‘Algún paisaje’, el stand de MAKMA en la feria MARTE

Stand MAKMA
Feria MARTE
Del 15 al 18 de noviembre 2018
Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón
www.feriamarte.com

MAKMA estará presente en la Feria MARTE de Castellón presentando su edición especial en papel con motivo del quinto aniversario de la revista. En esta ocasión, y a propósito de la imagen destacada en la portada de la publicación, MAKMA dará visibilidad al trabajo de una selección de artistas que trabajan en torno al paisaje entendido como fruto de la relación entre el ser humano y la naturaleza, llevada a cabo por Eva Marín, doctora y profesora en la Facultat de Belles Arts de San Carles en la Universitat Politècnica de València. Esta iniciativa se enmarca dentro de uno de los propósitos principales de la revista MAKMA, el de difundir la creatividad de los creadores y creadoras y de los espacios que se encargan de esta misión. El stand incluye, además, una selección de trabajos de edición de El Caballero de la Blanca Luna.

Algún paisaje

Artistas:: Gabi Gallego / Carmen Jiménez / Priscilla Romero / Tamara Jacquin / Charlotte Bracho / Víctor Alba
Comisariado: Eva Marín e Ismael Teira

Carmen Jiménez (Badajoz, 1990) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca; realizó el Máster de Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia y el Máster de Obra Gráfica en la Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña. Su trabajo se desarrolla entre dos lenguajes muy definidos la pintura y la gráfica contemporánea. Ha expuesto en la sala Unamuno de Salamanca, el Centro 14 de Alicante, la galería Tigomigo de Terrasa o la CALL20 de la galería Luis Adelantado de Valencia. Ha participado en ferias como FIG Bilbao y obtenido becas como la de la Fundación Vicente y García Corselas.

‘Descifrar I’ pieza de carácter pictórico, se centra en este lenguaje y todas sus posibilidades, desde sutiles gestos a trazos que rompen el carácter delicado de algunos ambientes y construidos a partir de la posibilidad de ir añadiendo una capa y otra de pintura, como queriendo olvidar lo que hay detrás.
¿Nos oculta o nos muestra? Ventanas de color parcialmente ocultas, contenidas, ordenadas, quizás evitando el desborde. Quizás una pintura niña que se volvió adulta, que tras el juego, decidió ordenarse.
Ella, la imagen, dialoga conmigo “lo que ves son solo los trazos finales de mi apariencia, reconoce, sin embargo, que soy más que eso, que yo también tengo pasado”. Entonces, mis ojos curiosos se volvieron profundos y recordé que nada es solo lo que aparenta ser. (Espectador anónimo)

Carmen Jiménez. Descifrar I, (Notas al pie). 2018. Óleo sobre lona 162 x 130 cm

Carmen Jiménez. Descifrar I, (Notas al pie). 2018. Óleo sobre lona 162 x 130 cm

Gabi Gallego (Barcelona, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En 2008 recibe la beca Erasmus en School of Creative Arts, UWE, en Reino Unido. Posteriormente cursa el Máster oficial en Producción Artística (UPV). En 2011 le conceden la Beca de Paisaje de la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce (Segovia) y la Beca de Pintura de la Fundación Privada Güell de la Reial Academia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. En 2012 es becada por la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, en Córdoba. Participa en numerosas exposiciones colectivas destacando la realizada en el Museo Ibercaja Camón Aznar de Zaragoza o la 76 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; e individuales como “Hacia una anarquitectura” en el Centro Cívico Sarria en 2018.

Su obra pictórica es una reflexión sobre la transformación del paisaje: lugares que confrontan al ser humano con la arquitectura y con la (nueva) naturaleza, aludiendo al paso del tiempo. Con el fin de crear espacios ficticios e irreales donde subvertir los significados de la arquitectura, de los objetos y de la realidad para reflexionar sobre el entorno en el que habita el ser humano. Por ello, a través de sus pinturas, El Extranjero y Nonument, la artista busca un constante diálogo entre creación/ destrucción, lugar/no-lugar, espacio/no-espacio, presencia/ ausencia y memoria/olvido. Por un lado, El Extranjero es una pintura que reflexiona sobre la exploración del territorio a través de la huella, convirtiendo un no-lugar en lugar. Y por otro, a través de la pintura, Nonument, la artista refleja la contraposición entre la construcción y desconstrucción a partir de la estructura de una casa en un inhóspito paisaje.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo sobre lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo s/ lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Priscilla Romero (Costa Rica, 1987) es artista visual y profesora titular de grabado y dibujo de la Escuela de Arte y Comunicación de la Universidad Nacional de Costa Rica. Actualmente doctoranda en la Universidad Politécnica de Valencia. Durante los últimos nueve años ha investigado la gráfica múltiple expandida y los medios experimentales de impresión y registro del cuerpo, estableciendo una dialéctica entre las poéticas discursivas y los procesos formales. Ha participado en exposiciones internacionales en diversos países como Polonia, México, Francia, Estados Unidos, El Salvador y España. En el presente año ha sido galardonada con el premio de Leon Wyczólkowski de la Trienal Internacional de Grabado de Cracovia.

