Decadencia y mito de Tórtola Valencia

‘Tórtola’
Texto de Begoña Tena y dirección de Rafael Calatayud
Con María José Peris, Resu Belmonte, Marta Chiner, Anna Casas, Anaïs Duperrein y Alejandra García
Una producción del Institut Valencià de Cultura (IVC)
Teatre Rialto
Plaza del Ayuntamiento 17, València
Hasta el 2 de junio de 2019

“La bailarina de los pies desnudos”, aquella de manos “cual dos palomas blancas (…) mágicas y bellas”, quien “tiene al andar la gracia del felino, / es toda llena de profundos ecos”, acaso “un sueño oriental de lo divino”, tan voluptuoso que “un fuego de rubíes todo tu cuerpo inflama”.

El hepático y culturalista Ruben Darío; el desmoralizado y anticlerical Pío Baroja; el duelista y lisiado Ramón María del Valle-Inclán o el aforista pombiano Ramón Gómez de la Serna rubricaron ardorosas lisonjas y vehementes encomios; azuzantes epítetos unánimes compartidos por el verbo dramático, polichinela y nobel, de Jacinto Benavente; la soflama sofista, charlista y académica de Federico García Sanchiz; el óleo expresivo y costumbrista de Ignacio Zuloaga o la ofrenda sinfónica, orquestal y gitana de Enrique Granados. Líricos cumplidos literarios, pictóricos y orquestales para arropar el gracejo exótico, inusitado y forastero de la egreria bailarina, trianera y cosmopolita, Tórtola Valencia.

Carmen Tórtola Valencia

Y a tales loas dedica el Institut Valencià de Cultura un panegírico discursivo, expositivo, musical y escénico que cobra forma, hasta el 2 de junio de 2019, en las dependencias del Rialto, polarizado en torno de ‘Tórtola’, melodrama tragicómico y musical dirigido por el dramaturgo y académico valenciano Rafael Calatayud, a partir del texto suscrito por la actriz, escritora y directora de escena Begoña Tena –quien, para la redacción de esta obra, obtuvo en 2018 una de las seis residencias de escritura del Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria Josep Lluís Sirera’–.

Tras siete décadas de uliginosa y sorda residencia en los sótanos del Museo del Teatro de Barcelona (Institut del Teatre, en la actualidad), el esquilmado y ensombrecido legado de Tórtola Valencia cobra su puntual (regular) advenimiento en forma de destello/ínsula, como ya lo hubieron procurado en las dos décadas precedentes –con desemejantes razones y dispares efectos– María Pilar Queralt del Hierro (‘Tórtola Valencia. Una mujer entre sombras’, 2006) y Luis Antonio de Villena (‘Divino’, 1994), quien, el pasado 15 de mayo, merodeó, engalanado y lúbrico, el circunferenciante escenario del Café Rialto para trazar ‘Un recorrido ilustrado y sensual sobre el mundo, los amigos y la personalidad de Carmen Tórtola Valencia’.

Un instante de la representación de ‘Tórtola’. Fotografía cortesía del IVC.

De Villena perfiló a la incipiente Bella Otero/ Bella Tórtola, a través del recuerdo de su arte esteticista, elitista e intersecular, de egipcios movimientos geométricos y ritmos amerindios e incaicos. Glosó su simbolismo moderno, internacional y refinado, el parenteral deleite morfinómano y la congratulante y nocturna amistad madrileña de otros exóticos y periféricos de la Edad de Plata, como la amarquesada pluma decadentista, sátira y monocular de Antonio de Hoyos y Vinent o el figurín acuarelado y decó del feraz Pepito Zamora. Y acechó el ocaso y el exilio interior, su velada y amantísima relación sentimental –uniformada de soltera maternidad adoptiva– con Ángeles Vila-Magret, Angelita, hasta el deceso cardíaco y septuagenario en su casa-torre de Sarrià.

Y son estos últimos sótanos de la memoria los que procuran introito y epílogo a ‘Tórtola’. De este modo, Tena y Calatayud relevan el rostro maduro y desenmascarado de Carmen Tórtola Valencia, desmaquillada con los perfumes jabonosos de Myrurgia y uniformada aún con ecos de incienso, ofidios y misterio. Y transitan la diégesis aislados centelleos de esplendor y la penumbra del ocaso, el confinamiento, el chotis faccioso y totalitario de Celia Gámez, la árida y legionaria comediografía de Pilar Millán Astray, el sordo, obturado y tullido deceso carcelario de Hoyos y Vinent, las viscerales reliquias ventriculares de la II Repúbica y las llamadas de baquetila y olvido. Una alargada sombra de lo que otrora fue.

En primer término, Resu Belmonte y María José Peris, durante un instante de la representación de ‘Tórtola’. Fotografía cortesía del IVC.

Gobiernan el escenario –entre polutas vidrieras, baúles, escaleras, trajes y mantones, diseñados por Luis Crespo y Carmen Arce–, María José Peris (Tórtola Valencia) y Resu Belmonte (Ángeles Vila-Magret), quienes realizan un eminente y vigoroso trabajo actoral, tan sobresaliente como antagónico, auxiliando a delinear y retratar el abismo incipiente que media entre el mito y la sustantividad; a la postre, mundos yuxtapuestos y consanguíneos gracias a la abnegación, la necesidad y el afecto compartido, teñidos de amor y crepúsculo.

Y uno agradece, en tanto que diletante espectador, el inteligente, instruido y complejo texto de Begoña Tena, tan documental como libérrimo, fecundísimo en lo etopéyico y excelso en las ruinas ostentosas y lóbregas de Carmen Tórtola Valencia.

Carmen Tórtola Valencia. Circa 1920.

Jose Ramón Alarcón

El Certamen Coreográfico 10 Sentidos cobra escena

Certamen Coreográfico 10 Sentidos
‘Bestias’. Festival 10 Sentidos
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Sábado 18 de mayo de 2019

¡Danzad, bestias, danzad! El placer del baile en todas sus vertientes, de experimentar con el cuerpo al ritmo de la música es un anhelo que habita en todo tipo de culturas y civilizaciones. Se trata de una constante casi universal, uno de esos rasgos que definen a la humanidad. Bailo, luego existo. En este contexto se enmarca el Certamen Coreográfico 10 Sentidos, la muestra que reúne a los grandes talentos emergentes de la danza internacional y que se celebrará el 18 de mayo en el Centre Cultural La Nau. La competición forma parte de la VIII edición del Festival 10 Sentidos, que en 2019 lleva por lema ‘Bestias’ y plantea una reflexión sobre la violencia enquistada en nuestra sociedad y el papel del arte para canalizar las pulsiones más brutales del individuo.

