ARCO premia a la Colección Per Amor a l’Art

Colección Per Amor a l’Art
Bombas Gens Centre d’Art de Valencia
Premio “A” al Coleccionismo por la Fundación ARCO
Enero de 2018

La Fundación ARCO, impulsada por IFEMA, ha otorgado los Premios “A” al Coleccionismo. En esta vigésimo segunda edición, ha concedido a la Colección Per Amor a l’Art uno de los seis galardones que reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como su labor en el apoyo a la difusión del arte contemporáneo.

Concretamente, el Patronato y el Consejo Asesor de la Fundación ARCO han querido premiar esta colección por la puesta en marcha de Bombas Gens Centre d’Art en Valencia, donde se exhibe la misma. La colección premiada es propiedad de José Luis Soler y Susana Lloret. En 2014 el matrimonio creó la Fundació Per Amor a l’Art, con la misión de sensibilizar y compartir en tres áreas: ayuda social, enfermedades raras y arte.

“Nos sentimos muy honrados por recibir este premio. Per Amor a l’Art es una colección privada que iniciamos mi marido y yo hace años con el compromiso de construir una colección de calidad, sin ánimo de lucro y con un destino público. Hicimos realidad este sueño poniendo la colección a disposición de la Fundació Per Amor a l’Art y de su centro de arte, Bombas Gens, que dirige Nuria Enguita. Este reconocimiento nos transmite más ilusión todavía por continuar en el camino de compartir la colección con el público”, ha afirmado Susana Lloret, directora de la Fundació Per Amor a l’Art.

Per Amor a L’Art es una colección de arte moderno y contemporáneo con inclinación a la abstracción en pintura, escultura y cine. Gran parte de la colección, que cuenta con el asesoramiento de Vicente Todolí, la componen autores nacionales e internacionales que trabajan con fotografía, muchos de ellos representados en profundidad. Se podría definir como una colección de exposiciones, que actualmente cuenta con más de 1.800 obras de más de 140 autores.

La Fundación ARCO ha premiado también a cinco  importantes colecciones más. Por la calidad de sus obras y las exposiciones realizadas en Madrid y París, a la colección Alicia Koplowitz – Omega Capital; de Portugal se distingue la labor de Armando Martins y su familia, que cada mes de mayo muestran sus obras en el Palacio de Correio Mor; a la Colección Ella Fontanals Cisneros por la visibilidad que su colección y la Fundación CIFO han dado a los artistas de Latinoamérica.

Vista de una de las salas de Bombas Gens.

Vista de una de las salas de Bombas Gens. Imagen cortesía de la Fundació Per Amor a l’Art.

Y también por su acervo latinoamericano del siglo XX se ha premiado a la Colección de Arte Latinoamericano de The Museum of Fine Arts Houston, que próximamente inaugura una nueva ala dedicada a la misma. Por último, se ha premiado a Luis Paulo Montenegro (Brasil), cuyas obras pueden verse en la Fundación Banco Santander hasta el mes de mayo de 2018.

El acto de entrega de los premios tendrá lugar en el Teatro Real de Madrid el martes 20 de febrero, tras el que se celebrará una cena patrocinada por el Grupo Canalejas en la que se recaudarán fondos destinados a la adquisición de obras para la colección en ARCOmadrid.

El mundo como prisión del IVAM

Please, come back. ¿El mundo como prisión?
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 8 de abril de 2018

“Tenemos más libertad en un mundo cada vez más interconectado y, sin embargo, estamos teniendo menos libertad de expresión”. Hou Hanru, directo del MAXXI de Roma y comisario de la exposición Please, come back. ¿El mundo como prisión? se refirió a esa paradoja utilizando poco después el término de paranoia. “Paranoia que existe en los muros exteriores y que estamos sugestionando interiormente”, para hablar a continuación de “la cultura del miedo”. El IVAM acoge 53 obras de 26 artistas como reflejo de ese miedo al control social, que preside una gran jaula del artista de Malasia H. H. Lim, el cual se hace eco de esa misma paradoja entre la seguridad y la libertad.

Obra de Rem Koolhaas en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión? Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Rem Koolhaas en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión? Imagen cortesía del IVAM.

Dice Lim: “No hay jaula que no se asemeje a una cárcel. Lo extraordinario, sin embargo, es que esas jaulas pueden mirarse desde ángulos diferentes: uno que se desprecia y otro que se ama”. Se desprecia, lógicamente, “la cárcel, la prisión humana”, pero se aprecia por otro lado, “la cámara acorazada, tremendamente atractiva”. De manera que el sujeto contemporáneo demanda seguridad contra la violencia externa que amenazaría su confort, al tiempo que, de tan confortable, necesita el peligro, real o imaginario, que le haga vivir intensamente.

Lim, una vez constatada esa paradoja, señala que vivimos contaminados en la vida diaria a causa de esa “obsesión por todo lo que nos rodea y de una constante autovigilancia”. “Y así, a lo largo de la historia, los seres humanos han logrado construir una jaula para sus tesoros y otra para ellos mismos”, añade. Jaula que abre el recorrido expositivo bajo el título de La jaula, el banco y el equipaje, realizada a base de metal, en cuyo interior está ese banco, mitad dentro mitad fuera, y una maleta con cadena y candados.

