Ningún hashtag (todavía) en Plastic Murs

‘Don’t have a hashtag yet’, de Emak, Miedo12 y PRO176
Plastic Murs
Denia 45, Valencia
Hasta el 27 de abril de 2018

El galerista Sidney Janis de Nueva York promovió la exposición ‘Post Graffiti’ en diciembre de 1983. Su selección mostró el trabajo de Keith Haring, Jean Michel Basquiat, y Kenny Scharf frente al de Crash, Futura 2000, Lady Pink y Ramellzee, entre otros. Aquella  no fue la primera (ni la última) exhibición que alteró el contexto y el significado de las piezas de graffiti, por trasladarlas desde la calle al  interior de una galería de arte y enfrentarlas, igualmente, a lo pintado en el taller. De forma premonitoria el título definía un tiempo ya pasado, por la aparente superación de los métodos de la old school; algunos pensaron que marcaba un final, por falta de relevo, de la generación pionera.

Imagen de una de las obras que integran la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen de una de las obras que integran la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Como saben, nada fue definitivo ni terminal. El movimiento no ha podido detenerse y ha configurado la imagen de la ciudad globalizada: él mismo se retroalimenta con nuevos practicantes, renovando su escenario casi cada dos lustros. Además, pese a las herramientas digitales y las redes sociales, aún perdura la transmisión manual de la experiencia vicaria, el paso del maestro al aprendiz.

Pasaron décadas y en 2013 se fundó la galería Plastic Murs, que ya nos ha señalado alguna pista sobre la relación arriba apuntada: la exposición ‘Lugares Comunes’ (2017) y la presente ‘Don’t have a hashtag yet’. Ambas hacen ver y entender el arte contemporáneo desde otra perspectiva, inclusiva, con las prácticas artísticas de la calle. Apuntamos lo irónico del título “el no tener hashtag yet”: esa no es una preocupación para estos artistas, pueden etiquetarlos ustedes si lo necesitan. Aparte de lo matizable de las traducciones al español de Street Art, Graffiti, Urban Art…existe cierto rechazo a ser encasillado bajo esas tipologías. La muestra es un rico encuentro, apuesta sin batalla entre los estilos de PRO176, Miedo12 y Emak, que transitan con desparpajo por los muros y el estudio, entre la pieza clásica de graffiti hip hop y el dibujo geométrico, a mano alzada, más delicado y dinámico.

Un instante de la inauguración de 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Un instante de la inauguración de ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

La pintura mural plana y bidimensional de PRO176 (Paris, 1976) posee tres gruesas ramas bien enraizadas: apadrinado por SEEN, sintetiza la influencia del godfather of graffiti del Bronx, y reconoce su deuda con los recursos gráficos de Jack Kirby, padre de los superhéroes de la editorial Marvel. Otro sólido punto de apoyo original es el genuino graffiti parisino de los años noventa. Igualmente es uno de los primeros miembros del reconocido colectivo Ultra Boyz International.

Emak (Barcelona, 1980) es técnica y maestría, es buen hacer, sabe combinar el esmalte en aerosol con la pintura acrílica y las brochas, construyendo planos en movimiento, formas fugadas y colores inverosímiles de arriesgado equilibrio. Podríamos etiquetar su trabajo como pintura mural urbana, (¿neobarroca?), que refleja la tradición del graffiti de letras europeo, brillante y rotundo, con todas las variaciones inimaginables de sus cuatro letras. Imaginación incansable.

Imagen de una de las obras que integran la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen de una de las obras que integran la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Miedo12 (València, 1971) está activo en la calle desde 1998, un respeto ganado a pulso. Es escritor de graffiti e ilustrador profesional. Al igual que sus compañeros, también escribe (y traza, soberbio) el dibujo de su nombre. Su wild style y paleta de colores saturada es inconfundible; como experto tipógrafo, destacan sus letras por encima del muñeco, la parte figurativa que escolta a la pieza clásica. Miedo12 es igual de efectivo al resolver sobre persianas metálicas, tapias de solares o en la obra gráfica de estudio y en los murales decorativos de interiores. Siempre ha formado parte de la crew italiana BN –21 años en la brecha–, y sus trabajos pueden verse repartidos entre España, Italia, México o Guinea.