La VIII entrega del Festival 10 Sentidos cuenta, una vez más, con la colaboración de Caixa Popular, entidad que reafirma su compromiso con este encuentro que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía: por un lado, la cultura y, por el otro, la implicación social y la solidaridad.

Con ocasión del Certamen, nueve creadores provenientes de todos los rincones del globo terráqueo han sido seleccionados por la dirección artística del festival con el objetivo de destacar nuevos formatos y ofrecer nuevas perspectivas en el campo de la danza contemporánea. Tres han sido los criterios empleados en esta edición a la hora de elegir las diferentes propuestas de entre las más de 300 candidaturas recibidas: la calidad, la innovación y la relación de los trabajos coreográficos con el lema de esta edición, ‘Bestias’. El resultado de esta criba son un total de nueve de piezas de baile cuyos creadores provienen de coordenadas tan dispares como India, Israel, Estados Unidos, Hungría, Reino Unido o Francia. Además, Budapest Dance Theatre actuará como compañía invitada al término del encuentro. Danza sin fronteras.

Imagen de la obra ‘Coming Home’, de Abarukas / Yoshito Sakuraba. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

Desde su estreno en 2015, el Certamen Coreográfico 10 Sentidos se ha convertido en uno de los ejes esenciales del programa del festival, que considera esta reunión de talentos emergentes una plataforma de referencia para impulsar y proyectar el trabajo de profesionales emergentes de todos los continentes. Por ello, cada año se invita a profesionales del universo escénico, programadores de festivales y teatros, tanto del panorama nacional como internacional, para poder conocer el trabajo de estos talentos emergentes de la danza actual. Para esta edición, la audiencia profesional estará compuesta por Ana Díaz, Leo Santos y Sabela Mendoza.

Además, este certamen cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) en la modalidad de Visitantes.

9 propuestas, 10 sentidos y una jornada de danza internacional

El Certamen Coreográfico 10 Sentidos 2019 tendrá lugar en el Centre Cultural La Nau con un jurado internacional compuesto por Valentina Marini, de Spellbound Contemporary Ballet (Italia); Marie Brolin-Tani, del Black Box Dance Company (Dinamarca); Claudio Kogon, del Centro Suzanne Dellal de Israel; Maria Carmela Mini, Directora Artística de Festival Latitudes Contemporaines; Roberto Fratini, dramaturgo y docente en Institut del Teatre; Cristina Alonso, responsable artística del centro de creación de Danza Graner – Mercat de les Flors; y Mar Jiménez, directora de Dansa València. Ellos serán los responsables de elegir la pieza ganadora, que recibirá un premio dotado con 2.000 euros y un trofeo Lladró. Además, los espectadores concederán el Premio del Público al montaje resultante de la votación, y que será premiado con otro trofeo de la firma valenciana.

Entre los espectáculos seleccionados en 2019 se encuentran ‘Volumen 1’, de las madrileñas Mucha Muchacha; ‘Works on Julius Caesar’, pieza de Marina Miguelez y Dance Craft inspirada en el monólogo de Marco Antonio escrito por Shakespeare; ‘2 men’, de Purnendra Meshram (India); o ‘Comin Home’, pieza de la compañía neoyorquina Abarukas / Yoshito Sakuraba que surge del poema Thomas Dylan ‘No entres dócilmente en esa buena noche’. Además, el certamen también contará con el solo de Attila Andrasi ‘Once Upon a time’; ‘Family honour’, de los londinenses Spoken Movement; y el proyecto israelí Roni Chadash y su espectáculo ‘ANI-MA’, que tiene a Pessoa como gran referencia. También desde Tel Aviv aterriza la compañía Roni Rotem, que presentará el trío ‘Men to be’, en el que se exploran los estereotipos del hombre en el mundo actual y la pieza ‘H H H’, a cargo del parisino Thibaut Eiferman.

Un instante de la pieza ‘Boundless’, de Budapest Dance Theatre. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

Sueños y fronteras de Budapest a València

La compañía húngara Budapest Dance Theatre, una de las más relevantes de su país en el terreno de la danza contemporánea, actuará como formación invitada durante el Certamen con su pieza ‘Doze’ (‘Dormitar’). La obra –ideada por el coreógrafo Jiří Pokorny y que pondrá el colofón final a la jornada– aborda la frontera entre sueño y realidad y muestra un mundo que se mueve en los matices entre la experiencia onírica y el despertar. Además, el 19 de mayo, última jornada del Festival, Budapest Dance Theatre representará en el MuVIM su producción ‘Boundless’. Esta obra surge a partir de dos líneas de investigación: el estudio sobre las fronteras y sus implicaciones y la exploración de aquellas herramientas no verbales que ayudan al desarrollo del carácter individual. “Para algunos vivir sin límites es lo correcto; para otros es inseguro; para otros, una posibilidad; y hay quienes no quieren ni planteárselo”, apuntan sobre este trabajo los integrantes de la compañía.

A propósito del Día Internacional de los Museos

El Centre del Carme y el Festival 10 Sentidos vuelven a programar juntos y será el sábado cuando, a partir de las 20:00, se celebre ‘Carme Diem’. La cita arrancará con la instalación ‘Spiders Salvajes’, de Groupe LAPS, un circo al aire libre único, cuyos artistas son arañas. Se trata de una instalación plástica de luz y sonido en el claustro renacentista, una animación viva y dramática acompañada por sonidos de la selva y música de una orquesta que complementan las escenas.

Al mismo tiempo, en el claustro gótico, el conjunto ‘Los Voluble’ irá calentando motores con su música y proyecciones para presentar, a partir de las 21.30 horas, su proyecto ‘Flamenco is not a crime’, el set audiovisual más flamenco y más bailable del dúo sevillano.

Imagen de la pieza ‘HHH’, de Thibaut Eiferman. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

MAKMA

Capella de Ministrers conmemora a Lucrecia Borja

Capella de Ministrers
Concierto conmemoriación V Centenario del fallecimiento de Lucrecia Borja
‘Territorio Borja’
Real Convento de Santa Clara
Montcada 21, Xàtiva (València)
Domingo 19 de mayo de 2019 a las 12:00

Capella de Ministrers ha conmemorado las figuras de Lucrecia Borja y Leonardo da Vinci en el 500 aniversario de su muerte en dos conciertos celebrados en el Instituto Cervantes y el Museo de la Ciencia y la Tecnología Leonardo da Vinci de Milán, el 15 y el 16 de mayo, respectivamente. En Xàtiva, ciudad natal del papa Alejandro VI, padre de Lucrecia, actuarán el próximo domingo 19 de mayo a las 12:00.