Obra de Elisabetta Benassi en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión?' del IVAM.

Obra de Elisabetta Benassi en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión?’ del IVAM.

La pieza de neón del colectivo parisino Claire Fontaine es la que da título a la exposición. Please, come back (Por favor, vuelve) son las palabras luminosas que se apagan y encienden cuando la gente pasa por debajo, ubicadas justo encima de esa jaula que sirve como metáfora del conjunto. Una frase “romántica” vinculada con la “irónica cita del mensaje que los clientes leen cuando salen de una tienda”, según recoge el texto explicativo. Metáfora de la paranoia del mundo como prisión a la que alude igualmente el título de la muestra que hasta el 8 de abril permanecerá en la Galería 7 del IVAM.

Hanru explicó que la exposición se dividía en tres partes: detrás, fuera y más allá de los muros. Detrás de sus paredes, en tanto reflejo “físico del encarcelamiento”. Fuera de los muros, donde se pierde esa sensación de falta de libertad para vivir en las ciudades “como prisiones abiertas”. Y, por último, el más allá de los muros, “donde se juntan realidad y ficción; los muros que vemos y no vemos”. De nuevo, la paranoia de vivir en libertad sintiéndose el sujeto contemporáneo en todo momento vigilado.

Vista de la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión?' Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión?’ Imagen cortesía del IVAM.

El colectivo ruso AES+F (siglas de los apellidos de los artistas Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky y Vladimir Fridkes) muestra en un gran video esa mezcla de utopía y distopía que caracteriza la sensación del mundo como prisión. Mundos soñados como paraísos que devienen pesadillas. “No sabemos hasta dónde nos va a llevar” todo esto “muy curioso que nos está sucediendo”, subrayó Hanru. En la exposición hay referencias a esos controles de las videocámaras instaladas en las ciudades (Mikhael Subotzky), al engaño y la manipulación (en los videos de Rä Di Martino), a las huellas de esos muros carcelarios (Patricia Gómez y María Jesús González) o a los expedientes desclasificados de la CIA (Jenny Holzer), entre otros.

José Miguel Cortés, director del IVAM, se refirió a la “sociedad de cristal” en la que “nos sentimos vigilados”, diciendo que el museo valenciano se alejaba “del ojo del Gran Hermano”. Precisamente de su “hermano” el MuVIM prefirió no hablar: “No tengo nada que decir”, en alusión a la polémica que señalaba al Museo de la Ilustración como posible subsede del IVAM. Fue despejando una tras otra las preguntas de los medios con ese mismo retintín. Eso sí, insistió en que sería “fantástico” que el museo se ampliara próximamente: “El 2019 es una buena fecha”, coincidiendo con el 30 aniversario del instituto valenciano. “No se trata de tener visiones melancólicas de lo que el IVAM fue, sino del futuro que nos aguarda”, concluyó.

Obra del colectivo AES+F en la exposición 'Please, come back. ¿El mundo como prisión? en el IVAM.

Obra del colectivo AES+F en la exposición ‘Please, come back. ¿El mundo como prisión? en el IVAM.

Salva Torres

Valencia acoge el fin de rodaje de la webserie ‘¡Tócate!’

¡Tócate!, webserie valenciana
Dirigida por Victoria Avinyó
Protagonistas: María Albiñana, Nuria López, Marina Gutiérrez y Patricia Teruel
Enero de 2018

La webserie valenciana ‘¡Tócate!’ ha grabado el lunes 8 de enero la última de las secuencias de su primera temporada. El restaurante Vinotinto, situado al lado del Teatro Olympia de Valencia, fue el escenario escogido por el equipo técnico para rodar la última secuencia de la serie.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la organización.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la dirección.

Protagonizada por María Albiñana (‘Sin vida propia’, ’Todos queríamos matar al presidente’), Nuria López, (‘Miki’, ‘Didi Hollywood’), Marina Gutiérrez (‘El caso Borne’, ‘The livinguers’) y Patricia Teruel (‘La que se avecina’, ‘Menú equivocado’), ‘¡Tócate!’ cuenta la historia de cuatro mujeres treintañeras con formas diferentes de ver la vida y el sexo, en donde lo único que les une es su amistad.

El proyecto, dirigido por Victoria Avinyó, también cuenta con la colaboración de los actores Alfredo Montesinos, Vicente Aparicio y Jorge de Guillae, quienes dan réplica a las protagonistas, y la actuación especial de María Almudéver.

