The Ritual Box o esa oscura claridad

The Ritual Box
Sala de Exposiciones de Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Hasta el 16 de mayo

‘The Ritual Box’ reune en la Sala de Exposiciones de Espai Rambleta a diferentes y polifacéticas personalidades del mundo del arte como Nadine Byrne, Pil&Galia Kollectiv, Ben Russell y Javi Moreno. El proyecto, comisariado por Johanna Caplliure y José Luis Giner Borrull, incide en la determinación del centro cultural valenciano de ahondar en el arte contemporáneo y de vanguardia.

La intención de ‘The Ritual Box’ es caminar a través de una serie de artistas que basan sus obras en la creación de una poética de lo oculto. La “oscuridad” es utilizada para ofrecer un nuevo entendimiento sobre los acontecimientos o experiencias vividas en la sociedad actual.

Javi Moreno en un instante de su performance en 'The Ritual Box'. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Javi Moreno en un instante de su performance en ‘The Ritual Box’. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Se trata de prácticas con una gran expresividad y contundencia crítica, donde la acción a través de rituales corporales invitan a abandonar la realidad preestablecida y así liberarse de los prejuicios de la tradición imperante hacia una puesta del cuerpo como vía de autoconocimiento primero y lugar de agenciamiento después. Por lo tanto, la danza, la performance, la música y la palabra como parte del cuerpo se encuentran como los modos de proceder de los artistas en ‘The Ritual Box’.

La Sala de Exposiciones de Espai Rambleta se convierte en una caja en la que dar cabida, en este caso no a objetos, sino a un ritual experiencial a través de las actuaciones semanales  (1, 11, 18, 25 de abril y 16 de mayo) de estos cuatro artistas. ¿Te atreves a entrar en la caja?

Cartel anunciador de 'The Ritual Box'. Cortesía de Espai Rambleta.

Cartel anunciador de ‘The Ritual Box’. Cortesía de Espai Rambleta.

La performance inaugural, a cargo del artista Javi Moreno, tuvo lugar el miércoles 1 de abril. Javi Moreno (Alicante, 1982), artista representado por la Galería SET, retoma el papel del mago o la bruja, estigmatizados socialmente por su poder de invocación, para evidenciar la magia como herramienta libertaria y la brujería como política.

La programación completa de ‘The Ritual Box’ es la siguiente.

1 Abril: Inauguración. Presentación equipo de La Rambleta y de los comisarios: Johanna Caplliure y José Luis Giner Borrull. Performance: Javi Moreno
11 Abril: Conversación de los comisarios con Pil&Galia Kollectiv. Proyección: ‘The Future Trilogy’.

18 Abril: Performance de Pil&Galia Kollectiv con la participación de artistas locales.
25 Abril: Conversación con los comisarios sobre el trabajo de Nadine Byrne. Proyección: ‘Dream Family.
2 Mayo: Performance: Nadine Byrne.
9 Mayo: Conversación con los comisarios sobre el trabajo de Ben Russell. Proyección: ‘Black and White Tripps Number Three’.
16 Mayo: Performance: Ben Russell

Todas las actividades comienzan a las 20.30h en la Sala de exposiciones de La Rambleta.

Ben Russell. The Ritual Box. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Ben Russell. The Ritual Box. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Bases de La Cabina 2015

BASES DE LA CABINA
VIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE MEDIOMETRAJES 2015

El VIII Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina, que se celebrará en Valencia (España) del 5 al 15 de noviembre de 2015, consta de las siguientes bases de participación.

PRIMERA: Participantes.

Podrán participar en este concurso todas las personas físicas o jurídicas que lo deseen, sea cual sea su domicilio físico o fiscal, sin necesidad de estar inscritas en territorio español.

Podrán presentarse a concurso todas aquellas películas de ficción con una duración comprendida entre los 30 y los 60 minutos (ambos inclusive) cuya finalización de producción sea posterior al día 1 de enero de 2012.

La organización del Festival incorpora una nueva sección paralela de no ficción a partir de la presente edición (2015). Se admitirán obras de cine experimental y de vanguardia, videoarte, videoclip, documental creativo y otros formatos similares (queda excluido el reportaje). Las condiciones de envío de obras de los mediometrajes de esta sección son las mismas que en la sección de ficción.

Cada autor o productora podrá presentar hasta un máximo de dos obras.

Fotograma de 'Taram Tarambola', de María Castillejo, Premio del Público en la VII edición de La Cabina.

Fotograma de ‘Taram Tarambola’, de María Castillejo, Premio del Público en la VII edición de La Cabina.

SEGUNDA: Inscripción.

Los particulares o productoras que deseen participar en el festival deberán hacer llegar el film a la organización del festival a través de uno de estos formatos:

Dos copias del DVD (formato Zona 2) (ver dirección postal más abajo)

Enlace para el visionado online del mediometraje (enviarlo a festival@lacabina.es)

Enlace para descarga online del mediometraje (enviarlo a festival@lacabina.es)

Inscripción online a través de www.uptofest.com

Todos aquellos mediometrajes cuyos diálogos no estén en castellano deberán incluir un archivo de subtítulos en castellano y/o inglés.

Importante: el plazo para el envío de los DVDs o del enlace es el 29 de mayo de 2015.

También deberá enviarse por correo postal la siguiente documentación:

Boletín de inscripción (adjunto a las bases) debidamente cumplimentado

Curriculum vitae profesional del (de la) director(a)

… a la siguiente dirección: AULA DE CINE UV

FESTIVAL LA CABINA

Calle de la Universidad, 2

46003 – VALENCIA (ESPAÑA)

TERCERA: Condiciones técnicas.

Las películas tendrán una duración comprendida entre los 30 y los 60 minutos.

Una vez publicada la selección oficial a concurso, los mediometrajes seleccionados para participar en la VIII Edición de LA CABINA deberán proporcionar el siguiente material:

Soporte digital con el mediometraje. Deberá tener calidad suficiente para ser proyectado en pantalla grande y ocupar entre 1 y 4 GB. NO DEBE TENER LOS SUBTÍTULOS INCRUSTADOS. Se acepta cualquiera de los siguientes formatos:

1. Archivo con las siguientes especificaciones:*

a. Contenedor: Mov,  Codec: Apple Prores

b. Contenedor: Mov/Mp4, Codec: H.264

c. Resolución: 2K, 1080p, 720p.

d. Standard Frame Rate: 24, 25 fps.

e. Sonido: PCM estéreo o Dolby Digital 5.1 (AC3, AAC, bit rate 480 mínimo)

* En caso de no cumplir algunas de las especificaciones detalladas, ponerse en contacto con el festival.

2. Bluray – Video:

Archivo Avi de menor resolución (preview size 250-500 MB) con el mediometraje subtitulado en inglés para visionado en pequeña pantalla (Opcional).

Tráiler de la película en archivo Mov o Mp4 (H.264) Full HD (1080)

Guión o lista de diálogos en inglés, francés o español

Archivo de subtítulos en inglés (srt)

Fotos (al menos 3) y cartel de la obra en formato digital en alta resolución (300 ppp)

CUARTA: Selección y concurso.

Un Comité de Selección, designado por la organización del festival, realizará la selección de las obras que participarán en el certamen.

La selección final de los mediometrajes que participarán en el festival será publicada en julio de 2015 en la web oficial del festival (www.lacabina.es).