La serie indicios plantea un grupo de imágenes provenientes de fragmentos corporales que rompen el vínculo con la representación convencional de la figura humana para abrir al público un espacio abierto de búsqueda y asociación de las improntas topográficas del cuerpo que remiten al imaginario colectivo e individual: un pezón que deviene en cráter volcánico, una vulva que nos recuerda un crustáceo, un párpado que asemeja una hoja seca, una piel envejecida que nos recuerda la corteza de un árbol…

Priscilla Romero. Indicios. 2013. Impronta con Latexgrafía sobre papel Gampi 20 x 20 cm cada pieza

Priscilla Romero. Indicios. 2013. Impronta con Latexgrafía sobre papel Gampi 20 x 20 cm cada pieza

Charlotte Bracho (1990), artista franco-venezolana, licenciada en Bellas Artes con especialidad en diseño de la Universidad Concordia de Montreal, en Canadá. Actualmente, reside y trabaja en Valencia donde está completando un Master en producción artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Fue diseñadora y miembro de la revista Yiara en 2015/16, en la que dirigió la línea artística visual de la revista y su plataforma web. Ha expuesto su trabajo en Canadá y España. Recientemente ha sido premiada en la muestra PAM!18 en Valencia, y es la beneficiaria de la Beca Pedro Marco 2018.

Mímêsis es una serie fotográfica de estructuras de papel efímeras. El papel ya no es plano, sino que se convierte en un mineral, rocoso, con una textura visual porosa que requiere tacto, que sorprende y modifica nuestra relación con las formas. Formas que han perdido su estabilidad, destacando vibraciones materiales. La obra resalta un estado de transición, un paisaje experimental y sensorial, ampliando nuestra percepción y concepción del mundo. Paisaje en el que la piedra se vuelve fibrosa y la fibra se vuelve porosa, como un camuflaje en un proceso de mimetismo constante de los materiales. Mímêsis revela una forma natural, de carácter orgánico, con una imprecisión constante. Una forma capaz de proliferar, con tensiones que conducen siempre a una metamorfosis implícita.

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30x40 cm cada una

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30×40 cm cada una

Tamara Jacquin (Chile, 1986), artista multidisciplinar asentada en Madrid, estudió Arquitectura en Chile y Francia. En España realizó el Máster de Producción Artística (UPV) y el Máster de Investigación en Arte y Creación (UCM). Ha participado en diversas exposiciones y festivales de videoarte en España, México, Argentina, Italia y Cuba. Ha obtenido becas como las Ayudas Específicas de Casa de Velázquez (Madrid, 2017), Tabacalera Cantera (Madrid, 2017), la Beca de Residencia Artística en Ayllón (Ayllón, 2016), la Beca de Producción de la Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2015), el FondArt del Gobierno de Chile (2016 y 2017) o la Young Talent Scholarship de la International Summer Academy de Venecia (Venecia, 2016).

‘Silenciar el Vacío’ hace referencia a ese murmullo insistente y persistente que te acosa, te
persigue, aparece y desaparece. La mente intranquila rumia pensamientos nocivos. No hay
escapatoria. El cuerpo en el espacio inhóspito se contrae. Consumido por el paisaje, no consigue
aplacar el sonido. El vacío está lleno de ruidos.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60x90 cm.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

Víctor Alba (Salamanca, 1986) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Realizó el máster Especialista en Pintura en la Universidad de Belgrado, Serbia, y el máster en Producción Artística de la UPV, donde actualmente es doctorando. Ha participado en exposiciones colectivas en centros como el Museo Sorolla de Madrid, feria Estampa, JustMad 6, Art Mad, ARCO o Casa de Velázquez; y a nivel internacional en Bruselas, Washington, Varsovia, Praga o Aquisgrán; y realizado exposiciones individuales en Santander, Salamanca o Vitoria. Ha recibido algunos galardones como el primer Premio de la Fundación Gaceta de Salamanca, o el primer del Certamen Pancho Cossío de Cantabria; y disfrutado de residencias internacionales en Japón o la República Checa.

Estas piezas forman parte de mi último proyecto que desarrollo ante la idea Paisaje, partiendo del convencimiento de que es un constructo social basado en una actitud estética por parte del observador, que es la que convierte un lugar, o una obra de arte, en un paisaje. En estas piezas, utilizo fragmentos superpuestos de pintura seca, provocando horizontes artificiales, que evocan paisajes incidiendo en la idea anterior, jugando con la ironía de estar buscando el límite del propio término: ¿qué es paisaje y qué no lo es? A su vez, esta búsqueda de límites se solapa con la búsqueda de los límites de la pintura en sí. Es un trabajo únicamente pictórico, pero si bien es cierto, se sale de la bidimensionalidad a la que nos tiene acostumbrados el género Paisaje, siendo estos artefactos tridimensionales.

Víctor Alba. La estructura del Horizonte (1,10,6 y 11). 2018. Acrílico sobre lino 7 x 11 cm.

Víctor Alba. La estructura del Horizonte (1,10,6 y 11). 2018. Acrílico sobre lino 7 x 11 cm.

Imagen de portada: Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

La poética del azar y la espiritualidad se citan en Shiras

‘Cronologías del azar’, de Nuria Rodríguez
Sala Principal
‘Josep Ginestar’
Espacio Refugio
Shiras Galería
Vilaragut 3, Valencia
Del 9 de febrero al 18 de marzo de 2017
Inauguración: jueves, 9 de febrero, a las 19:30

El próximo jueves 9 de febrero a las 19.30h, Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, presenta en la sala principal el último trabajo plástico de la artista valenciana Nuria Rodríguez titulado ‘Cronologías del Azar’.

‘Historia Natural’ fue el último proyecto de Nuria Rodríguez presentado en la Sala de la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset y en la Galería Estampa (Madrid). Ahora, en Shiras Galería, muestra su nuevo trabajo ‘Cronologías del azar’, donde la artista da un paso más en su búsqueda de representaciones, creando un paraíso lleno de imágenes y recursos poéticos que no dejan al espectador indiferente, donde el público se convierte en parte fundamental de la obra. Esta exposición consolida su lenguaje multidisciplinar, que se centra en la práctica de la pintura, como un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza.

