Sala Russafa alza el telón de la nueva temporada

‘Alcem el teló’
Sala Russafa
Denia 55, València
Octubre de 2019

Sala Russafa se suma a los centros culturales que activan su programación tras el verano y lo hace mediante ‘Alcem el teló’, una selección de 5 propuestas que del 3 al 13 de octubre lleva a su escenario la música, la danza y el teatro para niños y adultos.

La primera de ellas es ‘A Circle In The Water’, un espectáculo con música en directo y danza que el 3 y 4 de octubre reúne a dos grandes talentos en la Sala Russafa.

Capella de Ministrers fue galardonado en 2018 con el International Classical Music Awards y el Premio Carles Santos en 2018, entre otros muchos reconocimientos. Desde hace 30 años trabaja en la investigación, recuperación y difusión del patrimonio musical español, publicando 58 álbumes, ofreciendo 1.500 conciertos e interaccionando con las artes escénicas. Su labor investigadora se remonta hasta el medievo y se asoma también a otras culturas, como la inglesa, que centra la selección de temas que componen el programa de este espectáculo que completa la aportación de otro referente, Toni Aparisi, uno de los más destacados intérpretes y coreógrafos valencianos y nacionales, ganador de varios Premios Max.

La música en directo del siglo XVI convive con la danza contemporánea en esta pieza nacida como banda sonora a la adaptación cinematográfica de la obra teatral ‘La Estancia’ (Arden Producciones), que se estrenará el próximo otoño. Una compilación de temas que giran alrededor de la melancolía, una emoción capaz de remover y activar sentimientos, despertando una sensibilidad que en la sociedad del siglo XXI muchas veces parece anestesiada.

La segunda propuesta de ‘Alcem el teló’ es ‘Las picardías de Molière’, que el 5 y 6 de octubre llena de encanto el escenario. Iria Márquez firma y dirige esta obra que retoma personajes de ‘El burgués gentilhombre’, ‘Las mujeres sabias’ y ‘Misántropo’, comedias de Molière que saltan del siglo XVII al XX en una pieza de nuevo cuño.

Su sugerente trama está ambientada en una noche de verano del París de 1973, coincidente con el 300 aniversario de la muerte del autor francés. Al ritmo de canciones de Françoise Hardy o Serge Gainsburg y apoyándose en proyecciones audiovisuales, avanza una comedia en la que protagonistas de algunos de sus clásicos interactúan, descubriendo filias y fobias, construyendo un fresco enredo amoroso.

Una producción que nace de un antiguo proyecto de Márquez y que estrena la formación valenciana Pànic Escènic, dentro de la programación especial de apertura de Sala Russafa.

La segunda semana de ‘Alcem el Teló’ se dedica a recuperar los espectáculos favoritos de quienes pasaron por las butacas del teatro la pasada temporada. Del 10 al 12 de octubre, nuevas funciones de ‘Shhhh!’, ganadora del galardón al Mejor Espectáculo Valenciano de la última edición de los Premios del Público de Sala Russafa. Marian Villaescusa firma y dirige, con el apoyo de Chema Cardeña, esta comedia que se atreve con una de las palabras y dolencias que más eufemismos recibe: el cáncer.

En su primera obra dramática, la valenciana ficciona su propia experiencia personal en una deliciosa crónica, llena de humor, con referencias a la cultura popular (desde Ingmar Bergman a Mónica Naranjo), capaz de despertar a un tiempo la carcajada y la emoción para romper tabús alrededor de un tema rodeado del mutismo al que hace referencia el título de la pieza.

Y, para los más pequeños, la programación especial de arranque de temporada incluye la versión en valenciano de la obra ganadora del último Premio de Público de Sala Russafa al Mejor Espectáculo Familiar, ‘La caverna del foc’. Se trata de un montaje de la formación valenciana Dínamo Producció Teatral que propone una aventura con los primeros pobladores de la Tierra como protagonistas.

El 12 y 13 de octubre puede verse esta pieza, escrita y dirigida por Ernest Sendín, que cuenta la historia de una joven Homo Sapiens que tendrá que enfrentarse a una terrible maldición. Sorpresivamente, encontrará un aliado en el último Neandertal, aprendiendo que todos compartimos un pasado común, que nos acerca y que pasa de generación en generación.

‘Alcem el teló’ se completa con una muestra de programación musical de la mano de ‘Innerlands’. El 8 de octubre a las 20:30h, la banda valenciana integrada por Paloma Grueso, Julio Arroyo, Marcos Carcelén, Rubén Torres, Santiago Álvarez, Vicente Merodio y Alfonso del Corral, presenta en concierto una nueva etapa que ha materializado en su último disco, ‘Amar Nacer’.

Melodías pop y folk se unen en canciones con cuidadas instrumentaciones que se alejan de anteriores trabajos, muy influenciados por la tradición folk más pura y hasta las raíces celtas. Estrenando formación, canciones y un álbum con un tono mucho más mediterráneo, donde caben el whistle o el violín junto a la guitarra de 12 cuerdas, el djembé o el cajón flamenco, la formación presentará esta nueva fase de un proyecto que cumple 10 años.

