Sala Russafa levanta su telón virtual

‘Teatro de manta y sofá’ | Ciclo digital
Sala Russafa
30 de marzo de 2020

Sala Russafa levanta un telón virtual para ofrecer a través de su página web un ciclo de programación que irá cambiando periódicamente, con nuevas propuestas teatrales para adultos y niños, todas ellas de acceso gratuito.

La iniciativa ‘Teatro de manta y sofá’ se suma a las de otras salas, compañías, centros e instituciones que están ofreciendo cultura manera altruista durante el confinamiento decretado por el estado de alarma.

Y arranca con ‘Buscando al Mago de Oz’, escrita y dirigida por Chema Cadeña. La pieza se incluye en la Tetralogía de los Cuentos Políticos, comedias para adultos con música en directo, que parten de personajes e historias de la literatura infantil para hacer un ácido retrato de la sociedad contemporánea.

Precisamente, esta primera propuesta hace un guiño a la situación actual, ya que retrata las triquiñuelas de la política europea cuando varios países –cada uno representado en alocadas versiones de los entrañables personajes del cuento clásico– emprenden un viaje, siguiendo el camino de baldosas amarillas, hacia Bruselas en busca de ayudas para intentar sobrevivir a las consecuencias de un tsunami (que bien podría ser cualquier tipo de hecatombe) que ha puesto patas arriba a la nación.

La pieza se podrá disfrutar a través de la página web del teatro, en la sección de programación, a través del siguiente enlace:
https://salarussafa.es/espectaculo/1/buscando-al-mago-de-oz-online.html.

Y, al igual que ocurre durante la temporada teatral, la cartelera irá cambiando periódicamente para ofrecer nuevas propuestas, como el resto de espectáculos que componen la ‘Teatralogía de los Cuentos Políticos’ (‘Alicia en Wonderland’, ‘Viaje a Nuncajamás’ y ‘La Revelación’), ‘Matar al Rey’ o la pieza familiar ‘Lazarillo’, entre otras.

LA PROGRAMACIÓN DIGITAL DE SALA RUSSAFA INCLUYE OBRAS QUE VUELVEN AL ESCENARIO SÓLO DE MANERA ONLINE

Este ciclo digital está compuesto por coproducciones de la sala con Arden, la compañía impulsora del teatro de Ruzafa, y por montajes firmados en exclusiva por la compañía valenciana. Además, se va a invitar a colaborar a otras formaciones que han pasado por el centro cultural.

“Para nosotros es muy importante que se mantenga el valor de la cultura, por eso hemos escogido piezas que ya no están en gira, que ya han terminado su recorrido por los escenarios. Para quienes las vieron en su momento, pueden rememorar el buen rato que pasaron en la butaca. Y los que se las perdieron en el momento, ahora podrán verlas”, señala el director de Sala Russafa Juan Carlos Garés.

El equipo de la sala es consciente de que la experiencia teatral es única porque es en vivo, porque la cercanía de los actores, la emoción del directo y la complicidad con el público también son parte del espectáculo. “Pero, hasta que podamos volver a disfrutar de ese hecho social que es acudir a una función, este tipo de iniciativas nos mantiene en contacto con el público. Y nos permiten aportar un granito de arena a la labor social que está teniendo la cultura en estos momentos”, señala Garés, quien opina que sería de justicia que fuera declarada bien de primera necesidad, como ya han hecho en Alemania o Francia.

“Se está consumiendo mucha cultura estos días, música, literatura, películas, series, cine… y teatro, para sobrellevar mejor el confinamiento. Creo que nos está ayudando a mantener la mente despierta, activa y creativa. Son las virtudes que siempre ha tenido estar en contacto con las expresiones artísticas, pero quizá ahora las estamos notando más que nunca y debería de haber un reconocimiento a un sector que se ha volcado y, en muchas ocasiones, de manera altruista”, afirma el director de Sala Russafa.

IMPULSO NECESARIO AL SECTOR

El director de Sala Russafa es miembro de la directiva de AVETID (Asociación Valenciana de Empresas de Teatro y Circo) y está participando de la respuesta coordinada que trata de dar el sector a esta situación, en contacto con las instituciones autonómicas y nacionales.

“Sabemos que las circunstancias han sido sobrevenidas, pero hay que trabajar desde ya para atenuar la crisis en la que se encuentran las artes escénicas por la suspensión de las representaciones, que tiene consecuencias para las salas, los actores, las productoras… Son muchísimos los profesionales afectados”, afirma Garés.

Una de las primeras demandas es que las administraciones se pongan al día en el pago de las ayudas concedidas en 2019 que aún están pendientes. “Sería una inyección de liquidez para un dinero que las salas y compañías adelantaron en su momento, endeudándose en muchas ocasiones, con la confianza de que los pagos institucionales llegarían. Ahora que se ha cortado cualquier posibilidad de generar ingresos, sería una manera de aliviar su situación financiera”, propone el director de Sala Russafa y productor de Arden.