“Una obstinada exploradora y coleccionista, el de una entregada diseñadora y pintora, el de una incansable lectora y cazadora de experiencias, en un sostenido aprendizaje continuo”. Así define el proceso creativo de la artista Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universitat de València, en el texto escrito específicamente para el catálogo de la muestra ‘Cronologías del azar’.

Imagen de la obra 'La enciclopedia imaginaria de Borges', de Nuria Rodríguez. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘La enciclopedia imaginaria de Borges’, de Nuria Rodríguez. Fotografía cortesía de la galería.

La artista tiene la sensibilidad de convertir las palabras e ideas en imágenes. En sus obras afloran sus dos pasiones: la literatura y las artes plásticas. Nuria Rodríguez es una incansable lectora que refleja en su obra una colección de símbolos e historias como si se tratase de un juego, envolviendo al espectador en una lectura llena de recursos que le hacen sentir como un explorador científico del siglo XIX, como explica la artista sobre sus procesos creativos.

La exposición ‘Cronologías del azar’ es “el paraíso donde habitasen todas las imágenes y todas las palabras”, señala Román de la Calle. Para complementar su visión, la artista cuenta su admiración hacia la obra de Borges, quien prefería las enciclopedias antes que cualquier otro formato de libro, porque en ellas se formulan todas las preguntas y todas las respuestas.

Nuria Rodríguez es artista, docente y doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y ha expuesto sus proyectos en muestras internacionales en Argentina, Francia, Brasil, EEUU, México y Taiwan.

Igualmente, Espacio Refugio acoge una instalación y obras de Josep Ginestar, artista plástico de una amplia trayectoria; entre sus principales características se encuentran una potente sensibilidad para crear lazos entre las personas y los espacios arquitectónicos.

Su investigación se expresa con materiales humildes, extraídos de la naturaleza y vinculados con su experiencia espiritual. De trayectoria artística internacional, Ginestar es diplomado por la Escuela de Bellas Artes de Paris, maitirisse por la Université Paris VIII y doctorado por la Politécnica de Valencia. Ha expuesto sus proyectos en Italia, Francia, Portugal, Egipto, México, etc. Tiene una relación especial con el mundo árabe y en particular con Marruecos.

Imagen de la instalación 'Les Receptes', de Josep Ginestar. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la instalación ‘Les Receptes’, de Josep Ginestar. Fotografía cortesía de la galería.

 

Sara Mansanet, nombrada directora de La Cabina

Sara Mansanet, directora de La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Martes 17 de enero de 2017

Tras el reciente nombramiento como director de Cinema Jove del hasta ahora director de La Cabina, Carlos Madrid, la dirección del Festival de Mediometrajes pasa a manos de Sara Mansanet.

Mansanet, licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València y Máster en Gestión Cultural por la Universidad Politécnica de Valencia, ha dirigido la producción de La Cabina desde el año 2012.

Además, ha desarrollado labores de regiduría y apoyo a programación en Cinema Jove; ha sido jefa de producción del cortometraje valenciano ‘La Buena Fe’, que ha cosechado varios premios en festivales como el de Aguilar de Campo, Quartmetratges o Visualízame Festival Audiovisual y Mujer; y ha sido coordinadora de producción del festival de cine y derechos humanos, Humans Fest, y TEDxCiutatVelladeValència.

Sara Mansanet encara así una nueva etapa del festival La Cabina, que este año cumple su décima edición y que se celebrará del 16 al 26 de noviembre, y lo afronta como un “reto ya que La Cabina está en un momento muy bueno e importante” y trabajará para “mantenerla y, por supuesto, para que siga creciendo”.

Además, ha destacado que para ello cuenta con “un excelente equipo de profesionales que año tras año ha demostrado su profesionalidad y su pasión por el festival”. Mansanet añade que asumir los mandos del Festival de Mediometrajes ha sido “un paso lógico y natural que ambos (tanto Carlos Madrid como ella) tenían claro”.

Sara Mansanet. Imagen cortesía de La Cabina.

Sara Mansanet. Imagen cortesía de La Cabina.

La inspiración de Silvia Lerín

Inspired by an English Garden, de Silvia Lerín
Shiras Galería
C / Vilagarut, 3. Valencia
Del 16 de octubre al 26 de noviembre de 2016

Shiras Galería se reafirma con su linea de destacar la obra de artistas consolidados en su segunda temporada con la exposición ‘Inspired by an English garden’ de la artista afincada en Londres, Silvia Lerín.

Silvia Lerín se licenció en 1998 en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y desde entonces ha expuesto tanto colectiva como individualmente en España y en el extranjero. Algunos de los premios que ha recibido son el XV Meeting Contemporary Art (E.A.C.) del Museo de la Universidad de Alicante, el Certamen de Jóvenes Creadores, el Premio Pilar Juncosa y la Promoción de Arte Contemporáneo concedido por el Ministerio de Cultura español. Parte de su obra se encuentra en los siguientes fondos: el MainFirstbank en Londres, la Fundación Maria José Jove en A Coruña, en Zaragoza la Colección Ibercaja y en Valencia la Fundación Bancaja, la Fundación Mainel, la Universidad Politécnica y el Club Diario del Levante.

Algunas exposiciones destacadas son Ivy en la galería Idea Store of Whitechapel (Londres), Mind the Gap en A-Side B-Side Gallery (Londres) y cabe señalar la beca Pollock-Krasner Foundation Grant de Nueva York en 2015 que le permitió afincarse en Londres y dedicarse a su obra con un apoyo económico, asimismo, recibe la Florence Trust Residency que ofrece un estudio 24/7 a la artista durante el año 2016.

F-light & dark red Pansy. Imagen cortesía Shiras Galería.