Los mediometrajes no seleccionados a concurso para la edición de 2015 pasarán a ser posibles candidatos en la próxima edición del festival siempre que cumplan con los criterios de la nueva convocatoria.

La organización no efectuará ningún pago al director, productora o distribuidora por proyectar su obra en el propio festival, ni por derechos de exhibición ni por ningún otro concepto.

Cada uno de los mediometrajes seleccionados se proyectará dos veces en el festival. La organización acordará los horarios de proyección de las películas y se compromete a proyectarlas exclusivamente dentro del festival.

Los autores de las obras participantes dan permiso a la organización del festival para utilizar parte de sus obras en usos promocionales del festival.

Los autores de los mediometrajes galardonados dan permiso a la organización del festival para proyectar sus obras en futuras ediciones del festival.

Los costes del envío de las obras y sus documentos adjuntos correrán íntegramente a cargo de los autores participantes.

Los mediometrajes no seleccionados podrán retirarse antes del día 1 de diciembre de 2015 en la sede del festival (Aula de Cine – Centro Cultural la Nau, Calle de la Universidad, 2 – 46003 Valencia, España). Si no se retiran antes de esa fecha, pasarán a ser propiedad del festival.

Una vez seleccionado un mediometraje para concursar en el festival, no podrá ser retirado antes de su última exhibición.

Si, por razones ajenas a la organización, el festival variara sus fechas o no llegara a realizarse, la organización avisará a productoras y distribuidoras con la suficiente antelación.

Fotograma de 'Un alma viva', de Henry Moore Selder, mediometraje de la VII edición de La Cabina.

Fotograma de ‘Un alma viva’, de Henry Moore Selder, mediometraje de la VII edición de La Cabina.

QUINTA: Premio.

LA CABINA establece dos únicos premios retribuidos: uno de 1.000 euros al Mejor Mediometraje de ficción y otro de 400 euros al mejor mediometraje de no ficción. La cuantía económica está sujeta a las retenciones establecidas por la ley vigente que serán deducidas a la entrega del premio.

Se establecerán otras siete categorías de premios no retribuidos:

-Mejor Actor

-Mejor Actriz

-Mejor Guión

-Mejor Dirección

-Mejor Fotografía

-Mejor Música

-Premio del Público

Las obras ganadoras de premios o galardones en este concurso están obligadas a exhibir en toda su publicidad la leyenda y logotipos que suministre la organización del festival.

Una vez decidido el palmarés, la productora de la película premiada deberá enviar a la organización del festival los datos bancarios para el ingreso monetario de la cuantía del premio. Si esta información no se transmitiera en el plazo de un año, la productora perderá su derecho a reclamar cualquier cuantía.

SEXTA: Jurado de los premios

El Jurado Oficial, compuesto por diversos profesionales del medio cinematográfico, será el encargado de otorgar los premios.

Las decisiones, tanto del Comité de Selección como del Jurado Oficial, serán inapelables.

SÉPTIMA: Aceptación de las bases

La inscripción a este concurso implica la aceptación de todas las bases.

La Organización se reserva el derecho de modificación de las fechas del festival.

Si, una vez seleccionado un mediometraje, el festival no recibiera los materiales requeridos por la organización en el plazo que se especifique, ésta se reserva el derecho de eliminar ese film de la Selección Oficial.

BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN

 

Título de la obra: …………………………………………………………………………………………….………………………

Director: …………………………………………………………………………………………………………….….……………………

Guionista: ………………………………………………………………………………………………………….………………………

Año de producción: ………………………………….…………………………………………………………….………..……

Productor / Productora del mediometraje: …………………………………………………………………

Dirección de la  Productora /  Director /  Distribuidora:

Calle: ……………………………………………………………………………………………………….……………………………

Localidad   / Código postal …………………………………………………………………………………………………………..…….…………

País: …………………………..………………………………………………………………………………….………………………

Teléfono: …………………………………………………………………………………………………………………….………

e-mail: ……………………………………………………………………………………………………….…………………………

Don / Doña ……………………………………………………………………………………………………….……………………………

con documento de identidad / pasaporte / CIF ………………………………………………………………,

en calidad de propietario de los derechos de la obra presentada a concurso, solicito su inscripción en LA CABINA, VIII Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia y declaro que acepto todas sus bases.

Firma y sello

INFORMACIÓN TÉCNICA:

Duración: ………………………………………………………………………………………………………………………………………

Metraje: ………………………………………………………………………………………………………………………………………

FORMATO DE FILMACIÓN:

Película 35 mm  Película 16 mm  Película 8 mm

EN SU DEFECTO, FORMATO DE GRABACIÓN DIGITAL:

MiniDV  DV  Betacam

Betacam Digital  HD  HDV

SINOPSIS DE LA OBRA (no más de 5 líneas):

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SI EL MEDIOMETRAJE YA HA SIDO ESTRENADO:

Distribuidora: ……………………………………………………………………………………………….………………………………

Fecha de estreno: ……………………………………………………………………………………………………………………….

Número de copias sin explotación: ………………………………………………………………………………………

Cines en donde se ha exhibido: ……………………………………………………..……………………………………..

 

GALARDONES O MENCIONES RECIBIDAS EN OTROS CERTÁMENES:

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Fotograma de 'Desconocido', de Saleh Salehi, mediometraje ganador de la última edición de La Cabina.

Fotograma de ‘Desconocido’, de Saleh Salehi, mediometraje ganador de la VII edición de La Cabina.

Buñuel, la imposible relación sexual

Él, de Luis Buñuel
Básicos de la Filmoteca
Filmoteca de CulturArts IVAC
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Jueves 19 de febrero, a las 19.00h

Luis Buñuel dirige en 1929 con Salvador Dalí su primera película, ‘Un perro andaluz’ que, junto a ‘La edad de Oro’ (1932), representa al movimiento vanguardista surrealista. En ‘Un perro andaluz’ está recogido uno de los planos más estremecedores de la historia del cine: aquél en el que una mano de hombre corta con una navaja de afeitar un ojo femenino.

Fotograma de 'Un perro andaluz', de Luis Buñuel.

Fotograma de ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel.

En 1977, Luis Buñuel rueda su última película, ‘Ese oscuro objeto del deseo’. Un film que termina con otro potente primer plano de una mano de mujer zurciendo el desgarro de un encaje ensangrentado, un instante antes de que la explosión de una bomba ponga fin a la historia. “Es el último plano que yo he rodado, me conmueve (…)”, declaró Buñuel.

Fotograma de 'Ese oscuro objeto del deseo', de Luis Buñuel.

Fotograma de ‘Ese oscuro objeto del deseo’, de Luis Buñuel.

Estos dos planos condensan y connotan la filmografía de Luis Buñuel. El primero nos remite al ‘cine-navaja’, que desgarra la mirada del espectador a través de la escritura surrealista que atraviesa la obra del realizador de Calanda. Y el segundo hilvana metafóricamente ese oscuro objeto femenino de deseo que arrebata el universo fílmico del director.