Junto a la exención o aplazamiento de tasas fiscales, cita otro tipo de medidas que podrían hacer más fácil el regreso cuando termine el estado de alarma: “Por ejemplo, que nos ayudaran con un programa de desinfección y saneamiento de los teatros, para generar confianza en el público. También con una campaña de comunicación realmente ambiciosa y coordinada para atraer públicos cuando vuelva a alzarse el telón. Hay que poner en valor la cantidad y calidad de propuestas escénicas de València y la Comunidad Valenciana porque va a haber mucha más oferta de la habitual”, adelanta Garés.

Es un problema con el que tendrán que lidiar teatros y compañías. El aplazamiento de espectáculos va a reunir en el arranque y durante toda la próxima temporada una gran cantidad de obras en la cartelera. “No sé si va a haber público para acudir a tantas representaciones. Pero nosotros estamos intentando mantener todos los compromisos que teníamos con las compañías que iban a mostrar sus obras en Sala Russafa este último tercio de la temporada. Por coherencia y empatía, las queremos reubicar en la próxima. Pero a partir de octubre ya teníamos otras piezas programadas, así que tenemos que hacer un puzle realmente complicado. Pero nos estamos esforzando al máximo que para intentar que ninguna se quede fuera”, afirman desde el teatro. Un quebradero de cabeza que será más fácil de resolver si el sector actúa unido y con la ayuda de las instituciones.

Un instante de la representación de ‘Buscando al Mago de Oz’, de Chema Cardeña. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

MAKMA

Entre el academicismo y la modernidad

‘Ni clásicos ni modernos. Buscando la verdad en el Museo de Bellas Artes’
Museo de Bellas Artes de València
San Pío V 9, València
Del 27 de febrero al 24 de mayo de 2020

El Museo de Bellas Artes de Valencia inaugura la exposición ‘Ni clásicos ni modernos. Buscando la verdad en el Museo de Bellas Artes’, que muestra obras que no están encuadradas con claridad en un periodo artístico concreto, transitando entre los años cincuenta y ochenta del siglo XIX y que ofrecen una nueva mirada sobre la pintura del siglo XIX.

Las pinturas de esta exposición se podrían denominar clásicas porque remiten a modelos antiguos, tanto por el tema como por la forma, y encarnan un canon estético e ideológico codificado, de raíz académica, siguiendo prácticas consolidadas por el uso, en cuanto a la creación, contemplación y destino como obras de arte. Pero, a la vez, podrían ser modernas por ser pinturas de su tiempo, por el mensaje de actualidad, por la destreza en la ejecución o por el conocimiento de los recursos representativos.

Vista de la exposición ‘Ni clásicos ni modernos’. Museo de Bellas Artes de València

‘Ni clásicos ni modernos’ analiza cómo el deseo de representar de forma sincera el mundo conocido empezó a cuestionar las convenciones de la belleza académica. Se trata de un momento de posibilidades abiertas, donde los principios tradicionales no han desaparecido, pero ya se detecta una gran autenticidad expresiva.

La exposición se compone de treinta nueve piezas seleccionadas de los fondos del Museo y una de la Diputación de València, y está dividida en cuatro secciones, tituladas ‘Pasado y emoción’ (pintura histórica, religiosa y decorativa), ‘Individuo y apariencia’ (retratos), ‘Escenario y lugar’ (paisaje) y ‘Pueblo y progreso’ (tipos y costumbres).

Se exhiben obras de Ignacio Pinazo, Francisco Domingo, Salvador Martínez Cubells, Antonio Gisbert, Raimundo de Madrazo, Francisco Pradilla, Martín Rico, Antonio Muñoz Degrain o Bernardo Ferrandiz , entre otros.

Carlos Reyero y Carmen Amoraga durante la presentación de la muestra ‘Ni clásicos ni modernos’ en el Museo de Bellas Artes de Valencia.

La directora general de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, y el director del Museo de Bellas Artes de València, que es el comisario de esta exposición, Carlos Reyero, han presentado los detalles de esta muestra que estará abierta hasta el 24 de mayo de 2020.

Carmen Amoraga ha considerado que esta exposición cumple un doble objetivo, “por un lado se muestra un periodo de la historia del arte que no se expone actualmente en la colección permanente del Museo y, por otro, salen a la luz fondos valiosos que guarda el museo”. Ha recordado que la difusión de lo que el museo contiene en sus almacenes es una de las líneas de actuación del actual director del Museo de Bellas Artes.

De las obras expuestas, solo una de ellas se encontraba en la colección permanente: ‘Retrato de señora vestida de negro’, de Raimundo de Madrazo, el resto han salido de los almacenes del museo. Algunas de las obras de esta exposición se han exhibido con anterioridad en exposiciones temporales, pero hay dos que no se han expuesto nunca: ‘El Clavari’, de José Benavent Calatayud, y ‘Mendigo’, de José Bru Albiñana.