EL IX CICLO DE COMPAÑÍAS NACIONALES DE SALA RUSSAFA ARRANCA CON UNA VERSIÓN EN FEMENINO DE MACBETH Y SU ESCENARIO ACOGE UNA DE LAS FAMOSAS CHARLAS TEDx

‘Macbeth. Yo no me voy a morir’, de Jorge Eines. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

Tras la presentación de la temporada, en octubre arranca el XIX Ciclo de Compañías Nacionales de Sala Russafa, que hasta el 8 de diciembre ofrecerá 11 propuestas para niños y adultos de compañías venidas de distintos puntos del país. La primera es el estreno en la Comunitat de ‘Macbeth. Yo no me voy a morir’. Del 18 al 27 de octubre puede verse este curioso acercamiento del director y dramaturgo Jorge Eines al clásico de Shakespeare, que llega a España tras haber sido puesto en pie en Buenos Aires en 2017 por una compañía argentina, con gran acogida de la crítica.

La acción arranca con el matrimonio Macbeth en una llanura en la que habita indefinidamente, suspendido en el tiempo, después de que las Brujas les hayan convertido en eternos al cumplir sus designios, asesinando a todos los que se interponían entre ellos y la corona. Los fantasmas se suceden en esta impactante reflexión sobre la ambición a la que dan vida dos actrices, Carmen Valls y Ana del Val, transformándose en los distintos personajes de esta historia.

Junto a esta programación escénica, el teatro acogerá una jornada de las famosas charlas TEDx. El 17 de octubre, de 19:30 a 22:30 h, el barrio de Ruzafa se convierte en espacio de reflexión para cinco ponentes entre los que ya se ha confirmado a Sonia El Hakim, analista, investigadora, formadora y consultora en Comportamiento No Verbal. También participará Emilio Vesica, fundador de la asociación valenciana Bioagradables, coordinador de proyectos de conservación y sensibilización ambiental. Y la dramaturga Marian Villaescusa, que volverá a subirse al escenario de Sala Russafa esta vez como ponente. A estas voces se sumarán otras y una actuación que completa una velada animada por la curiosidad, el conocimiento y la creatividad.

EN LA PROGRAMACIÓN FAMILIAR DE OCTUBRE DE SALA RUSSAFA, MAGIA EN BLANCO Y NEGRO JUNTO A UN REPASO A LA HISTORIA DEL ARTE DESDE EL HUMOR

En octubre, el teatro de Ruzafa suma otras dos propuestas escénicas para toda la familia, además de la Campaña Escolar que organiza, como cada temporada. Los días 19 y 20, la formación andaluza La Fundición y OriolO hacen un divertido repaso a la historia de la creatividad humana en ‘La primera obra de arte’. Grandes artistas, populares cuadros y famosas técnicas van trufando este montaje para espectadores a partir de cuatro años, que defiende la imaginación y la capacidad de crear por encima de todo. Su protagonista es el clown Oriol Boixander, colaborador de Comediants, Leo Basi o una de las joyas europeas, el Circo Roncali, quien combina la pantomima, los malabares, la interpretación musical, el baile y hasta la magia en una particular puesta en escena cargada de humor.

Por último, el 26 y 27 de octubre el Mago Black y el Mago White ofrecen una espectacular sesión de prestidigitación en blanco y negro. Paco Santofimia y José Manuel Rodrigo empezaron su andadura conjunta en 2011, en la formación andaluza Producciones Avanti. Desde entonces, han dejado al público con la boca abierta en sesiones donde aparecen y desaparecen objetos, hay fuegos de artificio, juegos de luces, mucho humor e incluso levitaciones, haciendo de ‘Black&White’ una asombrosa experiencia que repasa los grandes números del ilusionismo clásico y contemporáneo.

‘Black&White’, del Mago Black y el Mago White. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

MAKMA

‘Arde’ Sagunt

XXXVI Sagunt a Escena
‘Palabras y Sonidos’
Teatro Romano de Sagunto
Hasta el 7 de septiembre de 2019

Inmunes al azote del calor, las piedras del Teatro Romano enmarcan la 36 edición del festival Sagunt a Escena con un contenido versátil que incluye desde piezas dramáticas inspiradas en los grandes clásicos a recitales de música, danza y circo. En total 32 espectáculos para todos los gustos que combinan producciones internacionales, estatales y valencianas. Bajo el lema ‘Palabras y Sonidos’, es el programa más musical de los últimos años.

A punto de cruzar el ecuador, el festival deja buen sabor de boca con montajes espléndidos como ‘Viejo amigo Cicerón’, coproducción del Teatro Romea y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, un texto de Ernesto Caballero, dirigido por Mario Gas e interpretado por Josep Maria Pou, Bernat Quintana y Miranda Gas. Una obra que aproxima a los ciudadanos de hoy esta figura histórica, cuyas reflexiones mantienen plena vigencia, y que revive en escena junto a su secretario Tirón y su hija Tulia.

Cicerón fue protagonista de las luchas y transformaciones ocurridas en el siglo primero anterior a nuestra era en Roma, personificando la imagen de la integridad moral de quien mantiene la coherencia de sus convicciones políticas incluso en las circunstancias más adversas. Un político excepcional en medio de un mundo de mezquinas ambiciones personales, deslealtades y pequeños enredos propios de la vida pública. Político, jurista, orador, filósofo, divulgador, el personaje encarna la máxima de Terencio: Nada humano le era ajeno.

Una original versión del clásico inmortal ‘Hamlet’ se estrenó en el Centro Cultural Mario Monreal, producción de la compañía valenciana Bambalina Teatre Practicable, dirigida por Jaume Policarpo e interpretada por un solo actor manipulador de títeres, Jorge Valle. Bambalina propuso en su ‘Hamlet’ un juego particular con una de las tragedias de Shakespeare sin dar nada por supuesto, intentando hacer lo más difícil de la manera más sencilla. Con este punto de partida planteó un reto con títeres que representan los personajes de la tragedia y un solo intérprete-demiurgo buceando en la obra como quien llega a un planeta inexplorado. Otros espectáculos destacados fueron ‘Somni’, del Institut Valencià de Cultura, con Núria Vizcarra y Juan Carrillo, el homenaje al maestro Joaquín Rodrigo o el ballet ‘El Quijote de plata’, dirigido por Igor Yebra.