Estos relevantes personajes históricos murieron el mismo año (1519) y sus vidas y familias se cruzaron en diversas ocasiones. Milán es la ciudad de Giovanni Sforza, primer marido de Lucrecia, y está muy vinculada a la trayectoria artística de Leonardo que trabajó para la influyente familia Sforza en muchos proyectos. César Borja (Borgia en su transcripción italiana), hijo del papa Alejandro VI y hermano de Lucrecia, también requirió los servicios de Leonardo como capitán e ingeniero general para su ejército.

Capella de Ministrers abordó este homenaje con el repertorio que incluye en Lucretia Borgia, entre la historia, el mito y la leyenda, el disco-libro que recientemente ha publicado la formación y en el que se sumerge en la música contemporánea de los Borja y de Lucrecia, una mujer culta y sensible con las artes, pero protagonista de una leyenda negra que generó un proyecto familiar liderado por el papa Alejandro VI, que la utilizó para establecer alianzas estratégicas mediante tres casamientos.

El público milanés y español residente en la ciudad italiana llenó el aforo y celebró los conciertos del Instituto Cervantes y el Museo de la Ciencia y la Tecnología Leonardo da Vinci, auspiciado por l’Accademia Musica Antica di Milano, que ofreció Capella de Ministrers, un grupo de referencia en la música antigua con más de 30 años de presencia en prestigiosos auditorios nacionales e internacionales y con 58 trabajos discográficos editados.

Carles Magraner, director de Capella de Ministrers, que hizo una conferencia en torno a los dos personajes en el Instituto Cervantes, agradeció la acogida del público a la propuesta, una recreación del entorno musical de Lucrecia por escenarios como Roma y su corte papal, Pésaro y la corte ducal de Ferrara, así como sus relaciones con Pietro Bembo y músicos como Bartolomeo Tromboncino o Joan Ambrosio Dalza. El violagambista y musicólogo puso en valor “la genialidad de Leonardo da Vinci, un polímata icono del Renacimiento italiano” y destaca “la gran cantidad de mejoramientos a muchos instrumentos de la época que, hasta hoy en día, siguen causando intriga”.

Concierto en Xàtiva

Capella de Ministrers ofrecerá un concierto en el Real Convento de Santa Clara, organizado por el Ayuntamiento de Xàtiva, el próximo domingo 19 de mayo a las 12:00, con motivo de la conmemoración del aniversario de la muerte de Lucrecia Borja y dentro de las actividades ‘Territorio Borja’, que desarrolla el consistorio.

Xàtiva rinde, así, homenaje a la hija de Rodrigo de Borja (papa Alejandro VI) nacido en la localidad setabense y muy vinculado con la historia de esta ciudad, que conserva un rico patrimonio artístico y arquitectónico (Museo de la Seu, el Palacio del Arcediano, la casa de los Borja…) relacionado con una de las familias más poderosas del Renacimiento, que inició su leyenda en Roma con el papa Calixto III (Alfons de Borja), tío de Alejandro VI.

El Real Monasterio de Santa Clara (siglo XIV), recinto donde tendrá lugar el concierto, es un espacio monumental declarado Bien de Interés Cultural. Construido en estilo gótico y con reformas en siglos posteriores, fue el más rico y fastuoso de la ciudad y donde Beatriz de Borja ocupó el cargo de abadesa.

Concierto en Wroclaw (Polonia)

Capella de Ministrers ofreció un concierto en Wroclaw (Polonia), dentro del Festival Internacional de Música Antigua con el programa Chiaroscuro el pasado lunes 13 de mayo. El repertorio aborda el paso del Renacimiento al Barroco en la música española desde 1500 a 1650, con diversos autores como Luys de Milan y Mateo Romero, y cancioneros como el de ‘Palacio’ o el ‘Sablonara’.

Capella de Ministrers durante un instante de su concierto ‘Lucretia Borgia’. Fotografía cortesía de la formación.

MAKMA

El fascinante enigma de Tórtola Valencia en el Rialto

‘Tórtola’, de Begoña Tena, dirigido por Rafael Calatayud
Una producción del Institut Valencià de Cultura
Teatro Rialto
Plaza del Ayuntamiento 17, València
Del 17 de mayo al 2 de junio

El Institut Valencià de Cultura ha presentado ‘Tórtola’, sexta y última producción de esta temporada, centrada en el tema de la identidad, que se podrá ver en el Teatro Rialto del 17 de mayo al 2 de junio.

‘Tórtola’, una obra de Begoña Tena, se encuentra dirigida por Rafael Calatayud y está interpretada por las actrices Mª José Peris, Resu Belmonte, Marta Chiner, Anna Casas, Anaïs Duperrein y Alejandra García.

Imagen del cartel de ‘Tórtola’, realizado por Jaume Marco. Fotografía cortesía del IVC.

Como ha comentado el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, ‘Tórtola’ ha seguido todo un proceso, desde su escritura hasta su llegada al escenario, en tanto que el texto es fruto del primer taller de dramaturgia Ínsula Dramataria Josep Lluis Sirera, en el que se becó a una serie de autores; de los textos del taller se realizaron lecturas dramatizadas, siendo el que nos ocupa elegido para, finalmente, ser llevado a escena.

En palabras de Roberto García: “’Tortola’ es un texto fascinante y apasionado, interpretado por seis mujeres, alrededor de una mujer muy desconocida, pero que en la primera mitad del siglo XX fue musa de artistas y poetas, para quedar invisibilizada después”.

El director Rafael Calatayud ha incorporado al texto original elementos musicales y canciones en directo. A ello hay que sumar todas las actividades que se realizan en el Rialto alrededor de las representaciones de ‘Tórtola” –como la reciente conferencia de Luis Antonio de Villena– sobre la figura de Tórtola Valencia, la exposición realizada con fondos procedentes del Museo del Teatro de Barcelona, recitales poéticos y actuaciones musicales.

Un instante de la representación de ‘Tórtola’. Fotografía cortesía del IVC.

La autora, Begoña Tena, ha agradecido la ayuda obtenida en el taller de dramaturgia y su metodología, “que te obliga a mostrar constantemente tu trabajo a los demás participantes y la lectura dramatizada final, que te permite ver el pulso que tiene tu texto ante un público real y te permite hacer modificaciones, si es necesario”.

También ha señalado que se sentía fascinada desde hace años por la figura de Tórtola Valencia y, pese a que ha investigado mucho sobre su figura, esta no es una obra documental, es una obra de ficción, es un homenaje a su figura, contradictoria y enigmática, pionera en el terreno del arte y en el terreno personal, que se atrevió en una época muy difícil a vivir la vida como quiso.