La didáctica selección de ‘Don’t have a hashtag yet’ enseña libertad, sin etiquetas, por eso deben estudiarla. Gracias por llegar hasta aquí.

Imagen general de la exposición 'Don't have a hashtag yet', en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Imagen general de la exposición ‘Don’t have a hashtag yet’, en Plastic Murs. Fotografía de Estrella Jover, cortesía de la galería.

Juan Canales Hidalgo

 

“Todos los personajes de mis obras están amenazados”

Dulk en ‘València en papel’
Plastic Murs
C / Dénia, 45. Valencia
Hasta el 16 de febrero de 2018

El arte urbano ha roto aguas para alumbrar una nueva generación de artistas que se manejan con igual soltura ante el muro de una fábrica abandonada que ante el lienzo o el papel. Las pandillas de adolescentes que garabateaban paredes con sus aerosoles desafiando a veces el control policial son hoy artistas de renombre internacional que exponen sus trabajos en salas de todo el mundo. Sin ir más lejos que al barrio de Russafa, en Plastic Murs podemos ver hasta el 16 de febrero una buena representación de los valencianos que más pintan en este aspecto: Deih, Dulk, Duke103, Dyox, Julieta XLF, Laguna626,  David de Limón, Mario Mankey, Miedo12, Napol TBS, Omega TBS, PichiAvo, Vinz Feel Free y Xèlon XLF.

Con algunas excepciones como la reciente exposición Joc de Vinz Feel Free en el Centro del Carmen, el encargo por parte del Ayuntamiento a PichiAvo del proyecto para la Ciutat Fallera o la elección de Escif para intervenir el muro situado en el solar del IVAM, la mayoría de ellos están más valorados fuera que dentro de nuestras fronteras. Un caso paradigmático es Antonio Segura Donat, Dulk que prepara ahora mismo un par de exposiciones colectivas en USA que se inaugurarán en febrero. Una en el Museo de Arte de Honolulúa de Hawai titulada The new contemporary art movement y otra en la Antler gallery de Portland. En diciembre de 2018 presentará en Los Ángeles su primera exposición en solitario.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Desde niño cuando ayudaba a su padre a cuidar a los más de 500 pájaros que éste criaba en cautividad se siente fascinado por los animales y empezó a dibujarlos tal como son y como él los veía en su imaginación. Empezó a estudiar Económicas pero la llamada de la selva pictórica era más fuerte, y hoy es Dulk es un artista gráfico todoterreno que ha participado en numerosas exposiciones colectivas: Miami, New York, Vancouver, Brussels, Paris y Chicago.

Dulk contempla el mundo a  través de la mirada de un niño que crea tragicomedias cromáticas y alegorías de una extinción cada día más cercana. Su mundo surrealista esta lleno de detalles imaginarios e historias entre personajes que intentan escapar de una catástrofe inminente. Aunque prefiere trabajar en el estudio para tenerlo todo más controlado también necesita la calle para sentirse realmente libre.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Mural de Dulk. Imagen cortesía del autor.

Su personal estilo se mueve dentro del movimiento del surrealismo pop o lowbrow, término utilizado para describir un movimiento underground de arte visual que surgió en la zona de Los Angeles, a finales de los setenta también conocido como surrealismo pop.  Su evolución artística ha desembocado en un lenguaje plástico que permite al espectador dialogar con la obra y compartir con ella una historia abierta.

“Actualmente estoy centrado en el estudio de la fauna desde un punto de vista de observación e investigación. El año pasado fui a la selva de Costa Rica, el anterior a la sabana africana en Tanzania y acabo de visitar Yellowstone. Ademas de tomar miles de fotografías, me recreo observando a sus habitantes, cómo interactúan en el medio ambiente. En mis composiciones recreo ambientes biológicos envueltos en conceptos antagónicos. Me encanta interpretar y jugar con su anatomía, darles carácter y crear nuevos personajes a partir de ellos mismos”.