Imagen de la puesta en escena de ‘Divinas palabras’, dirigida por José Carlos Plaza. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Superados los rigores de la canícula, el festival afronta su segunda mitad en la que todavía tiene mucho que ofrecer. Un aluvión de propuestas entre las que destaca el ya sexto montaje que realiza José Carlos Plaza de ‘Divinas palabras’, de Valle-Inclán, en escena el 24 y 25 de agosto. Lo interpretan María Adánez, Javier Bermejo, Alberto Berzal, María Heredia, Chema León, Carlos Martínez Abarca, Ana Marzoa, Diana Palazón, Luis Rallo, José Luis Santar y Consuelo Trujillo. Escrito en 1919 y publicado en 1920, este texto se sitúa en un momento en que Ramón María del Valle-Inclán da forma a su visión esperpéntica de la realidad. Dividido en tres jornadas, se centra en la figura de un idiota, hidrocéfalo que, al morir su madre es explotado por sus tíos que lo exhiben por las ferias como un monstruo, que igual inspira compasión que burlas grotescas.

En palabras de José Carlos Plaza, se trata de “una obra claramente agresiva, a veces brutal. Inmersa en las raíces de un pueblo que, sin perder su pasión, se comporta con el instinto y no con la razón. Un instinto deformado que lleva a cometer acciones inimaginables y que corroen los pilares de una sociedad burguesa, retrógrada y castradora. Y todo ello a través de un acidísimo humor negro. Desde el concepto de la familia, reflejada como una unión forzada que se usa como tabla de salvación, al concepto del dinero como único y auténtico dios que todo lo domina. Desde una miseria social y moral, al concepto de orden establecido, corrupto y mezquino. O hasta los miedos más profundos de la ignorancia. Y, dominándolo todo, la religión”.

Enrico Barbaro y Asier Etxeandia protagonizan ‘Mastodonte’. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

El 22 de agosto, Asier Etxeandia y Enrico Barbaro lanzan su primer proyecto musical, ‘Mastodonte’. Un viaje conceptual a través de la vivencia del ser humano desde una vida anterior a su nacimiento pasando por la niñez, la adolescencia, el descubrimiento de la pasión y el amor, la madurez, la perdida, el perdón y la muerte y serena aceptación de sus errores. El último día de agosto los amantes del flamenco tienen una cita con ‘Bailando con Carmen’, la primera ópera flamenca en la que el amor y la tragedia reflejan la sociedad actual.

Dentro del circuito Off Roma se incluye, entre otras opciones, ‘Juicio y muerte de Sócrates’ (19 y 20 de agosto), un espectáculo dividido en dos partes que revive los momentos de mayor tensión vividos durante el juicio al que sometieron al filósofo griego, acusado de introducir nuevas divinidades en Atenas y de corromper a la juventud, y su posterior suicidio. ‘Con dos coplas de más’ llega el 4 de septiembre, combinando música y poesía, y el 7 de septiembre tendrá lugar una actuación del ganador o ganadora de la edición de 2019 del Festival del Cante de las Minas.

Josep María Pou durante un instante de ‘Viejo amigo Cicerón’, dirigida por Mario Gas. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Bel Carrasco

Menuts a Escena, para que los niños conozcan el teatro

Menuts a Escena
Sagunt a Escena
Del 24 de julio al 4 de septiembre de 2019

La Dirección General de Cultura y Patrimonio ofrece una actividad complementaria a la programación de ‘Sagunt a Escena’ destinada al público infantil. Mientras los adultos asisten a las representaciones del Teatro Romano de Sagunto, los niños tienen actividades relacionadas con la obra representada. El proyecto ‘Menuts a Escena’ procura la conciliación familiar en un espectáculo cultural y permite que tanto adultos como niños disfruten de una misma obra teatral desde diferentes perspectivas. 

‘Menuts a Escena’ se puso en marcha el año pasado en Sagunto y es una iniciativa única en el marco de los festivales de teatro que se realizan en verano. La dinámica pretende que los niños conozcan mejor el mundo del teatro, trabajen los conceptos que aparecen en las obras representadas en ‘Sagunt a Escena’, puedan compartir el contenido de la obra con los familiares que han acudido a ver la representación y desarrollen sus habilidades de expresión corporal.

Las actividades se realizarán en el Museo Arqueológico de Sagunto en horario de 21.30 horas a 1.00 de la madrugada, coincidiendo con la representación teatral de los días 6, 8, 9, 24 y 25 de agosto, que corresponden al espectáculo de danza ‘El Quijote de Plata’ y a las obras de teatro ‘Viejo Amigo Cicerón’ y ‘Divinas Palabras’. La actividad va dirigida a niños de entre 6 y 12 años, y el aforo máximo será de 20 niños por sesión. ‘Menuts a Escena’ es un servicio gratuito pero que necesita reserva previa que se indicará y realizará en el momento de la compra de la entrada de ‘Sagunt a Escena’.

La actividad se compone de cinco experiencias estructuradas de forma distinta a través de las cuales los participantes se acercarán al mundo del teatro, aprendiendo valores que se desprenden de las obras trabajadas y divirtiéndose mientras desarrollan sus habilidades comunicativas.