Un instante de la representación de ‘Tórtola’. Fotografía cortesía del IVC.

MAKMA

Un método para abordar la materia audiovisual

Festival de Cortometrajes Radio City
Proyección de cortos y conferencia de ESAT
C / Santa Teresa, 19. Valencia
Viernes 17 de mayo de 2019, a las 20.00h

El festival de cortometrajes Radio City ofrece una mirada didáctica hacia la creación de los cortometrajes. Sabedores de que es complejo poner en funcionamiento un guión, este año cuentan con la escuela ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) que ha concebido un método para abordar la materia audiovisual y poder obtener resultados satisfactorios en un periodo de seis semanas de trabajo intensivo.

A tal fin, el Festival Radio City acogerá una conferencia para mostrar su metodología docente acorde con la realidad actual y se proyectarán sus obras en el marco del certamen, más concretamente el día 17 de mayo a las 20 horas.

En ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) creen en el talento, pero saben que mucho de ese talento se encuentra inexplorado debido a la carencia de medios tecnológicos avanzados y apropiados. También por la carencia de nuevas metodologías docentes acordes con la realidad actual.

En este sentido, ESAT ha concebido un método para abordar esa materia audiovisual, que cuenta siempre con un mismo previo: grupos de estudiantes muy jóvenes que nunca han tenido ningún contacto con el audiovisual profesional, entre otras cosas porque nunca han contado con el material técnico profesional adecuado y necesario.

La charla impartida en Radio City por los profesores Alberto Adsuara y Antonio Soto  consistirá en explicar dicha metodología, proyectando a modo de ejemplo cinco cortometrajes de corta duración, en torno a los tres minutos aproximadamente.

Cartel anunciador de la actividad en el Festival de Cortos Radio City. Imagen cortesía de ESAT.

Discursos pictóricos sobre la obra de Teixidor en Set

‘Jordi Teixidor. Contemplaciones: Ana H. del Amo, Guillermo Mora, Nico Munuera, Mar Vicente’
Comisaria: Rosa Ulpiano
Set Espai d’Art
Pl. Miracle del Mocadoret 4, València
Hasta el 13 de julio de 2019

Set Espai d’Art presenta la exposición ‘Jordi Teixidor. Contemplaciones: Ana H. del Amo, Guillermo Mora, Nico Munuera, Mar Vicente’, comisariada por Rosa Ulpiano. Un proyecto que recoge una serie de obras realizadas en distintas técnicas y etapas del Premio Nacional de Artes Plásticas 2014, y académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Jordi Teixidor (Valencia, 1941).

Imagen de la obra ‘Interior holandes 6, 1558’, de Jordi Teixidor. Fotografía cortesía de Set Espai d’Art.

La muestra se vincula a partir de la mirada de cuatro artistas de diferentes generaciones articulando un discurso en torno a una obra de Teixidor con una propia. El diálogo invita a reflexionar a través de diferentes gramáticas y vocabularios sobre conceptos como el acto de pintar y sus límites, la geometría, la abstracción, la mirada y su evolución, la totalidad y la unidad, la dimensionalidad nihilista contemporánea o la ausencia- presencia. Cada cual a su manera, cuentan los modos y maneras en que se han inspirado o bebido de la pintura, ya sea conceptualmente o como producto de una reinterpretación personal en beneficio de su particular discurso y de las estéticas contemporáneas.

Imagen de la obra ‘Cuaderno. El aprendizaje (página 7), de Guillermo Mora. Fotografía cortesía de Set Espai d’Art.

Considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, Teixidor ha desarrollado una obra donde la reflexión y el pensamiento crítico siempre han estado presentes a lo largo del tiempo. Tras sus iniciales incursiones en el pop art, a finales de los años 60 realiza un viraje hacia nuevas corrientes artísticas, en un complejo periódico histórico y coyuntural donde en España todavía se desconocían ciertas tendencias estéticas, abriendo nuevos caminos para las futuras generaciones.

Imagen de la obra ‘Vano II’, de Nico Munuera. Fotografía cortesía de Set Espai d’Art.

La abstracción en todas sus dimensiones nos ha permitido leer con nuevos ojos el arte del pasado superando lo lineal e incluso las coordenadas espacio-temporales. ‘Contemplaciones’ discurre por estos difusos límites planteando una apertura hacia lo insondable en el arte. Guillermo Mora (Madrid, 1980), con su serie ‘Cuadernos’, analiza la visión fragmentaria de la pintura estableciendo cierto paralelismos con ‘S/T 750 B’, de Teixidor. Una obra cuyo cromatismo surgió a finales de los 80 como homenaje a los poetas del 27, y que adquiere nuevos matices a través del fragmento y las nuevas maneras de entender el mundo, ya no como unidad, sino como secuencias de distintas narraciones y codificaciones. Por otro lado, Nico Munuera (Lorca 1974) se interroga sobre los límites de la pintura tanto físicos, perceptivos, como conceptuales, y el acto de pintar. La mirada se posa sobre un pequeño papel azul de los noventa S/T, en contrapunto con dos obras sobre lino de Munuera, haciéndonos reflexionar sobre algo tan vital como son nuestras intencionalidades y modificación de decisiones.

Una serie negra de Teixidor nos da la bienvenida a la sala con tres pequeños óleos realizados en el 2003, que acompasan una instalación de madera entelada de Mar Vicente (Lugo, 1979). Continuidad modular, connotación, espacial y movimiento, además de una búsqueda de pureza mediante el acto estético desafían lingüísticamente la ausencia, la distancia, la desilusión del negro frente el color áureo de Teixidor que nos invita a la abstracción contemplativa. Ya que, como señalaría Barnett Newman en 1947, “la base de un acto estético es la idea pura. Mas la idea pura es, necesariamente, un acto estético.

Imagen de una de las obras de Ana H. del Amo. Fotografía cortesía de Set Espai d’Art.

He aquí la paradoja epistemológica que constituye el problema del artista”. Problema que nos plantea Ana H. del Amo (Cáceres, 1977), con cuatro esculturas de pared donde esboza el concepto pictórico desde una poética de proceso a través de los materiales, la geometría, la línea y el color. Un lirismo caracterizado por la ausencia y la presencia, contrastan, más allá de los términos estéticos de Teixidor sobre la construcción; acercándonos a una reflexión racional, critica, equilibrada y contenida en los elementos expresivos que interrogan más acerca de la profundidad que sobre las superficies.

Una exposición sobre pintura que mantiene su compromiso y vigencia de la abstracción, y que se plantea desde un pensamiento global de ruptura con las fronteras temporales y generacionales, con toda la esfericida conceptual que alberga lo plural y lo interdisciplinar.