Dulk intenta captar el dominio que los humanos ejercemos sobre los seres vivos del planeta,  “cómo somos capaces de romper  las costumbres de las criaturas que lo comparten con nosotros en aras del poder que creemos tener sobre todo. Los personajes de mis obras están amenazados, muchas veces heridos y otras muertos, pero presentes en alma para conformar escenas llenas de sarcasmo. Intento capturar al espectador con una paleta agradable a la vista para, posteriormente sumergirlo en un trágico realismo escondido en un mundo ideal”.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Aunque en la Comunidad Valenciana no ha recibido todavía el reconocimiento que merece, opina que aquí “viven y trabajan algunos de los mejores muralistas del momento a nivel mundial. Hay mucha calidad ahora mismo y creo que estamos a la cabeza nacional si contamos el número de artistas trabajando a primer nivel. Deberíamos de tener mas apoyos y facilidades para potenciar el movimiento, aún así contamos con muy buenas escuelas, organizaciones y universidades implicadas y eso, junto con el indudable talento de los artistas hace que se vayan recogiendo frutos”.

Sobre el futuro del arte urbano le preocupa “que se convierta en una moda y eso entorpezca su evolución”. Aunque no está en contra de que los artistas invadan el espacio urbano con su arte  para compartirlo con la sociedad, ahora mismo ve “demasiado actuación en forma de tendencia”. Considera que a nivel nacional poco a poco el reconocimiento esta mejorando pero el camino a recorrer es todavía muy largo. “Conozco a mucha gente por todo el mundo y suelen interesarse por lo que ocurre en España al ver la cantidad de artistas punteros que tenemos. Es alucinante el nivel que hay en cada rincón del país, especialmente en nuestra Comunidad. Es una pena que no tengamos más reconocimiento”, concluye Dulk.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Dulk. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Bel Carrasco

Certamen Villalart

Convocante: Ayuntamiento de Villalar
Dotación: 2.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 15 de abril

El Ayuntamiento de Villalar en colaboración con la Fundación Villalar Castilla y León y la Fundación Fermín Carnero (en adelante la Organización), se complace en convocar la 1a edición de “VILLALART”, que se celebrará en la Pz. de los Comuneros, el 23 de abril de 2.016 de 11:30 a 19h.
“VILLALART” se presenta como cita experimental para conocer aquellas propuestas de 70 artistas, que quieran mostrar su trabajo, sin tener en cuenta la edad, trayectoria o cualquier otra limitación.
Este programa está dirigido a creadores que tengan proyectos de gran calidad y que merezcan ser expuestos, dando la oportunidad de participar en esta particular muestra de arte contemporáneo.
El propósito de esta convocatoria, es celebrar una exposición al aire libre que establezca un vínculo real y cercano entre las obras expuestas y sus creadores, que permita y facilite el acercamiento con el público en general, pero también con críticos, comisarios, prensa, coleccionistas, galeristas, museos, centros de arte, etc.
Se pretende que los artistas no sólo muestren sus obras en esta convocatoria, sino que también se involucren directamente en la explicación, difusión y venta de la mismas, facilitando de esta forma que puedan continuar con su labor creativa.
Condiciones de participación:
• Todos los soportes y disciplinas artísticas están permitidos, siempre que puedan adaptarse a los caballetes donde se expondrán, que tienen como medidas 90 cms. ancho x 160 cms. alto. Se podrá presentar más de una obra siempre y cuando se ajusten a las medidas del caballete. Por tanto, pintura, dibujo, collage, fotografía, grabado, ilustración, etc, serían formatos idóneos para ser expuestos en esta muestra.
• La recepción de proyectos será hasta viernes 8 de abril de 2016.
• Como fecha tope, el 15 de abril de 2016 se publicará en la web del Ayuntamiento de Villalar y de la Fundación Villalar Castilla y León la lista definitiva de proyectos seleccionados, asimismo se comunicará vía email únicamente a los interesados.
• Las obras deberán ser instaladas en los caballetes que se asignen previamente por la organización el día 23 de abril a las 11:30h., siendo el artista o la persona por él designada quien se encargue de hacerlo, debiendo traer el material que estime oportuno para ello.
• Durante la muestra, el artista o la persona por él designada, velará por la buena conservación de su obra/s, no siendo responsable la organización de ningún deterioro, hurto o robo que se pudiese producir durante el evento.
• Los precios de las obras serán fijados exclusivamente por los artistas.
• En caso de producirse una venta de obra artística, ésta se realizará siempre de forma directa entre el coleccionista o cliente y el artista. La organización no participará del beneficio de la venta de las obras, y será el artista quien negocie directamente con el comprador, tanto el precio, las condiciones de pago, descuentos y demás temas relacionados con dicha venta.