Surrealismo y pulsión

Luis Buñuel quedó fascinado con el movimiento surrealista desde que lo descubre en su primer viaje a París (1929-31). “Por primera vez en mi vida, había encontrado una moral coherente y estricta, sin una falla. Por supuesto, aquella moral surrealista, agresiva y clarividente solía ser contraria a la moral corriente, que nos parecía abominable, pues nosotros rechazábamos en bloque los valores convencionales. Nuestra moral se apoyaba en otros criterios, exaltaba la pasión, la mixtificación, el insulto, la risa malévola, la atracción de las simas”.

Si las proclamas del surrealismo en torno a esa total libertad, de rechazo a cualquier norma y sistema represivo, prendaron a Buñuel, su cine cautivó igualmente al líder y pensador del movimiento surrealista, André Breton: “El genio de Buñuel siempre me ha parecido que radicaba en lo que exaltado y exasperado hasta el límite tiene en él el conflicto entre el instinto sexual y el instinto de muerte”.

Fotograma de 'Un perro andaluz', de Luis Buñuel.

Fotograma de ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel.

El cine de Luis Buñuel está, de hecho, surcado por esa mirada surrealista y atravesado por cierta pulsión. Una pulsión que proviene de esa visión surrealista que está más allá de cualquier límite. Y, como señala el catedrático Jesús González Requena, un surrealismo abocado a la representación favorable “de toda manifestación pulsional, primaria, violenta y destructiva”. Representación pulsional que sólo puede conducir “a la aniquilación inevitable, en un solo y único movimiento, de la cultura, del sujeto y del deseo”. Porque la pulsión refleja la violencia que nos habita como sujetos, al no querer saber nada del límite de la represión.

Para corroborar esta idea sólo hay que leer las palabras de André Bretón y Luis Buñuel recogidas en la biografía del director, ‘Mi último suspiro’: «Decía Breton, por ejemplo, que el gesto surrealista más simple consiste en salir a la calle revólver en mano y disparar al azar a la gente. Por lo que a mí respecta, no olvido haber escrito que ‘Un chien andalou’ no era si no un llamamiento al asesinato”.  Y Buñuel agrega: “El símbolo del terrorismo, inevitable en nuestro siglo, siempre me ha atraído; pero del terrorismo total cuyo objetivo es la destrucción de toda sociedad, es decir, de toda especie humana”.

Fotograma de 'El', de Luis Buñuel. Básicos de La Filmoteca.

Fotograma de ‘El’, de Luis Buñuel. Básicos de La Filmoteca.

Así pues, el cine de Luis Buñuel, influenciado por el pensamiento surrealista, como señala González Requena, “no ve en la civilización otra cosa que el sistema de mascaras hipócritas con las que se reprime y somete el deseo del individuo hasta la aniquilación total de su libertad. Y, por eso, en la medida en que hace de la liberación absoluta de su deseo su bandera, proclama su rechazo a toda restricción, a toda represión”.

Por tanto, podríamos pensar que en el cine de Luis Buñuel no hay límite a la satisfacción de los deseos de los personajes. En cambio, como comenta el propio director, la estructura de su cine conlleva “la imposibilidad inexplicable de satisfacer un sencillo deseo. En ‘La edad de oro’, una pareja quiere unirse sin conseguirlo. En ‘Ese oscuro objeto de deseo’, se trata del deseo sexual de un hombre en trance de envejecimiento, que nunca se satisface”. A estas dos películas que cita el director podemos añadir ‘Un perro andaluz’ (1929), ‘Susana’ (1950), “Él” (1952) –la película que se presenta este jueves en Básicos de la Filmoteca- y ‘Ensayo de un crimen’ (1955).

Fotograma de 'El', de Luis Buñuel. Básicos de La Filmoteca.

Fotograma de ‘El’, de Luis Buñuel. Básicos de La Filmoteca.

Las palabras de Luis Buñuel reflejan una curiosa paradoja y abren una inquietante pregunta: ¿Cómo es posible que un universo narrativo cuyo sentido tutor está habitado por las premisas surrealistas de libertad total, de rechazo a cualquier norma y sistema represivo, los personajes se hallen ante la imposibilidad inexplicable de satisfacer un sencillo deseo, como que una pareja pueda consumar la relación sexual?

¿No será porque en el cine de Luis Buñuel el deseo no moviliza a los sujetos, sino la pulsión, como muy bien alabó André Breton cuando habló del genio de Buñuel?

Como subraya González Requena: “Si la represión de la pulsión es la condición de la civilización, no por ello el concepto de represión debe ser concebido como antagónico con el deseo. Por lo contrario: la represión no es lo opuesto al deseo, sino su condición; es la represión de la pulsión lo que determina la configuración del deseo, no menos que del inconsciente”.

Razón por la cual, la cámara de Luis Buñuel, que graba a nivel del inconsciente surrealista, sin represiones, ni límites, termina finalmente narrando historias donde el encuentro sexual se torna imposible.

Fotograma de la película 'Él', de Luis Buñuel. Básicos de la Filmoteca. CulturArts IVAC.

Fotograma de la película ‘Él’, de Luis Buñuel. Básicos de la Filmoteca. CulturArts IVAC.

Begoña Siles

Off_Herzios rompe con el Consorcio de Museos

El equipo de Off_Herzios y Audiotalaia quiere comunicar públicamente el cese de la colaboración entre el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y nuestra organización. Esta declaración implica el cese inmediato de todos los preparativos para la Quinta Edición del certamen Off_Herzios en colaboración con el CMCV prevista para esta primavera en la Sala La Gallera, en verano en el Claustro del Centro del Carmen y otoño de nuevo en La Gallera, pero bajo ningún concepto significa el fin de este festival y sus actividades.

Esta situación ha sido fruto de una deriva institucional que ha afectado a esta y a tantas otras actividades del CMCV. A lo largo de los meses de septiembre, octubre y noviembre hemos asistido a una retirada paulatina de fondos que ha culminado, de forma abrupta, con un mensaje en el que se nos confirma que la «única vía posible de colaboración es a través de la cesión gratuita de espacios».

Dicha situación deja sin financiación una programación transversal y anual prevista con más de 16 actuaciones, conciertos, talleres y performances a cargo de artistas y creadores, locales, nacionales e internacionales, así como dos proyectos expositivos únicos para la Sala La Gallera y la consiguiente documentación de las actividades mencionadas y su presencia en la Red en nuestros catálogos digitales.

Dada la situación de cambio, no podemos evitar recordar lo que ha dado de si nuestro trabajo financiado por el CMCV, cuyo proceso culminó en la Sala La Gallera el pasado abril de 2014. Aquella fue la consecuencia del trabajo realizado los 3 primeros años de vida del Certamen (centrados en un modelo de cultura autogestionada), siendo esta un hito de programación cultural en una Comunitat Valenciana acechada por las deudas y la mala gestión del dinero público.

A pesar de la coyuntura socioeconómica, Off_Herzios / La Gallera Suena consiguió situar en el mapa de la ciudad la Sala La Gallera, trazar una programación abierta y variada ofreciendo un amplio elenco de propuestas sonoras de vanguardia a nivel nacional y sobre todo a nivel local. Las cifras de público (cerca de 1200 personas visitaron el certamen) evidencian el éxito de la programación y su calado en el entramado cultural de la capital levantina. Todo ello apuntalado sobre una filosofía de trabajo basada en la seriedad, el respeto a los trabajadores de la cultura, la voluntad inclusiva, la pluralidad, la pedagogía y didáctica a la hora de explicar nuestras programaciones, el máximo respeto al uso de dinero público; y sobre todo basada en la sana convicción de abrir la creación sonora de vanguardia a nuevos públicos y nuevos escenarios culturales.