F-light & dark red Pansy. Imagen cortesía Shiras Galería.

Silvia Lerín define su desarrollo creativo como el proceso de escritura de un diario donde las páginas son las obras y las series los capítulos.

Habitualmente, basa su proceso creativo en el acierto y error para crear unas composiciones inesperadas. Dice provocar a la suerte pintando con agua para crear efectos en las superficies de los soportes con los que trabaja, que acostumbran ser lienzo y papel. Los efectos sobre estos materiales son los que determinan la composición final. Últimamente testimonia dejar el método de acierto y error por la casualidad, creando nuevas formas y composiciones a partir de objetos encontrados como un trozo de madera o papel de embalaje. Incluso, en ocasiones, a partir de lugares y situaciones de su vida personal. Las formas y composiciones de ‘Inspired by an English Garden’ están inspiradas en sus encuentros del día a día con la ciudad de Londres.

Shiras Galería entabla esta segunda temporada con fuerza y carácter con su espacio en el que pone de relieve artistas ya reconocidos y consagrados del panorama actual.

Bucles de Russafa

IV edición Circuito Bucles
Diferentes espacios del barrio de Russafa (Valencia)
Del 6 al 9 de octubre de 2016

Llevar la danza a lugares insólitos, ofrecer propuestas sorprendentes y variadas, y seducir a los espectadores para que esta disciplina deje de ser minoritaria. Son algunos de los objetivos que impulsan a los 130 artistas dedicados a la interpretación, a la danza y a la coreografía que participan en la IV edición Circuito Bucles. Este festival urbano que irrumpe en espacios no convencionales se celebra entre el 6 y 9 de octubre en diferentes enclaves del barrio de Russafa.

Bajo el lema ‘Disciplinas Convergentes’ se presentarán un total de  38 espectáculos: 26 piezas de danza contemporánea, seis de danza española, dos espectáculos infantiles y cuatro exhibiciones gratuitas. Además, se han organizado dos clases formativas, una mesa redonda y una master class sobre  las nuevas tecnologías aplicadas a la danza en colaboración con el Máster de Artes Visuales y Multimedia de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV) que tendrá lugar en Veles e Vents.

Aloma de Balma en 'Tacón y Bucle'. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Aloma de Balma en ‘Tacón y Bucle’. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Este festival urbano busca integrar la danza en la sociedad a través de la exhibición de piezas de pequeño formato y duración que se desarrollan en espacios no convencionales. Escenarios espontáneos y  alternativos  en los que el baile  y las creaciones coreográficas de artistas emergentes se convierten en protagonistas lo que permite al espectador acercarse y disfrutar de ellas desde una visión diferente.

El festival está organizado por Frágiles Danza,  asociación cultural sin ánimo de lucro, cuyos miembros son profesionales del sector de la danza. Su único fin es captar nuevos espectadores mediante formatos diferentes.

Al original programa se suma este año una nueva sección llamada 6 Tacón y Bucle, género de danza española,  integrada por seis propuestas de compañías valencianas.

Compañía Transfer Move. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Compañía Transfer Move. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

También: 14 Bucles, piezas de 15 a 20 minutos de duración; nueve Minibucles de  15 minutos, y un Extrabucle que dura 50 minutos. Además, dos Nanobucles, piezas de danza infantil acompañados de talleres para niños de unos 40 minutos.

Por último, Satélite Bucles, actividades paralelas y algunas gratuitas: danzas del mundo, talleres de contact, etcétera.

Las actuaciones tendrán lugar en espacios no propiamente escénicos, como Madame Mim, Hat Gallery, Spirit of St. Louis, Loft Estudio Social, La Boulaguerie, Plaza del Barón de Cortés, entre otras ubicaciones, y salas especializadas en artes escénicas, Russafa y Sporting Club.

En Circuito Bucles participan treinta compañías de danza: 25 valencianas y otras foráneas procedentes de Berlín, Praga, Madrid, Barcelona y Granada.

Julio Sosa. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Julio Sosa. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Vents de Dansa

Por otra parte, el último sábado de septiembre se inició Vents de Dansa una programación  inspirada en el festival Circuito Bucles que Veles i Vents ofrecerá a lo largo de la temporada, con participación compañías profesionales de la escena valenciana, nacional e internacional.

La asociación Frágiles Danza, plataforma de divulgación de compañías  profesionales y emergentes, cuyo objetivo dar visibilidad a nuevas propuestas y tendencias artísticas, se encargará de gestionar  dicha programación.

Se inauguró con Portal de la joven compañía Gerard Collins, dirigida por Mamen García y Carmela García. También se interpretó Vacío de la compañía Otra Danza de Elche y se proyectaron tres trabajos multimedia con la temática Cuerpo y Tecnología, pertenecientes al Máster de Artes Visuales y Multimedia de la Universidad Politécnica.

Compañía Irene Cortina. Imagen cortesía de Bucles.

Compañía Irene Cortina. Imagen cortesía de Circuito Bucles.

