Taller sobre fiscalidad para artistas profesionales

‘Fiscalidad, contratación y modelos prácticos’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Museu 2, València
Jueves 21 de febrero de 2019
De 17:00 a 21:00

Bajo el título ‘Fiscalidad, contratación y modelos prácticos’, el próximo 21 de febrero, de 17:00 a 21:00, tendrá lugar en el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) un primer taller teórico-práctico para artistas visuales, enfocado a dotar de conocimientos legales necesarios y de herramientas básicas, para poder desenvolverse bien como profesionales.

Desde AVVAC se ha diseñado este taller, en una única jornada dividida en varios bloques, contando con especialistas legales en el campo de las artes visuales, colaboradores habituales de la asociación y con amplia experiencia. Alexandre Devís (abogado) y Jorge Seguí (asesor fiscal), pondrán al alcance de las/los artistas de la Comunidad Valenciana, conocimientos prácticos sobre temas como el funcionamiento del Régimen Especial de Trabajadores Autónomos (RETA), los derechos de propiedad intelectual, cuestiones sobre facturación, contratación, etc.

AVVAC. MAKMA

En el contexto de este taller se presentará, en el último bloque, el ‘Libro Blanco de contratos para artistas visuales’, editado recientemente por la Plataforma Assembleària d’Artistes de Catalunya (PAAC), presentación que correrá a cargo de Tomás Pariente, artista gráfico y miembro de su equipo de redacción. Considerado de gran interés para los profesionales del sector, este documento recopila entre otras cuestiones, más de una veintena de modelos diferentes de contratos, que tratan de recoger la complejidad y variedad de las actividades que se desarrollan en este sector, facilitando así una relación laboral equitativa, que no lesione los derechos de las/os artistas. Editado además bajo licencia Creative Commons, puede descargarse y consultarse libremente en la página web de la PAAC (http://www.paac.cat/p/1/108/0/Publicacions).

Recordemos que estudios recientes de la UNESCO y otros publicados en nuestro país indican que el empleo y la condición social de las/los artistas siguen siendo muy precarios, con escaso acceso a la seguridad social, las pensiones y otras prestaciones sociales, además de reflejar unos ingresos qué, en un altísimo porcentaje, no alcanzan el salario mínimo interprofesional en su cómputo anual.

Artistas Visuales de Valencia Alacant i Castellò (AVVAC9 pertenece, junto al resto de asociaciones de artistas visuales del estado, a la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC), que a su vez es representante en España de la International Association of Art (IAA).

Miembros de AVVAC publicitan el curso en las aulas de la Facultad de Bellas Artes de la UPV. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

Miembros de AVVAC publicitan el curso en las aulas de la Facultad de Bellas Artes de la UPV.
Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

AVVAC trabaja promoviendo la profesionalización de la condición de artista, las buenas prácticas, la defensa de sus condiciones de trabajo, económicas y sociales, como parte esencial para el desarrollo de las libertades y la cultura, tal como se recoge en la Constitución Española, entendiendo como imprescindible agrupar y formar a las/los artistas en la defensa de sus intereses, y para un mejor desarrollo del arte contemporáneo en la Comunidad Valenciana. Para combatir la injusta precariedad que padecen las/los artistas visuales, AVVAC, junto a la UNIÓN_AC, trabaja intensamente en avanzar hacia la creación de un Estatuto del Artista, que recoja sus derechos y los regule de un modo más equitativo.

Esta reivindicación histórica ha recibido recientemente un impulso, cuando el pasado 28 de diciembre de 2018, el Consejo de Ministros aprobó un Real Decreto-ley de medidas de urgencia sobre la creación artística, (http://www.congreso.es/backoffice_doc/prensa/
notas_prensa/61825_1536230939806.pdf) con las que se pretende garantizar un adecuado desempeño de la actividad artística, atendiendo a sus peculiares características, que la hacen merecedora de un régimen fiscal, laboral y de la Seguridad Social específico. Se pone de manifiesto de esta manera, la urgente necesidad de amplias reformas destinadas a superar la profunda crisis en la que sobreviven sus profesionales, donde las medidas hasta ahora aprobadas por el Gobierno, no serían mas que una pequeño avance para el sector, que, sin duda, desde AVVAC valoramos
positivamente, sobre todo por haber sido aprobadas por unanimidad de grupos políticos que componen el Congreso de los Diputados.
Lamentamos, por otra parte, que debido al adelanto electoral recientemente anunciado,
las 75 medidas recomendadas para su reforma hechas por el Congreso queden en suspenso, cuestión que deseamos no sea mas que un retraso circunstancial y momentáneo y que se pueda retomar el trabajo en esa dirección, tras los comicios.

Se comprende fácilmente (y más con este panorama) la importancia de dotar de formación legal relacionada con la actividad de las artes plásticas a los profesionales del sector, de modo que puedan desenvolverse legalmente de la mejor forma posible. Así, desde Artistes Visals de València Alacant i Castelló (AVVAC) se ha comenzado con este taller en Valéncia, un ciclo que en fechas próximas se repetirá en otras ciudades de la comunidad, entre ellas Alicante y Castellón.

Miembros de AVVAC visitan la Facultad de Bellas Artes de la UPV publicitando el curso. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

Miembros de AVVAC visitan la Facultad de Bellas Artes de la UPV publicitando el curso. Fotografía: Rafael Alguer (AVVAC).

AVVAC

Accionar la maquinaria: juntos, aquí, ahora

‘Here, Together, Now’ Convocatoria Tangent
Entrevista a Diana Guijarro
Museo de Arte Contemporáneo de Alicante
Plaza Sta. María, 3. Alicante
Hasta mayo de 2018

En abril de 2017 se publicaban las primeras convocatorias públicas que el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana ponía en marcha en relación con materias clave museísticas que, en numerosas ocasiones, se dejan fuera del programa por falta de tiempo o recursos. Proyectos sociales, de mediación o de educación son quizá algunas de las asignaturas pendientes de muchas instituciones.

El MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante) es una de las instituciones afortunadas de contar con uno de estos programas. ‘Tangent’, la convocatoria relativa a mediación cultural tiene lugar desde el pasado mes de octubre hasta el próximo mes de mayo. Diana Guijarro, comisaria alicantina, es ideadora y guía en todo este complicado proceso que es mediar con la sociedad en un museo. Además, recientemente se anunció que su proyecto ‘Totalidad e infinito. Economías de la transferencia en otro (s) tiempo (s) para el arte.’ ha sido seleccionado en la convocatoria 365 VLC, donde podremos ver tres exposiciones a lo largo de un año en la sala Carlos Pérez del Centro del Carmen. De momento, nos desvela algunas clave de ‘Here, Together, Now’.

¿Por qué el título ‘Here Together Now’?

El título del proyecto fue algo que surgió cuando ya tenía avanzada la idea sobre la que quería investigar. Ante todo me interesaba plantear una programación que permitiese reflexionar sobre el dilema de la incomunicación dentro de la creación contemporánea y para ello consideré que era necesario apoyarse en 3 pilares: los diferentes tipos de públicos, el museo entendido como una institución dispuesta a ser renovada y las prácticas artísticas contemporáneas.

Quería proponer dinámicas colaborativas que explorasen las posibilidades que implica un aprendizaje experimental y donde a través de una experiencia compartida y comprometida, se llegase a una reflexión crítica sobre nuestra presencia y participación en los espacios culturales.

De modo que desarrollé la idea de accionar el museo apoyándome en diversos planos, un concepto que se extendería en una especie de presente continuo y que se activaría durante cada sesión por sus participantes (Aquí Juntos Ahora). Ellos serían los responsables de poner en marcha la maquinaria reflexiva empleando otras esferas comunicativas.

¿Cómo reacciona el público ante la permisividad de realizar acciones no convencionales en el museo?

Llevamos dos meses aproximadamente desarrollando las actividades y la actitud del público es muy abierta respecto a todo aquello que se le propone. Me refiero a las diversas formas de desenvolverse,  experimentar y  ocupar el espacio expositivo, siempre bajo unas pautas claras de trabajo y fomentando el respeto hacia el espacio, las obras y hacia los otros.

Creo que si lo analizamos con cierta perspectiva es un factor sobre el que habría que reflexionar, apostar por actividades que exploren otro tipo de capacidades y que se apoyen en el sentido crítico de sus participantes supone asumir un mayor grado de riesgo al programar lo que implica ser flexible y readaptar la investigación. Es un cambio necesario si queremos invitarles a pensar desde otros ángulos.

La mediación es una herramienta que sirve como puente, en este caso entre la institución cultural y el público, pero no hay que olvidar que es el espectador quien tiene ahora una responsabilidad nueva y debe ser capaz de activar su mirada y su presencia de forma más activa, porque con su experiencia completa unas obras o exposiciones que no tienen una lectura única.

Taller Re-Ocupar el Museo. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Taller Re-Ocupar el Museo. Imagen cortesía Diana Guijarro.

¿Se amplía así también no solo la forma de entender y ver arte, sino también una nueva manera de “sentir” el museo?

Sí, la estructura de la programación busca amplificar miradas y acercar el museo de otros modos pero esto tan sólo puede lograrse si tenemos la posibilidad de utilizar el espacio expositivo y cultural como espacio compartido. Cuando permitimos que el territorio cultural se active de forma diferente y hacemos que los participantes se sientan parte integrante de él hacemos de la institución algo no ajeno a nosotros.

Tras el desarrollo de las sesiones intercambiamos impresiones con los asistentes y es gratificante escuchar que sienten el espacio diferente, con sus ritmos y sus tiempos, que se han sentido más libres y que al apoyarse en la emoción, se han encaminado hacia otro tipo de comprensión del arte.

Dentro de las actividades se emplea la metáfora de que el museo es una maquinaria que nosotros accionamos, actuamos como una especie de interruptor diferencial y nuestra presencia y participación activa es la que provoca otras historias paralelas igualmente válidas.

¿Es necesaria una actitud predispuesta en el participante o es algo que puede trabajarse?

Hasta ahora todos los participantes han tenido una actitud muy predispuesta con el desarrollo de las actividades. No obstante, ante actividades experimentales es necesario un trabajo de acercamiento más continuado en el tiempo, no es fácil ni sencillo llegar a todo tipo de público y la comunicación es muy importante.

A esto habría que añadir que son prácticas con las que se busca generar comunidad y donde el participante debe concienciarse de manera progresiva, formando parte de esa construcción simbólica.

Si bien en la difusión de todas ellas aportamos información sobre las líneas que se trabajarán durante cada sesión, las claves de la actividad y sus dinámicas propias sólo se conocen en el momento de su desarrollo. Es una forma de compartir la experiencia, de vivir el presente y de sacar a los participantes de su “zona de confort”.

Algunos talleres planteados son para diferentes segmentos de edad, ¿cómo trabajas ese tema y por qué decidiste plantearlos así?

Cuando comencé a preparar el proyecto decidí programar las actividades con la mayor amplitud posible respecto a los parámetros a trabajar y jugar así con las posibilidades de conjugar diferentes segmentos de edad.

Atendiendo a los conceptos y dinámicas que se iban a tratar, consideré que una gran mayoría de estas actividades podrían ser intergeneracionales. Mi propósito era interconectar la experiencia de niños y mayores re-mezclando al público familiar con el juvenil y adulto, posibilitando otras lecturas del espacio expositivo.

Algunas actividades se orientan únicamente a público adulto simplemente por los conceptos, que se encuentran algo más ligados a la re-interpretación de los mensajes y de la colección, y por tanto contienen una carga conceptual más profunda. Pero en su gran mayoría las actividades conjugan a todo tipo de público, su respuesta ante las dinámicas propuestas supone para mí una valiosa herramienta de observación a la hora de conducir esta investigación progresiva.

Las acciones performativas o la comunicación con el cuerpo es una constante en ‘Here Together Now’, ¿por qué esa técnica?

Una de las premisas de esta programación era la de conseguir desmontar etiquetas en torno al conocimiento del arte contemporáneo y por esta razón las actividades trabajan diversos planos adscritos a las prácticas artísticas, relacionando las disciplinas desde otros puntos de vista.