Vista de la exposición ‘Ni clásicos ni modernos’. Museo de Bellas Artes de Valencia.

Las obras han necesitado la correspondiente revisión de las restauradoras del museo. De las 38 obras inspeccionadas y acondicionadas para esta exposición, dos de ellas han requerido una restauración más profunda: ‘Retrato de niños’, de Francisco Domingo Marqués, y ‘Mendigo, de José Bru Albiñana.

El director del museo y comisario de la exposición, Carlos Reyero, ha destacado la necesidad de “diluir, con una mirada alejada de prejuicios estéticos, la frontera que suele trazarse entre academicismo y modernidad, entre tradición artística y realidad visual. A través de un término más amplio, como es la búsqueda de la verdad, que cada artista persigue a su modo, la exposición invita a reflexionar sobre conceptos de plena actualidad, tales como tradición, memoria, identidad, emoción, grupo social, pueblo o patria, que son angulares en el ámbito cultural y artístico de la segunda mitad del siglo XIX”.

Detalle de la obra ‘Retrato de señora vestida de negro’, de Raimundo de Madrazo. Fotografía cortesía del Museo de Bellas Artes de València.

MAKMA

AVVAC, AVCA y ANIAV acuerdan medidas conjuntas

Acuerdo de colaboración de Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC), Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA) y Asociación Nacional de Investigadores en las Artes Visuales (ANIAV).

Comunicado Conjunto

Tras distintos contactos precedentes y ante la difícil situación en la que se mueve el sector en nuestro territorio, las asociaciones abajo firmantes, en representación de artistas, críticos e investigadores de las artes visuales, hemos celebrado una primera reunión para el análisis y puesta en común de nuestra problemática, acordando coordinarnos de manera estable a partir de ahora y para la realización de acciones tendentes a la mejora de las condiciones en las que nos encontramos, uniendo esfuerzos en su consecución.

En esta primera reunión, coincidimos en la necesidad proponer y trabajar ante las administraciones valencianas, entidades públicas y privadas, por el cumplimiento del Código de Buenas Prácticas, como ya hemos venido haciendo por separado, para lo que hemos consensuado un manifiesto de medidas urgentes.

Manifiesto conjunto de medidas urgente para el sector de las artes visuales

  1. Promover la activación del grupo de trabajo sobre las artes visuales, dentro de las MESA DE CULTURA dependiente de la Consellería de Cultura.
  2. Impulsar la creación de un Observatorio para la difusión y control del cumplimiento de las BUENAS PRÁCTICAS en el sector, promoviendo leyes y medidas que impulsen la adaptación y cumplimiento de éstas.
  3. Proponer la creación y dotación presupuestaria de AYUDAS PARA LA CREACIÓN que DESCENTRALICEN la oferta actual y que garanticen la IGUALDAD DE OPORTUNIDADES en el desarrollo de proyectos y exhibición de artistas visuales en todo el territorio. Estas ayudas la entendemos como ayudas a proyectos específicos o de promoción, producción, documentación, desarrollo, encuentro o exhibición fuera de los centros establecidos y con la ayuda y asesoramiento del sector.
  4. Trabajar por el compromiso de que la cultura no será solo impulsada de modo INSTRUMENTAL como promoción turística o desde objetivos ajenos al desarrollo territorial y de las/os ciudadanas/os.
  5. Presionar y concienciar para que las asociaciones profesionales formen parte de los consejos asesores de las distintas instituciones vinculadas a la promoción, producción y exhibición del arte, llevando adelante una verdadera política institucional de APOYO A LAS ASOCIACIONES del sector, promoviendo una PARTICIPACIÓN REAL Y EFECTIVA.
  6. Apoyar decididamente el desarrollo del ESTATUTO DEL ARTISTA, desde el ámbito territorial que nos afecta y en las medidas que sean de nuestra competencia.
  7. Insistir en que se abra una línea de AYUDAS A LAS ASOCIACIONES PROFESIONALES AGRUPADAS, que apoye su desarrollo y el funcionamiento interno, así como su territorialización.

AVVAC

Picasso, modelos del deseo

Centro Cultural Fundación Bancaja
Plaza Tetúan, 23, Valencia, España
Comisariado: Fernando Castro
Hasta el 1 de marzo de 2020

Desde el 22 de noviembre de 2019 hasta el 1 de marzo de 2020, el Centro Cultural Fundación Bancaja (Valencia) nos presenta la exposición titulada, ‘Picasso. Modelos del deseo’. Un proyecto, comisariado por Fernando Castro, que propone un recorrido por la obra tardía del pintor malagueño y por todo su imaginario creativo con el deseo como motivación de su creación artística. Un deseo picassiano, que se presenta a través del conjunto de obras expuestas, que incluso en su vejez, llevan al encuentro erótico y a la idea de que el arte es un vehículo para el placer, al ser consciente de que el arte puede ser una promesa de felicidad.