Imagen lateral de la obra ‘En Paralelo II’, de Mar Vicente. Fotografía cortesía de Set Espai d’Art.

Rosa Ulpiano

Mujeres armadas de discurso en PhotOn 2019

‘Agitadoras de conciencia’
PhotOn Festival 2019
Diversas sedes de València
Hasta el 11 de mayo de 2019

La fotografía puede cambiarte la vida. Así lo creen en Photon Festival y así llevan demostrándolo desde los inicios del proyecto, hace ahora nueve años. Fragmentos de realidad que trascienden al tiempo y al espacio, relatos a golpe de imágenes, instantes encabalgados que narran el mundo sin necesidad de recurrir a las palabras. La existencia vista a través del objetivo de una cámara, ni más ni menos.

En 2019, ese terremoto visual que es Photon Festival llega a su novena edición y despliega una semana de encuentros y actividades bajo el lema ‘Agitadoras de conciencia’. Como explican desde la organización de la iniciativa, en este año la mayoría de ponentes que integran la programación son “mujeres poderosas” e inmersas en la tarea titánica de visibilizar los problemas de la sociedad que habitamos. Mujeres armadas con discursos potentes y muy personales, que aspiran tanto a ser quienes cuenten su propia historia como a reivindicar el papel femenino en el mundo de la fotografía. Mujeres que apuestan por mirar en lugar de ser el eterno objeto de las miradas. En este contexto, hasta el 11 de mayo de 2019 se sucederán conferencias, exposiciones y proyecciones nocturnas gratuitas y abiertas a todos los públicos. Por otra parte, también se realizarán los ya tradicionales visionados de porfolios.

Un instante de la rueda de prensa de presentación de PhotOn 2019. Fotografía cortesía del festival.

Esta nueva edición de PhotOn Festival fue presentada este martes 7 de mayo en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València (sede oficial del encuentro), durante un acto en el que estuvieron presentes Antonio Ariño, vicerrector de Cultura y Deporte de la UV; Juan Viña, presidente de la Fundación Cañada Blanch; Giuseppe Grezzi, regidor de Mobilitat Sostenible de l’Ajuntament de València; Armand Llàcer, director de comunicación de La Imprenta CG; Alfredo De Stefano, director del Festival Internacional de Fotografía de Monterrey y director de la revista Luz del Norte; y Tania Castro, directora de PhotOn Festival.

Durante la presentación del evento, Ariño resaltó el poder de la fotografía para “promover al cambio social”. Además, recordó que la Universitat de València, a través de La Nau, “forma parte del corazón de este proyecto”. En la misma línea señaló que ese emplazamiento emblemático de la historia valenciana “también es la sede de la Unitat d’Igualtat de la Universitat, por lo que no hay un espacio mejor para realizar el PhotOn Festival de este año, centrado precisamente en las mujeres”. Por su parte, Giuseppe Grezzi subrayó lo “emocionante” que resulta para la EMT poder participar en esta iniciativa e indicó que, mediante las imágenes del festival que serán expuestas en las marquesinas de los autobuses se crea “una ruta urbana que los ciudadanos pueden visitar en su día a día”.

En cuanto a Armand Llàcer, indicó que “es muy difícil sacar adelante proyectos tan interesantes y necesarios como PhotOn, proyectos capaces de movilizar conciencias”. En el mismo sentido, subrayó el gran valor de la Beca PhotOn, de la que La Imprenta CG es patrocinadora y responsable de imprimir en formato libro el proyecto ganador. Respecto a De Stefano, resaltó “el intercambio, las conexiones y la hermandad” que busca establecer entre su México natal y España “a través de la fotográfia”. “Es un buen vínculo, una buena forma de hacer que la fotografía trascienda y se entienda de una manera más global”, agregó. “La filosofía de PhotOn forma parte también de la filosofía de Cañada Blanch. Un valor muy importante en la edición de este año es la valentía, y, en especial, la valentía de las mujeres que integran la programación. A veces, esa valentía va aparejada de cierta soledad, pero vale la pena ser valiente”, indicó durante su intervención Juan Viña.

Una de las imágenes del proyecto ‘Agitadoras de conciencia’, de Nuria López. Fotografía cortesía de PhotOn.

“Hablamos de mujeres que se enfrentan a situaciones terribles, que luchan por la igualdad. Sentía que debía haber un espacio en el que se les pudiera dar cabida. Las protagonistas de PhotOn 2019 son mujeres con las ideas muy claras, a las que vale la pena prestar atención”, apuntó la directora del festival, quien reconoció que “todavía queda mucha batalla por dar para lograr la igualdad en los puestos de poder y responsabilidad”. Además, al finalizar la presentación también intervinieron algunas de las fotógrafas que portagonizan PhotOn 2019: Eva Máñez, Estela Sanchis, Raquel Ferreri y Liza Ambrossio, quienes compartieron su visión y experiencia como “agitadoras de conciencias”. Así, Máñez resaltó que “hasta ahora era muy complicado asistir a exposiciones de mujeres, de fotógrafas. Está clarísimo que se ha negado la mirada de las mujeres. Somos muchas, somos diversas y tenemos muchas cosas que contar. Por suerte, cada vez hay más interés por lo que tenemos que contar”.

6 exposiciones, 6 miradas al mundo que nos rodea

En concreto, esta edición de PhotOn cuenta con seis exposiciones: ‘Little Black Dress’, de Yolanda Domínguez; ‘DesTieRRRadas’, de Pedro Armestre; ‘Llano’, de Juanita Escobar; ‘PhotOn Worldwide’, de András Polgár + Eden Bernal; el proyecto colectivo ‘Agitadoras de conciencia’; y ‘Jarque, la cámara y la vida’. Esta última muestra se inaugurará en junio y ha sido llevada a cabo con la colaboración del Museu Valencià d’Etnologia. Media docena de miradas que hablan de todo tipo de universos, coordenadas y experiencias vitales. La entrega de 2019 es la entrega de las mujeres poderosas (y empoderantes), sí, pero también la de mayor proyección internacional hasta la fecha. Así, Photon Festival cruza el océano y suma a sus colaboraciones europeas un acuerdo el mexicano Festival Internacional de Fotografía NL-Foto en Monterrey. Ambas entidades han lanzado un premio que permitirá a la persona finalista disfrutar de una exposición en este evento. Este nuevo galardón se suma al premio de promoción europea que este año vendrá de la mano de Photo Romania Festival.