Me interesaba ante todo profundizar en prácticas no objetuales o al menos en aquellas donde el objeto no fuese la parte esencial de la actividad. El cuerpo ocupa en exclusiva uno de los bloques de trabajo pero es cierto que es una constante que atraviesa todo el proyecto a modo de espina dorsal. Es algo que está unido de forma intrínseca a la filosofía experimental, del aquí y del  ahora, un medio con el que poder entender el cuerpo como presencia activa pero también como herramienta colaborativa a la hora de participar en el museo y de construir comunidad.

Atender a esa unión entre cuerpo y museo nos hace ser más conscientes de la acción y del tiempo, como si la exposición se convirtiese en una cápsula del presente donde reflexionar sobre nuestros modos de estar y hacer junto a los otros.

Puede parecer que la mediación es el conjunto de diferentes apuestas pensadas para un momento preciso asociado a una exposición concreta, ¿cómo tratas de que tus talleres no sean efímeros?

Bueno, inevitablemente en lo que a su desarrollo práctico se refiere tienen un principio y un final, pero la esencia de estos talleres busca configurar todo un planteamiento que se dirige hacia la creación de un circuito paralelo de información, capaz de retroalimentar los contenidos que emanan desde la institución.

La idea de trabajar a partir de cuatro planos interconectados (huella, cuerpo, palabra y elementos) se fundamenta en la posibilidad de extender las actividades más allá de un momento concreto o exposición determinada, permitiendo a los participantes enlazar con cierto sentido crítico los conceptos que se van trabajando.

Por esta razón la mayoría de las actividades se ramifican a lo largo de las diferentes exposiciones, obras y del propio edificio museístico.

Sería fantástico dejar una impronta en todos los participantes sobre la experimentación compartida, una línea elástica de conocimientos que quede en nosotros como experiencia adherida y que nos sirva para reflexionar en un futuro sobre nuestro acercamiento al arte contemporáneo, independientemente del espacio cultural en el que nos situemos.

Taller 'Espejismos'. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Taller ‘Espejismos’. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Y es que dejar huella es la utópica función del arte y de cualquier espacio cultural. Una importante labor que siempre está presente en la mente de todos los profesionales del mundo de la cultura ya que, y recordando a Selma Lagerlof, Premio Nobel en 1909, “la cultura es lo que queda cuando se olvida todo lo que se aprendió”.

Para consultar la programación de ‘Here, Together, Now’ pincha aquí.

María Ramis

Periodismo ante el reto de lo humano

Universidad Internacional de Andalucía
Isla de la Cartuja
Avda. Américo Vespucio 2. Sevilla.
6 y 7 de octubre de 2015

En la Universidad Internacional de Andalucía tendrá lugar el 6 y 7 de octubre de 2015 el taller “Periodismo ante el reto de lo humano”, direccionado por Carla Fibla. El taller forma parte del proyecto ‘Atravesando fronteras: realidad y representación en el Mediterráneo’. Este proyecto quiere indagar, por medio de diferentes formatos y metodologías de investigación, en ciertas realidades políticas y socioculturales que se están produciendo en el Mediterráneo y, a su vez, rastrear las representaciones que de ello se hace, principalmente a través de los medios de comunicación.

UNIA Periodismo ante el reto de lo humano

“El Mediterráneo en los medios de comunicación durante el verano de 2015″ será el hilo conductor que permita a los participantes del taller analizar cómo se están cubriendo los acontecimientos. Se hará un estudio profundo, con ejemplos concretos sobre lo que lleva a un medio a publicar una información de una forma determinada. Uno de los objetivos será hablar de estereotipos, de la simplicidad o pura ignorancia con la que se plantean coberturas informartivas que afectan a miles de personas, otro el analisis de la desvirtualización de un recurso periodístico tan importante como el “testimonio” yla realización de un ejercicio práctico que permita convencerse de que el buen periodismo sigue siendo necesario.

La estructura del taller se divide en distintas partes:

- Introducción: analizar los medios ante el reto de lo humano. Evolución salpicada por algunos acontecimientos históricos y cómo reaccionaban los medios de la época; compararlo con la cobertura de las revueltas árabes desde 2011 a la actualidad.

- Análisis: conocer las razones que llevan a un medio a cubrir una información de una determinada manera. Contaremos con las conexiones en directo (vía skype con dos periodistas profesionales, uno trabaja en un medio de comunicación convencional (Nicolás Castellano, especializado en inmigración. Cadena SER) y está en la redacción en Madrid y otra es freelance y trabaja en el terreno (Natalia Sancha, colabora con varios medios y está cubriendo la guerra en Siria); así como de un activista, fuente importante de los medios (José Palazón, creador de PRODEIN, ONG que lucha por la defensa de los derechos de los menores inmigrantes desde Melilla).

- Crítica constructiva para ser capaces de planetar alternativas realistas.

- Ejércicio práctico: “El Mediterráneo en los medios durante el verano de 2015” será la base para hacer un recorrido informativo de temas que han ocupado a los medios. Se hará una reflexión sobre cómo la sociedad recibe la información, la procesa,…

El taller terminará con la conferencía ‘Etiquetas mediáticas y realidad’, a cargo de directora Carla Fibla. En esta conferencia se intentará explicar las dificultades que existen sobre el terreno y en las redacciones para contar lo que está pasando, a partir de ejemplos concretos sobre cómo los medios han cubierto la actualidad de lo que ha acontecido en el Mediterráneo durante el verano de 2015. Entre los temas estará la inmigración, los refugiados, la guerra de Siria, la frontera sur de Europa, la evolución de las revueltas árabes, el autoproclamado Estado Islámico entro otros y la opinión de los que consumen información.