La organización no participará en ninguna fase de la transacción de la compra-venta, eximiéndose de cualquier responsabilidad u obligación que se pudiera generar en este sentido.
• El artista o la persona por él designada deberá recoger su obra/s al finalizar el evento, es decir el día 23 de abril a las 19:00 horas.
• Los gastos de transporte desde sus lugares de origen hasta Villalar, tanto de las obras a exponer como de los artistas, correrán por cuenta de estos, lógicamente también el transporte de vuelta.
• La organización tampoco se encargará del embalaje y desembalaje de las obras.
• La participación en esta convocatoria implica la total aceptación de las bases de la misma. La organización se reserva el derecho de resolver, de la forma que considere oportuna, cualquier situación no prevista en las mismas, teniendo en cuenta criterios de equidad y sentido común.
Documentación de aplicación a enviar al email: villalart@gmail.com
• Nombre, apellidos, email y teléfono de contacto.
• Breve texto describiendo la obra a exponer. (No más de 100 palabras).
• Título de la obra/s, técnica, medidas, año de creación y precio de venta.
• Una o dos imágenes de la obra/s a exponer.
• Toda la información, es decir el texto descriptivo, las imágenes y currículum si lo tuviese,
deberá ser montado en un único PDF, evitando las imágenes por separado, con un máximo de
10 Mb de peso.
• El criterio para nombrar el archivo PDF con la documentación será el siguiente:
Nombre del artista.pdf
• No es imprescindible adjuntar currículum del artista, en caso de adjuntarse tendrá como máximo 200 palabras.
• Si dispone de sitio web, adjuntar también el mismo. Criterios de Selección.
La selección de los 70 participantes y su correspondiente asignación de caballetes se realizará por la organización. Dicha asignación se comunicará el mismo día del montaje.
Se tendrá en cuenta la originalidad del proyecto, la adaptación del mismo al espacio concreto de la Plaza de los Comuneros (Villalar), valorándose también que no hayan sido expuestas anteriormente.
Premios y Fallo.
Se concederán 3 premios: 1o de 1.000 €, 2o de 500 € y el premio especial Fermín Carnero a la obra que mejor refleje la realidad social de Castilla y León, dotado de 500 €.
El jurado de esta convocatoria estará compuesto por: Semíramis Gonzalez, comisaria independiente, Javier Díaz Guardiola, periodista cultural, Juan Zapatero, director de la Fundación Villalar Castilla y León, Enrique Berzal de la Fundación Fermín Carnero y Luis Alonso, Alcalde de Villalar.
La entrega de premios será a las 19:00 h. una vez finalizada la muestra.
Dirección de la exposición.
Plaza de los Comuneros. Villalar de los Comuneros – 47111 (Valladolid)

Poliniza Dos

Convocante: Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria de la Universitat Politècnica de València
Dotación: 4.200 euros
Plazo de admisión: hasta el 8 de abril de 2016
Modo de presentación: a través de la web