La exposición, que cuenta con la colaboración de Bankia, reúne una selección de 228 obras datadas entre 1961 y 1972 de la colección gráfica de Picasso que se muestran junto con 35 fotografías tomadas al artista entre 1944 y 1969, procedentes de los fondos del Museu Picasso de Barcelona.

Junto a la selección de linóleos y las series completas de Retrato de familia (1961-62) y Los fumadores (1964), la exposición descansa principalmente en la producción de la Suite 347 (1968) y la Suite 156 (1970-72). Una serie de grabados realizados en sus últimos cinco años de vida. La aproximación a la muerte, fue la razón por la que se volcó en el acto creativo como remedo del acto sexual, temática central de sus grabados, que constituyen una de sus más intensas obras en las que retoma toda su imaginería, pasando desde el tema central del pintor y la modelo, hasta la introducción de tonos humorísticos que llegan incluso a ser grotescos. Toda esta selección de grabados conforma un autorretrato en forma de diario erótico, en el que se registran sus fantasías y desengaños.

Fotografía cortesía de Fundación Bancaja
Picasso. Modelos del deseo

La serie Suite 347 (1968), realizada por Picasso entre el 16 de marzo y el 5 de octubre de 1968, está compuesta tal y como indica su título por un total de 347 grabados, entre los que se encuentran desde escenas circenses a imágenes de intenso tono erótico. Esta serie se presentó en la galería parisina de Louise Leiris el citado año, desde donde se trasladó al Art Institute de Chicago. Forma parte de los fondos artísticos de la Fundación Bancaja, siendo una de las cinco series realizadas por Picasso y firmadas a lápiz.

Respecto a la segunda serie, Suite 154, fue realizada entre enero de 1970 y marzo de 1972. También fue expuesta en la galería Louise Leiris con Picasso en vida (1973). Solo hay tres series completas de los grabados de la Suite 156, y la de Fundación Bancaja es una de ellas.

Suite 347
«Diario íntimo»
Fotografía, cortesía de Fundación Bancaja

El recorrido por la exposición, comienza con un grabado de Adán y Eva, reflejando el potencial de la imaginación del artista respecto a la temática del sexo y el propio placer, expuesto de manera que se considera como un pecado original junto a una visión de Picasso convertido en un turista que regresa imaginariamente a la ciudad de Barcelona. Un primer bloque, que continua con una selección de grabados del circo, que pone en diálogo con las series de Rafael y la Fornarina, y el perfil de Degas, quien entra al burdel como un voyeur. Además, se recogen también obras que tienen como tema central al pintor y las modelos, y una reinterpretación de Las Meninas, de Velázquez.  

A lo largo de la muestra, podemos percibir que el cuerpo de la mujer desnuda ocupa el cuerpo central de la propia muestra, añadiendo pasajes sobre los retratos y representaciones grotescas del ser humano que formulan  una evocación del placer perdido. Finalmente, el recorrido llega a su culminación con el grabado de la imagen de La Celestina. Picasso vuelve sobre la vieja alcahueta con la que vendría a identificarse.

Suite 347
Fotografía cortesía de Fundación Bancaja

La exposición continua, ofreciendo un acercamiento al Picasso más maduro, y lo hace a través de la presentación de 35 fotografías de algunos de los fotógrafos  más relevantes que han dejado testimonio al entorno creativo del artista, imágenes de David Douglas Duncan, André Villers, Jacqueline Roque, Robert Capa, Edward Quinn, Michel Sima, Lucien Clergue y Roberto Otero. En ellas, aparece Pablo Picasso trabajando en sus últimos años en algunos de sus estudios.

35 fotografías
Imagen, cortesía Fundación Bancaja.

Al mismo tiempo, tres filmaciones con Picasso como protagonista y en las que también se puede ver al artista trabajando en los mencionados estudios, en el proceso de creación: Pablo Picasso a Vallauris (1954), de Luciano Emmer; Guerre, paix et amour (1972), de Lucien Clergue; y El Misterio Picasso (1956), de Henri-Georges Clouzot.

El catálogo, reproduce las obras presentes en la exposición con textos críticos del comisario, Fernando Castro, y del director del Museu Picasso de Barcelona, Emmanuel Guigon. Y además, con el objetivo de profundizar en la obra de Picasso, durante el mes de Febrero, tendrá lugar el seminario Pablo Picasso. Modelos del deseo y obsesiones gráficas, que contará con la participación de investigadores, críticos y especialistas en arte.

Grabado
Picasso. Modelos del deseo
Fotografía, cortesía de Fundación Bancaja

Es, por tanto, a través de la exposición ‘Picasso. Modelos del deseo’ donde hemos tenido el placer de conocer el vigor que mantiene un Picasso octogenario distante de las corrientes artísticas contemporáneas surgidas tras la Segunda Guerra Mundial, al girar la temática central de su obra entorno al voyeurismo, y convirtiendo la impotencia en la reinvención del placer.