Bel Carrasco

La cara oculta de la fuerza femenina

Y llegas a perforarme en el blanco de mi sed, de Paula Bonet
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Hasta el 4 de junio de 2016

Paula Bonet (Villa-Real, 1980) ha alcanzado la meta con la que sueña todo joven artista. Un objetivo que va más allá del triunfo y la fama. Acuñar un estilo propio que la define y la  identifica en medio de la vorágine que es hoy el arte y que, además, conecta con la sensibilidad artística imperante. Afincada en Barcelona desde hace un par de años, la artista pasó por Valencia para presentar en la Galería Pepita Lumier una exposición muy especial. ‘Y llegas a perforarme en el blanco de mi sed’ es el título poético y excesivo de esta muestra que reúne 11 óleos, 24 grabados y 30 dibujos que se podrán ver hasta el 4 de junio. Se trata de un adelanto del próximo proyecto de Bonet, el libro ilustrado La Sed, que publicará Lunwerg en octubre 2016. El texto reúne un coro de  voces de varias poetas y escritoras presididas por la dramática figura de Anne Sexton que se suicidó en 1974.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

“Lo que más me fascinó de ella es el hecho de que tratara con tanta crudeza y sin ningún tipo de censura temas dolorosos de la experiencia de ser mujer que siempre habían sido considerados tabú”, dice Bonet. “También que utilizara la autobiografía para este fin, con total libertad, sin tapujos. Me fascinó el uso que hace de la literatura para entenderse a sí misma, cómo a través de ésta conseguía encontrar cierta serenidad y alivio en el drama en el que le tocó vivir”.

Poeta suicida

Junto a su amiga Sylvia Plath, Clarice Lispector o Virginia Woolf, Sexton pertenece a la estirpe de las autoras marcadas por un sino fatal y tendencias autodestructivas. Lo tenía aparentemente todo. Belleza, talento, éxito, dos hijas, pero algo  en su interior le impedía disfrutarlo felizmente. El 4 de octubre de 1974 se puso un abrigo de pieles que heredó de su madre y, después de beberse un par de vodkas, se encerró en su garaje y puso en marcha el motor de su Cougar rojo.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

“Sexton es una de las autoras que siento como refugio, que me ayudan a entenderme y a aceptarme”, añade Bonet. “Y es una de las voces que intenta contener el personaje principal del proyecto editorial en el que estoy trabajando, La Sed. Para reflejar su angustioso universo lo que he hecho es buscar los lugares comunes, aquellos en los que me siento retratada a través de su trabajo. Una vez localizados he intentado ser tan sincera en mis imágenes como lo fue ella en sus textos”.

‘El problema está/ en que dejé helarse a mis gestos./ El problema no estaba/ en la cocina o en los tulipanes/ sino sólo en mi cabeza/ mi cabeza.’ Es uno de los poemas de Sexton que aparecen en la exposición orlado de dibujos de pájaros muertos o agonizantes, almejas fuera de temporada, lenguas humanas. “Las que presento son imágenes dibujadas con puntas de acero”, escribe la artista. “Grabadas a golpe de baño de ácido. Estampadas sobre el papel a fuerza de ser reventadas contra el tórculo”.

Domina lo sombrío, tétrico y oscuro, apenas unas cuantas pinceladas de color, ella que era tan amante del rojo. Pero asegura que no refleja un estado de ánimo depresivo, ni se trata de un punto de inflexión en su obra. “Siento una armonía y una plenitud que nunca había experimentado hasta ahora”, afirma rotunda.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Obra de Paula Bonet. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Tiene motivos sobrados para sentirse satisfecha. Y uno de ellos es su estancia en Barcelona. “Allí  he encontrado una serenidad y calma que no había disfrutado antes. Es un lugar perfecto para la creación. Desde que llegué me vi participando de un clima sano en el que el respeto por el trabajo ajeno, la suma de fuerzas entre creativos de distintos ámbitos y las ganas por seguir y por construir me hicieron sentir muy cómoda. Es un lugar perfecto desde el que continuar cuestionándose y continuar trabajando”.

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, Bonet amplió su formación en Santiago de Chile, Nueva York y  Urbino. Comenzó su carrera centrándose en el óleo y el grabado y, a partir de 2009, decidió dedicarse a la ilustración. Sus retratos de mujeres, de los que ella misma ha sido modelo algunas veces, expresan una atinada combinación de fragilidad y fortaleza femenina que conecta con el sentir de las jóvenes de hoy. Practica un tipo de ilustración aparentemente sencilla de líneas limpias y tintas de color sólo en algunos puntos de la imagen en blanco y negro. Como ella mismo ha dicho en varias entrevistas, es un concepto de dibujo “muy íntimo”.

Su primer trabajo como autora, ‘Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End’ es un libro muy personal acerca de las cosas o situaciones que se acaban en el momento que menos se espera  destrozando los planes presentes y futuros. El duelo y el dolor por esa situación ilustrado con delicadeza y realismo en la misma proporción. También ilustró ‘La petita Amèlia es fa gran’ (La pequeña Amelia se hace mayor), un relato infantil de Elisenda Roca.

Paula Bonet. Fotografía de Noemí Elías.

Paula Bonet. Fotografía de Noemí Elías.

Bel Carrasco

Salt de pàgina, libros de artista en la colección UPV

Salt de pàgina. Libros de artista en la colección UPV.
Sala de Exposiciones UPV. Edificio del Rectorado (3A)
Camino de Vera s/n
Valencia
Hasta el 5 de abril.

Acotar de forma estándar el concepto “Libro de artista”, es como correr el riesgo de poner cercos que demarquen milimétricamente a océanos y mares. Cuantos más movimientos artísticos se investigan, más dudas surgen a la hora de poner la primera empalizada, y aunque hay pocos rincones del siglo XX en que no fluya la relación, entre el artista, y el libro, la referencia de un linde imaginario para definirlo parece poco seria, teniendo en cuenta, que el ideal que empuja a la creación de libro de artista depende de los valores que mueven a dichos movimientos artísticos, contemplando a las primeras vanguardias, y demarcando a futuristas, dadaístas, constructivistas o surrealistas. A lo dicho, sumaría el agravante general de tratar por igual a la figura del editor industrial, -cuyo fin prioritario es lucrarse- con el editor creativo, cuya voluntad es hacer y dejar un legado en sus libros, comunicar sus inquietudes, generar debate, compartir proyectos de edición con otros artistas, y sobrevivir casi heroicamente en una sociedad que no valora ni tiene legislación adecuada en cultura y educación para aprovechar el talento que surge de ella. En estos paisajes, un ejemplo de virtud sazonado con buena dosis de vocación y conocimiento técnico, lo representa, Marta Pina (Murcia, 1981), fundadora de la editorial Pusilánime. Afincada en Valencia desde su etapa de formación en la Facultad de BBAA San Carlos. Pina, a la hora de concebir un ejemplar, invita a un artista para que realice su propuesta con total libertad de contenido y técnica dentro de unos parámetros de formato más o menos reducidos.