BASES CONVOCATORIA POLINIZA DOS 2016 (TROBADA D’ART URBÀ)
1. OBJETO
El Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria de la Universitat Politècnica de València organiza, dentro del programa de actividades de POLINIZA DOS 2016 (Trobada d’Art Urbà), un encuentro de intervenciones de pintura mural; entendiendo ésta como aquella pintura realizada sobre un soporte arquitectónico y que se relaciona plástica y simbólicamente con su entorno urbano.
2. REQUISITOS PARA PARTICIPAR
La convocatoria está abierta a todos los artistas, mayores de edad, interesados en participar en la misma de manera individual o colectiva.
Éstos, si finalmente son seleccionados por el jurado, deberán presentar un proyecto con el fin de realizar una intervención pictórica desde el 16 al 20 de mayo de 2016 (ambos inclusive), cada día entre las 10.00 y las 18.00 horas, sobre los muros habilitados a tal efecto en el Campus de Vera de la UPV.
3. SOLICITUD DE INSCRIPCIÓN Y PLAZO DE PRESENTACIÓN
El plazo de inscripción y presentación de solicitudes será del 14 marzo al 8 de abril de 2016 (ambos inclusive). Para ello, deberá rellenarse la ficha de inscripción anexa al final de este documento o descargándola de la página web www.upv.es/poliniza/. Asimismo, se presentará junto a ésta un portfolio digital o un enlace web con el trabajo de los interesados.
Todo ello debe presentarse de manera presencial o por correo certificado en el Registro General de la Universitat Politècnica de València, situado en la planta baja del edificio 3F del Campus de Vera (Camino de Vera, s/n. 46022, Valencia); en el Registro de la Escuela Politécnica de Alcoy (Plaza de Ferrándiz y Carbonell s/n. 03801 Alcoy, Alicante); en el Registro de la Escuela Politécnica Superior de Gandia (C/ Paranimf, 1. 46730 Grao de Gandia, Valencia); o mediante cualquiera de las formas establecidas en el artículo 38.4 de la Ley 30/1992, de régimen jurídico de las administraciones públicas y del procedimiento administrativo común, redactado de acuerdo con la Ley 4/1999, de 13 de enero.
4. JURADO
El jurado estará compuesto por los siguientes miembros de la Universitat Politècnica de València: la Vicerrectora de Alumnado y Extensión Universitaria, el Director del Área de Actividades Culturales, el Vicedecano de Cultura de la Facultad de Bellas Artes, un/a profesor/a de la Escuela Superior de Ingeniería de Edificación, los comisarios de POLINIZA DOS y un representante del alumnado.

Valorando la información aportada, el jurado realizará una selección de los participantes en el encuentro. A su vez, estos deberán presentar un boceto del proyecto de intervención en el plazo de quince días naturales contados desde la comunicación de la resolución y se comprometerán a la realización del mismo en los términos expuestos en estas bases.
El funcionamiento del jurado será conforme a las normas de los órganos colegiados establecidas en la Ley 30/1992 de régimen jurídico de las administraciones públicas y procedimiento administrativo común, modificada por la Ley 4/1999, de 13 de enero.
5. CRITERIOS DE SELECCIÓN
La valoración del jurado se realizará teniendo en consideración los siguientes criterios:
1. Trayectoria curricular y/o formación académica y artística
2. Participación en exhibiciones, eventos, festivales y exposiciones vinculados con el
arte urbano
3. Obtención de becas y premios
4. Trabajo continuado en la realización de intervenciones murales en el espacio público
6.RESOLUCIÓN
El jurado evaluará y propondrá a los premiados, y elevará propuesta al rector para su resolución.
Se dará a conocer la resolución del concurso a través del enlace de ‘Cultura’ de la
dirección www.upv.es (www.upv.es/entidades/ACU/index-es.html) y en la web de POLINIZA DOS (www.upv.es/poliniza/).
7. PREMIO
El importe total de la ayuda es de 4.200 euros a cargo de la partida presupuestaria 009010000-422-47110. El premio es de 600 euros brutos por cada intervención concluida. Habrá un máximo de 7 intervenciones (individuales o colectivas). La organización asume, además, los gastos de desplazamiento, alojamiento y manutención de los artistas seleccionados. Asimismo, se proporcionarán los materiales necesarios para la realización del proyecto. Los premios estarán sujetos a la retención fiscal correspondiente.
8. CONDICIONES DE REALIZACIÓN DEL PROYECTO
Los artistas cederán los derechos de sus obras a la UPV, que libremente podrá disponer de éstas. Por su parte, el Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria se compromete a realizar la difusión del premio a través de sus medios habituales y proveer de la infraestructura y los materiales necesarios para la realización del proyecto seleccionado.
(…)
Bases completas y más información

Intramurs: 10 días, más de 300 artistas

Intramurs, Festival per l’art a València
Diferentes espacio del Centro Histórico de Valencia
Del 22 de octubre al 1 de noviembre de 2015

Intramurs, Festival per l´art a València, que ya celebra su segunda edición, es una propuesta pensada para la rehabilitación cultural del Centro Histórico de la ciudad a través del arte contemporáneo, urbano e interdisciplinar que tendrá lugar del 22 de octubre al 1 de noviembre.