En la introducción a la actividad, los niños descubren que un actor que iba a actuar esta noche se ha torcido el pie y, como no va a poder estar en la función, no quiere que la obra triunfe. Por este motivo el actor ha cogido los papeles del director, con el guión y la descripción de personajes, y los ha roto y escondido en el museo.

Menuts a Escena. Imagen cortesía del festival Sagunt a Escena.

La primera actividad es la de encontrar los papeles robados por todo el museo. Para ello tendrán que localizar los sobres que hay escondidos y reunirlos en el punto de encuentro, luego tendrán que recomponer los documentos hasta lograr la coherencia de la obra. 

El siguiente paso es leer el guión entre todos, seleccionar a los personajes y dotarles del vestuario adecuado para poder representar una parte de la obra que sus padres estarán viendo en el teatro romano. Para que la obra quede en la memoria, dibujarán cinco personajes de la obra en cinco pegatinas que podrán llevarse a casa y mostrar a sus padres. 

Tras el críptico suicidio de Eva Braun y Adolf Hitler

‘Berlín’, de Josep Carles Laínez y bajo la dirección de Lluís Fornés
Con Laura Salido
Sala Carolina
Rugat 10, València
Domingo 26 de mayo de 2019 a las 20:00

El próximo domingo día 26 de mayo de 2019 tendrá lugar el estreno en la Sala Carolina, en sesión única antes del verano, de la pieza teatral ‘Berlín’, un monólogo del escritor y dramaturgo Josep Carles Laínez.

Dirigida por Lluís Fornés e interpretada por Laura Salido, la obra pone en escena a la que fue, durante más de una década, amante de Adolf Hitler y, al final de su vida, su esposa: Eva Braun. A lo largo de ocho fragmentos, que transcurren en el búnker donde ambos se suicidaron, se asiste al derrumbe y a la tensión entre ambos personajes. En la pieza se reflexiona, sobre todo, en torno a cómo una mujer dulce, sensible y abierta al mundo (le encantaba el jazz y las comedias musicales estadounidenses), fue capaz de seguir hasta la muerte a quien la reconoció como esposa solo pocas horas antes de su muerte.

Laura Salido ha desarrollado casi toda su carrera en Madrid, donde se licenció por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Entre otros, ha trabajado de manera multidisciplinar con Tessa Rubio, David Trueba, Jorge Eines, José Luis Raymond o Sol Garre. Es asimismo autora teatral y desarrolla una intensa labor pedagógica.

Cartel de ‘Berlín’, de Avencio Delgado.

Por su parte, Lluís Fornés, actor, cantante y dramaturgo, cuenta entre sus proyectos más recientes como director ‘That’s What I Want’, de Salvador Poquet, la cantata ‘El fill de la lletera’, la comedia musical ‘El Palau de Parèmia, un món de dones’, y ‘Exaltació de la barxa valenciana’. Autor de diversos libros, en el año 2004 publicó la comedia ‘Montgó gogó’, escrita junto al humorista Antonio Fraguas Forges.

Josep Carles Laínez debutó en la escena en 1995, con la obra ‘Como tú’, estrenada en la sala Triángulo de Madrid. Con posterioridad, publicó ‘Del luxe del ras vora les fraules’ (1999) y ‘Berlín’ (2001). Ha obtenido en dos ocasiones el Premio de Teatro de la Academia de la Llingua Asturiana, por las obras ‘Elsa metálico’ (1998) y ‘Thule’ (2009). La revista La Ratonera, en un especial sobre teatro asturiano contemporáneo, dio a la luz su pieza ‘Últimes hores d’Hefestión en Babilonia’. La versión de ‘Berlín’ que ahora estrena es una reescritura de la obra editada en 2001.

Detrás de Berlín se halla una veterana productora musical valenciana: GH Records, conocida por su catálogo internacional de música dark, así como por la producción de diversos cortometrajes y largometrajes que se han convertido en fenómenos de culto.

MAKMA

El cómico y oscuro muro de La Teta Calva

‘El muro’, de La Teta Calva
Teatro Principal
Barcas 15, València
Del 29 de marzo al 7 de abril de 2019

El Teatro Principal de València presenta, del 29 de marzo al 7 de abril, el estreno absoluto de ‘El muro’, la nueva producción de la compañía La Teta Calva.

La pieza es un texto original de María Cárdenas (premio MAX autora revelación 2017, ‘Síndrhomo’) y Xavo Giménez, quien además firma la dirección y forma parte del reparto que completan Merce Tienda, Leo de Bari y Carles Chiner. El equipo artístico lo conforman Joan Miquel Reig (vestuario), Marc Gonzalo (iluminación), Pasqual Rodrigo (Sonido) y Antoni Sendra (PODENCO audiovisual).

El muro. MAKMACon ‘El muro’ continúa el trabajo de la compañía en su línea de mezclar la comedia con la oscuridad de la vida, con personajes que están en su límite vital, y utiliza el lenguaje musical con una intención irónica. Nos habla del aislamiento de las personas de ese dolor, mezclado con un humor punzante, que provoca cierta incomodidad ante la risa.

La obra, basada en ‘The Wall’, del grupo británico Pink Floyd, se deja llevar por el oscuro mundo de Pink, el protagonista del disco de 1979. En este caso no es Pink, sino Rosi, una artista en horas bajas que ha firmado su redención. Una víctima más de bombardeo diario.