Conferencias, visionado de portfolios… y las míticas proyecciones nocturnas

Entre las actividades que componen la edición de 2019, se encuentran las conferencias de Liza Ambrossio, Anna Surinyah, Eva Máñez o Yolanda Domínguez, entre otras ponentes. Además, el festival acoge sus ya míticas proyecciones nocturnas al aire libre, una cita de atmósfera casi mágica que ya resulta imperdible para los amantes de la fotografía. En esta entrega, algunas de las sesiones que se celebrarán en el claustro de La Nau son “Jarque, Carta Blanca”, organizada por Jorge Alamar y Pablo Casino; “Geografías del dolor”, de la periodista mexicana Mónica González; o la “Noche Festivales y Revistas internacionales”. Además, tanto las ponentes que integran la edición como los aspirantes a la beca PhotOn darán a conocer su trabajo en sendas veladas de proyecciones. Otra de las grandes citas que se entroncan en el ADN originario del PhotOn es el visionado colectivo de portfolios. Y, obviamente, la edición de 2019 no iba a ser una excepción: en esta ocasión los encuentros en los que reconocidos profesionales del sector estudiarán la obra de autores emergentes seleccionados se realizarán los días 10 y 11 de mayo.

‘Ceremonia del vodoo‘, de Eva Máñez, perteneciente al proyecto ‘Agitadoras de conciencia’. Fotografía cortesía de PhotOn.

#BecaPhotOn 2019

Un año más, esta gran celebración de la fotografía ha puesto en marcha en 2019 su reconocida #BecaPhotOn, una de las más importantes de España y dotada con 8.000 euros. En esta edición la iniciativa ha recibido proyectos de proveniente de Italia, España, Francia, Argentina, Ecuador, Costa Rica, México, Brasil, Hungría, Bélgica, entre otros países. Además, por primera vez también ha participado en el certamen ciudadanos de Japón. El jurado de la presente entrega cuento con Alfredo de Stefano, director de la Revista Luz del Norte de México y director del Festival de fotografía contemporánea de Monterrey N.L (México); y Sebastian Vaida, director del festival de fotografía PhotoRomania Festival (Rumanía), además de a los responsables de PhotOn Festival. Este equipo de expertos han seleccionado como finalistas de la beca a los autores David Arribas (España), Dawid Zieliński (Polonia), Florencia Trincheri (Argentina), Ignacio Marín (España), Karl Mancini (Italia), Marco Panzetti (España), Simone Tramonte (Italia), Vasiliy Kolotilov (Rusia), Wayra Ficapal (España), Ciro Battiloro (Italia).

Las sedes

Decir PhotOn supone también hablar de cómo la fotografía inunda València durante un puñado de días luminosos. Así, el festival cuenta entre sus sedes con La Nau, el Centre Octubre de Cultura Contemporània, la Fnac San Agustín y la Sala Colón de Metro València, espacios que componen un particular circuito expositivo por las arterias del ‘cap i casal’. Además, las imágenes se apoderan también del transporte público de la urbe, pues las piezas que componen la muestra ‘Agitadoras de conciencia’ abandonan los centros tradicionales de exposición para colmar las marquesinas de los autobuses de la EMT y las vallas de Metro València. ¿No es acaso la fotografía un viaje definitivo a través de las pupilas de los creadores? La novena edición del festival se lleva a cabo gracias al patrocinio del Centre Cultural La Nau, sede oficial, la Fundación Cañada Blanch, Sigma, One Shot Hotels y La imprenta CG. Como colaboradores y mediapartners el festival cuenta con EMT València, Metrovalencia, Centre Octubre, FNAC y Cerveza Turia, un año más, es la cerveza oficial del festival.

Imagen de la obra ‘Little Black Dress’, de Yolanda Domínguez. Fotografía cortesía de PhotOn.

MAKMA

La caricatura costumbrista de Panxito y Kolo

‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’, by Kolo
NPQ Editores, 2019
54 Fira del Llibre de València
Jardines de Viveros
Patio del Museo
Sábado 4 de mayo de 2019 a las 18:00

Concitado el orbe librero y editorial en los huertos taifas de Viveros, eclosiona, entre rúbricas y dedicatorias, un sujeto comedidamente enjuto y cuantiosamiente dichoso, barbiespeso y bermejo, abnegado y didáctico, que porta consigo un agudo y cáustico dietario gráfico, aflautado y costumbrista de las vicisitudes y contingencias estacionales acaecidas y procuradas junto a su expósito y sagaz cómplice: Raúl Colomer, Kolo.

Con motivo de la reciente publicación de ‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’ (NPQ Editores, 2019) y su presentación en la 54 Fira del Llibre de València –este sábado 4 de mayo a las 18:00, en compañía del escritor Vicente Marco, autor del prólogo–, MAKMA entrevista a Kolo en pleno y ubérrimo atletismo ferial, con el fin de conocer algunos detalles del volumen y de los diversos proyectos en curso que atesora el artista alborayense, huérfano por estos lares, ineludiblemente, del conspicuo can.

¿Quién es Panxito y en qué circunstancias entró a formar parte de tu existencia?

Panxito es mi perrete y compañero. En mi familia siempre hemos tenido perro y yo, después de una temporada viviendo y yendo de aquí para allá por temas laborales, empezaba a estabilizarme en Valencia con el tema de la ilustración y el diseño; el ronroneo de la compañía de un perro lo llevaba de siempre. Fue mi prima quien un día me llamó y me dijo que había rescatado a un perro que iba por en medio de la carretera; si conocía a alguien que lo pudiera adoptar. Y ese alguien fui yo. Lo vi y nos enamoramos.

¿Cuándo realizaste la primera viñeta con ambos como protagonistas? ¿Habías merodeado antes por el humor gráfico?

La primera viñeta la hice en 2016, a lápiz, en una hoja cuadriculada y arrugada, pero no fue hasta 2018, más o menos, cuando ya empecé a publicarlas en las redes de una forma periódica. En cuanto al humor gráfico, como viñeta pura y dura, no de una manera profesional, pero (y ahora voy a divagar) las raíces y referentes de la mayoría de los ilustradores de mi generación son los cómics, sobre todo de Mortadelo y Filemón, Superlópez, Astérix, etc. Y eso lo llevas siempre. En otros trabajos de ilustración, como infantil e, incluso, cartelería, si la ocasión lo requiere, siempre incluyes matices del humor gráfico.

Viñeta que principia la estación invernal de ‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’ (NPQ Editores, 2019). Fotografía cortesía del artista.

Tomar la determinación de publicar una viñeta diaria matutina y compartirla con inmediatez en tu perfil personal de Facebook ha contribuido a grangearte una numerosa, activa y heterogénea audiencia. ¿Consideras que este manifiesto ejercicio de perseverancia y regularidad, combinado con la incursión temática en el universo de lo cotidiano, han sido determinantes para trascender y universalizar vuestras singladuras?