Durante diez días las calles que se encuentran en el interior de la antigua zona amurallada se convertirán en el escenario de más de 300 iniciativas artísticas, gratuitas y para todos los públicos. Un festival urbano que promueve el acercamiento al mundo del arte y de la cultura, buscando nuevas fórmulas de uso del espacio público, promocionando el trabajo de los artistas participantes, reforzando el tejido social del barrio y buscando nuevas formas de expresión y difusión artística.

Salvia Ferrer, directora de Intramurs, en el centro, junto a miembros del equipo de organización, en la presentación del festival. Fotografía: Eva Máñez.

Salvia Ferrer, directora de Intramurs, en el centro, junto a miembros del equipo de organización, en la presentación del festival. Fotografía: Eva Máñez.

Holanda, país invitado

Este año y como novedad cuenta con la participación de Holanda como país invitado. En palabras de Salvia Ferrer, directora del festival, “pensamos en Holanda como paradigma de gestión e impulso del arte y del espacio público, es un país que nos inspira y un modelo del que podemos aprender muchísimo de cara a la puesta en marcha de iniciativas culturales como las que están surgiendo actualmente en la ciudad”.

En este sentido, Holanda está representada en Intramurs por artistas como los performers Judith Leysner y Raúl Marroquín, Saad Ali que realizará una intervención urbana en un mural, Monique Bastiaans o el crítico de arte e investigador Jean Bousmans. Además, se celebrará una mesa redonda en La Nau titulada ‘Holanda, un modelo de arte público’, moderada por Bastiaans y cuyos ponentes serán los artistas citados. La Embajada de Holanda también estará presente en el festival y ha colaborado muy estrechamente en la organización del festival.

Imagen del video realizado para la convocatoria de Intramurs 2015, realizado por Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

Imagen del video realizado para la convocatoria de Intramurs 2015, realizado por Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

Nuevas rutas, nuevos contenidos.

La organización de mesas redondas y conferencias es otra de las novedades de esta edición. Charlas que buscan la aproximación y reflexionan sobre el barrio, el arte o los nuevos usos del espacio público. ‘Educar con arte’ en el Instituto Francés, ‘Habitar el Centro’ en el Octubre Centre de Cultura Contemporánea, ‘La ley mordaza, rompiendo la democracia desde el BOE’ en Solar Corona o ‘Nuevos usos del espacio público’ en Fundació Bancaixa, son algunas de las charlas destacadas.

Otra de las áreas de Intramurs que sobresalen este año es la referente a las actividades infantiles. Mini-Intramurs coge impulso, reivindica su papel y es prácticamente un mini festival dentro del festival. Decenas de actividades infantiles y talleres que buscan acercar el arte a los más pequeños, facilitarles el acceso a la cultura y promover experiencias artísticas entre los niños y adolescentes.

Las intervenciones urbanas, el arte de acción y la performance también tendrán este año un papel destacado. Intramurs es un festival genuinamente urbano, una nueva forma de entender el arte, que reivindica la importancia del Street Art y del uso del espacio público como espacio expositivo. De esta forma, las calles, las plazas, los balcones o los solares recuperados se llenarán de programación variada y serán el escenario de gran parte de las acciones del festival. Artistas como Jaime Vallaure, el colectivo Trashformaciones, Boa Mistura, mmmm o Democracia, mostrarán sus propuestas más atrevidas, coloristas y arriesgadas.

Imagen del video realizado para el Intramurs 2015, obra de Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

Imagen del video realizado para el Intramurs 2015, obra de Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

Poesía

La poesía es otro de los ejes de Intramurs. Poesía en estado puro de la mano de Dionisio Cañas, Perú Saizprez, David Benedicte o Colectivo Cataclistics, entre otros. La ruta de escaparates toma relevancia también este año tras el éxito de la pasada edición. En esta ocasión 45 escaparates serán intervenidos por artistas, diseñadores, escaparatistas y arquitectos. La cerveza Alhambra Especial apoya esta ruta y posibilitará la entrega de tres premios a los mejores escaparates.