‘¡Tócate!’ se ha grabado entre Alcàsser, Picassent y Valencia, gracias a la colaboración de establecimientos como Café Volander o el restaurante Vinotinto, quienes se han prestado como escenario de cine. El equipo técnico ya trabaja en el proceso de post-producción y su futura distribución a lo largo de 2018.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

La obra en franco devenir de Carmen Ortiz

Devenir, de Carmen Ortiz
Galería MrPink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 26 de enero de 2018

“Mi naturaleza es optimista, pienso que siempre hay algo por delante. Es un devenir incierto, pero no inseguro”. Así explica su obra ‘Devenir’ la artista valenciana Carmen Ortiz, cuya escultura de 350 kilos y 2,5 metros de alto y ancho preside la galería MrPink. Junto a esta gran pieza dialoga en franca armonía otra más pequeña, a modo de hoja en blanco que parece levitar a escasos centímetros del suelo. Es la manera que tiene Ortiz de interrogarse sobre la existencia y las contradicciones del ser humano.

Obra de Carmen Ortiz en la exposición Devenir. Imagen cortesía de MrPink.

Obra de Carmen Ortiz en la exposición Devenir. Imagen cortesía de MrPink.

Contradicciones resumidas en ese contraste entre lo pesado de la escultura, su tremenda fuerza expresiva, y la fragilidad que denota su estructura plana entrecortada a la manera de la papiroflexia. “Es la gran interrogación entre lo fuerte y lo débil. Pero no creo que sea una contradicción, sino el refuerzo de lo que somos”. Y lo que somos, al menos para Carmen Ortiz, se fundamenta precisamente en esa insistencia por perdurar en el tiempo, a sabiendas del final que inevitablemente nos aguarda.

“Nunca hay un final o al menos no lo aceptamos. Descubres la luna y enseguida quieres ir a Marte y luego Júpiter. Pertenezco a la rama optimista de la naturaleza humana”. Por eso la artista dice jugar en su obra con el devenir como espacio intersticial entre dos mundos que se conectan entre sí. Conexión que ella establece dejando siendo la puerta entreabierta. “En mi obra siempre se abre alguna puerta”. Apertura ligada con su voluntad incansable de creación: “No puedo dejar de imaginar y de pensar; de evolucionar constantemente”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

María Tinoco, responsable de la galería MrPink, señala el “carácter espiritual” de su trabajo, destacando en esa evolución los sucesivos cambios del color negro, al gris y ahora el blanco, así como el paso de lo bidimensional a la tridimensionalidad de su actual “devenir”. “Yo con color no trabajo nunca. Indago en los pensamientos básicos y elementales que motivan las dudas eternas y, en este lenguaje, el color a mí no me aporta nada. Busco la introspección máxima; el pensamiento más libre que pueda”.

Libertad que transita del hierro al lienzo y viceversa, sometiendo lo duro y lo frágil a una misma tensión arquitectónica basada en diferentes planos. Tan pronto el hierro parece abrirse como si fuera papel, como el ligero papel constituirse en materia sólida. “Las esculturas están planteadas como interrogaciones: aberturas sutiles, ángulos, cambios”. Y Carmen Ortiz asegura que la luz es el otro elemento por explorar: “He empezado a meter una luz estática que espero vaya evolucionando”.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

Devenir, de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de MrPink.

De hecho, sus esculturas necesitan de la luz para reflejar los cambios que las diferentes aperturas propician. He ahí el devenir abriéndose y cerrándose al mismo tiempo. O como dice la propia artista, cuestionándose lo que pudiera significar su deriva, “si el devenir está hecho o por hacer; si está condicionado o libre de ataduras”. Y apela a ese río “que discurre de forma diferente para cada uno”.

Carmen Ortiz crea sus esculturas para que el espectador pueda transitar por ellas; para que sienta correr el devenir por sus venas y se interrogue por él. “Por esa puerta entreabierta vemos el mundo como si fuera una rendija”. Rendija a cuyo través se cuela la incierta vida que la artista transita con paso firme, arriesgando con su obra nuevas formas de entenderla. “La inseguridad forma parte de todos los artistas y de todas las épocas. Ahora, con la crisis, quizás las puertas se estrechan un poco más, pero siempre se sale por algún lado, se encuentra una salida”. ‘Devenir’ es el “título intuitivo” que ha dado a su última y contundente creación, que MrPink acoge hasta el 26 de enero.

Instalación de Carmen Ortiz

Instalación de Carmen Ortiz. Imagen cortesía de galería MrPink

Salva Torres

El Centre del Carme dobla su número de visitantes

Centre del Carme
C/ Museo, 2. Valencia
Cifras de visitantes y actividades de 2017

El Centre del Carme Cultura Contemporània despide el 2017 con un total de 182.658 visitantes, lo que supone un incremento del 140% con respecto al año anterior, más del doble que en 2016. De hecho en junio de 2017 el centro de arte valenciano ya había superado las cifras de todo el 2016. Una tendencia que se ha mantenido a lo largo del segundo semestre del año con cifras récord como en los meses de octubre y diciembre, con 24.469 y 22.212 visitas respectivamente, en el caso de diciembre casi cuatro veces más que en el mismo mes de 2016.

El Centre del Carme ha aumentado sus visitantes en cada uno de los meses de 2017 con respecto al 2016. Destaca asimismo el último trimestre del año en el que ha recibido un total de 63.944 visitantes.

Visitantes en la Sala Ferreres del Centre del Carme.

Visitantes en la Sala Ferreres del Centre del Carme.