Así queda inscrita la obsesión por el deseo y el placer corporal que sentía en el mismo título de la exposición.

Adriana Florentino

Arranca Humans Fest

Humans Fest
Varias sedes
Valencia 2020

El Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos; Humans Fest, bajo el manto de la Fundación por la Justicia, celebra su XI edición, y en esta ocasión, asume como lema central la “Corrupción”, una temática que según su actual director; Samuel Sebastián “es importante porque en el cine valenciano no se ha debatido lo suficiente sobre este tema y, por tanto, debíamos comenzar este debate”. Por eso mismo, se ha decidido otorgar el Premio por el cambio Social, que ha comenzado a otorgarse este mismo año, a la AVM3J (Asociación de Víctimas del Metro del 3 de Julio) para reconocer su incansable lucha por desvelar la verdad del accidente del metro valenciano. También se hará entrega del “Premi Pau y Justicia” a Pepe Viyuela, quien, mediante su trabajo comprometido en las causas sociales, ha sabido aportar una visión más amable a realidades sociales sumamente duras.

El Festival, que celebra la nueva edición entre el 18 de febrero y el 1 de marzo pero se extiende en eventos todo el año, acogerá las distintas proyecciones y actividades en cuatro espacios: La Filmoteca, la SGAE, Octubre y la Universidad Politécnica de Valencia. Por otro lado, el programa incluye algunas exposiciones que se celebrarán en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea y La Primera.

Dentro de las novedades que se abren paso este año destaca la incorporación de la temática de ficción a la Sección Oficial de Largometrajes, en la que se proyectarán películas presentadas previamente a otros festivales mundiales tan conocidos como Venecia, San Sebastián o Karlovy Vary. Algunos de ellos serán “Woman” de Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova, “La cordillera de los sueños” de Patricio Guzmán o “System crasher” de Nora Fingscheidt. Además, por primera vez se presentará una sección competitiva valenciana, Humans VLC. Dentro de esta sección encontraremos producciones con un largo recorrido como “Makún” o estrenos como el de “Una vida, un bolso”.

Por otro lado, con lo que respecta a la Sección Oficial de Cortometrajes, contará con la proyección de cortos como “Maras” nominado a los Goya o “Exiliada”, donde se denuncian los abusos de Daniel Ortega, actual presidente de Nicaragua. Además se estrenará el documental sobre las protestas en Chile “#Chiledespierta” o el corto valenciano “Casa” de Alberto Evangelio.

fotografía de la rueda de prensa del Human Fest.

El festival, junto con la colaboración de la Universitat Politécnica y el festival “Prime the Animation! New talent film festival”, apoyará a los más jóvenes a través del proyecto Future(s) desde el que se realizarán una serie de proyecciones, principalmente de cortos de animación, que ponen de manifiesto el talento valenciano. Se debe mencionar también el Human Films Zero, un sector que comienza este año y que se preocupa por las producciones de mínimo coste para el medio ambiente. No menos importante es el programa “Mujeres del mundo” donde se proyectarán películas realizadas por mujeres de distintos orígenes con el objetivo de reivindicar la escasa presencia femenina en el mundo del cine. Además, se impulsará la campaña “Filmen elles, guanyem tots” donde se promocionan las obras fílmicas producidas por mujeres, especialmente valencianas.

En lo que respecta a las dos exposiciones previstas, el 30 de enero comenzará “Huellas en el alma” de Ana Yturralde, donde la artista realiza una retrospectiva de su propio trabajo centrándose en aquellos grupos de personas que son ignorados y excluidos. Mientras que el 19 de febrero se inaugurará “Mujeres de Cluj” de Loyola Pérez de Villegas Muñiz en La Primera, que trata la migración en Rumanía.

El compromiso del Festival con los derechos humanos parece no limitarse a unos días concretos, sino que se extiende en el calendario anual, abarcando con sus eventos propuestas en abril (como un ciclo de cine en la Filmoteca), septiembre (con una exposición en la Casa del Reloj) y octubre (con la presentación del programa Mujeres del mundo), pues, como afirma el ya mencionado Samuel Sebastián “lo que nos importa es que haya una denuncia entorno a la vulneración de los derechos humanos”.

Samuel Sebastián, actual director del Human Fest, junto al cartel de este año del Festival.

Sofía Torró Álvarez

Espejismos y desaprendizaje del art brut en el IVAM

‘¿Qué fue del Art Brut?’
Jornadas de reflexión con motivo de la exposición ‘Jean Dubuffet. Un bárbaro en Europa’
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Guillem de Castro 118, València
Viernes 24 y sábado 25 de enero de 2020

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) organiza, el viernes 24 y el sábado 25 de enero, las jornadas ‘¿Qué fue del Art Brut?’, con el objetivo de reflexionar sobre esta corriente artística y sus influencias en distintos ámbitos con motivo de la exposición ‘Jean Dubuffet. Un bárbaro en Europa’ que acoge el museo hasta el 16 de febrero de 2020.