“Rosi se esconde entre las cortinas mugrientas de un destartalado y bizarro motel de carretera entre Cuenca y Madrid. Las paredes de su habitación son el muro que la separan del mundo. Son su paredón. Apenas hay un ventanuco por donde respirar.

Rosi está de camino para su final y ha parado un rato para descansar. Nos daremos un viaje por su pasado en el que ha ido amontonando ladrillos. Desde la escuela violenta, pasando por la madre protectora hasta el padre ausente e idolatrado. Un tabique indestructible que frena cualquier sueño”.

Un instante de la representación de 'El muro', de La Teta Calva. Fotografía cortesía del IVC.

Un instante de la representación de ‘El muro’, de La Teta Calva. Fotografía cortesía del IVC.

La compañía La Teta Calva la forman el tándem María Cárdenas y Xavo Giménez y “nace de la necesidad de lanzarse al vacío, de buscar y encontrar nuestro propio espacio aunque tengamos que morir en el intento. Nuestro teatro parte de lo íntimo para llegar y salpicar lo mejor posible al espectador”.

Con esta declaración de intenciones vienen ofreciendo sus propias producciones desde 2014, en las que han abordado tanto proyectos escénicos para público intantil/familiar (‘El Oro de Geremías’, ‘Las Aventuras de T. Sawyer’, ‘El tambor de Cora’), como para público adulto (‘Llopis’, ‘Pénev’, ‘Síndrhomo’, ‘¿Qué pasó con Michael Jackson?’). Durante este tiempo han conseguido un significativo reconocimiento en las artes escénicas, como demuestra el amplio palmarés que les avala.

Un instante de la representación de 'El muro', de La Teta Calva. Fotografía cortesía del IVC.

Un instante de la representación de ‘El muro’, de La Teta Calva. Fotografía cortesía del IVC.

Renovación y actualidad en Dansa València

XXXII Dansa València
IVC Teatro Principal, Teatro Rialto, Sala Matilde Salvador, Carme Teatre, Espacio Inestable, TEM, Espai Rambleta, La Mutant, CCCC y Plaza del Patriarca
Del 9 al 14 de abril de 2019

El renovado festival del Instituto Valenciano de Cultura, Dansa València, que se celebrará del 9 al 14 de abril en diversos espacios de la ciudad, ha presentado en rueda de prensa la programación de su XXXII edición. La presentación ha contado con la participación de Mar Jiménez, directora del festival; Roberto García, director de IVC Escéniques; Josep Policarpo, director Teatre Escalante-Diputació de València; y Bernard Gaspar, de Acción Cultural del Ayuntamiento de València.

“Presentamos una nueva y pujante edición de Dansa València, después de haber recuperado su formato original hace dos años y que emerge impulsando la actualidad de la danza tanto nacional como valenciana”, apunta Jiménez, directora del festival. Una edición que acogerá el trabajo de 26 compañías (12 valencianas y 14 del Estado español), 29 representaciones, siete espectáculos de calle y ocho estrenos absolutos.

Imagen del espectáculo 'Keep Going', de la compañía de danza La Macana. Fotografía de Gorka Bravo, cortesía de Dansa València.

Imagen del espectáculo ‘Keep Going’, de la compañía de danza La Macana. Fotografía de Gorka Bravo, cortesía de Dansa València.

Desde su inauguración en 1988, el festival se convirtió en un referente de la danza contemporánea del Estado español, donde numerosas compañías y artistas muestran sus proyectos más recientes y visibilizan la actualidad de la danza, tanto española como valenciana.

Durante seis días, del 9 al 14 de abril, Dansa València contará con una programación innovadora abierta a todos los públicos y con el objetivo de convertir València en “punto de encuentro del sector escénico, con el objetivo de compartir nuevas propuestas e imaginar nuevos territorios para la danza”, señala la directora del festival.

Mar Jiménez ha destacado los tres elementos clave que suponen una novedad en el desarrollo del festival. En primer lugar, el protagonismo de la música y el sonido en directo de los montajes, convirtiéndolos en el eje temático que conducirá la gran diversidad de formas de expresión que se podrá encontrar en todas las creaciones de esta edición.

Una segunda novedad es la gran apuesta por los proyectos pedagógicos. Dansa València inicia una colaboración con diferentes Conservatorios Superiores de Danza de todo el país para intercambiar experiencias educativas. Asimismo, Roberto García, director de IVC Escéniques, ha comentado el proyecto didáctico ‘Dansem’, una iniciativa del Institut Valencià de Cultura vinculada a la reactivación del Espai La Granja de Burjassot y dirigida a estudiantes de Educación Secundaria.

Imagen de la obra 'Canvas of bodies', de Taiat Dansa. Fotografía cortesía de Dansa València.

Imagen de la obra ‘Canvas of bodies’, de Taiat Dansa. Fotografía cortesía de Dansa València.

Un centenar de alumnos de los IES Vicent Andrés Estellés y Comarcal de Burjassot, guiados por los coreógrafos Idoya Rossi y Ramón Baeza, mostrarán en la Rambleta una creación coreográfica a partir de los movimientos generados por ellos. La Banda Juvenil de la Unió Musical l’Horta de Sant Marcel·lí se une al proyecto, interpretando la música en directo.

El tercer proyecto pedagógico es el de ‘Coreografías de la miradas tránsitos’, un proyecto de investigación artística que trata de indagar las relaciones entre el cine y la danza, que se podrá ver en el CCCC.

Como tercera novedad, el festival se abre a las artes vivas, un territorio transversal que huye de las etiquetas y que quiere generar preguntas alrededor de la creación contemporánea más heterodoxa.