Finalmente y por encima de todo, Off_Herzios / La Gallera Suena demostró que es posible arrancar un proyecto de estas características en la Comunitat Valenciana y no solo eso sino que se puede, en el proceso, dignificar el trabajo de músicos, artistas, creadores, productores, comisarios, fotógrafos, diseñadores y todas aquellas personas implicadas en una producción cultural de dicho calado.

Es importante mencionar la profunda tristeza que nos llena al saber que nuestro proyecto no tendrá una continuidad en La Sala La Gallera. Este sentimiento responde a la firme convicción que lo que en dicho espacio realizamos es el fruto de un uso consciente y coherente del edificio. La decisión de presentar una programación en La Gallera siempre  aludió a la idoneidad de la misma para la exposición de propuestas de creación sonora y a los estándares de comisariado en los que Audiotalaia y su equipo se basa. En ese sentido, La Gallera Suena se planteó como un pequeño intento de conferirle a tan singular sala una coherencia y un discurso programático siempre con la vista y el oído puesto en exprimir al máximo sus posibilidades como equipamiento público. Para Audiotalaia, La Gallera nunca fue un mero contenedor, sino una caja de resonancia tan importante como los artistas que la han hecho vibrar, por ello sentimos profundamente que La Gallera, por ahora, no vuelva a sonar.

Habiendo repasado la trayectoria, conocedores de nuestro recorrido y la importancia de nuestra labor el Equipo de Off_Herzios quiere anunciar el inicio de un período de búsqueda de financiación en la Comunitat Valenciana y tratará, en los próximos meses, de encontrar cauces para la celebración de la Quinta Edición del Festival Off_Herzios, siempre y cuando se cumplan las condiciones que consideramos indispensables, aquellas que son marca de nuestras producciones y a las que no pensamos renunciar bajo ningún concepto, aquella filosofía que nos ha formado como trabajadores, como entidad y como comunidad.
Seguimos.

Edu Comelles
Director Artístico Off_Hz

Vanguardia y publicidad de Kurt Schwitters

Vanguardia y publicidad, Kurt Schwitters
Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca
Hasta el 15 de febrero de 2015

No se dejó arrastrar por las grandes corrientes totalitarias del siglo, algo habitual entre sus colegas vanguardistas. Y sin embargo, desde su posición de burgués acomodado, Kurt Schwitters (1887-1948) contribuyó a renovar el lenguaje artístico de su tiempo, ese que hoy conocemos como el de las vanguardias históricas.  Para ello se sirvió del collage y la pintura al óleo, de un lado, y de las herramientas del diseño gráfico como la tipografía, por otro. Con este último y con la pintura se ganará el sustento; con el collage desarrollará con total libertad su veta artística; además, esta novedosa técnica le permitirá aproximarse a las filas del movimiento dadaísta, del que fue rechazado por su condición burguesa, heroicidad atribuible a Richard Huelsenbeck. Ello no le impidió cultivar el espíritu Dadá a través de una filosofía unipersonal, a la que llamará Merz.

Kurt Schwitters. Tarjeta postal para Merz Werbezentrale (Agencia publicitaria Merz), tipografía sobre cartulina (Colección Merril C.Berman)

Kurt Schwitters. Tarjeta postal para Merz Werbezentrale (Agencia publicitaria Merz), tipografía sobre cartulina (Colección Merril C.Berman)

En esta exposición que presenta la Fundación Juan March en su sede del Museo de Arte Abstracto conquense la tesis es inequívoca: toda labor de índole artística en Kurt Schwitters tiene una raíz común. Para ilustrarlo se ha reunido un centenar de piezas –procedentes en su mayoría de la colección de Merrill C. Berman y del Archivo Lafuente– entre collages e impresos (folletos, carteles o cubiertas de libros). Además, en una de las salas se puede escuchar la grabación que Javier Maderuelo y María Villa llevaron a cabo en 1982 de su Ursonate, composición a partir de sonidos vocales basados en la repetición.

Kurt Schwitters, La catedral: 8 litografías, Hannover: Paul Steegemann Verlag. (1920); Litografía y collage (cubierta) sobre papel

Kurt Schwitters, La catedral: 8 litografías, Hannover: Paul Steegemann Verlag. (1920); Litografía y collage (cubierta) sobre papel

Más allá del espíritu Dadá que impregna algunas de sus obras, lo realmente destacable en Schwitters lo vemos en esta sala: sin ir más lejos, la modernidad de unos diseños claros y elegantes (líneas rectas, tipografías de palo seco o dibujadas en el caso de los titulares) en un tiempo en que lo más frecuente era la utilización de la letra gótica, un tipo que algo más tarde prohibirá Adolf Hitler en su afán por llevar la propaganda fuera de sus fronteras.

Sorprenden, si se tiene en cuenta que fueron diseñados hace casi un siglo, las cubiertas de los programas de mano de la Ópera de Hannover; el cartel para el Día Opel en el que apenas utiliza  una tinta y una tipografía propia, la Systemschrift; y, desde luego, los nombres con los que colaboró: si para la impresión de la Ursonate el cuidado tipográfico quedó a cargo del legendario Jan Tschichold, piedra angular de la renovación tipográfica, para uno de los números de Merz, la revista que publicaba por su cuenta, contó con El Lissitsky.

Kurt Schwitter, Merz nº11, 1924. Publicidad tipográfica: número de Pelikan; Tipografía sobre papel (Archivo Lafuente)

Kurt Schwitter, Merz nº11, 1924. Publicidad tipográfica: número de Pelikan; Tipografía sobre papel (Archivo Lafuente)

Como a los artistas de la Bauhaus en aquella época (Josef Albers, del que pudimos ver dos exposiciones recientemente, en Madrid y Cuenca, es un buen ejemplo), a Kurt Schwitters lo movía la búsqueda constante. Para él, el arte era –como dejó dicho– creación, y no imitación de “la naturaleza” o de “otros colegas, como sucede normalmente”. A propósito, lo nuevo no tenía (no tiene) por qué ser caro: el buen anuncio es barato, rezaba el que diseñó para dar a conocer su estudio. No es, una vez más, una cuestión de dispendio sin control, sino de gusto. De buen gusto fruto de esa búsqueda continua que llevó a cabo. Un espíritu rebelde, sí, pero aplicado.

Rafa Martínez

 

¿Por qué Anzo no está en el IVAM?

Anzo experimental
Sala Martínez Guerricabeitia
La Nau de la Universitat de València
C / Universidad, 2. Valencia
Hasta el 3 de diciembre, 2014

Lo dijeron de forma casi unánime: “No se le ha hecho justicia”. Se referían a José Iranzo Almonacid ‘Anzo’, 16 de cuyas obras recién restauradas han sido presentadas en La Nau de la Universitat de València. El más tajante fue José Pedro Martínez, responsable de Actividades del Patronato Martínez Guerricabeitia: “Es incomprensible que no haya obra suya en el IVAM”. Y remachó: “Es un sin sentido, pero es la realidad”. A su lado estaban el vicerrector de Cultura, Antonio Ariño, la responsable del Institut Valencià de Conservació i Restauració, Carmen Pérez, y el comisario de la exposición ‘Anzo experimental’, Juan Ángel Blasco.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo, de su primera etapa Pop Art, en la exposición 'Anzo experimental' de La Nau de la Universitat de València.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo, de su primera etapa Pop Art, en la exposición ‘Anzo experimental’ de La Nau de la Universitat de València.