Carla Fibla García-Sala (Valencia, 1973)
Periodista y escritora experta en el mundo árabe y países del Sur. Destaca especialmente su mirada sobre el fenómeno de la inmigración que ha reflejado en numerosos artículos y libros. A los 22 años se instaló en El Cairo, donde en junio de 1995 empezó a trabajar como freelance para varios medios escritos y radiofónicos. En septiembre de 2001 creó una corresponsalía regional en el Magreb, con base en Rabat (Marruecos), desde donde cubrió para la Cadena SER y La Vanguardia, la actualidad en Marruecos, Argelia, Túnez, Libia y Mauritania. A mediados de 2008 se traslada a Amman (Jordania) para abrir de nuevo una corresponsalía regional para la Cadena SER. De su experiencia como corresponsal nace el audiolibro Mi nombre es nadie (2008), un trabajo conjunto con Nicolás Castellano en el que se recupera los testimonios recogidos por ambos para ofrecer una perspectiva nueva, más profunda y en primera persona sobre la odisea de quienes tratan de emigrar a España. Galardonada por el jurado del X Premio Derechos Humanos Consejo General de la Abogacía Española por su trayectoria periodística en defensa de los derechos humanos, Carla Fibla también ha sido subdirectora y posteriormente redactora jefe de internacional de la revista Ctxt y entre 2011 y 2013 estuvo involucrada en el proyecto AISH, un espacio on line para seguir la evolución de las revoluciones, revueltas y procesos de cambio en el mundo árabe. A mediados de 2014 viajó a Sudán del Sur para recoger y trasladar la historia de los sursudaneses en colaboración con la ONG Acción contra el Hambre. Desde junio de 2015 es colaboradora del canal de televisión europeo Euronews.

Pincha aquí para obtener más informaciones o para llegar al formulario de inscripción.

UNIA arte y pensamiento

 

Dora García. Yo perpetré una Performance

Yo perpetré una Performance. Taller de Performance con Dora Garcia
CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo
Av. Constitución, 23. Móstoles (Madrid)
13-17 de julio de 2015
10:00h-14:00h
Impartido por Dora García
Dirigido a profesores y personas interesadas en el Arte y la Educación

El 13 de julio arranca en el CA2M de Móstoles el taller Yo perpetré una Performance, dirigido  por la artista Dora García. Ofrecerá a sus participantes la posibilidad de crear una performance a modo de escena del crimen: elección del lugar, planificación de las actitudes, sopesar contratiempos y sincronizar los relojes.

Cartel promocional del taller Dora García. Yo perpetré una Performance. 2015. Cortesía de CA2M.

Cartel promocional del taller Dora García. Yo perpetré una Performance. 2015. Cortesía CA2M.

Dora García (Valladolid,1965),que actualmente vive y trabaja en Bruselas, es una artista con una trayectoria centrada en la creación de contextos y situaciones que rompen con el tradicional esquema de comunicación entre obra, artista y espectador. Para ello, emplea diversos soportes creativos: dibujo, escultura, fotografía, instalaciones e internet. Su producción, desarrollada tanto en la esfera pública como privada (museos y galerías) refleja un inusitado interés por el teatro de Brecht, las repercusiones de Artaud y personajes como Lenny Bruce, Jack Smith o Guy de Cointet. Sus investigaciones abarcan lo inadecuado como modelo de disidencia, las prácticas artísticas en la construcción de lo subjetivo y el cuestionamiento de las categorías de salud y enfermedad.

La artista, Dora García. 2011. Cortesía de Initiart Magazine.

La artista, Dora García. 2011. Cortesía Initiart Magazine.

Este workshop plantea la importancia del guión a la hora de coordinar los performers y establecer posibles imprevistos. Durante una semana, se planificará y llevará a cabo la acción (parte práctica) así como una vertiente teórica de reflexión en torno a las implicaciones de la performance y los trabajos de los principales referentes de esta disciplina. En particular, nombres de la talla de Allan Kaprow, Óscar Masotta, Katerina Seda, Alex Reynolds y la propia Dora García.

Dora García. Narrativa Instantánea, 2006-2008. Museo Nacional Reina Sofía. Cortesía de: Museo Nacional Reina Sofía.

Dora García. Narrativa Instantánea, 2006-2008. Museo Nacional Reina Sofía. Cortesía Museo Reina Sofía.

El ‘éxito’ de Jacinto Salvadó

Jacinto Salvadó (1892-1983)
Galería Muro
C / Correjeria, 5. Valencia
Inauguración: jueves 26 de marzo
Hasta el 30 de abril, 2015

Lo poco que se conoce de la vida de Jacinto Salvadó es digna de una novela escrita por Alejandro Dumas. Una biografía que recorre dos guerras mundiales y una guerra civil, el fallecimiento traumático de un hijo, una grave enfermedad cuando tenía 10 años, largos viajes a pie por el norte de España,  problemas con la autoridad, residencia en diferentes países europeos, varios personajes de la vanguardia de principios de siglo, masonería, anarquismo, intrigas entre pintores famosos, un viaje fallido a Hollywood la meca del cine, profundo olvido oficial y merecida posterior recuperación histórica. Todos los ingredientes necesarios para dotar a Salvadó de una fuerte personalidad que cristaliza creativamente, porque todo lo que necesita un pintor  está en los libros, en el taller y en la calle, o sea, en la vida, y a Jacinto la suya le dio para mucho.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen cortesía de Galería Muro.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen cortesía de Galería Muro.

Diferente es la suerte crítica que nuestro protagonista ha tenido a lo largo del tiempo y, a pesar de ser muy valorado en algunos periodos, al llegar a la vejez se había convertido en un “transpapelado”. Es solo muy al final de su vida cuando, gracias a la labor de galeristas como Juana Mordó y Basilio Muro, y de críticos como Juan Manuel Bonet,  comienza a fraguar el lugar que la historia reserva a este exitoso pintor español.

¿Y por qué digo exitoso si antes lo señalé como un olvidado? Porque desde mi punto de vista, una de las mayores cotas a las que puede aspirar un pintor es la de poder y querer pintar hasta el final. Sobreponerse a la incertidumbre, la moda, los contratiempos, el público, el mercado, los críticos, la vida, las responsabilidades cotidianas, las necesidades económicas, es mucho mas difícil de lo que puede parecer. La prueba fehaciente es que hay muchos artistas, grandes y pequeños, que dejaron de pintar.

Algunos por pereza, como Sebastian del Piombo (1485-1547), la mayoría porque abandonan antes de tiempo y otros porque delegaron completamente su taller en aprendices o ayudantes.  En cambio están los que como Picasso y Salvadó pintaron hasta el último suspiro. Si  traigo a colación al genio malagueño es por dos motivos, primero porque él es uno de los pocos a los que se les ha permitido cambiar de estilo sin pagar tributo por ello. Y puede que sea precisamente esto, el estilo, o mejor dicho la falta del mismo, de un estilo unitario, una de las causas que ha desubicado a Jacinto durante tanto tiempo en la historiografía oficial.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen obtenida de su web.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen obtenida de su web.

