurante de la obra. Así, la voz testimonial se ha interconectado con la voz oficial para, de esa manera, poner en escena la “otra versión”, aquella manipulada o minimizada por los discursos dominantes. En el territorio de la ficción (cortos y mediometrajes) su obra se refugia en el caos y las intervenciones de la violencia institucional o simbólica sobre los cuerpos que consiguen esbozar parcialmente el malestar.

A lo largo de más de treinta años, la artista chilena ha realizado intervenciones “corporales” (acciones-performances) en los distintos espacios por los que transita. La metodología del cuerpo comprometido en la “acción de arte” atraviesa su obra desde 1979 hasta la actualidad.

SINOPSIS VIDEOS EN EXPOSICION

Una milla de cruces sobre el pavimento. 1979
3/4’ color, 8 minutos, sonido
Video elaborado en torno a la primera Acción de Arte realizada por la artista en diciembre de 1979, consistente en la intervención a un signo de tránsito. Esta acción tuvo una duración de cuatro horas, durante las cuales, cubrió de cruces una extensión aproximada de una milla de pavimento, en una zona urbana de Santiago de Chile. El material de cámara fue filmado en cine de 16mm., y posteriormente traspasado a video y editado en este medio. La frase en off de la artista “No, no fui feliz” marca el inicio de la cinta.

Una milla

Lotty Rosenfeld. Una milla de cruces sobre el pavimento. 1979. Cortesía de la galería

Una herida Americana. 1982
3/4’ color, 5 minutos, sonido
Este video se estructura a partir de imágenes obtenidas desde distintos medios (cine 16mm., diapositivas, video) que citan tres Acciones de Arte realizadas por la artista en los siguientes lugares: Copiapó/Chile (Marzo 1981), Desierto de Atacama, Washington DC / Estados Unidos (Junio 1982), Casa Blanca, Santiago/Chile (Julio 1982), Bolsa de Comercio. Donde se proyectaron imágenes de video del signo intervenido (Casa Blanca) y sin intervenir (Desierto de Atacama). El audio esta conformado por sucesivos desplazamientos de sonido que se desfasan de su ámbito de emergencia.

Una herida americana

Lotty Rosenfeld. Una herida americana. 1982. Imagen cortesía de la galería

Proposición para (entre) cruzar espacios límites. 1983
3/4’ color y blanco / negro, 4 minutos, sonido
Este video se elabora mediante múltiples cruces, de imágenes, que citan las Acciones de Arte realizadas por la artista en límites territoriales (Chile-Argentina 1983 / RFA, Berlín 1983) y de transmisiones radiales en onda corta, de discursos multilingüísticos y pluri-ideológicos que se superponen y se anulan.

¡Ay de los vencidos!. 1985
3/4′ color, 4 minutos, sonido
Este video se elabora a partir de la cita de una Acción de Arte realizada por la artista, en la vía de acceso al Observatorio Astronómico El Tololo, en el norte de Chile. A la cual se le suman imágenes que remiten a diversos gestos tomados desde distintos ámbitos: imágenes de una situación pre-copular, imágenes de un astronauta realizando “vuelo libre” en el espacio. La banda de sonido se tensa a través del desplazamiento analógico de equivalencies que evocan las imágenes: ondas sonoras emitidas por un satélite en órbita especial, rastreado por una estación NASA mediante computadores, y el eco multiplicado y sostenido de una negación.

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Lotty Rosenfeld. Ay! de los vencidos. 1985. Imagen cortesía de la Galería Espai Visor

Paz para Sebastián Acevedo. 1985
3/4’ color y blanco/negro, 2 y 1/2 minutos, sonido
Este video se estructura a partir de la ocupación de una fotografía tomada de un medio de comunicación, que capta la imagen del obrero chileno Sebastián Acevedo quien se autoinmola en un acto de protesta y denuncia, para obtener la libertad de sus dos hijos detenidos por aparatos de seguridad. A esta imagen noticiosa se van sumando una serie de fotografías de operaciones simbólicas que realiza la artista en una autopista frente al mar, para culminar con la grabación en video de un trazado de cruces, sobre una carretera, a la cual se le superpone una banda sonora con música de raíz indígena.
Esta cinta, que es concebida como un homenaje a los caídos chilenos, obtuvo el Premio Especial del jurado en la Video Biennale Internacional de Tokyo 1985.

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Lotty Rosenfeld. Paz para Sebastián Acevedo. Imagen cortesía de la galería

II Convocatoria del Archivo AVVAC Audiovisual

 

¿QUÉ ES EL ARCHIVO AVVAC AUDIOVISUAL?

AVVAC, en colaboración con Cine por venir y Las Naves: Espacio de Creación Contemporánea, está generando el primer archivo profesional de obras audiovisuales de artistas de la Comunidad Valenciana.  Este archivo pretende ir recogiendo en el tiempo toda la creación artística de carácter audiovisual generada en la Comunidad Valenciana  de cara a su consulta profesional y a la posible elaboración de un programa público de difusión.

Cine por venir es un proyecto de Álvaro de los Ángeles y Sonia Martínez cuya segunda edición  tendrá lugar en Las Naves en enero de 2014. En esta segunda edición se reabrirá el plazo para entregar trabajos a todo aquel que desee integrar el Archivo Avvac audiovisual. La intención de este evento es tender puentes entre diferentes ámbitos de la creación audiovisual, mediante la puesta en marcha de tres apartados: Imagen son proyecciones de películas contextualizadas por profesionales y con cine-fórum posterior; Acción son talleres teórico-prácticos sobre la imagen contemporánea y su función social; y Palabraes un seminario realizado en dos sesiones, con varios ponentes en cada una de ellas, que presentan material audiovisual para comentarlo y debatirlo entre ellos y el público asistente.

¿QUIÉN PUEDE INTEGRAR EL ARCHIVO AVVAC AUDIOVISUAL?

Todo aquel video-creador de la Comunidad Valenciana (o vinculado de alguna manera a ella) que lo desee puede formar parte del archivo, ya sea enviando tanto sus propias creaciones como el registro de algún evento artístico de relevancia en la Comunidad Valenciana: performances, conferencias, exposiciones, etc.

¿CÓMO PUEDO FORMAR PARTE DEL ARCHIVO AVVAC AUDIOVISUAL?

Simplemente enviando el/los vídeos (MP4 o Mpeg) que quieras que formen parte del archivo o llevándolos tú mismo a la siguiente dirección:

A la atención de AVVAC/ Cine por venir, las Naves, Calle Juan Verdaguer, 16, 46024, Valencia.

¿CUÁNDO PUEDO ENVIAR MIS VÍDEOS?

El plazo para enviar tus trabajos en esta convocatoria comenzó el 6 de Noviembre y finalizará el 31 de Diciembre de 2013. De este modo se podrá organizar el material del archivo para que esté disponible para consulta y hacer un pase de algunos de los trabajos en enero de 2014, dentro del segundo ciclo de Cine por venir que se celebrará en Las Naves.

CONSULTAS

Para más información: info@avvac.net

avvac