Estas cifras ponen de manifiesto el respaldo del público al nuevo proyecto para el Centre del Carme como centro dedicado a la cultura contemporánea. En total el centro valenciano ha acogido este año 30 exposiciones con la participación de 767 artistas y más de 300 actividades culturales, entre encuentros, conciertos, talleres, proyecciones y otras acciones.

Su director, José Luis Pérez Pont, accedió al cargo en abril de 2016 y los frutos de este nuevo proyecto han comenzado a verse en 2017. Fue en el mes de febrero cuando el centro valenciano presentaba su nueva etapa con la exposición ‘Discursos premeditados’ compuesta por los fondos de arte contemporáneo de la Colección CAM que custodia el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA). La exposición recibió más de 30.000 visitantes en dos meses.

Por otra parte, en el mes de mayo, coincidiendo con la celebración del Día Internacional de los Museos, se inauguraron las exposiciones resultantes de las primeras convocatorias públicas (Escletxes de producción y apoyo a la investigación, V.O de comisariado y 365 dies VLC, de comisariado de una sala del Centre del Carme durante un año) comenzando así un nuevo modelo de gestión para el centro de arte valenciano.

Espai de Telles del Centre del Carme.

Espai de Telles del Centre del Carme.

Previamente, en noviembre de 2016, abrió sus puertas el ‘Espai de Telles’ el primer espacio permanente dedicado a la primera infancia en un centro de arte español. La nueva sala de experimentación para bebés, de 0 a 3 años, ha influido también en el perfil del público visitante al Centre del Carme, siendo cada vez más familias las que se acercan al centro de arte, atraídas por este espacio que refuerza la función cotidiana de los lugares de la cultura. Casi 10.000 niñas y niños lo han disfrutado a lo largo de este año.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, ha expresado su agradecimiento por la respuesta del público y de los agentes culturales activos, manifestado que “trabajamos para prestar un servicio público de calidad, a la altura de las necesidades de una sociedad que requiere de forma urgente encontrar en la cultura y en el conocimiento herramientas útiles para la construcción de nuevos trayectos personales y colectivos. El Centre del Carme es ahora un espacio de agitación cultural puesto a disposición de la ciudadanía, con la complicidad del sector cultural. Un lugar en el que la vida cotidiana converge con la cultura viva”.

Durante 2017 se ha puesto en marcha el modelo del nuevo Centre del Carme, renovando su imagen a todos los niveles: desde su gestión, el 80% de su programación expositiva es el resultado de diferentes convocatorias públicas; hasta su imagen corporativa con una nueva imagen gráfica y un nuevo sitio web, que ha recibido la visita de cerca de 200.000 usuarios únicos, así como activando su presencia en redes sociales; pasado por la reorganización de sus salas, dando sentido a cada uno de los espacios que componen este conjunto monumental, aprovechando todo su potencial.

Atendiendo a las estadísticas, por género, un 53% de los visitantes al Centre del Carme son mujeres y un 47% hombres. En cuanto a la edad se observa una gran diversidad: con un 59% de adultos y un 13% mayores de 65 años, destaca asimismo que el 21% de su público son jóvenes y más del 7% son menores de 14 años.

El programa de educación y mediación ha desarrollado un papel muy importante en el flujo de nuevos públicos. En este sentido, la cifra de participantes en las actividades educativas del Centre del Carme supera los 9.500 asistentes, habiéndose realizado un total de 240 acciones.

Atractivo turístico

A la ingente actividad que ha generado el Centre del Carme, con más de 300 actividades que han dinamizado la vida cultural de la ciudad, no es desdeñable la relevancia patrimonial que constituye el antiguo convento, uno de los enclaves más singulares de la Comunitat, con elementos representativos de la arquitectura de distintas épocas. El diálogo entre la creación contemporánea y el monumento histórico le confieren un interesante atractivo turístico.

De este modo, otra de las cifras que llama especialmente la atención es la cada vez mayor afluencia de público extranjero que representa ya el 36% de las visitas, frente al 55% de visitantes procedentes de la Comunitat Valenciana, que sigue siendo el conjunto más numeroso, y un 8% del resto del Estado español. Durante 2017 se han registrado visitantes de 121 nacionalidades distintas. Los italianos son los visitantes extranjeros más numerosos en el Centre del Carme, con un 19%, seguido de los holandeses con un 17%, además de los franceses, ingleses y alemanes, con una destacada presencia de público procedente de Estados Unidos y Rusia.

Acción de Yves Klein, homenajeado en el Festival Nits d'Aielo del Centre del Carme.

Acción de Yves Klein, homenajeado en el Festival Nits d’Aielo i Art. Centre del Carme.

Un nuevo escenario

Como centro de cultura contemporánea el Centre del Carme se ha abierto a distintas manifestaciones de la creación actual y ha dado cabida a propuestas que no contaban hasta el momento con un espacio específico para desarrollarse, como la música experimental, el videoarte, el arte urbano o el arte de acción, que se han sumado a otras actividades como el teatro en espacios no convencionales o la danza contemporánea, además de encuentros de pensamiento, grupos de lectura, charlas y talleres.