Con la firme voluntad de crear una red de diálogo para construir, cada vez más en relación, el festival de danza y artes vivas de la ciudad, Dansa València se expande por diferentes espacios de la ciudad, favoreciendo de este modo la ampliación de nuevos públicos en distintos distritos de València. Así pues, el festival contará con los espacios del IVC Teatro Principal y Rialto; la Sala Matilde Salvador, el Carme Teatre, Espacio Inestable y el TEM. Y se incorporan Espai Rambleta, La Mutant y el CCCC. Las actuaciones de calle se realizarán en la Plaza del Patriarca

Al igual que en ediciones anteriores, Dansa València facilitará el encuentro entre profesionales de procedencia local, nacional e internacional.

Animal de sequia, de Sol Picó. Imagen cortesía de Dansa Valencia.

Animal de sequia, de Sol Picó. Imagen cortesía de Dansa Valencia.

El simbolismo invernáculo de Alberto Conejero

‘Todas las noches de un día’, de Alberto Conejero, dirigida por Luis Luque
Pentación Espectáculos
Con Ana Torrent y Carmelo Gómez
Teatro Olympia
San Vicente Mártir 44, València
Hasta el 17 de febrero de 2019

“Pese a las veladuras que aparentan cubrirlos (sus cuadros de la vida), no tienen ninguna artificiosidad: a través de esos velos se disciernen siempre, con toda precisión, los contornos de algo substancial, de algo que brota de la fuente misma de la humana existencia y que no es en modo alguno efímero o pasajero”
(Maurice Maeterlinck)

Tal epígrafe, que la investigadora de la UCO Juana Toledano Molina recoge en su ensayo ‘Teatro simoblista en España: algunas formas del poema drámatico’, se formula atribuido al dramaturgo belga Maurice Maeterlinck (1862-1949), prócer del teatro simbolista francófono y de generosa influencia en todas las dramaturgias europeas, tal y como el actor, escritor teatral y profesor de la RESAD Daniel Sarasola postula en la destacada antología ‘Simbolismo y modernismo en el teatro español’ (Fundamentos, 2011).

Todas las noches de un día. MAKMA

La sentencia de Maeterlinck bien puede erigirse aquí a modo de exordio de cuanto acontece, palpitante, en la obra de Alberto Conejero ‘Todas las noches de un día’, que fondea en el Teatro Olympia de València, hasta el próximo 17 de febrero, de la mano de Ana Torrent y Carmelo Gómez, orientados por el rumbo del director madrileño Luis Luque.

Modernismo contemporáneo, lirismo dramático, teatro de ensueño, introspección narrativa, calima truculenta y decadente; aditamentos proposicionales del simbolismo para un texto alegórico que rubrica el prolífico y ubicuo autor jienense –indubitable adalid, junto a Juan Mayorga, de la presente escena española–, henchido de la analepsis que Conejero procura germinar en el espacio metafórico de un invernadero decimonónico, erigido en una reliquia superviviente de los azares biográficos de sus personajes.

Ana Torrent (Silvia) y Carmelo Gómez (Samuel) encarnan a dos seres atormentados por sus respectivos abolengos, tan discordantes como miméticos en el castigo, cuyas penitencias lastran la onerosa carga de la espectral memoria familiar. Silvia, última habitante de un caserón hostigado por las urbanizaciones colindantes, en el que subsiste un viejo invernadero al cuidado obsesivo de Samuel. Entre ambos surge una relación de necesidad y desequilibradas correspondencias, cimentada por el tiempo relativo que propicia su aislamiento, como testigos inanes de cuanto acontece fuera de su no-lugar.

 

‘Todas las noches de un día’ uniforma su relato epidérmico a partir del interrogatorio policial al que Samuel debe enfrentarse, tras la incierta desaparición de Silvia, tesitura que propicia las escenas retrospectivas y la interpolada evolución de la memoria. Samuel se ve inquirido por un agente –in absentia– que asiste, junto al público, a los delirios del recuerdo, entre premonitorias tormentas estacionales, ipomoeas albas, hemerocallis y cactáceas que habitan su invernáculo, convertido en mazmorra, en jaula última para sus íntimas evocaciones.

Carmelo Gómez y Ana Torrent fascinan e impresionan, tornan inteligibles las cuitas y contribuyen decisivamente –junto a la labor escenográfica de Monica Boromello y la música de Luis Miguel Cobo– a elevar las razones poéticas de un libreto definido por el propio Conejero como “un texto que tiene algo de thriller, algo de melodrama y algo de tratado de botánica”.

Carmelo Gómez y Ana Torrent durante un instante de 'Todas las noches de un día'. Fotografía cortesía de Teatro Olympia.

Carmelo Gómez y Ana Torrent durante un instante de ‘Todas las noches de un día’. Fotografía cortesía de Teatro Olympia.

Jose Ramón Alarcón

Andy Multitalento Chango

Andy Chango. El hombre nada
Clan Cabaret
C / Capitán Segarra, 16. Alicante
Sábado 26 de enero de 2019

Andy Chango invitó a una hora de inteligencia en Clan Cabaret de Alicante. El argentino con su último espectáculo, ‘El hombre nada’, dejó humor del bueno sobre el escenario acompañado por su inseparable órgano electrónico.

Un personaje multitalento, más propio de la época renacentista, que narró su vida bien escrita con fina ironía. Chango demostró una vez más que tiene una lucidez ebria inabarcable. Desencajó al publico alicantino sumido en la directa carcajada.