A muy pocos pintores se les deja campar a sus anchas por la pintura sin ser crucificado por ello -¡que le pregunten a Philip Guston (1913-1980)!-, porque como decía el actor Benicio del Toro en la película ‘Basquiat’ (Jualian Schnabel, 1996) para tener éxito tendrás que hacer siempre lo mismo. Y Jacinto Salvadó hizo siempre lo que le vino en gana; y segundo porque, para bien o para mal, Pablo Picasso ha sido uno de los personajes más influyentes en la figura de Salvadó. No ya en su persona o en su obra, sino en su nombre, en su recuerdo, en su lugar, en los libros.

Hasta su restauración como un nombre a tener en cuenta de la escuela de París española, Jacinto era más conocido por ser el modelo de un famoso arlequín pintado por Picasso y expuesto en El centro Pompidou de París, que por sus propios cuadros. Más nombrado por la anécdota que por el sudor vertido sobre sus obra. Porque esto es al fin y al cabo lo importante, o mejor dicho, estos, en plural, los cuadros, sus cuadros.

Y es que a pesar de que haya comenzado enumerando brevemente alguna de sus aventuras, un pintor no es por lo que vive o deja de vivir, por la cantidad de nombres conocidos que puede poner en la lista, por una biografía, sino por cómo es capaz de filtrar, transformar, y plasmar sus experiencias, sean estas del tipo que sean, en su pintura. Como técnica, idea y espíritu se objetualizan en la obra de arte. Por eso debemos respetar una obra que tan bien afronta el juicio del tiempo que es, sin duda, el último tribunal. Una pintura con aciertos y errores, con logros y fracasos, pero que desafía abiertamente a todos aquellos que quisieron desplazarlo de un lugar en nuestra memoria.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen extraída de su web.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen extraída de su web.

La mayoría de los críticos acierta en coincidir que su obra más lograda es aquella que realiza al llegar a la vejez, en la década de los 70. Bendita vejez para él. Una obra abstracta, acrílica -¡qué acorde para los tiempos!-, mineral pero también orgánica. Una obra que a muchos lleva a otra obra, a otros pintores, pero, como decía Balthus, “un pintor usa un pincel y otro también, ahí está la influencia”.

Desde luego que Salvadó, como buen viajante y buen artista, siempre tuvo los ojos abiertos y decidió beberse sin tapujos todo lo que encontraba a su paso, destilando cuadros que siempre tenían algo de aquello y un poco de lo otro. Pero siempre dotando su trabajo con una entidad propia. Una personalidad que finalmente fragua mas allá de su madurez, en los años sabios, al final del camino, dejando para el recuerdo una serie pictórica que entra por derecho propio en esa cadena de conocimiento y experiencia que los seres humanos llaman cultura, y más concretamente en este caso, en la historia de la pintura.

La galería Muro le dedica a Jacinto Salvadó una exposición a partir del 26 de marzo, que coincide en el tiempo con otras dos en la Sala Dalmau de Barcelona (ya inaugurada el 3 de marzo, que se mantendrá hasta el 20 de abril) y en el Instituto Cervantes de París (del 8 de abril al 30 de mayo).

Obra de Jacinto Salvadó, extraída de su web.

Obra de Jacinto Salvadó. Imagen extraída de su web.

Pedro Paricio

ESPACIOS ZOMBI #2 EN BARCELONA

Espacios Zombi #2
Besòs – Fòrum (Barcelona)
Ciclo de debates y taller-proyecto
(Taller-proyecto: 28-30 de enero 2015 de 16 a 20h.)

Espacios Zombi es un proyecto que analiza, señala y promueve propuestas colectivas en una determinada zona, que por la confluencia de diversas circunstancias complejas y no siempre relacionadas entre sí, determinan un paisaje que se articula de manera desencajada.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

El proceso de zombificación en un espacio se produce por la confluencia de varios elementos como la sobreacumulación de intereses públicos y privados, la sobreproducción de proyectos que se solapan y se fagocitan entre sí, y por la vida que se reorganiza más allá de la hostilidad de las circunstancias. El espacio zombi es aquel que se define mediante fragmentos ideados, que no llegaron a materializarse totalmente. Un espacio zombi es un lugar que revive de forma desencajada pesar de los múltiples intentos de prefigurar como una cosa articulada. La combinación entre lógicas especulativas, gestiones públicas arrastradas por intereses privados, replicación de modelos mal adaptados, paralización de obras iniciadas a raíz de la crisis, los flujos migratorios y la aparición de nuevas actividades, desconexión con los procesos históricos del lugar; estos y otros específicos de cada espacio hacen de este tipo de zonas un lugar donde, lo proyectado y lo construido, facilite el deterioro de las relaciones sociales y las condiciones de habitabilidad. Un espacio zombi no es un espacio sin vida, es un espacio donde diversas formas de vida dislocadas se reorganizan. Estos espacios zombies, revividos por la confluencia de múltiples proyectos, muchos de ellos no finalizados o abortados por otros proyectos, otras políticas, otros intereses económicos, otras circunstancias externas de índole extralocal; dibujan bastos paisajes urbanos que siguen funcionando con las desfiguraciones producidas por las voluntades de muchas personas, o instituciones, que quisieron darle una vida ideada a su propia imagen y semejanza.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

Idensitat está llevando a cabo este proyecto como un ciclo exploratorio de territorios urbanos que están sufriendo un proceso de zombificación. El proyecto se adapta al lugar y se articula con varias fases abiertas al público, conectadas entre ellas, pero que se puede participar de manera parcial. Combina el recorrido a pie, exploratorio y comentado por agentes activos en el contexto, la proyección de uno o más documentos audiovisuales ya realizados, y el desarrollo de un taller posterior en el que toman parte varias personas que han analizado el lugar, o que están llevando a cabo actividades relacionadas con el planteamiento propuesto.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

Espacio Zombi (segunda edición) Imagen cortesía de Idensitat.

El Ciclo de presentaciones y debates trata elementos que contribuyen a articular una morfología de conceptos zombis aplicables al espacio, y contrastarlos con los procesos de transformación que ha sufrido el territorio entre el Besòs y Fòrum de Barcelona, desde la perspectiva vivencial y ambiental.