‘Henri Michaux acteur japonais’, de Jean Dubuffet. Fotografía cortesía del IVAM.

Fue el artista francés Jean Dubuffet quien acuñó en 1945 el término ‘Art Brut’ para referirse a las obras creadas por personas ajenas al mundo artístico, sin formación académica y fuera de la cultura oficial. Un término que será objeto de análisis en el IVAM a lo largo de estas jornadas gratuitas (previa inscripción) para determinar la actualidad de estas prácticas y sus múltiples derivaciones e interferencias.

La crítica de arte, comisaria de exposiciones y dibujante Mery Cuesta abrirá el congreso el 24 de enero a las 18:00 con su conferencia ‘El arte irreductible: Espejismos del Art Brut’. La ponencia de Luis Sáez, director artístico del colectivo Debajo del Sombrero, cerrará la jornada analizando los ‘Lenguajes pasivos del arte. Lenguajes padecidos’.

El sábado 26 de enero la investigadora y comisaria especializada en art brut, Graciela García, abordará esta corriente artística en su conferencia titulada ‘Art Brut. Desaprendizaje para artistas locos por descondicionarse’. El realizador audiovisual, comisario y pintor Andrés Hispano clausurará el simposio con la charla ‘El triunfo de Hiperia. Una centralidad para el arte Outsider’.

Detalle de la exposición ‘Jean Dubuffet. Un bárbaro en Europa’. Fotografía cortesía del IVAM.

MAKMA

Señor de rojo en atmósfera gris

‘Señora de rojo sobre fondo gris’, de José Sámano
Adaptación de la novela homónima de Miguel Delibes
Con José Sacristán
Teatro Olympia
San Vicente Mártir 44, València
Hasta el 2 de febrero de 2020

Considerado por una generosa parte de la crítica literaria –que, omnímoda, poblaba con sus diligentes mecanografías las principales redacciones del último cuarto del siglo XX– como uno de los más eminentes novelistas de la historia de la literatura española –incluido en el florilegio junto a Cervantes y Galdós (¡carape!)–, Miguel Delibes Setién (Valladolid, 1920-2010) alumbró durante buena parte de su fecunda y dilatada trayectoria literaria un modo de narrar/escudriñar de vita et moribus, edificando en sus obras “una Castilla seca, dura, pobre, trabajadora, donde la penuria y la escasez es escasez y penuria y no literaria austeridad” (Francisco Umbral dixit).

Provisto de un límpido y específico castellano, Delibes pormenoriza la acción con infatigable suficiencia de la palabra precisa a través de la síntesis narrativa de sus personajes –predilección estilísitca edificada desde sus incios en El Norte de Castilla, en cuyo negociado de provincias “aprendí algo fundamental: decir mucho en poco espacio”, matizaba el autor en ‘Un año de mi vida’ (Destino, 1972).

Provisto de tales principios en el costal literario, el autor pucelano los ha paseado por la narrativa ortodoxa, el relato hechizado, los dietarios, las epístolas y las singulares haciendas del monólogo –territorio, este último, necesitado de la excepcionalidad (insólita y cualitativa, confesional y lírica)–. Y deba ser en los predios del soliloquio donde la voz del autor se torne, ineludiblemente, elegíaca, como así sucede, efectivamente, en ‘Cinco horas con Mario’ (1966) y ‘Señora de rojo sobre fondo gris’ (1991), tan semejantes en armadura como antagónicas en sus intenciones.

Será esta última en la que Delibes desabrigue, con carácter insólito, su trayecto vital más descarnado y afligido, pertrechando a su personaje –Nicolás, un célebre pintor abatido, in vita et in labore, por el fallecimiento de su esposa– con las cuitas verídicas y personales sufridas por el escritor con motivo de la enfermedad y óbito ulterior de su cónyuge Ángeles de Castro en 1974.

Desde su publicación, en los albores de la década de los noventa, han sido diversas e infructuosas las tentativas (y reticencias del novelista por razones de pudor y decoro) para adecuar la obra a las exigencias cinematográficas (Pilar Miró) y teatrales (José Sacristán), siendo, finalmente, sus herederos quienes procuraran el imprescindible nihil obstat para que el excelso actor chinchonense y el productor y director teatral José Sámano (recientemente fallecido) permutaran Señora de rojo en acontecimiento escénico desde el otoño de 2018, cuya gira nacional comparece en el Teatro Olympia de València hasta el 2 de febrero de 2020.

Mi gran curiosidad por ver cómo resolvía el fondo del cuadro no se vio defraudada: lo eludío, eludió el fondo; únicamente una mancha gris azulada, muy oscura, en contraste con el rojo del vestido, más atenuada en los bordes” (Nicolás, ‘Señora de rojo sobre fondo gris’)

‘Señora de rojo sobre fondo gris’, de Eduargo García Benito.