La música en directo es uno de los puntos fuertes de este año, aumentando notablemente las actuaciones y conciertos. De esta forma, el domingo 25 está prevista la tarde de rock en el solar del antiguo Teatro Princesa, con la actuación de Julio Galcerá, Bardo Delux, Kamadeva o Los Mocetones. Este año además se cuenta con el apoyo de los alumnos de la Berklee y la colaboración de Redbull.

Imagen del video realizado para Intramurs 2015, obra de Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

Imagen del video realizado para Intramurs 2015, obra de Tano Giménez y Natxo Sanmartín.

De la misma forma que la música, la moda pide su turno en Intramurs. Con el apoyo de Francis Montesinos, que abrirá su Atelier para que pueda visitarse, el happening de Isabel Messeguer en el Solar del IVAM y desfiles previstos en la Plaza de la Virgen. Y precisamente en esta plaza es donde se realizará una de las piezas más especiales del festival, aún por desvelar.

Además, se podrán disfrutar de piezas de danza, teatro, exposiciones colectivas, arte sonoro, vídeo arte, joyería, feria de autoedición, rutas guiadas, gastronomía, acciones callejeras, cortometrajes, inauguraciones, catas… En definitiva, Intramurs propone un barrio tomado durante diez días por el arte y la cultura, un barrio lleno de vida, atractivo para vecinos, turistas, artistas, comerciantes, hosteleros. Un barrio que, como bien muestra la imagen del festival este año, vuelva a estar en el centro de la diana.

Patrocinadores y colaboradores de Intramurs

Este año la cerveza Alhambra Especial es el patrocinador oficial de Intramurs. Un compromiso con la cultura valenciana y la ciudad, con el arte en todas sus expresiones. Caixa Popular también ha querido participar y apoyar este año en su interés por promover iniciativas culturales,enriquecedoras, vertebradoras y dinamizadoras de la sociedad valenciana. Fundació Bancaixa, un año más, vuelve a apostar por Intramurs, colaborando estrechamente con los artistas y acogiendo programación del festival. También Ideo, encargado de decorar el Espacio Ideo, y la Cámara de Comercio, que apoya también la sección de escaparates en su afán promover la actividad comercial, mediante la actividad artística.

Banderas colocadas en la calle Caballeros como parte del festival Intramurs. Fotografía: Eva Máñez.

Banderas colocadas en la calle Caballeros como parte del festival Intramurs 2015. Fotografía: Eva Máñez.

Hunter, a la caza de otras miradas

La otra mirada, de Hunter (Félix Gordero)
Club Náutico de Villajoyosa. Alicante
Hasta el 20 de septiembre de 2015

El trabajo del artista Hunter se caracteriza por el uso del street art como forma de expresión. Conocido como arte urbano o callejero, haciendo referencia a todo el arte en la calle, normalmente considerado ilegal. El arte urbano engloba formas de expresión artística callejera. Desde mediados de los años 90 el concepto evoluciona para definir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, murales, posters….), alejándose del famoso graffiti. El arte callejero busca sorprender al espectador utilizando lugares públicos bastante transitados.

Por regla general contiene mensajes “revolucionarios” criticando la sociedad e invitando al levantamiento y a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Todo ello ha llevado a someter a una dura crítica a los artistas que actualmente intervienen el espacio público, entendiendo como regla general que dañan el espacio tanto público como privado. Debate abierto y aún no superado, no diferenciando los conceptos de graffiti o street art con vandalismo callejero.

Hunter, a pesar de inspirarse en los conceptos tradicionales del street art, posee una mirada más global sin necesidad de acotar sus trabajos a las formas de expresión callejera. De la misma manera que el artista Banksy abandona de forma puntual las calles para trasladar su arte urbano a museos y centros de arte de todo el mundo, sin perder sus raíces artísticas; Hunter ha combinado a lo largo de su formación creativa proyectos artísticos realizados ad hoc, que le permiten conservar un lenguaje muy personal, desarrollando múltiples facetas artísticas sin perder su influencia con el street art, buscando una continua evolución y desarrollo como artista visual.

Detalle de la tarjeta de presentación de la exposición La otra mirada, de Hunter, en el Club Náutico de Villajoyosa.

Detalle de la tarjeta de presentación de la exposición La otra mirada, de Hunter, en el Club Náutico de Villajoyosa. Cortesía del autor.