Estas actividades, tanto las vinculadas con exposiciones como otros encuentros, de carácter educativo o artístico, han supuesto el 28% de los visitantes del Centre del Carme.

Así, el Centre del Carme se ha convertido en un nuevo escenario que ha albergado distintos festivales o encuentros, muchos de ellos de carácter internacional, lo que le ha permitido darse a conocer y abrirse a nuevos públicos y experiencias culturales.

En este sentido destacan el Festival Internacional de Música Contemporánea ENSEMS, el Festival Nits d’Aielo i Art, el Festival Músiques de Nova Creació o el Deleste, en cuanto a música; en cuanto al ámbito audiovisual, el festival Cinema Jove, Docs, o el Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina, además del festival internacional de videocreación ‘Under de subway video art night’; en artes escénicas el festival Tercera Setmana, o el Cicle Migrats y como encuentros de pensamiento el Pechakucha Night València o Tedx València Ciutat Vella, entre otros, además de los festivales de artes visuales Intramurs y Ciutat Vella Oberta; destaca asimismo el programa artístico en defensa de los derechos de los animales y que ha cerrado el año, ‘València Capital Animal’.

Visitantes en la exposición Valencia Capital Animal. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Visitantes en la exposición Valencia Capital Animal. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Los poemas visuales de Vicky Uslé

Password, de Vicky Uslé
Galería Espai Tactel
C / Dénia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 12 de enero, a las 20.00h
Hasta el 2 de marzo de 2018

La galería Espai Tactel presenta la obra de la artista Vicky Uslé (Santander, 1981). ‘Password’ es la primera exposición individual en su galería valenciana después de haber expuesto en galerías, museos y ferias de arte nacionales e internacionales.

Viviendo entre dos culturas (USA y España) y entre ciudad y naturaleza, usa el soporte del dibujo y la pintura para expresar observaciones, sueños y reflexiones. Cada trazo es un poema visual donde encontramos un equilibrio entre sensaciones volátiles y sugerentes líneas concretas. Las imágenes transpiran en un espacio donde detalles oscuros pueden rozarse con pensamientos luminosos, uniéndose en el núcleo de un momento donde reposan como un espécimen sobre papel y lienzo.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel

Los espacios de Vicky Uslé son dinámicos y pulsantes y, por tanto, se hallan siempre en el umbral de la inestabilidad. Su pincel se mueve como el humo cuando el viento no lo perturba y obedece a órdenes secretos. La artista nos descubre horizontes que son siempre subjetivos, abiertos y desconocidos. No se trata de un territorio hostil, su mundo es decididamente amistoso, como un albergue inesperado en el camino o en un lugar especialmente ameno de un bosque en el que decidimos descansar y maravillarnos.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Todas estas formas y circuitos que se engendran a sí mismos, flotan o se desplazan, describiendo equilibrios, parámetros, horizontes, espacios de todo tipo: conceptuales, aéreos, líquidos…sugieren un análisis detallado de la identidad y las relaciones. Una voluntad de orden, de orientación, de autoconocimiento en suma, pone todo en movimiento. Actúa, también, consciente de sus límites. Este proceso, sin duda generado por el deseo, es ya en sí mismo una forma de placer, fin tanto como medio.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Obra de Vicky Uslé. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Johanna Caplliure

“Toda representación es ficción, por realista que sea”

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera
IV Beca de Investigación Rambleta
Hasta el 14 de enero de 2018

“Toda representación es ficción”. De ahí que para Jesús Herrera, ganador de la IV Beca de Investigación Rambleta, sea “mentira que haya objetividad en la imagen”. Lo que hay, y mucha, es subjetividad, precisamente de la que trata dar cuenta en la exposición Spatium Hermeticum planteada como un “viaje iniciático”. Un viaje al fondo de esa melancolía tan característica del barroco que Herrera, junto al comisario de la muestra, Luis Vives-Ferrándiz, actualiza para extraer de ella los temperamentos que figuran en el proyecto expositivo.

“En Estados Unidos ya no se aceptan las fotografías como prueba documental en los juicios”, señala el artista de Petrer (Alicante), que ahora reside en Dinamarca. Porque las imágenes, por muy fotográficas y realistas que sean, “siempre obedecen a un punto de vista, cierto enfoque y determinado encuadre”, subraya Herrera. Por eso él destaca ese carácter ficcional de la representación, mediante la simulación pintada de la propia cinta adhesiva que sujeta las diversas imágenes, al tiempo que se vale de obras clásicas y contemporáneas, con el fin de rastrear el espíritu que anima su proyecto.

Jesús Herrera ante el retablo de su exposición. Imagen cortesía de Rambleta.

Jesús Herrera ante el retablo de su exposición. Imagen cortesía de Rambleta.

“Trata de encontrar la piedra filosofal y el proceso de transformación interior”, explica el comisario, a través del aire, el fuego, la tierra y el agua que vienen a corresponderse con los humores de lo melancólico, lo flemático, lo sanguíneo y lo colérico de los diversos temperamentos. “El elemento humo me obsesiona”, reconoce el artista, que observa en dicho humo “el indicio de que algo ha ocurrido”. Siguiéndole el rastro, aparece el fuego que viene a consumir el cuerpo humano, el de un pájaro o una salamandra, generando cierto efecto purificador.