Por otra parte, el taller-proyecto de construcción de un Mapa Multidimensional de los espacios zombi entre el Besòs y Fórum de Barcelona, consiste en la exploración y análisis del territorio que comprende del Besòs en el Fórum bajo la mirada que se propone en el concepto espacios zombi, así como el desarrollo de una estructura multidimensional que articule elementos de registro, cartografía y representación de la morfología zombi explorada en el espacio analizado. Esta estructura recoge las aportaciones de cada uno de los participantes en el taller que, de forma individual o colectiva, participen.

Los artefactos de Ion Macareno

Ion Macareno, Peso
Galería JosédelaFuente
c/ Daoiz y Velard, 26. Santander
Hasta el 6 de diciembre de 2014

PESO es el título de la segunda exposición individual de Ion Macareno (Bilbao, 1980) en la galería JosédelaFuente (antes Nuble).

En este nuevo proyecto expositivo, Ion Macareno hace un ejercicio de experimentación con códigos propios de ciertos comportamientos urbanos donde la intuición y creatividad circulan por un entramado normativo que no responde a lo general sino a su propia razón de ser. Al mismo tiempo, trabaja desde el interés por toda aquella arquitectura urbanística que se identifica con este tipo de manifestaciones  y que contextualiza su actividad.

MACARENO

Peso, Ion Macareno. Imagen cortesía de la galería.

 

De igual manera, Macareno explora la idea de expresión popular, entendida como todas aquellas acciones que tienen como escenario la calle, aquellos gestos cuya intención es la de adaptarse a ella y viceversa, ajustar la configuración urbana a la necesidad del sujeto.

MACARENO PESO

Peso, Ion Macareno. Imagen cortesía de la galería.

En el desempeño de su labor artística se sitúa en el marco del ámbito de la praxis y el taller. En este trabajo eminentemente práctico, una serie de acciones desencadenan otras y éstas a su vez otras. Así, en ese eslabón trenzado conforme a su propia lógica (la del arte) aparecen testimonios, artefactos, restos de un proceso donde la constante práctica y ejercitación técnica son pilares fundamentales destinados siempre a la experimentación y a la búsqueda de formas que den cuenta de la experiencia estética. Se establece entonces un principio vertebrador del que se desprenden decisiones artísticas que generan resultados formales de pleno sentido.

Peso, Ion Macareno. Imagen cortesía de la galería.

Peso, Ion Macareno. Imagen cortesía de la galería.

Ion Macareno (Bilbao, 1980)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, desde 2010 desarrolla su actividad en el ámbito de la investigación dentro del Departamento de Escultura de la misma universidad. En 2009 mostró el proyecto Deseo con D de duda en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria. En 2011 realizó una residencia artística en la Fundación Bilbaoarte y recibió una beca de la Diputación Bizkaia con el proyecto Casper the friendly ghost. Ha expuesto en 2011 y 2012 en la Sala Rekalde dentro de la muestra Ertibil Bizkaia. Participó en la primera edición de la iniciativa Jugada a tres bandas en Madrid con el proyecto Todo cuanto hicimos fue insuficiente. En 2013 participó en exposiciones colectivas como Copi-copi en la Galeria 111 de Oporto y El desliz en el espacio DAFO Projectes, en Lleida. Ha participado en ferias internacionales como ARCO 2013 y SWAB 2012, ambas con la galería JosedelaFuente (antes Nuble).

Becas Hábitat 2014: Agustín Serisuelo

Becas Hábitat 2014: Agustín Serisuelo
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n
Hasta el 31 de agosto de 2014

Agustín Serisuelo participa en Becas Hábitat 2014 con un trabajo con el que transita entre los espacios intermedios “terrains vagues” de la ciudad, lugares vacíos que se han quedado entre la ronda de circunvalación y la ciudad de Castellón. El proyecto nace del estudio fotográfico de estos lugares desde unas intenciones formales, objetuales y escultóricas.

Se parte de un callejero de la ciudad datado en junio del 2013 donde estos lugares aparecen con ordenación pormenorizada, así hacer ver el estado actual de abandono en los que se encuentran realmente. Y hacer así reflexionar sobre la manipulación institucional de esta representación ficticia de la ciudad. El resultado final es el que se muestra en la exposición: tres piezas escultóricas.

“Basura” son imágenes desde la ronda Norte de la ciudad, la parte de la ciudad más olvidada, imágenes que se solapan unas a otras, conformando una vista panorámica de la ciudad, en la que vemos un vertedero escondido detrás de los árboles.

Agustín Serisuelo, "Camino" (fotografía de estudio de Juan Vicent). Imagen cortesía del artista.

Agustín Serisuelo, “Camino” (fotografía de estudio de Juan Vicent). Imagen cortesía del artista.

La pieza que lleva por título “Camino” se presenta de una forma “publicitaria”, las imágenes muestran los espacios de la ronda Este, al contrario que la ronda Norte, éstos son los más utilizados.

Por último, la pieza “vista institucionalizada” se compone de 8 cajas que emiten imagen, componiendo entre todas una vista panorámica desde un edificio institucional. A la izquierda vemos cómo la ciudad llega a su límite, mientras que en la parte derecha vemos estos lugares abandonados.

Finalmente, la muestra expositiva integra una mesa de trabajo, en la que aparecen el callejero señalando estos lugares de trabajo, la información del taller que se llevará a cabo este sábado 10 de mayo de 2014, unos blocs con unas series fotográficas, y elementos encontrados en los espacios intermedios.

Agustín Serisuelo, "Basura" (fotografía de estudio de Juan Vicent). Imagen cortesía del artista.

Agustín Serisuelo, “Basura” (fotografía de estudio de Juan Vicent). Imagen cortesía del artista.

Rebeca Plana, en un lugar de la mancha

Top control, de Rebeca Plana
La Gallera
C / Aluders, 7. Valencia
Hasta finales de junio

Singular y plena de sentido la frase de Markus Lüpertz destacada en una de las paredes de La Gallera: “Tengo el deseo de la luz, pero estoy en la sombra”. La frase viene a expresar bien a las claras, que en su caso es bien a la sombra, lo que la propia Rebeca Plana muestra en su exposición ‘Top control’, serie de pinturas, algunas sobre colchones, dominadas por el intenso color, el trazo rotundo y las manchas. Singular y plena de sentido porque, al igual que Lüpertz, Rebeca Plana se deja llevar por cierta luminosidad interior, producto de su visceral forma de pintar, para reflejar las sombras de tan febril experiencia plástica.