Lo dijeron tras destacar las virtudes del trabajo de Anzo. “Su visión vanguardista y rompedora” (Ariño). “No se entendía su obra porque trabajaba con materiales muy novedosos” (Blasco). “Era un pintor distinto” (Pérez). “Fue un precursor del pop art y también un visionario” (Martínez). Con la exposición inaugurada en La Nau, se pretende “recuperar la figura de Anzo”, insistieron. Y, para ello, nada mejor que mostrar una serie de piezas de sus diversas etapas artísticas (Pop Art, Aislamientos, Geometría Lírica), pero restauradas. “Es una belleza que parece recién sacada del taller del pintor”, subrayó Ariño.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo para la muestra 'Anzo experimental' en La Nau.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo para la muestra ‘Anzo experimental’ en La Nau.

Carmen Pérez explicó que para realizar tamaña restauración se ha necesitado un año de trabajo por parte de Maite Pastor. De ahí la justificación y el sentido del título ‘Anzo experimental’. “Porque experimentó con todo tipo de materiales, que luego han obligado al mismo de tipo de experimentación a la hora de su restauración”, afirmó Pérez, quien abundó en la idea del Anzo incomprendido: “Se adelantó a su tiempo y eso es siempre peligroso”.  “Lo raro es que pasado el tiempo no se le haya reconocido”, agregó José Pedro Martínez.

Detalle de una de las obras de Anzo, perteneciente a su serie Aislamientos, en la exposición 'Anzo experimental', en La Nau de la Universitat de València.

Detalle de una de las obras de Anzo, perteneciente a su serie Aislamientos, en la exposición ‘Anzo experimental’, en La Nau de la Universitat de València.

Anzo ya puso en cuestión el poder de seducción de los medios de comunicación de masas, principalmente la televisión, en su etapa Pop Art. Si el director de cine Vittorio de Sica habló de esa televisión como “el único somnífero que se toma por los ojos”, Anzo amplió esa visión utilizando sus iconos para subrayar con ironía el carácter hipnótico del medio televisivo.

De ese carácter hipnótico de los mass media, Anzo pasó al sentimiento de soledad que provocaban los adelantos tecnológicos mediante su serie ‘Aislamientos’. “Previó a lo que la tecnología nos podía conducir, no sólo sus beneficios, sino el grado de incomunicación que a su vez genera”, apuntó Martínez. Sus diminutas figuras en medio de la apabullante tecnología, por muy desfasados que ahora resulten aquellos grandes ordenadores, así lo reflejan.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo, en la exposición 'Anzo experimental'. La Nau de la Universitat de València.

Detalle de una de las obras restauradas de Anzo, en la exposición ‘Anzo experimental’. La Nau de la Universitat de València.

Poco a poco, Anzo fue centrándose en la geometría pura y dura, sin figuras de por medio, para profundizar en la cuestión señalada por Ariño: “¿En qué consiste la realidad auténtica?” Tarea “compleja y difícil” a la que se entregó en cuerpo y alma Anzo. Él mismo lo explicó así: “Yo creo que la belleza surge del equilibrio entre lo matemático y lo lírico”. Según Juan Ángel Blasco, de continuar vivo “Anzo hubiera seguido por ese camino de introspección geométrica, pero con obras muy distintas”. “Le interesaba mucho lo que estaba sucediendo en el mundo de la física, el debate entre humanidad y técnica”, concluyó Ariño.

Obra restaurada de Anzo, perteneciente a su primera etapa Pop Art, en la exposición 'Anzo experimental' en La Nau de la Universitat de València.

Obra restaurada de Anzo, perteneciente a su primera etapa Pop Art, en la exposición ‘Anzo experimental’ en La Nau de la Universitat de València.

Salva Torres

Néstor Basterretxea fallece muy a su pesar

Fallece Néstor Basterretxea (Bermeo, 1924 – Hondarribia, 2014)
Escultor, pintor y cineasta vasco

Néstor Basterretxea Arzadun, escultor, pintor y director de cine, falleció el pasado sábado 12 de julio en su casa de Hondarribia (Gipuzkoa), a los 90 años de edad. Basterretxea nació en Bermeo (Bizkaia) y en 1936 se exilió junto con su familia, primero a Casablanca y luego a Argentina, según recoge Europa Press tras la noticia de su fallecimiento. En 1952 regresó a España y ganó el concurso para la realización de las pinturas murales de la cripta de la basílica de Arantzazu, en Oñate. Allí entró en contacto con el escultor Jorge Oteiza.

A finales de la década de los cincuenta formó parte de los grupos de vanguardia más importantes del campo creativo español: el Equipo 57 y el grupo Gaur, con Oteiza, Chillida, Mendiburu, Ruiz Balerdi, Amable Arias o Sistiaga, entre otros. A partir de 1963, y durante diez años, desarrolló su trabajo en el campo del diseño industrial, sobre todo en la decoración de hoteles y diseño de muebles. También practicó la fotografía experimental e hizo una exposición en Bilbao en 1969.

Una de las obras escultóricas de Néstor Basterretxea.

Una de las obras escultóricas de Néstor Basterretxea.

En 1982, una escultura suya, que representaba un árbol de siete ramas, resultó ganadora en el concurso de ideas, convocado por el Parlamento vasco, para presidir el hemiciclo. En septiembre de 1987 realizó su primera exposición individual en Madrid, en el Museo Español de Arte Contemporáneo. La antología, que constaba de 140 piezas, entre esculturas, pinturas, dibujos y collages, recogía distintas épocas de su actividad.

En 1988 se inauguró su obra Paloma por la Paz, de siete metros de alta por nueve de ancha, que se instaló en el paseo de Zurriola de San Sebastián, cerca del estadio de Anoeta. Otra obra suya, Monumento al pastor vasco, se encuentra instalada en la localidad de Reno, en el estado norteamericano de Atlanta. Además de la escultura y la pintura, también ha realizado cine, con cortometrajes como Operación H (1963), Pelotari (1964), y Alquézar, retablo de pasión (1965), y el largometraje Ama Lur – Tierra Madre (1966), además de varios documentales.

En Valencia, la galería Alba Cabrera fue quien se encargó de difundir su obra con dos singulares exposiciones. Su responsable, Graciela Devincenzi, lo recuerda como un artista «de una gran honestidad», al que la muerte le incomodaba «por absurda, debido a las muchas cosas que todavía le quedaban por hacer», según recuerda la galerista, que sentía un «profundo afecto» por el escultor vasco.

En MAKMA le dedicamos un artículo con motivo de su exposición antológica en el Museo de Bellas Artes de Bilbao el pasado año. Ésta es la reseña publicada acerca de su obra y su persona, que volvemos a editar a modo de homenaje.

Obra de Néstor Basterretxea, escultor vasco recientemente fallecido.

Obra de Néstor Basterretxea, escultor vasco recientemente fallecido.