Salt de pàgina. Imagen parcial Sansón Carrasco.

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Sala del Rectorado. Imagen Sansón Carrasco.

El proyecto Pusilánime, es bien conocido por el comisario de la muestra, Antonio Alcaraz, que también fue profesor de Pina en la citada Facultad de BBAA San Carlos, y es que Salt de pàgina, llibres d’Artista en la Col.lecció de la Universitat Politècnica de València, arranca de un paisaje imaginario cuyo origen se remonta a los libros de los años 60 y llega hasta nuestros días. Con ello, la exposición ofrece la posibilidad de ver algunas propuestas extraordinariamente singulares, como es el caso de Chess Case, un conjunto de piezas editadas por la Galería Ronny Van de Velde (Berchem, Amberes, Bélgica, 1991), con motivo de la exposición de Marcel Duchamp en la citada galería. Dicho conjunto de piezas, representa una recreación de los museos portátiles de Duchamp que adoptan la forma de su conocida caja de ajedrez, con reproducciones de textos de André Bretón y otros objetos, entre los que se encuentran también una cinta de audio, fotografías, y cartas de Duchamp. Curiosamente, Chess Case, procede de la colección de Coen Merhoff, (Eindhoven), y fue sugerida para la colección UPV y proveída en 2010 por quién suscribe, hasta donde llegó en el asiento delantero de mi propio automovil.

Chess Case(Ronny Van de velde) by Marcel Duchamp. Imagen Sansón Carrasco.

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Sala del Rectorado. Chess Case(Ronny Van de velde) de Marcel Duchamp. Imagen Sansón Carrasco.

¿De qué se trata? ¿Es un catálogo, una publicación, una edición de lujo con tirada numerada y limitada, un libro objeto, libro creativo, una pieza para coleccionistas, o un libro de editor?

¿Dónde están los lindes para considerar qué es un libro de artista o no?

Guy Schraenen, se refiere así, en un proemio de la exposición D´une oeuvre à l´autre:19.  “Un libro de artista es un libro. Está hecho por un artista o es una publicación de un grupo de artistas. El artista es el responsable del contenido y del continente. El libro de artista no es un catálogo o un libro acerca del arte. No es una reproducción pero sí un trabajo original. Tiene que ser algo nuevo”.

Esther Riva Castleman, en su Century of Artists Books (New York: The Museum of Modern Art, 1994),  “…Los libros de artista son la obra del artista cuyo imaginario, más que estar sometido al texto, lo supera por traducirlo en un lenguaje que tiene más significados que las propias palabras puedan expresar solas”

Para Anne Moeglin-Delcroix, en su Esthétique du livre d´artiste 1960-1980 (Paris: Jean Michel Place/Bibliothèque National de France, 1997). “…El libro es, tanto históricamente como por su propia naturaleza, un medio concebido para dispensar prioridad al mensaje. Esa es una de las  razones fundamentales que avalan su aparición en el mundo del arte en la década de los 60: El rechazo al formalismo artístico (en aquel momento dominante en la práctica creativa y crítica) a favor de un arte cuyo fin era significar (para modificar hábitos de pensamiento) o intervenir en el mundo y en la vida real (para transformarlo). En resumen, el libro, por su verdadera naturaleza, me parece ser el medio idealista (visible) por excelencia. El soporte material no tiene que ser tenido en cuenta, excepto en la medida en que contribuye al contenido”

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Imagen Sansón Carrasco.

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Imagen Sansón Carrasco.

Para José Emilio Antón, El libro de artista es una obra de arte, concebida y realizada por un artista visual en su totalidad, una forma de expresión plástica surgida en la segunda mitad del siglo XX, más concretamente en 1963, cuando Edward Ruscha, realiza la primera edición de Twenty-six Gasoline Stations, y en 1966 Every building on the Sunset Strip. Ver https://www.makma.net/jose-emilio-anton/

En realidad, la referencia de la conocida caja de ajedrez de Duchamp en Salt de Pàgina, podría abrir debate de opinión sobre esta cuestión, pero además, refleja a la perfección el papel de un editor como el que ejerce la Galería Ronny Van de Velde, que en este caso, aglutina y sabe dar lectura a Duchamp asumiendo la responsabilidad de un editor nada convencional (aunque sin perder de vista la sostenibilidad de la propia Galería). Y precisamente, esa función de editor poco convencional es la que se echa de menos en instituciones culturales y museos públicos y privados a la hora de producir un catálogo. ¿Por qué no se cuenta con él? Un editor contemporáneo, al hilo de lo comentado anteriormente, no es un señor que busca ganar dinero a toda costa con sus publicaciones, eso es un industrial de la edición. Un editor comprometido es otra cosa, es un individuo capacitado para investigar, o para interiorizar un contenido artístico, experimental o literario y que se somete a un esfuerzo absoluto para con la obra a editar.