Como se apuntó en la exposición que sobre los tiempos de melancolía acogió hace un par de años el Museo de Bellas Artes de Valencia, esa melancolía expresa “la máxima temperatura de la creatividad”, tal y como destacó María Baños, comisaria de aquella muestra. Melancolía que mama de lo subterráneo, de la tierra y del otoño reflejando ese “ambiente oscuro de la bilis negra”. Una bilis que, en el caso de Spatium Hermeticum, rima plásticamente con ese humo negro que se eleva en la gran pieza central del retablo urdido por Herrera, a modo de gran marco escenográfico.

“Me interesa mucho la teatralidad que tiene el barroco”. Y Jesús Herrera incide en ella subrayando el carácter “de trampantojo, de truco”, mediante el cual se atrapa la mirada del espectador para conducirlo por los vericuetos de la representación. “La pintura y el arte tienen un poco de alquimia”, añade el artista. Representación y alquimia, cosmogonía y temperamentos que convenientemente ligados propician ese viaje al interior de uno mismo y del mundo que le rodea. “Se propone un recorrido intelectual; descifrar los elementos, el más allá de las imágenes”, precisa Vives-Ferrándiz.

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Spatium Hermeticum, de Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Es el comisario quien a su vez destaca la fusión existente entre la ficción y lo real, visible en los diferentes objetos que, insertos en las imágenes, se descabalgan de ellas para mostrarse en su plenitud física: “Son objetos representados e igualmente tangibles”, dice. Todos ellos reunidos en diversas peanas que rodean el retablo central de la exposición, cuya tramoya salta a la vista para destacar la ficción y el relato que propicia. Una actualización del barroco cuya sacralidad toca tierra en la obra de Herrera: “El peso de lo religioso, de lo sagrado, se ve desde lo pagano”, comenta el comisario, que ve en la alquimia y la tradición hermética “la alegoría y los dobles sentidos” que interpelan al espectador dirigiéndose a “los ojos del alma por medio de un lenguaje mudo”.

Spatium Hermeticum, que permanecerá en Espai Rambleta hasta el 14 de enero, establece relaciones con artistas como Edward Hopper o Bill Viola, entre otros, mediante colores que el artista entiende “más profundos”, al igual que ha “subido el tono de frecuencia e intensidad”, quizás debido a su estancia en Dinamarca. “El tiempo allí parece dilatarse porque estás más recogido; igual me estoy volviendo más introvertido”, concluyó irónico. Tiempo de melancolía con el que Jesús Herrera ha ganado la beca Rambleta a la que concurrieron 130 proyectos. Una beca dotada con 6000 euros que no para de crecer.

Jesús Herrera

Jesús Herrera. Imagen cortesía de Rambleta.

Salva Torres

Homenaje por el centenario de Melville

Centenario Melville
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 28 de noviembre de 2017 al 14 de enero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca un ciclo de homenaje a Jean- Pierre Melville con motivo del centenario de su nacimiento, que se inauguró el martes 28 de noviembre con la proyección de ‘Bajo el nombre de Melville’ (2009), de Olivier Bohler.
Este documental biográfico reúne entrevistas, material de archivo y fragmentos de las películas de Melville para intentar explicar el impacto emocional que tuvieron la Segunda Guerra Mundial y la carrera militar del director francés en su filmografía.

Fotograma de El último samurai, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de El silencio de un hombre (Le samurai), de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Organizado en colaboración con el Institut Français y la Jean-Pierre Melville Foundation, el ciclo reúne nueve de las trece películas de Jean-Pierre Melville, que podrán verse en copias digitales restauradas. Entre las películas que podrán visualizarse en diciembre figuran clásicos como ’24 horas en la vida de un payaso’ (1946), ‘El silencio del mar’ (1949), ‘Bob, el jugador’ (1955), ‘León Morin, sacerdote’ (1961), ‘El confidente’ (1962), ‘El ejército de las sombras’ (1969) y ‘Círculo rojo’ (1970).

Fotograma de 'Le cercle rouge', de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Le cercle rouge’, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Se trata de una oportunidad única de disfrutar del estilo singular de un cineasta que este año habría cumplido 100 años y que fue considerado el padre espiritual de la ‘nouvelle vague’ francesa y un maestro absoluto del denominado género ‘polar’ o policíaco francés.

Es particularmente interesante que el ciclo pueda verse en paralelo al que la Filmoteca dedica al cine negro clásico, pues esto hace posible comparar y entender aún mejor el ejercicio de apropiación y destilación de los códigos del género que Melville llevó a cabo en muchas de sus películas.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

 

Amistad y afinidad entre Alfaro y Fuster

Alfaro-Fuster. Assaig amb els dits. Escultures. Escrits. Dibuixos
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 14 de enero de 2017

La Universitat de València acoge la exposición ‘Alfaro-Fuster. Assaig amb els dits. Escultures. Escrits. Dibuixos’, un proyecto ambicioso, entrañable y brillante dirigido por el artista Artur Heras y el profesor Anacleto Ferrer. La muestra, que se podrá visitar en la Sala Martínez Guerricabeitia del Centre Cultural La Nau hasta el próximo 14 de enero, reúne más de 50 dibujos, además de esculturas y bocetos, que Alfaro realizó sobre el escritor de Sueca.