De este modo, Sámano, Sacristán e Inés Camiña rubrican una adaptación que procura concentrar los más relevantes y literales pasajes del monólogo, uniformando el estudio del pintor con el tono acrómático, plomizo y sombrío que predomina en el horizonte emocional del personaje (acierto escenográfico de Arturo Martín Burgos e inane, por contra, la iluminación implementada por Manuel Fuster, que desequilibra la atmósfera), acaso como si Nicolás/Delibes habitara en las penumbras del fondo fidedigno del cuadro que protagoniza Ángeles de Castro –pintado con elocuentes y gentiles pinceladas por el ilustrador, retratista y diseñador Decó Eduardo García Benito– y que presidió, incólume, el despacho del escritor durante el resto de sus días.

‘Señora de rojo sobre fondo gris’ encomienda su corpus dramático al ejemplar y prolijo oficio de Sacristán, remo embrionario y capital de una función supeditada al magisterio de su dicción y vigor recitativo, henchido de argucias y timbres graves y agudos con los que mantener despabilada a la audiencia, que debe permanecer atenta a la deriva confesional de los acontecimientos in absentia, siendo este un trance habitual en las cenagosas superficies del género del monólogo.

“Este tipo de obra donde no pasa nada –no hay acción externa– corre el riesgo de producir el aburrimiento e incluso el sopor”. Recupero aquí una atinada reflexión rubricada por Eduardo Haro Tecglen (El País, 9 de septiembre de 1989) con motivo de la representación de ‘La guerra de nuestros antepasados’, adapatación de la obra dialogada de Delibes, cuyo personaje protagonista, Pacífico Pérez, encarna el propio José Sacristán, acerca de cuyas virtudes Tecglen asevera: “El lenguaje puro castellano es un aliciente para escucharlo, y la interpretación de José Sacristán otro de la misma importancia”.

Impresiones que un servidor secunda asociadas a la presente Señora de rojo, siendo la prosodia del actor lo más destacado de un texto falto de oxígeno, que fatiga en lo narrativo y brilla cuando se torna lirismo descriptivo; solo entonces el relato se pausa y respira, y cobran sentido y presencia el desconsuelo por la pérdida y la desorientación creativa, la aflicción y la necesidad taciturna del recuerdo: la elegía.

A pesar de estas desigualdades y siendo ‘Señora de rojo sobre fondo gris’ la más que probable despedida de los escenarios de José Sacristán, deba ser este motivo suficiente para justificar la asistencia.

José Sacristán (Nicolás) durante un instante de la representación. Fotografía cortesía de Pentación Espectáculos.

Jose Ramón Alarcón

Llega el escándalo de Pierre Rigal

‘Scandal’, de Pierre Rigal
Danza
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. València
Sesión única: 18 de enero de 2020, a las 20.30 horas

El francés Pierre Rigal -uno de los grandes coreógrafos de la escena europea- atleta, matemático y cineasta, lleva hasta el escenario del Teatre El Musical ‘Scandal’, su particular visión de la juventud moderna y su capacidad para explorar los nuevos lenguajes de la danza contemporánea. Se trata, sin duda, de una oportunidad única para disfrutar de uno de los grandes creadores del momento, que trasladará su universo a la sala del Cabanyal-Canyamelar mediante un montaje que incluye más de una veintena de técnicos y bailarines.

Un momento de ‘Scandal’, de Pierre Rigal. Foto: Pierre Grosbois

Todos ellos, acompañados de música en directo, interpretan arriesgadas coreografías y convierten sus cuerpos en instrumentos que integran la banda sonora del espectáculo. En este sentido, la respiración de todos ellos constituye un elemento esencial del movimiento, dando lugar a una sonoridad creada a partir del aire que entra y sale de los pulmones y que se completa con pasajes de hip hop, palabras de amor incomprensibles, onomatopeyas de rebelión y lamentos de esperanza. De este modo, la obra se convierte en una representación de la juventud, de sus miedos y emociones, mediante una serie de coreografías capaces de desafiar las leyes de la gravedad y la anatomía.

Pierre Rigal se formó inicialmente como atleta, estudió matemáticas y economía y completó su trayectoria con un master de cine. Poco a poco, se fue acercando a los bailes urbanos que encontraba en las estaciones de metro de Toulouse, lo que le llevó a rodar diferentes documentales al tiempo que se preparaba como bailarín y coreógrafo. En 2003 nacía su compañía Dernière Minute, y se iniciaba una brillante trayectoria escénica que desde entonces no ha hecho más que consolidarse, incluyendo representaciones en la Ópera de París.

Imagen de portada: Pierre Grosbois

Petit Mal presenta en vinilo ‘Andar sobre hielo frágil’

Presentación del vinilo ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, València
Jueves 16 de enero de 2020 a las 19:00

El grupo valenciano Petit Mal presentará el jueves 16 de enero de 2020, a las 19:00, en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia, la edición en vinilo de su disco ‘Andar sobre hielo frágil’.