Sí, sin duda, pero ha sido recíproco; de hecho, son los comentarios y el cariño de la gente, sobre todo por Panxito, los que me animan, día a día, a subir la viñeta de Panxito matutina.

¿Cuáles son los grandes/pequeños temas fundamentales que se concitan en ‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’?

Todo gira alrededor de la caricaturización de la cotidianidad, de los pequeños detalles que forman parte de nuestra vida, que ahora damos como triviales, pero luego son los recuerdos que con más ternura rememoras.

La lectura de ‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’ (NPQ Editores, 2019) así lo confirma. Fotografía cortesía del artista.

¿Has estimado o te han sugerido realizar humor gráfico político?

Sí, de hecho, publiqué varias viñetas en alguna revista digital y subo alguna a redes de vez en cuando, pero no acaba de interesarme; le veo un tono de confrontación que no acaba de agradarme y no lleva a ningún lado. No es que lo critique, sino que, incluso, lo encuentro necesario, pero prefiero seguir otro camino; aparte, creo que estamos sobresaturados de una información política que cada vez más se parece a la prensa amarilla o a la liga de fútbol. Cuando se habla de las personas se habla de una forma genérica, aunque también hay que decir que somos nosotros mismos los que repetimos como loritos todo lo que nos quieren meter… Me he puesto muy serio. ¿Saben aquell que diu…?

¿Piensas que transitar del ámbito digital al feudo del papel ha sido un camino ineludible? ¿Ha auxiliado su incursión en el mapa editorial a dotar de orden y un sentido diverso al microcosmos de Kolo y Panxito?

Sí, no era la intención, pero ya el año pasado Quique y Paz, de la editorial NPQ, fieles seguidores de Panxito, me lo propusieron y la insistencia de la gente acabó por convencerme. En cuanto al orden, no soy muy ordenado, pero sí le ha dado, cuando menos, un envase.

Teresa Ramos junto a sus hijos, Javier, Juan Luís y Kolo, amén de Panxito, con motivo de la exposición ‘Deportes Colomer’, en homenaje a Teresa. Fotografía cortesía del artista.

Además de esta ya dilatada dedicación matinal, te has vinculado profesionalmente con el escritor Vicente Marco, conformando juntos el proyecto MarcoKolo. ¿En qué consiste?

Vicente y yo ya llevamos muchos años trabajando juntos y hace tres o cuatro creamos MarcoKolo, que es una especie de marca que abarca desde proyectos artístico-literarios, hasta un amplio abanico de talleres donde cohabitan la ilustración, la escritura, el teatro, la escenografía, la pintura, el cómic, etc. Tanto para un público infantil como adulto.

Igualmente, una razonable parte de tu trabajo se emparenta con la pintura ¿Atesoras algún proyecto en curso o una exposición en el horizonte?

Sí, precisamente el 10 de mayo, y en homenaje a mi madre, inauguro junto a mis hermanos y ella misma una exposición que combina ilustración y pintura. Aparte, junto a unos amiguetes, Alex Badal y Monty, hemos formado El Embarke, que consiste en un espectáculo de poesía, música y pintura en directo; y también junto a Nayra López Martos estamos preparando, con vistas a después del verano, una exposición conjunta llamada ‘Caretas y caretos’, donde, con dos estilos muy diferentes, casi extremos, nos adentramos en el interior del ser humano a través de los rostros.

Pintor, diseñador gráfico, ilustrador, cartelista y docente. Pareces erigirte en un artista tan prolífico como ubicuo. ¿De qué modo organizas tu tiempo?

No lo sé.
Yo solo quiero irme a mi pueblo a andar por la montaña.

Kolo y Panxito celebran, ufanos, la publicación de ‘Diario de un perroflauta. Panxito y yo’ (NPQ Editores, 2019). Fotografía cortesía del artista.

Jose Ramón Alarcón

La vanguardia social de Léger en el IVAM

‘Fernand Léger y la vida moderna’
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Guillem de Castro 118, Valéncia
Del 3 de mayo al 15 de septiembre de 2019

«Fernand Léger fue un artista de su época y de su tiempo, imbuido de ese mundo fragmentado, moderno e industrializado de los años 30 que le tocó vivir». El director del IVAM, José Miguel G. Cortés, y el comisario Darren Phi, han presentado la exposición ‘Fernand Léger y la vida moderna’, organizada por el museo en colaboración con la Tate Liverpool, que presenta a Léger como un artista comprometido socialmente que creó su propio lenguaje innovador lidiando con el mundo que lo rodeaba.

La muestra, en la que colabora la Fundación Banco Sabadell y que se exhibe del 3 de mayo al 15 de septiembre de 2019, reúne un centenar de obras, entre pinturas, dibujos, textiles, cine y fotografía, realizados por Fernand Léger desde 1918 hasta 1955, que presentan a «un artista multidisciplinar», como ha destacado Cortés, «que creó un estilo propio, algo que pocos artistas han logrado». Las obras proceden de museos como Tate Liverpool, Moderna Museet, Victoria & Albert, Centre Pompidou, Musée des Beaux Arts de Lyon o el Reina Sofía.

El comisario Darren Phi ha explicado que «Fernand Léger entendió que debía cambiar el lenguaje de la pintura. Aunque en sus obras veamos formas abstractas, resultan reconocibles, lo que enlaza con las obras de cubistas como Picasso o Braque». A partir de encontrar su propio estilo, su historia se ensancha, se abre y se ramifica, dejando como legado una obra exquisita y enorme. No obstante, Léger no se mueve solo en un plano estético. Estaba convencido de que el arte debía estar ligado a la realidad social de su tiempo. Y en su caso se trata de una sociedad industrial y urbana.

El comisario Darren Phi y el director del IVAM José Miguel G. Cortés junto a la obra ‘»Les Constructeurs»: l’équipe au repos’. Fotografía cortesía del museo.