El vicerrector  de Cultura, Antonio Ariño, destacó “la interrelación y el sentimiento de amistad y afinidad entre Alfaro y Fuster, que se hacen patentes en cada una de las obras expuestas”, y recordó que el origen de esta relación tuvo lugar precisamente en “estos espacios”, los de la Universitat de València, a través del club universitario. Además, añadió que ‘Alfaro-Fuster. Assaig amb els dits’ es una muestra que va “de lo íntimo, por su relación personal tan estrecha, hasta lo colectivo, porque ambos han contribuido con su obra a orientar el futuro”. Es, en definitiva, “un proyecto entrañable al tiempo que extraordinario”, concluyó.

Por su parte, José Pedro Martínez, director de la Col.lecció Martinez Guerricabeitia, explicó que este proyecto se enmarcaba en la línea expositiva de la propia Col·lecció ‘Contextos’, con la que una exposición sirve como contexto de la colección desde un punto de vista temático, e hizo hincapié en el inicio de la amistad entre artista y escritor, en los años 60, que coincidió con el periodo en que Jesús Martínez Guerricabeitia empezó a crear su colección.

Alfaro y Fuster. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Alfaro y Fuster. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

En su intervención, el comisario Artur Heras subrayó que tanto la exposición como la publicación del catálogo son “muy especiales” por su “gran carga sentimental, llenos de emociones y de vivencias”: “Yo fui amigo de los dos y disfruté de su sabiduría”, dijo, describiendo a ambos como dos personas dispares unidas por la admiración intelectual y artística mutua.

El profesor Anacleto Ferrer, también comisario de la muestra, se referió al doble sentido de la palabra “dits” dentro del título de la exposición: “El ensayo es un género no dogmático que aquí se convierte en una experiencia compartida desde dos ángulos: la admiración de Alfaro hacia Fuster por su inteligencia y amplitud de miras, y la de Fuster hacia Alfaro al descubrir en el artista la belleza de su trazo”.

Palabras y dibujos

El arte y la palabra se aúnan en un único espacio a través de cerca de un centenar de piezas entre dibujos, esculturas, bocetos, libros, fotos y publicaciones, que se exponen por primera vez para relatar, a modo de ensayo, la relación entre dos genios valencianos: Andreu Alfaro y Joan Fuster. Ambos cosecharon una gran amistad que les permitió entrelazar figuras y pensamientos, y ahora todo aquel imaginario toma forma física para alimentar el intelecto y las emociones de quienes lo contemplan.

Una selección cuidada de manos de los comisarios, Artur Heras y Anacleto Ferrer, permite al espectador inmiscuirse en las vidas cruzadas de los dos protagonistas, un encuentro producido por la palabra y los grafismos; por el dibujo y el texto.

Esta exposición pretende ser un escenario sobre el que artista y escritor dialoguen a través de escritos, artículos y correspondencia mantenida a lo largo de años. “Si Joan Fuster ilustró, él mismo, algunos de sus libros de poemas, Alfaro dibuja en 1959 la antología de cuentos infantiles reunida por Fuster y le homenajea en varias esculturas. La primera en el año 1961 y las más recientes de finales de los 90 y primeros 2000. Durante casi cinco décadas intercambiarán ideas y emociones que mostrarán con la intensidad e ironía de los aforismos y con la levedad y elegancia de la línea dibujada en el papel o en el espacio. Manteniendo siempre la admiración mutua y una incondicional amistad”, explican Heras y Ferrer.

Artur Heras (derecha) y Anacleto Ferrer. Imagen cortesía de La Nau.

Artur Heras (derecha) y Anacleto Ferrer. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Los dibujos de Alfaro se presentan “al modo clásico, del natural”. Así se refieren a ellos los comisarios en el catálogo de la exposición: “Modulando poéticamente la línea con la que se determina unos fondos (‘en blanco’) que constituyen la urdimbre espacial de un mundo que al mismo tiempo es aéreo y material, o si se quiere físico y metafísico”.

“Alfaro dibuja para descubrir, su trazo es seguro y su enunciación sencilla, una escritura gráfica sin pleonasmos; no parece interesarle la obra ‘acabada’, sino la exploración, la tentativa, la probatura; en definitiva: el ensayo”, afirman.

“El ensayo”, un término que, “sugiere, por un lado, la proximidad de la experiencia y, por otro, una práctica experimental capaz de adentrarse sin prejuicios en territorios desconocidos”. “Un registro de acontecimientos diversos y mudables, y de imaginaciones indecisas y, en algún caso, contrarias”. Los comisarios recuerdan que esta característica del género literario ya la formula aforísticamente Fuster quien dijo en una ocasión: “Alguien ha dicho que es imposible que un ensayo sea demasiado breve. Quizás. El ensayo perfecto sería aquel que constase de una sola palabra. De la palabra ‘ensayo’, nada más, por ejemplo”. Así pues, concluyen: “Esta aspiración a la brevedad, a la economía expresiva y a la máxima disponibilidad de sentido hermana el ensayo de Fuster con el dibujo de Alfaro”.