Néstor Basterretxea (Bermeo, 1924) tiene los pies en el suelo, pero la cabeza siempre en otros sitios. Siendo nacionalista vasco, proyecta sus casi 90 años tan lejos como le da su fértil imaginación cosmopolita. Como él mismo ha dicho en más de una ocasión, pertenecer a una tierra no es un obstáculo, sino el punto desde el que partir hacia otros lugares. De hecho, su serie sobre Cosmogonía Vasca bien pudiera ser el lugar común de los mitos que otros pueblos abrazan. Formas particulares para transmitir sentimientos universales.

De ahí lo apropiado del título de la exposición antológica que le dedica el Museo de Bellas Artes de Bilbao: Néstor Basterretxea. Forma y Universo. Se trata de la retrospectiva más completa celebrada hasta la fecha de la obra del pintor y escultor vasco. Bueno, pintor, escultor y muchas cosas más, como lo demuestra la propia antológica, que repasa 60 años de trayectoria dividida en apartados que vienen a dar testimonio de la inquietud del artista.

De su interés temprano por la arquitectura y el urbanismo, pasamos a la pintura, el diseño industrial, los fotomontajes, su Serie Cosmogónica vasca y sus correlativas esculturas policromadas sobre culturas precolombinas. Además de los carteles, obra gráfica, volumetrías e incluso el cine. No había disciplina artística en la que Basterretxea no picara, atraído por las posibilidades creativas que cada medio rendía a su fértil imaginación. Cada apartado por separado hunde sus raíces en la capacidad expresiva del artista para sembrar en terrenos dispares. Terrenos que, sin embargo, acaban unidos por la línea de puntos del mapa universal que Basterretxea crea a partir de esa línea quebrada que él descubrió investigando sobre el plano.

Más de 200 piezas dan fe de esa forma singular de tratar la línea, hasta convertirla en trasunto universal. El Museo de Bellas Artes de Bilbao, al que Basterretxea ha donado ya un buen puñado de obras fruto de su vinculación emocional con el museo, despliega en una de sus salas ese universo del artista vasco, propiciando que se vea en un solo plano la multitud de formas que adopta su plástica imaginación.

Sorprendentes sus esculturas mitológicas, al igual que sus volumetrías, con esa Atlántida proyectada como museo de las ciencias para la central nuclear de Lemoiz. En esta línea, sorprenden igualmente sus fotomontajes: esculturas ubicadas en contextos imaginarios (ruinas románticas, jardines barrocos o selvas amazónicas). Y es que Basterretxea, con los pies siempre en tierra vasca, no ha parado de imaginarse otros mundos distantes que, siguiendo al poeta francés Paul Éluard, se hallaban en cualquier caso dentro del suyo. Un artista, pues, de las raíces al tallo.

El escultor vasco Néstor Basterretxea, en una imagen de rtve.es.

El escultor vasco Néstor Basterretxea, en una imagen de rtve.es.

Salva Torres

Ver visiones: la crisis de valores

Ver visiones. Reinterpretando el presente
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Comisariado por Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont
Hasta el 13 de julio de 2014

Equipo Realidad (Galería Punto) / Lukas Ulmi (Set Espai d’Art)
CIS: La Administración de Justicia / La crisis de valores

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía del artista y Set Espai d'Art.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía del artista y Set Espai d’Art.

Unos años iniciado el siglo XXI, el llamado de la era de la información, en el que las redes sociales transmiten a cada segundo el devenir de lo que está sucediendo en cualquier lugar del planeta, a una velocidad de vértigo, nos encontramos con unos datos que nos acercan a la realidad y nos revelan las verdaderas preocupaciones de la sociedad contemporánea. A través de los estudios del Centro de Investigaciones Sociológicas -CIS- descubrimos que la principal dificultad actual es el desempleo. Una sociedad que no genera trabajo, no crece, se estanca… Los problemas económi­cos, los grandes casos de corrupción y fraude y el desencanto con nuestros políticos, nos llevan a desconfiar de los valores existentes en la sociedad actual. La sucesión de escándalos políticos, económicos y financieros con cifras escalofriantes hace que vayamos cayendo en el desánimo y la apatía. ¿Es este el mejor ambiente para cultivar los valores humanos? Se está perdiendo el respeto -tanto de los mayores a los jóvenes como de los jóvenes hacia los mayores- y los códigos de convivencia hacen aguas y en cambio, crece el odio, el egoísmo, la violencia, la indiferencia, el individualismo, en definitiva, conductas antisociales y deshumanizadas. ¿Contribuye a esta crisis de valores la televisión o las redes sociales? En el siglo XXI y valiéndonos precisamente de los mass media deberíamos fomentar la pluralidad -formada por un conjunto de singularidades, con unas características e identidades propias-, la tolerancia y el respeto hacia las ideas que no son las nuestras y desde las expresiones artísticas se puede contribuir a impulsar valores como la sensibi­lidad, la creatividad o las emociones.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía del artista y Set Espai d'Art.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía del artista y Set Espai d’Art.

Equipo Realidad. Brigadas internacionales, 1973. Oleo sobre lienzo. 150 x 150 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía de Galería Punto.

Equipo Realidad. Brigadas internacionales, 1973. Oleo sobre lienzo. 150 x 150 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía de Galería Punto.

Y llegados a este punto, ¿cómo puede colaborar la administración de Justicia en la recuperación de los valores? Precisamente, jueces y fiscales pueden y deben marcar límites a determinadas políticas antisociales y luchar con la ley en la mano contra la corrupción, la violencia de género, el racismo… acercándose a los problemas de la sociedad.

Equipo Realidad. Vista del Alcazar de Toledo, 1974. Oleo sobre lienzo. 200 x 200 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía de Galería Punto.

Equipo Realidad. Vista del Alcazar de Toledo, 1974. Oleo sobre lienzo. 200 x 200 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía de Galería Punto.

En este momento de crisis, de valores y económica, y que tan profundamente afecta a la sociedad, que existan galerías de arte independientes, no sujetas al poder político y sus imposiciones, que apuesten por el arte contemporáneo y que, al mismo tiempo, se conviertan en puntos de encuen­tro culturales en sus ciudades, dando oportunidades a los artistas y contando con la colaboración de los críticos de arte, merecen, sin duda, el reconocimiento social.

Equipo Realidad. Paisaje urbano: vista de la rambla frente a la plaza del teatro de Mayo del 37, 1973. Oleo sobre lienzo. 82 x 101 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía de Galería Punto.

Equipo Realidad. Paisaje urbano: vista de la rambla frente a la plaza del teatro de Mayo del 37, 1973. Oleo sobre lienzo. 82 x 101 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía de Galería Punto.

Dentro del arte valenciano de la segunda mitad del siglo XX surge, en 1966, el Equipo Realidad formado por Jorge Ballester, recientemente fallecido, y Joan Cardells, dos artistas, hijos de artistas que, casualmente, se encuentran en clase en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos y descubren todas las afinidades que les unen y que nacen de la conciencia cívica de cambio social, cultural y laboral que se fomenta desde los sectores intelectuales, universitarios y obreros en los últimos años del franquismo. El compromiso político y la crítica social junto con un rechazo del informalismo y su sustitución por un realismo trabajado desde la modernidad europea y americana pronto situarán al Equipo Realidad en la vanguardia creativa. De hecho, en su declaración de principios afirman: nosotros pensamos que la obra de arte debe estar comprometida con el sentido del progreso moral del hombre y ayudar al desarrollo del grupo social al cual ese hombre pertenece. Este grupo seguirá activo hasta 1976, ya iniciada la transición democrática.