Así lo reconoció el propio Picasso cuando se le recordaba su paso como director artístico de la Revista quincenal Arte Joven (Madrid: 1901) y en su segunda época (Barcelona: 1909), en la que F. de Sorel escribió en su artículo de entrada sobre la dificultad de sacar adelante su proyecto de edición,

“Supliqué, casi mendigué la cooperación de amigos y desconocidos para llevar a cabo mi empresa al parecer tan difícil, pero los unos por miedo, otros por carecer de entusiasmo, juventud muerta que vive en perpetua noche, todos me negaban su concurso.”

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Sala del Rectorado. Imagen Sansón Carrasco.

Salt de pàgina. El libro de artista en la colección UPV. Sala del Rectorado. Imagen Sansón Carrasco.

En la mirada a otras piezas que van completando Sált de página, se hace necesario detenernos ante Every Building on the Susset Strip (1966), de Eduard Ruscha y anteriormente citada por Antón; Knock Out, Poemas visuales (1971), de Gregorio Berchenko; Le Cerveau (1973) de Guillermo Deisler; Documente-Documents-Documenti (1971), de Daniel Spoerri; Tal i Tant (1983) de Joan Brossa y Frederic Amat; la colección Lubok, fruto del encuentro del artista Christoph Ruckhäberle y el diseñador gráfico Thomas Siemon; y Edoi (1985), del doblemente citado José Emilio Antón.

Si no se me pasa por alto, Salt de página no cuenta con ningún libro de artista de los llamados libros no editados, reflexión que me trae a la memoria a Emilio Sdun en una entrevista que se puede ver en  https://www.makma.net/entrevista-a-emilio-sdun/, y para quien una gran parte de los libros de artista que se realizan en España son piezas únicas, frente a la idea germana de ediciones numeradas de pequeña tirada que él mismo producía en su Prensa Cicuta.

Salt de pàgina representa una parte determinada de la colección UPV, (hay que decir que el fondo de dicha colección en su totalidad asciende a cerca de 900 ejemplares, de los cuales, algunos más pueden verse de forma digital a través de un proyector en la exposición), y arranca en la referida década de los 60, en la que con la aparición del movimiento Fluxs, el libro se convierte en soporte y herramienta como forma de expresión y también en un método de documentar performances, propuestas plásticas y encuentros. No es fácil elegir entre el fondo los diferentes modelos representativos para configurar la exposición, acertar en prototipos de formatos de libro que van desde la poesía visual o experimental a los fotolibros o proyectos editoriales, y tal vez por ello, están acompañados por dispositivos táctiles que ayudan al visitante a su comprensión. En cualquier caso, las seleccionadas son piezas que dan muestra de la paulatina fuerza de lenguajes vinculados a las artes plásticas en el libro.

Para Alain de Botton, en La arquitectura de la Felicidad, (Barcelona: Lumen, 2008)  “La arquitectura y el diseño son algo intensamente personal. Los edificios tienen carácter, vicios y virtudes, miran al mundo con una cara casi humana”.

Y así son también las formas de los libros de artista, arquitecturas tan diferentes como los responsables de sus creaciones, sean editores, escritores, artistas, y especialmente, si lo son todo a la vez.

Cartela que abre la exposición Salt de pàgina. Imagen de Sansón Carrasco.

Cartela que abre la exposición Salt de pàgina. Imagen Sansón Carrasco.

Salt de pàgina, es pues, una selección variada muy representativa de libros de artista (sin lindes), una aproximación inexcusable para todo aquel que quiera indagar en lo que fue llegando después de aquellos ejemplares ilustrados de finales del siglo XIX y principio del XX, y que reclamaron el protagonismo de artistas como Picasso, Manet, Braque o Chagall, y en cuya historia, hay constantes que se repiten, por un lado, la democratización del arte a través de la publicación, y por otro, la idea de dar valor a las publicaciones y llegar a coleccionistas a través del libro como objeto y también como soporte sujeto a la creación.

 

Vicente Chambó.

Fresh Art gana ‘Impulsando el Arte’ de JustMad

Fresh Art de DKV gana el premio ‘Impulsando el Arte’ de JustMAD
Stand J7 de JustMadrid
Planta jardín del Colegio Oficial de Arquitectos (COAM) de Madrid
C / Hortaleza, 63. Madrid
Entrega del premio: jueves 25 de febrero, 2016, a las 17.00h

Desde JustMAD han querido reconocer con un premio el valor de los proyectos orientados a la promoción de la creación artística, fomentando aquellas iniciativas educativas que apoyan al arte y a su función como regenerador social.

Éstas son las premisas del primer premio ‘Impulsando el Arte 2016’, que este año se falla a favor de DKV Seguros por su programa Fresh Art. DKV ha hecho una magnífica labor durante los últimos siete años a través de Fresh Art, con la intención de impulsar la creatividad e innovación a través del arte, fomentando las inquietudes artísticas de los jóvenes estudiantes de bachillerato y ciclos formativos de grado medio, premiando a aquellos que destaquen por su creatividad en algún campo de expresión del arte contemporáneo.

Fotografía de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art 2014.

Fotografía de Marta Pérez, ganadora del segundo premio DKV Fresh Art 2014.

Entre los trabajos presentados, un jurado formado por profesionales del mundo del arte y la cultura escoge los participantes del Campus DKV Fresh Art, que se celebra cada año en la Universidad Politécnica de Valencia. Durante el Campus DKV Fresh, además de formarse en diferentes materias artísticas, los participantes elaboran una obra de arte.

El jurado del premio valora la calidad, emotividad y originalidad de las obras para seleccionar a los tres ganadores de cada edición. Como ganador del premio ‘Impulsando el Arte’, DKV dispone de un espacio en JustMAD7 a través del cual pueda difundirse su magnífica labor con Fresh Art. El stand es el J7 y está ubicado en la planta jardín del COAM. La entrega del premio se celebra el jueves 25, a las 17.00h en el mismo espacio.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera mención especial del jurado de DKV Fresh Art 2014.