Andreu Alfaro (izquierda) y Joan Fuster. Fotografía de García Poveda por cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Andreu Alfaro (izquierda) y Joan Fuster. Fotografía de García Poveda por cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Marta Beltrán y la mujer en el cine de Kaurismäki

III edición del Premio de Dibujo DKV-MAKMA (2017)
Proyecto ganador: La vendedora de fósforos
Artista: Marta Beltrán Ferrer (Granada, 1977)
Sala Alta del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Del 14 de diciembre de 2017 al 14 de enero de 2018

La convocatoria del premio de dibujo organizado por DKV seguros y MAKMA, revista de artes visuales y cultura contemporánea, reconoce el mejor proyecto de dibujo contemporáneo en relación a cuentos o relatos. La convocatoria se erige como un referente para aproximar el arte contemporáneo al público en general y para poder ser la primera experiencia expositiva incluso para visitar en familia.

Aunque el título ‘La vendedora de fósforos’ toma nombre del cuento de Hans Christian Andersen publicado en 1845, Marta Beltrán se inspira inicialmente en Iris (Kati Outinen), personaje inexcusable de la película de Aki Kaurismäki ‘La chica de la fábrica de cerillas’ (1990) para confeccionar el presente proyecto de dibujo.

Marta Beltrán durante el montaje de la exposición. Fotografía de Vicente Chambó.

Marta Beltrán durante el montaje de la exposición. Fotografía de Vicente Chambó.

En el proceso de elaboración está presente el sentimiento de compasión que despiertan los dos personajes: la pequeña cerillera en el cuento e Iris en el citado film, respectivamente, que a pesar de tener una personalidad y un final tan diferentes, mantienen cierto paralelismo en muchos aspectos, tales como la necesidad, la humildad social y la deshumanización del entorno en el que subsisten.

“Quiero creer que la humanidad puede enderezar su rumbo a pesar de que hasta los perros tienen más bondad que nosotros” (Aki Kaurismäki)

El sentimiento de desamparo que avivan los citados personajes, es comparable a la exaltación de valores y sentimientos más profundos de los cuentos de tradición oral, como la bondad, la amistad, la lealtad, la compasión o la gratitud, pero también la envidia y la maldad. Sentimientos presentes en las películas rodadas por Kaurismäki y, en particular, durante las décadas de los años 80 y 90 del siglo pasado. Años en los que se estrenaron títulos como ‘Sombras en el Paraíso’, ‘Ariel’, ‘Nubes pasajeras’, ‘La vida de Bohemia’, ‘Contraté a un asesino a sueldo’ o ‘Hamlet va de viaje de negocios’, títulos concretos de entre los que Marta Beltrán construye su personal visión a través del dibujo como arte definitivo en este proyecto.

En todos estos títulos, destacan personajes masculinos que también afloran todo tipo de sentimientos de humanidad, piedad o ternura, pero Marta Beltrán se centra en la soledad de los personajes femeninos y en las diferentes maneras con las que superan las dificultades en ese entorno de la clase humilde del norte de Europa tan bien plasmado por Kaurismäki.

Marta Beltrán junto a una de sus obras. Fotografía de Vicente Chambó.

Marta Beltrán junto a una de sus obras. Fotografía de Vicente Chambó.

Los dibujos de la exposición representan algunas de las secuencias y personajes de las referidas películas con los que Marta elabora un discurso propio, instantes en los que la escena en concreto adquiere la categoría de clave para el ojo de la artista, que ve en la representación femenina, una fuente de expresión de contenidos y emociones inconscientes.

El resultado es un relato múltiple que no pierde la relación con la historia del cuento de Andersen, a través de ese hilo conductor común ya referido anteriormente: la humildad del estrato social del que proceden los personajes femeninos, la dificultad, y la diversidad de opciones y caminos para salir adelante. La concordancia entre dichos personajes y una persona de carne y hueso, cuya vocación pase por realizarse como artista en la actualidad, en una sociedad como la que habitamos, está vista para sentencia.

El premio de dibujo DKV-MAKMA está integrado en el programa de arte Arteria DKV, a través del cual DKV Seguros promueve diferentes acciones dirigidas a fomentar la creación artística, como una vía de comunicación y expresión, motor de salud y forma de potenciar el desarrollo personal.

El programa Arteria DKV incluye también el fondo de obras de la Colección DKV, que cuenta con cerca de 550 piezas realizadas por 225 artistas españoles, el concurso ‘Fresh Art’ dirigido a estudiantes pre-universitarios, y la cátedra de empresa ‘DKV Arte y Salud’ en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politécnica de Valencia (UPV) que contribuye a la formación y difusión de nuevos artistas.

Marta Beltrán. Fotografía de Vicente Chambó.

Marta Beltrán. Fotografía de Vicente Chambó.