Andy Chango. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Andy Chango. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Un espectáculo recomendable sin duda. El monólogo que combina con música y sus andares optimistas de un lado al otro del escenario proporcionaron una obra de teatro mordaz y muy divertida.

El hombre nada se ríe de todo y todos se ríen con el hombre nada. Andy Chango como artista es un género en sí mismo que no tiene desperdicio, consigue zafarse de lo políticamente correcto y realizar una obra de verdad, con alma.

Andy Chango a su paso por la sala Clan Cabaret de Alicante. Foto: Lorena Riestra.

Andy Chango a su paso por la sala Clan Cabaret de Alicante. Foto: Lorena Riestra.

Rockero, escritor, músico, cantante, showman televisivo y además argentino. Habló de lo que importa y de lo que no con sabiduría existencial, dejando encantado a los espectadores y con las ganas de que el show durara un poco más.

Mucha suerte Flaco, esperamos volverte a ver pronto.

Andy Chango

Andy Chango como ‘El hombre nada’. Sala Clan Cabaret de Alicante.

Raúl Bartleby

Las confesas desdichas de ‘Cinco horas con Mario’

‘Cinco horas con Mario’, de Miguel Delibes, dirigida por Josefina Molina
Sabre Producciones y Pentación Espectáculos
Con Lola Herrera
Teatro Olympia
San Vicente Mártir 44, València
Hasta el 3 de febrero de 2019

El Teatro Olympia de València acoge, hasta el próximo domingo 3 de febrero de 2019, ‘Cinco horas con Mario’, ínclita adaptación de una de las obras de referencia del escritor vallisoletano –y otrora académico– Miguel Delibes, bajo la sempiterna dirección de Josefina Molina y el conspicuo protagonismo de Lola Herrera.

Erigida en un ineludible clásico de la escena contemporánea española, la presenta gira –que circula, de nuevo, tras la congratulaciones por el quincuagésimo aniversario de la publicación de la novela en 1966– cursa una tercera versión que atisba 2020 como horizonte definitivo, aupada por el natural, inmaculado y octogenario atletismo de la actriz castellana, cuya etapa de madurez curricular parece haberse forjado en asociación con la deriva de esta perenne función, desde que las céntricas y montepías tablas madrileñas del Marquina alumbraran su controvertido estreno en pleno y transicional otoño de 1979.

Lola Herrera, como Carmen Sotillo, durante un instante de la representación de 'Cinco horas con Mario'. Fotografía cortesía del Teatro Olympia de València.

Lola Herrera, como Carmen Sotillo, durante un instante de la representación de ‘Cinco horas con Mario’. Fotografía cortesía del Teatro Olympia de València.

Carmen Sotillo (Lola Herrera) prosigue paseando, cuatro décadas después, ese soliloquio de velatorio doméstico y crepuscular, propicio para el monólogo confeso frente al difunto, cuya relación marital ejemplifica un lúgubre acervo de inquinas y desdichas, soledades vívidas y recriminaciones póstumas, náuseas, contrición, adulterios inconsumados y soterradas lujurias.

“Aparte de desempeñar un papel determinante en la trama, son seres presionados por el entorno social, víctimas de la ignorancia, la política, la organización, la violencia o el dinero”, aseveraba Delibes acerca de buena parte de la nómina de personajes que puebla el cosmos de su narrativa. De este modo, Menchu y Mario ilustran, huérfanos de excesos escenográficos, el testimonio arquetípico de los antagonismos de la burguesía media de provincias en la adusta, lóbrega, católica y opresiva España de los años sesenta.

En reprobatorias palabras de Carmen a las citas bíblicas que parecen orientar las inquietudes del difunto, Mario encarna la figura de un introspectivo catedrático de instituto, zaherido por frustraciones literarias y una sospechosa y social religiosidad posconciliar, cuyo vituperado sentido de la dignididad y de la justicia social lo hubieron transformado en un marido taciturno, estéril frente las necesidades y aspiraciones tradicionales, económicas, religiosas y románticas de su esposa, paradigma y dechado esta de heredadas y tópicas virtudes inmovilistas y anhelos de la clase media del momento.

Las ineludibles transformaciones etopéyicas y culturales, acaecidas desde su publicación y ulterior adapatación teatral, han posibilitado superar el incipiente maniqueismo que exudaba el troquel de sus personajes, tal y como el propio Delibes indicaba en la nota del autor para la edición de 2008 de su novela: “Mas fueron suficentes unos años para que las cosas empezaran a cambiar. Los lectores ya no se mostraban unánimes en sus juicios: Mario no era el bueno ni Menchu la mala. ¿Por qué iba a ser bueno Mario? ¿Por qué mala Menchu? ¿Por haber recibido una educación trasnochada? Pero Mario, tan entregado a su causa, no entendió a su esposa, que, con muy poco esfuerzo, se hubiera puesto de su lado (…) De todo esto me doy cuenta ahora. En su momento estaban muy próximos y pesaban mucho los papados de Juan XXIII y Pablo VI. Ante la torpeza ajena, los partidarios de aquéllos se irritaban antes que disculparla, aunque la ingenuidad no merecía este castigo”.

Sin embargo, esa misma metamorfosis y evolución del mapa de inquietudes y costumbres ha convertido, por momentos, su primogénita causticidad y humor críticos en liviana hilaridad e hiperbólica mojiganga. No obstante, a pesar de estos signos reumatoides de su osamenta, ‘Cinco horas con Mario’ pervive, por pluma y devenir, en el imaginario presente de consecutivas generaciones de espectadores que han tenido (y aún atesoran) la fruición de aclamar la sobrecogedora prosodia de Lola Herrera.