Versión en vinilo de ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal. Fotografía cortesía de Discos Sféricos.

El acto, de entrada gratuita, será conducido por el periodista José Ramón Alarcón (MAKMA y Ecomunicam) y contará con las intervenciones de dos de los componentes del grupo, Anna Sanz de Galdeano (violín y coros) y Suso Giménez (letras, guitarra acústica y voz), a quienes acompañarán también Paco Morillas (productor del álbum), Antonio Ballesteros (diseñador de la identidad gráfica del disco), Marisa Giménez (directora de Discos Sféricos), Javier Pérez (director y presentador del programa Club de Amigos del Crimenen Radio Klara) y Enrique Victoria (actor e historiador). Petit Mal cerrarán la sesión interpretando en directo algunas de las piezas incluidas en ‘Andar sobre hielo frágil’.

Integrado originalmente por Suso Giménez, Anna Benavent y Juan Luis Salmerón, Petit Mal se estrenó discográficamente en 2005 con ‘Finlandia’. Con el tiempo, el álbum se ha convertido en una joya casi de culto para los aficionados al pop intimista, melancólico y de alta sensibilidad. Tanto es así que una década después, cuando la banda llevaba ya varios años en barbecho, once artistas y grupos locales de distintas generaciones y estilos (Gilbertástico, El Ser Humano, Néstor Mir y Perro Grande, entre otros) versionaron a modo de homenaje las canciones de ‘Finlandia’. El resultado se pudo disfrutar en ‘Visiones finlandesas’. Entre ‘Finlandia’ y su tributo, Suso Giménez reformó Petit Mal para registrar en 2008 un epé de cinco temas titulado ‘Me conoces bien’. Acto seguido volvió a guardar la guitarra en el armario.

Videoclip de la canción ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal. Diseño de Antonio Ballesteros y animación de Manuel Olías.

La aparición en 2015 de ‘Visiones finlandesas’, no obstante, animó al cantante, compositor y guitarrista a retomar su proyecto y, de este modo, el trío original, acompañado por Anna Sanz de Galdeano y distintos artistas invitados (como el actor, autor y director teatral Xavo Giménez, que se les unió al banjo, el veterano batería y percusionista Dani Cardona o el afamado teclista Gilberto Aubán), se reunió para grabar un nuevo trabajo, ‘Andar sobre hielo frágil’, bajo la producción del también bajista Paco Morillas. Con estas canciones, Petit Mal regresó a los escenarios con excelentes críticas durante el año 2019.

Bandcamp de ‘Andar sobre hielo frágil’, de Petit Mal

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En privado y al oído: Prostíbulo Poético

Prostíbulo Poético | Happeging poético y poesía vis a vis
La Fábrica de Hielo
Pavia 37, València
Viernes 17 de enero de 2020 a las 20:30

Hijo primogénito del original Poetry Brothel de Nueva York, dirigido en Barcelona y Madrid por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdiciplinar, compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

¿Puede ser divertida y excitante la poesía aun descubriendo el lado más oscuro o atormentado de un alma? ¿Cómo valoramos el acto poético en la sociedad contemporánea? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar al gran público la temida poesía?

Bajo la apariencia de un burdel fantástico del siglo pasado, las poetas venden sus versos al público asistente una vez han sido presentadas por la Madame que describirá al público las siguientes interrogantes: ¿Cómo han ido llegando hasta allí? ¿En qué condiciones? ¿Qué les diferencia del resto de sus compañeras?

A la pregunta sobre cómo reaccionan los clientes que se acercan a sus eventos, la actriz, dramaturga y poeta Sonia Barba ha comentado que “por lo general, nadie viene preparado para lo que van a recibir, que básicamente es un baño de la realidad del otro. La gente quiere compartir experiencias, anécdotas, heridas semejantes. Se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, hay personas que piden a la poeta que les deje solos, otras rompen a llorar. Es muy emocionante”.

Miembros de Prostíbulo Poético. Fotografía: Bluetomatophoto.

Dispuestas a revolucionar también la escena valenciana, después de diez años de actividad en Barcelona y dos de conquistar al público de Madrid, las poetas del Prostíbulo Poético, capitaneadas por su Madame, abren sede en estas tierras y no han podido encontrar mejor lugar que La Fábrica de Hielo, espacio con resonancia a tiempos pasados y experto en hospedar encuentros y situaciones de intercambio, donde la cultura, el ocio y la gastronomía van de la mano, que acogerá el evento el próximo viernes 17 de enero de 2020, a las 20:30.

El elenco de poetas estará compuesto por una selección de algunas de las veteranas poetas de Barcelona y una nueva hornada de poetas de València reunidas por Sonia Barba.

En definitiva, poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Integrantes de Prostíbulo Poético vestidas con la lencería de la diseñadora Rosario Puñales. Fotografía: Carles Mercader.

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