Dibujo de Diocles Iaime, tercera mención especial del jurado de DKV Fresh Art 2014.

 

 

El azul engañoso del Toro de Osborne

Cielo español, de Ismael Teira

El toro de Osborne diseñado por Manolo Prieto y realizado en una forja de Cádiz puebla nuestra geografía española. Están censados 91, repartidos por lomas, promontorios y otros lugares, entre los que destaca el propio campus de la Universidad Politécnica de Valencia, que cuenta con uno catalogado como protegido y de medidas perfectas. Además de ese, hay otros 10 en la Comunidad Valenciana. Ismael Teira lleva haciéndose cargo de todos ellos en un proyecto de largo alcance consistente en reproducir a escala natural una de sus partes más simbólicas.

“Cielo español [tal es el título de su proyecto] está inspirado en el falso hueco azul que se recorta entre el rabo y las patas traseras del famoso toro de Osborne”, explica el artista. Él se dio cuenta de ese engaño visual, que nadie percibe desde la carretera viajando en coche, precisamente cuando lo vio en el campus de la Politécnica de Valencia. “Ese espacio, en realidad, no está recortado, sino pintado”. El azul, por tanto, no es el cielo que se dejaría ver entre el rabo y las patas, sino una “especie de trampantojo; un camuflaje pictórico que, visto desde la carretera, simula ser el cielo”, señala Teira.

El Toro de Osborne junto al falso hueco azul. Imagen cortesía del artista.

El Toro de Osborne junto al falso hueco azul. Imagen cortesía del artista.

Su objetivo es pintar ese fragmento, extraído del conjunto, para llamar la atención acerca de ese engaño o trampantojo de “gran tradición en el Barroco”. De momento, ya ha reproducido nueve de esos toros: cuatro ubicados en Valencia y otros cinco de Galicia. Y tiene pensado seguir, hasta completar un proyecto que abarcaría la totalidad de esos 91 toros convertidos en iconos del paisaje ibérico español. “En la Junta de Andalucía son BIC (Bien de Interés Cultural), y hacer vandalismo contra ellos es como hacerlo en una catedral”, indica el artista.

El museo MARCO de Vigo y las galerías valencianas Luis Adelantado y Míster Pink ya han acogido su reproducción del famoso toro de Osborne. Y si tenemos en cuenta que ‘Cielo español’ se subdivide a su vez en ‘Casi cielo español’, con partes del toro a medio montar, y ‘Otro cielo español’, con variaciones de colores de esa tonalidad azul, el proyecto conjunto de Ismael Teira ya ha sido expuesto en Madrid, La Rioja y Asturias, además de Vigo, Valencia y Alicante, donde estuvo en Las Cigarreras.

La silueta azul del Toro de Osborne expuesta en la galería Luis Adelantado. Imagen cortesía del artista.

La silueta azul del Toro de Osborne, que fue expuesta en la galería Luis Adelantado. Imagen cortesía del artista.

“Tanto en el MARCO de Vigo como en la galería Luis Adelantado de Valencia se instaló a la misma altura que el original, a 270 centímetros del suelo”, subraya Teira. “Cielo español reproduce a escala natural el fragmento de cielo dividido en tres partes, del mismo modo que en las vallas metálicas que vemos desde la carretera”, añade. De hecho, él se fue impregnando de la necesidad del proyecto en sus numerosos viajes desde Valencia a su Galicia natal.

Así, recuerda cómo los toros de Osborne se ven desde el coche, “por donde te cuelan ese trampantojo”, por lo que “el premio para el caminante” consiste en descubrir la falsedad de ese cielo azul pintado dentro de la propia silueta del toro. “Yo trabajo el caminar, el paisaje y el recorrido”, que es como subrayar la importancia de una mirada más atenta. Por eso la inclusión de sus toros, pieza a pieza, en los espacios más reducidos de una galería o los más amplios de un museo, permiten fijar la atención en aquello que se nos escapa por la velocidad del viaje o las prisas cotidianas. “Aíslo en diferentes espacios aquello que algunos han dado en llamar tabla de surf y ofrezco esa forma singular a un espectador atento”.

La silueta azul del Toro de Osborne, en el MARCO de Vigo. Imagen cortesía del artista.

La silueta azul del Toro de Osborne, en el MARCO de Vigo. Imagen cortesía del artista.

De manera que Ismael Teira lo que hace en todos esos recintos donde ha podido contemplarse tan singular propuesta es “meter el toro, pero sin el toro”. Sin el toro al completo, se entiende. Cada una de las partes azules que vienen a representar ese cielo pintado entre el rabo y las patas traseras, va adquiriendo diversas tonalidades. “Al igual que el cielo es distinto durante el día, al anochecer o si está nublado, yo pinto también esas diferencias”.

Diferencias que él extrapola a las igualmente diferentes provincias en las que aparece tan mayestática silueta. “El español tiende a homogeneizarlas”, dice. De ahí que su ‘Cielo español’, además de revelar el engaño visual inscrito en el toro de Osborne, sirva para reconocer la idiosincrasia de los territorios que acogen el icono ibérico por excelencia. ‘Cielo español’, sin duda, mas cielo en transformación a pesar del trampantojo. Ismael Teira espera demostrarlo llenando galerías y museos con las tonalidades cambiantes de casi un centenar de toros. Porque caber, caben.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Toro de Osborne, objeto del proyecto 'Cielo español', de Ismael Teira. Imagen cortesía del artista.

Toro de Osborne, objeto del proyecto ‘Cielo español’, de Ismael Teira. Imagen cortesía del artista.

Salva Torres