«Léger creía que en todos los objetos cotidianos podemos encontrar la belleza», ha explicado el comisario sobre la obra ‘Nature morte à la chope de bière’ (1921 ), en la que se reconoce una jarra de cerveza en primer plano. Su obra «quiere conectar con la clase obrera, quiere crear un arte para toda la sociedad»

Junto a las obras que expresan la vivacidad de la era moderna, la exposición también incluye la película experimental ‘Ballet mécanique’ (1924), que el artista realizó en colaboración con Dudley Murphy y Man Ray, donde muestra su interés y admiración por el celuloide. «Entendió que el cine era un nuevo medio de expresión válido para llegar a las masas», en palabras del comisario. La tercera sala muestra el fotomural que el pintor francés realizó con la arquitecta Charlotte Perriand para el Pabellón de Agricultura de la Exposición Internacional de París en 1937, y que ocupa toda la pared. Léger también se comprometió con los acontecimientos políticos de su tiempo (a su regreso de EE.UU., tras la Segunda Guerra Mundial, se afilió al Partido Comunista). Concibió el arte moderno como vehículo de la educación, así como un medio para elevar la calidad de vida colectiva. Entre las últimas obras de la exposición se encuentra ‘Los Constructores’ (1950), en la que vemos a unos obreros construyendo los engranajes de una arquitectura metálica con un cielo azul intenso de fondo. «Esta obra encierra un mensaje personal de Léger: la unión hace la fuerza», ha comentado Darren Phi.

La exposición que le dedica el IVAM a Léger confirma que su defensa de un arte accesible para todos y su renovación del lenguaje artístico sigue siendo relevante hoy. Una influencia que fue muy importante para los artistas del pop art, como ha destacado el director del IVAM, quien ha anunciado la presentación de la exposición Equipo Crónica y las vanguardias que ahondará en los vínculos de artistas como Fernand Léger con el Equipo Crónica.

Imagen del fotomural realizado por Léger para el Pabellón de Agricultura de la Exposición Internacional de París en 1937. Fotografía cortesía del IVAM.

MAKMA

Consagrados al microrrelato

‘Los pescadores de perlas’, VV.AA.
Editorial Montesinos, 2019

Cada época tiene la literatura que se merece y necesita. Literatura que en su temática y estilo refleja los intereses y preocupaciones dominantes de quienes la crean y disfrutan. Por eso no es nada extraño que en esto tiempos de inmediatez, fragmentación y vértigo haya brotado una nueva forma de expresión literaria que ya tiene carta de naturaleza como cuarto género: El microrrelato. Los micros brotaron como hongos después de la lluvia con el cambio de siglo y, aunque en origen su espacio natural fueron los blogs y redes sociales, no tardaron en saltar al papel tanto en revistas literarias como en libros.

La revista Quimera fue una de las primeras en incluir en sus páginas a los autores de micros, en 2003 y dos años más tarde publicó una antología, ‘Ciempiés: los microrrelatos de Quimera’. Dieciseis años más tarde, Montesinos edita una nueva colección más ambiciosa y totalmente actualizada, coordinada por Ginés S. Cutillas, ‘Los pescadores de perlas’, un título homenaje a la ópera de Bizet. En ella aparecen 80 escritores de nueve países hispanohablantes, entre ellos dos valencianos: Elena Casero y Kike Parra. En la introducción, Cutillas da cuenta de la consolidación del nuevo género gracias a la concurrencia de diversos factores. Los congresos y simposios dedicados a él, los concursos, el interés de las pequeñas editoriales por potenciarlo, y la existencia de numerosas tesis y estudios sobre el tema.

“En estos últimos dieciseís años las temáticas de los microrrelatos han cambiado poco”, dice Cutillas. “El autor de microrrelato se parece al de aforismo en el sentido de que busca la verdad y quiere enviar un mensaje elevado al lector, por lo que el amor, la muerte, el sexo, los miedos ancestrales y los demás temas inherentes a la condición humana se ven representados en el género. Las extensiones, curiosamente, se han ido unificando. Existe una teoría de que microrrelato es aquello que cabe en una unidad visual. Si hablamos de un libro, sería una página, dos a lo sumo; si hablamos de Internet, lo que cabe en una pantalla de ordenador. También encuentras autores que arriesgan, y llegan a las tres o cuatro páginas apoyándose en la tensión narrativa que hayan sido capaces de construir, o, por el contrario, lo intentan con pequeños alumbramientos de unas pocas palabras. Creo que donde más se ha innovado es en la forma física de los microrrelatos, es decir, en la disposición espacial de los textos. Ahora se juega más con las formas: títulos más largos que los cuerpos o cuerpos inexistentes, caligramas, textos puestos en columnas a modo de espejos de las tramas, palíndromos. Todo esto sin dejar de lado el texto clásico, claro”.

Las biobibliografías de los 80 autores que incluye el texto dejan claro que su perfil es muy variado. ¿Pero se podría definir un perfil del lector de micros? “El lector de micros es un lector avanzado. Suelen ser personas que han leído mucho y se enfrentan a los textos en una suerte de desafío, aportar el cincuenta por cien al rompecabezas que ha planteado el autor. Al ser los textos tan exigentes, se suele dar que el lector de microrrelatos sea a su vez también escritor de estas pequeñas píldoras, pues no deja de ser un juego metaliterario entre personas que se enfrentan a la literatura desde una distancia más cercana”.

Para Elena Casero “escribir microrrelatos es un reto, un ejercicio de síntesis no siempre es fácil de conseguir”. Autora de cinco novelas y un libro de cuentos, además de otro de micros, Casero combina distintos géneros. “Estar en esta antología es un lujo. Ver tus micros entre tantos otros de grandes autoras y autores que han sido tus propios maestros, da un poco de vértigo. Exactamente el mismo que el hecho de que hayan aparecido previamente en un revista literaria como Quimera. Es un aliciente para seguir trabajando y estudiando la técnica de su escritura”. La música es su segunda pasión, pues Casero estudia piano y toca el oboe.

Por su parte, el alzireño Kike Parra, profesor de escritura creativa y director de la colección Microsaurio, considera que escribir microrrelatos “está dentro de lo que espero de mí como escritor”. “Me gusta escribir cualquier tipo de texto, simplemente por divertirme y aprender algo”, dice. “Si escribo poemas, lo hago para llevarme a terrenos que no suelo pisar. Lo mismo espero de los microrrelatos. A veces aún escribo microficciones, puede que funcionen o no, que me gusten o no. Aun así, lo hago. Estoy en un momento de mi vida en el que me atrevo a probar cualquier formato: novela, relatos, poemas, artículos… Escribir un buen microrrelato exige mucho. O se es casi perfecto, o no hay mucho que hacer. Por eso no entiendo a quienes consideran que escribir un buen microrrelato está al alcance de cualquiera. Escribir está al alcance de cualquiera; hacer algo destacable, ya no”.

“Tener unos cuantos textos cortos míos en ‘Los pescadores de perlas’ es un honor”, añade Parra. “Me hace feliz. No soy un autor consagrado del género, pero estoy muy contento de estar en una antología en la que hay nombres de algunos que sí lo son”, concluye Kike Parra.

Bel Carrasco