Rebeca Plana, entre dos de sus obras, en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana.

Rebeca Plana, entre dos de sus obras, en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana.

Notorio, en este sentido, la utilización del colchón como soporte para algunas de las obras expuestas en La Gallera. La propia Rebeca Plana lo explica sin ambages: “El colchón porque ahí nacemos, dormimos, follamos y morimos”. Y por si hubiera alguna duda acerca de su directa forma de expresarse, verbal y plásticamente, agrega: “Me considero visceral. No me gusta la ambigüedad”. La visceralidad de su trabajo procede literalmente del lugar del cuerpo que la artista considera primordial a la hora de crear: “Pinto desde el estómago, más que desde el corazón”. Y a las pruebas hay que remitirse.

Detalle de una de las obras de Rebeca Plana en la exposición 'Top Control' de La Gallera.

Detalle de una de las obras de Rebeca Plana en la exposición ‘Top Control’ de La Gallera.

‘Top control’ es una sucesión de obras, pensadas para ocupar el lugar que en su día fue recinto de peleas de gallos, en la que Rebeca Plana expresa su particular lucha con la materia. Una lucha, en cualquier caso, exenta de abismos interiores: “No creo en el pintor atormentado”. De manera que Rebeca Plana, dejándose llevar por las contracciones de su estómago, va soltando gruesas y rotundas pinceladas como expresión de esa visceralidad. Son obras, por tanto, producto más del cuerpo que de la mente; más fruto de los ácidos estomacales que del torrente sanguíneo impulsado por los latidos del corazón.

Detalle de una de las obras de Rebeca Plana en la exposición 'Top Control' de La Gallera.

Detalle de una de las obras de Rebeca Plana en la exposición ‘Top Control’ de La Gallera.

Al no ser “pintora de caballete” (Rebeca, dixit), sus obras escapan al control del marco establecido, para expandirse por telas y colchones al modo en que lo hacen los sueños y, puestos a desear la luz encontrando la sombra, las pesadillas. De ahí ‘Top control’: “Yo no lo tengo, pero hay que pararse aquí en La Gallera”. De manera que Rebeca Plana, siempre atenta a esa “primera pincelada”, porque en su opinión “nunca hay una última”, pierde el control dentro de la seguridad de su taller, para terminar volcando tamaña visceralidad en el espacio expositivo que en cada caso ejerce de fin (provisional) de trayecto.

Diríase que a Rebeca Plana le duele el mundo y lo aplaca en sus trabajos mediante “saturación de color” y “manchas fuertes”. Los colchones en posición vertical, explicitando su imposible acomodo tradicional, son objeto de esa visceralidad plástica que deseando la luz se topa con el reino de las sombras. El gesto enérgico, abriéndose paso en la vida, es derroche de caudal en la obra de Rebeca Plana. Fiel a los dictados de su estómago, La Gallera arde en deseos motivados por tan efusivas manchas. ‘Top control’, a la espera de las próximas y siempre primeras pinceladas. La luz no encuentra forma de dar sentido a las sombras.

Dos de las obras de Rebeca Plana, en la exposición 'Top control' de La Gallera.

Dos de las obras de Rebeca Plana, en la exposición ‘Top control’ de La Gallera.

Salva Torres

Relato y documento de Xisco Mensua

Relato y Documento de Xisco Mensua
Sala de exposiciones Josep Renau, Facultat de Belles Arts de la UPV
Camino de Vera, s/n. Valencia
Inauguración: el 16 de enero 2014 a las 13h.
Hasta el 28 de febrero 2014

“¿Cómo reducir la distancia, cómo pensar la adecuación entre el placer sentido de esas sombras proyectadas sobre la pantalla, la inteligencia de un arte y la de una visión del mundo?” - Jacques Rancière. Las distancias del cine.

Existe una necesidad vital de contar historias, por más que los modos de hacerlo hayan rebuscado con obstinación en sus antítesis mutuas y la linealidad aparente de sus formas iniciales se haya transformado en complejas construcciones que persiguen parecerse al mundo que toman como ejemplo, y contarlo. Los relatos componen una visión del mundo que intenta ser explicado, siempre sabiendo el final y por ello mismo, intentando rebelarse en su contra. Las fronteras entre lo veraz y lo verosímil son algo más que géneros de un mismo lenguaje, pues dependen del modo como entendemos el mundo de afuera –y el afuera del mundo–, como leemos un texto, una imagen o una secuencia que combine ambos.

Es sobre textos e imágenes, sus dobles y sus reflejos, sobre lo que orbita el trabajo visualmente complejo y al tiempo esclarecedor de Xisco Mensua. Esta afirmación no es una contradicción en términos, salvo que entendamos como eso el hecho mismo de crear obras artísticas y productos culturales en claro enfrentamiento contra el tiempo. Su filosofía hace propia la frase de René Char que el artista ha utilizado como cita: “No tenemos más que un recurso frente a la muerte: hacer arte antes de que llegue”. La complejidad mencionada reside en asumir como tema de análisis y campo de expresión de lo artístico el compendio cultural de Occidente, sus fragmentos y sus ruinas; contenido en citas y pensamientos, capaz de hacer explosionar en diferentes sentidos de interpretación la concreción de una imagen, superponiendo niveles que funcionan tanto por separado como conjuntamente… Por su parte, el esclarecimiento se produce como una reacción lógica a todo esto, pues precisamente el intento de concentrar en una imagen de forma resumida tal complejidad, y de conseguir indicar lo que de complejo implica su propia presencia en tanto que imagen, es lo que lo hace entendible y asumible como narración de un hecho mayor. El relato lo entendemos, por muy duras que sean las circunstancias del trauma que lo provocan.