Equipo Realidad. Iglesia de Santo Domingo Castro de Rio, 1974. Oleo sobre lienzo. 100 x 100 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía de Galería Punto.

Equipo Realidad. Iglesia de Santo Domingo Castro de Rio, 1974. Oleo sobre lienzo. 100 x 100 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía de Galería Punto.

Las obras que hoy se muestran, forman parte de la serie Hazañas bélicas o Cuadros de Historia, trabajada entre 1973 y 1975 y en la que reflexionan sobre la Guerra Civil. Está realizada a partir de unas pésimas fotografías en blanco y negro, -una fantasmagoría, decía Cardells- que publicaba una enciclopedia popular editada en fascículos y que, reproducidas en tonos grises, actúan sobre los rasgos identificadores tratando la imagen, alterándola, hasta conseguir desenfocarla contribu­yendo así a realzar la lectura irónica de las obras: Lo que nos interesa no es la realidad, sino su imagen.

Equipo Realidad. Paisaje: la sierra de Caballs bombardeada por las tropas de Yagüe y García Valiño en 1937, 1973. Oleo sobre lienzo. 110 x 110 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía de Galería Punto.

Equipo Realidad. Paisaje: la sierra de Caballs bombardeada por las tropas de Yagüe y García Valiño en 1937, 1973. Oleo sobre lienzo. 110 x 110 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía de Galería Punto.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía del artista y Set Espai d'Art.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía del artista y Set Espai d’Art.

El escultor suizo afincado en Valencia Lukas Ulmi contribuye a esta exposición con la instalación Desafiando el espacio, realizada para este espacio en el que la contemplamos ahora. A través de la ligereza de los más de ocho metros de sus enormes construcciones geométricas que realiza con finas varillas de hierro, crea unos juegos espaciales minimalistas. Los volúmenes se mueven, se encuentran, tropiezan entre sí, traspasan los muros en un equilibrio inestable que contribuye a dar sensación de movimiento y nos llevan más allá de la creatividad artística, a traspasar fronteras, a plantearnos cuál es el límite.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía del artista y Set Espai d'Art.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía del artista y Set Espai d’Art.

Frente a los trabajos consolidados y reivindicativos de un momento político determinado, pero ya pasado, de Equipo Realidad, se encuentran los contenedores vacíos, silenciosos, fruto de esta sociedad en crisis de Lukas Ulmi pero que al mismo tiempo, esperan el camino hacia valores como solidaridad, confianza, colaboración, profesionalidad, compromiso, credibilidad o respeto. En defi­nitiva, a la espera de un mundo más justo.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho. Imagen cortesía del artista y Set Espai d'Art.

Lukas Ulmi. Desafiando el espacio, 2014. Hierro. 850 x 600 x 350 cm. Foto: Nacho López. Imagen cortesía del artista y Set Espai d’Art.

Pilar Tébar

 

Transitando por la galería Luis Adelantado

Visita guiada por las exposiciones de Folkert de Jong y Delphine Courtillot
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 4 de julio, 2014

Vamos a transitar/recorrer el espacio de la galería Luis Adelantado, con la idea de sentirlo un poco nuestro, entenderlo como propio, tanto al contenedor como al contenido.

Bagaje, teatralidad, contraste, cambio, luz…

Pongamos atención sobre algunos de estos conceptos que nos servirán de hilván en esta experiencia. Sazonarán de sentido el camino, veámoslo juntos.

La doble exposición sobre la que vamos a hablar hoy, acoge las obras del artista holandés Folkert de Jong, y la artista francesa Delphine Courtillot.

Ambas muestras están íntimamente relacionadas, más allá de su relación personal, lo cotidiano transciende los límites convencionales para mostrarse tal y como es, honesto y directo.

Isabel Puig, en un momento de la visita guiada por las exposiciones de Folkert de Jong y Delphine Courtillot en la galería Luis Adelantado.

Isabel Puig, en un momento de la visita guiada por las exposiciones de Folkert de Jong y Delphine Courtillot en la galería Luis Adelantado.

Folkert es un artista bien conocido por sus instalaciones teatrales, y su crítica cáustica/mordaz hacia los emblemas del poder. Bajo el título de Desengaño, nos invita a reflexionar a través de este concepto y en relación a su trabajo. En este momento nos rodean las obras de Folkert que presiden la entrada a la galería de Luis Adelantado.

Como él mismo comenta, cayó en sus manos un recopilatorio de Poesía española con este título de tintes dramáticos, que tan bien se relacionó con sus obras. El desengaño nos habla de un conocimiento de la verdad que nos saca del error, de la ignorancia…Entronca además con la situación social actual, con algo tremendamente contemporáneo en las obras de Folkert, como la dualidad, de luces y sombras, entre lo oscuro de esas miradas perdidas, y la luz que salpica de optimismo un futuro próximo.

En esta primera sala de la Galería, os invito a deambular por esta especie de sembrado de rostros de terra sigillata que parecen dialogar entre sí. Sus expresiones  son intensas pero contenidas. Si focalizamos nuestra atención en ellas, veremos que son rostros arquetípicos que nos recuerdan a personalidades que ostentan el poder, reinas, príncipes, papas… De hecho son personalidades atrapadas entre el poder, y la ruptura de la luz, manifiesta mediante los vitalistas colores en la base de las esculturas. Para Folkert, este desacuerdo, este entender la realidad como algo que está en continua eclosión, es el campo de cultivo perfecto para la creatividad. En esta ocasión, la presencia de la luz en las obras de Folkert, tiene una fuerte carga simbólica, optimista. Ya que aboga por la etimología primitiva de la palabra Crisis, como oportunidad de cambio.

Obra de Delphine Courtillot en la exposición 'Aterlier familial'. Imagen cortesía de Luis Adelantado.

Obra de Delphine Courtillot en la exposición ‘Aterlier familial’. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

A continuación, pasaremos a la segunda planta de la galería para conocer el trabajo de Delphine Courtillot. En la muestra Atelier familial veremos distintas influencias (Omega Workshop, Sonia Delaunay…) y una manera de trabajar que nos habla de integrar vida cotidiana y arte. Nos presenta una serie de túnicas de formas rectas y llenas de color, concebidas como arte.

Esta incursión en lo textil, supone una nueva experiencia para Delphine, cuyos trabajos anteriores, si bien vinculados con el imaginario de principios del s.XX, formaban parte de algo más clásico. El punto de partida de este trabajo es una colaboración que llevó a cabo con Folkert,  para la creación del vestuario de una compañía de teatro neoyorquina de Vanguardia. Se sintió muy a gusto a la vez que liberada con este trabajo, de modo que decidió ahondar en él. La idea de que sea un taller familiar, nos habla de un trabajo íntimo, de una familia ficticia tal vez, que se genera con quienes trabajamos habitualmente.