La actriz Lola Herrera durante un instante de la representación de 'Cinco horas con Mario'. Fotografía cortesía del Teatro Olympia de València.

La actriz Lola Herrera durante un instante de la representación de ‘Cinco horas con Mario’. Fotografía cortesía del Teatro Olympia de València.

Jose Ramón Alarcón

Auge y deceso del nazismo en Sala Russafa

‘Shakespeare en Berlín’, de Chema Cardeña
Arden Producciones
VIII Cicle de Companyies Valencianes
Sala Russafa
Denia 55, València
Del 31 de enero al 17 de febrero de 2019

El teatro a veces funciona como un espejo. Es lo que ocurre con el thriller histórico ‘Shakespeare en Berlín’, que vuelve a Sala Russafa dentro de su VIII Cicle de Companyies Valencianes, justo cuando el panorama político y social español lo hacen más actual que nunca.

Del 31 de enero al 17 de febrero de 2019 sube al escenario del teatro de Ruzafa, donde se creó esta pieza de Arden Producciones que arranca su cuarto año en gira, tras visitar medio centenar de ciudades españolas como Madrid, Barcelona o Sevilla, además de saltar a Portugal dentro del Circuito Ibérico de las Artes Escénicas. Se trata de uno de los últimos y más exitosos espectáculos de la formación valenciana, impulsora del teatro de Ruzafa; y, para algunos, uno de los mejores textos de Chema Cardeña, quien escribe y dirige la pieza en la que interpreta uno de los papeles y por la estuvo nominado a Mejor Actor de Reparto en los Premios MAX.

Shakespeare en Berlín. MAKMA

“Cuando creamos este espectáculo nunca pensamos que tendría tanto recorrido, pero es que en cada ciudad y en cada momento en que lo hemos representado, el público ha tenido una lectura muy condicionada por lo que estaba pasando en las calles. Por ejemplo, cuando lo estrenamos en Barcelona en 2016, el espectáculo fue acogido con mucho entusiasmo, y al volver un año después, en plena efervescencia del 1 de octubre, la interpretación que hizo el público del mismo espectáculo, fue mucho más intensa”, comenta Cardeña.

Mezclando referencias históricas en una interesante trama de thriller, ‘Shakespeare en Berlín’ recrea el nacimiento, crecimiento y ascenso al poder del nazismo a través de la amistad de un matrimonio, formado por un profesor de fotografía y una directora de cine, con un exitoso actor judío. Los que fueran inseparables compañeros tendrán que atravesar un periodo en que la sociedad se transforma y los transforma, con el auge de políticas populistas y discriminatorias, la pérdida de derechos individuales y el incremento de la confrontación social.

“En los últimos años hemos visto cómo no sólo en el mundo, también en Europa y España crecía la ultra derecha. Y al acabar la función la gente nos decía que cada vez nos parecíamos más a esa Alemania que, en plena depresión económica, encontró un chivo expiatorio perfecto a quien culpar de sus problemas”, argumenta el dramaturgo.

Además del apoyo de la crítica, con el Premio de la Crítica Literaria Valenciana 2018, la pieza ha recibido otros reconocimientos entre los que Cardeña destaca los dos Premios del Público (El Puig y L’Aculdia), además de la nominación para el mismo galardón en el Certamen de Haro. “Es emocionante que los espectadores se sientan tocados por lo que está ocurriendo en el escenario, que se planteen cómo actuarían ellos, que se genere un debate espontáneo al salir del teatro. Es de las mejores cosas que te pueden pasar como dramaturgo”, admite Cardeña.

Él mismo, Juan Carlos Garés e Iria Márquez, con la colaboración especial de Juan Mandli, dan vida a este espectáculo, homenaje a la palabra y a la emoción, con toques noir y que echa la vista atrás para hablar del presente. “Pero, sobre todo, del futuro, si queremos evitar que la historia se repita”, señala su autor y director.

FEBRERO CON PROPUESTAS VALENCIANAS, NACIONALES E INTERNACIONALES

Durante tres semanas, ‘Shakespeare en Berlín’ permanecerá en Sala Russafa, dentro del VIII Cicle de Companyies Valencianes, en el que también se integra la pieza ‘Anónimas’ (22-24 de febrero). Este espectáculo de danza urbana sobre tacones habla sobre el empoderamiento de la mujer y abre la programación de un ciclo especial dedicada a La Dona, que continuará alrededor de la jornada del 8 de marzo, con diferentes propuestas escénicas y culturales.

Además, el centro acogerá en febrero la producción argentino-española ‘El Trinche’ (19 y 20 febrero) dirigida por Jorge Eines, que se acerca a la figura de este astro del fútbol argentino. Y el ‘Ultrashow’ del humorista canario afincado en Barcelona, Miguel Noguera (15 y 16 de febrero) dará un toque surrealista al fin de semana de los enamorados.
Por último, la programación mensual se completa con una nueva sesión de ‘El Arte de Conocerte’ (9 de febrero), una experiencia escénica que se apoya en la Escuela Gestalt de la psicología, dirigida por el productor teatral y terapeuta Óscar Cortés.

Iria Márquez, Chema Cardeña y Juan Carlos Garés protagonizan 'Shakespeare en Berlín'. Fotografía cortesía de Arden Producciones.

Iria Márquez, Chema Cardeña y Juan Carlos Garés protagonizan ‘Shakespeare en Berlín’. Fotografía cortesía de Arden Producciones.