En este proceso existen dos partes interconectadas: la comprensión de una serie de elementos e informaciones circunscritos al ámbito del pensamiento, donde también se encuentran el arte y la cultura visual, y su exposición en forma de composiciones en apariencia sencillas, o como imágenes simbólicas que encierran varios significados pero que resultan claras e inteligibles. De igual manera, resulta apasionante interesarse por la sencillez de una imagen en tanto que representa o construye una parte de la realidad que conocemos o que queremos transformar. Un reloj pintado en un lugar estratégico dentro de un papel de dibujo podrá ser muchas otras cosas, pero siempre será ante todo un reloj pintado: el tiempo detenido e interpretado como objeto, mucho más parecido en ese caso al concepto del kairós que al de cronos, pero un reloj al fin y al cabo que debe leerse también en ese sentido, como en un juego de recreaciones. Surge entonces el aspecto documental que ofrece cualquier imagen, su vinculación a un contexto y a un mundo histórico. No representa una confrontación contra el relato o su construcción, sino que, muy al contrario, es el elemento clave para entender la narración que nos interpela desde lo visual; el punto de apoyo para volar en dirección de la imaginación y el azar, o en dirección de cierta verdad del mundo afianzada en la experiencia.

La obra de X. Mensua necesita con frecuencia conformarse como polípticos que, influenciados por la narratividad dislocada e intermitente de los paneles del Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, componen archipiélagos o constelaciones. También a estas formaciones astrológicas fue necesario buscarles una referencia figurativa, un relato que las vinculara a las formas de la mitología entonces vigente. Incluso la mayor de las abstracciones ha sido sometida al ritmo que marcan las figuraciones y su montaje. Los polípticos de X. Mensua, incluyendo los aquí mostrados (Trance, Song y No return), emplean sin embargo una retícula cartesiana: no difieren de tamaño entre sí, no ofrecen la diferencia de sus referencias cruzadas. Más bien al contrario, afrontan tal diversidad del modo como lo plantea Jean-François Chevrier: “La uniformidad de la imagen se opone a la heterogeneidad de los objetos y de los materiales. […] La imagen iguala lo que agrupa” (La fotografía entre las Bellas Artes y los medios de comunicación, p.38). La igualación del formato permite establecer puentes entre materias de estudio y análisis, pero también crear huecos e intersticios entre ellas, como la secuencia detenida y puesta en escena de un movimiento incesante que necesita del intervalo para ser ella misma. No es posible entender estas composiciones sin ver las imágenes como partes de un todo generado a su vez por las ausencias, las pausas y los silencios de los huecos intermedios.

Xisco Mensua. No Return. 2010. Tinta sobre papel. Políptico de 12.60 x 80cm

Xisco Mensua. No Return. 2010. Tinta sobre papel. Políptico de 12.60 x 80cm. Imagen cortesía Patronato Martínez Guerricabeitia.

Las frases que se pintan o se dibujan, el texto convertido en imagen, es también una forma de copia. Este concepto, en ocasiones confundido con el plagio o el hurto, es vital para entender el proceso generador de sentido que el arte contemporáneo posee. Las referencias propias del medio artístico se agigantaron en parte por la inclusión de los medios de comunicación en la sociedad, en el relato subsiguiente de la historia y en el modo de entender la estética de la reproductibilidad. La seriación y la copia se han convertido en la principal motivación del artista, quien mira el mundo y lo representa para crearlo de nuevo. El artista Rogelio López Cuenca (se) acusaba, entre otras cosas, de “repetir palabras empapadas por la saliva de otros”; imagen ilustrativa de lo que simboliza la creación contemporánea.

Si el reloj pintado podía ser una imagen de gran complejidad y también de gran sencillez, ¿cómo ver el texto que se pinta? Al leerlo, se comprende lo que dice, pero también se entiende cómo se hace, cómo se ha hecho. La sencillez de este gesto contrasta con la profundidad de su mensaje: “sueño sin fin ni tregua en nada”. ¿Puede verse esto como un posible epitafio del arte que pelea contra el paso del tiempo?

Epitafio sobre la tumba de Walter Benjamin

Epitafio en el Monumento al filósofo alemán Walter Benjamin en Portbou, Cataluña. Imagen cortesía del artista.

CURSO DE FORMACIÓN ESPECÍFICA

Relato y documento. Creación, edición, montaje e interpretación de imágenes.
Curso-taller paralelo a la exposición, impartido por el profesor Álvaro de los Ángeles
Del lunes 10 al viernes 14 de febrero 2014
De 10:30 a 14:30h
Número de plazas: 25 (10 de ellas para asociados de AVVAC)
Importe de la matrícula: 60 € alumnos UPV ; 80 € alumnos externos

El arte visual contemporáneo vincula dentro de su práctica elementos dispares a los propiamente artísticos, incluyendo revisiones a la tradición cultural de la Modernidad y planteamientos encaminados a la plena emancipación del público. Lidiar con las imágenes en el presente, un presente desbordado de imágenes, implica mirar más allá de ellas y plantearse cómo se generan, a partir de qué premisas, en relación a qué tradición visual, para quién se producen o cuáles son las consecuencias de su creación y difusión en la sociedad. El arte, en este sentido, se plantea qué poder de decisión sobre su tradición visual sigue teniendo y cómo relacionarse con otras materias culturales, sociales y políticas.

Programa detallado del curso

  1. Se analizará la exposición “Relato y documento” de Xisco Mensua, instalada en la Sala Josep Renau, a partir de los conceptos que componen el título y en relación al método de trabajo del artista.
  2. Las restantes sesiones teórico-prácticas combinarán el visionado de películas o secuencias, la exposición de conceptos teóricos, la lectura de fragmentos o citas pertinentes y la realización de trabajos prácticos.
  3. La última sesión implicará la puesta en común y discusión de los trabajos realizados por los participantes en el curso.

Al terminar el curso el alumno podrá:

  1. Tomar consciencia de la complejidad de la construcción de relatos y realidades que implica la creación y edición de imágenes en el momento presente.
  2. Ensayar teórica y visualmente alrededor de conceptos como: copia, traducción, edición, montaje, cita, relato y documento.
  3. Plantear la práctica y la teoría como formas interrelacionadas.
  4. Entender algunas de las herramientas que emplea el arte visual contemporáneo, mostrado a partir de ejemplos representativos.

 Para más información:  www.cfp.upv.es

Álvaro de los Ángeles