La reflexión que se esconde tras estas túnicas de inspiración ancestral, referencia una  ruptura con la sociedad de consumo, con la falta de derechos que se desprenden de los abusos de la producción en cadena propia de las exigencias del mercado. En definitiva, reivindica la defensa de la identidad como algo único y valioso, y la ruptura con el Made in China. Emplear el mínimo conocimiento técnico, y las formas más básicas para expresar algo con pureza, libre.

Esculturas de Folkert de Jong en la exposición 'Desengaño'. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Esculturas de Folkert de Jong en la exposición ‘Desengaño’. Imagen cortesía de la galería Luis Adelantado.

Continuando con esta experiencia retomamos la visión de Folkert en esta tercera de las cuatro plantas de la galería, y nos encontramos con una de las obras más icónicas de esta exposición. El trono de coronación. Este asiento, es una réplica exacta al trono de coronación inglés que se encuentra actualmente en Westminster Abbey, pero intervenido mediante la presencia de la luz.

El autor está muy interesado por el tema de la materialización del poder, y cómo esto cobra sentido con el paso de los años, el poso de las creencias sobre objetos físicos, otorga incluso una identidad/personalidad a los mismos…. Le fascina la necesidad del ser humano de conectar con este tipo de creencias que transcienden lo humano. De hecho, se convierten en algo autónomo, en un emblema. El trono cuenta con su propio ritual, que se completa al acoplar la piedra del destino al asiento original. A principios de siglo el trono fue atacado, entre otros por las sufragettes, quienes lanzaron sobre él un bolso lleno de explosivos, en su defensa por la equidad.

Para finalizar esta experiencia compartida que espero hayan disfrutado, vamos a disfrutar de esta última sala con escasas palabras, dejando que sean las emociones quienes nos hablen a nosotros, y no al revés…Antes de entrar a esta última sala, sólo diré que se trata de una colaboración entre Folkert y Delphine, donde se mezclan el barro de él, la tela de ella y la luz de ambos, los que estáis aquí lo estáis viendo, los que estáis leyendo estas líneas quedáis invitados a conocerlo.

Agradezco vuestra atención, y espero veros pronto.

Isabel Puig, en un momento de la visita guiada por las exposiciones de Folkert de Jong y Delphine Courtillot en la galería Luis Adelantado.

Isabel Puig, en un momento de la visita guiada por las exposiciones de Folkert de Jong y Delphine Courtillot en la galería Luis Adelantado.

Isabel Puig

“Dios es el gran ausente del arte contemporáneo”

Homenatge a Déu, de Gabriel Alonso y Tomàs Serra
Galería estudio de Gabriel Alonso
C / Denia, 23. Valencia
Hasta mediados de mayo

Las figuraciones plásticas de Dios han sido una constante en la historia de los textos artísticos. Hasta que llegó Nietzsche y decretó su muerte, confirmando así su existencia. Si muere es porque antes estaba vivo. En todo caso, la figura divina como tal desaparece del arte, dejando que su vacío sea llenado por abstracciones más desgarradas. Gabriel Alonso y Tomàs Serra, quién sabe si para abrir cierto debate al hilo de la reciente Semana Santa, retoman aquel halo místico para montar una exposición que pretende ser un singular Homenatge a Déu.

Obra de Gabriel Alonso en la exposición 'Homenatge a Déu'. Imagen cortesía del autor.

Obra de Gabriel Alonso en la exposición ‘Homenatge a Déu’. Imagen cortesía del autor.

Singular porque, aún volviendo a Dios, lo que hacen Alonso y Serra es aproximarse a su figura desde lugares distintos y controvertidos. Gabriel Alonso toma prestadas las imágenes de la crucifixión y de la María Magdalena para suavizar tanto dolor y sufrimiento. “Son imágenes más suaves y amables, y menos sanguinolentas de lo que hizo Mel Gibson en el cine (La pasión de Cristo)”. Es precisamente esta pasión del hijo de Dios la que seduce a Alonso: “La idea de un hombre clavado en una cruz tiene mucha fuerza, más allá de la liturgia”.

Tomàs Serra por su parte se acerca a la figura de Dios adoptando un punto de vista más humano, menos dado a mitologías y escenas metafísicas. Lo suyo es el cuerpo con toda su crudeza. “Tiene poca literatura”, explica Gabriel Alonso, en cuyo estudio de la calle Denia en Ruzafa se exhiben las diez obras que integran el Homenatge a Déu. Así, en valenciano, dice Alonso que suena mejor. Además, sin proponérselo, resulta que déu se refiere tanto a Dios como a diez, que son las piezas mostradas.

Obra de Tomàs Serra en la exposición 'Homenatge a Déu'. Imagen cortesía del estudio Gabriel Alonso.

Obra de Tomàs Serra en la exposición ‘Homenatge a Déu’. Imagen cortesía del estudio Gabriel Alonso.

Ya hace diez años, un grupo de artistas valencianos, entre los que se encontraban los propios Alonso y Serra, expuso en la galería Rosalía Sender una serie de obras bajo el título de Plaers de butxaca. Siguiendo esa estela más lúdica y placentera, vuelven ahora a la carga ellos dos en solitario con esta propuesta nacida de cierta “tormenta de ideas”. Lo sintomático es que haya sido Dios el tema elegido. “Dios es el gran ausente del arte contemporáneo”, subraya Gabriel Alonso. De manera que volver sobre sus pasos era una manera de abrir cierto debate o, cuando menos, “buscar su resonancia para ver qué pasa”.

Y lo que pasa es que Dios, como aquello que no termina de ser entendido, se halla en el centro del acto creativo. “La representación tiene mucho que ver con lo sacro: el símbolo y el mundo”. De hecho, como destaca Alonso, el origen del arte tiene una de sus explicaciones en los chamanes, “que eran intermediarios entre la gente y esa fuerza X que nos desborda”. Homenatge a Déu es una forma de plantarle cara a ese origen sacro por caminos que huyen de él.

Obra de Gabriel Alonso en la exposición 'Homenatge a Déu'. Imagen cortesía del autor.

Obra de Gabriel Alonso en la exposición ‘Homenatge a Déu’. Imagen cortesía del autor.

“El concepto de Dios ha cambiado mucho, antes era más jerárquico y autoritario, mientras que ahora nos ablandamos y eso se refleja en su figuración”. Un Cristo blando, a veces diminuto en proporción a María Magdalena, secundado en el calvario por figuras igualmente blandas, es el que Alonso representa. También juega con una lapidación a San Esteban con toques futbolísticos, en tanto los que apedrean visten camisetas de Madrid y Barça. “Es que el fútbol es una religión, con su templo del Valencia [por Mestalla] y todo”.

Tomàs Serra se ciñe al cuerpo desnudo por todo campo de operación profana. Toma como referentes ciertos cuerpos del natural para recrearlos a base de multitud de líneas que parecen diseccionarlo. “Su obra tiene mucho de análisis, de ver más allá de la apariencia”. Reconstruye anatomías como si fuera Prometeo o Frankenstein, para hurgar en la creación por vía recreativa. Su Dios tiene que ver con la materia en continua transformación. Gabriel Alonso y Tomàs Serra homenajeando a Dios cada cual a su manera.

Obra de Tomàs Serra en la exposición 'Dios'. Imagen cortesía de la galería estudio de Gabriel Alonso.

Obra de Tomàs Serra en la exposición ‘Homenatge a Déu’. Imagen cortesía de la galería estudio de Gabriel Alonso.

Salva Torres