De esta forma Hunter comienza su trabajo conceptual desde su ordenador creando bocetos de aquello o aquellas personas, con una mirada muy personal de la sociedad que le ha tocado vivir, también en común con la filosofía de los graffiteros que buscan diferenciarse dentro de la sociedad en la que viven. Pero no solo con una visión local, de su entorno más inmediato, sino también con un enfoque más global, utilizando internet para viajar a otras culturas y a otras sociedades.

El proyecto La otra mirada realizado expresamente para el Club Náutico de Villajoyosa no es más que esa mirada pero desde el mar, en dos direcciones, una más interna, buscando comparaciones del mundo marino con la sociedad en la que vivimos, y otra externa, tendiendo la mano a los profesionales que viven del mar.

Las personas de diferentes culturas urbanas cambian y se mutan en otra especie, esta vez recubierta de escamas y que gracias a sus branquias pueden respirar bajo las profundas aguas, agrupándose en bancos de peces que comunicados entre sí deambulan con exquisita coordinación formando figuras geométricas entre las miles de tonalidades del color azul del Mar Mediterráneo. Con grandes similitudes con la sociedad contemporánea, donde nos encontramos “en red” comunicados entre sí a través de las redes sociales.

Hunter consigue plasmar el mundo marino en sus lienzos utilizando imágenes captadas en internet, aludiendo al concepto del “apropiacionismo”, movimiento artístico que sigue el procedimiento de la apropiación de imágenes con el objetivo de articular un discurso nuevo. Tal como establece Dolores Furió Vita en su artículo “Apropiacionismo de imágenes”, Departamento de Escultura, Universidad Politécnica de Valencia, “podemos afirmar que las prácticas artísticas contemporáneas han dejado de ser algo cerrado, finalizado, convirtiéndose en una cadena infinita de producción creativa, basada en la apropiación, la intertextualidad y la relectura. Como comenta Alicia Serrano (1), el hecho de que el autor haya utilizado la apropiación como método creativo no debe llevarnos a pensar que sus obras carecen de personalidad o de calidad estética. Muy al contrario, ya sólo el proceso de selección de imágenes preexistentes denota la personalidad y las preferencias del artista”.

En esa misma línea, continuando una serie de obras que ya viene desarrollando con un lenguaje propio y muy característico, Hunter presenta en esta exposición retratos de marineros. Personajes en blanco y negro de miradas penetrantes de gran realismo, transmitiendo un dramatismo enfatizado por la utilización del carbón.

Rostros rayados con aerosoles o sprays creando líneas transversales sobre el lienzo, formando una inquietante descontextualización de la imagen, con el único fin de sorprender al espectador aludiendo a sus influencias del arte urbano.

1 SERRANO VIDAL, Alicia, Apropiacionismo, remezcla y postproducción: el Found Footage en el siglo XXI” en Estéticas del Media Art, José L. Crespo Fajardo (Coord.), Grupo de investigación Eumed.net (SEJ 309), Universidad de Málaga (España), 2013. p.16.

El viejo, de Hunter, en la exposición La otra mirada del Club Náutico de Villajoyosa. Cortesía del autor.

El viejo, de Hunter, en la exposición La otra mirada del Club Náutico de Villajoyosa. Cortesía del autor.

Antonio Cervera

Los iconos robados de Coté Escrivá

Stolen Icon, de Coté Escrivá
Moosey Art Gallery
22 Bridewell Alley. Norwich (Norfolk). Reino Unido
Inauguración: jueves 9 de julio, a las 18.30h
Hasta el 25 de julio de 2015

El artista e ilustrador valenciano Coté Escrivá muestra en la galería Moosey Art de Norwich, en el Reino Unido, su nueva exposición titulada ‘Stolen Icon’ (Icono Robado), concepto que viene a partir de una frase de Picasso, “los buenos artistas copian, los genios roban”.

Sponge Guy, obra de Coté Escrivá en la exposición 'Stolen Icon' de Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Sponge Guy, obra de Coté Escrivá en la exposición ‘Stolen Icon’ de Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Casi literalmente Coté ha robado, o ha cogido prestado, algunos de los iconos del arte pop y de la cultura contemporánea como el bote de sopa Campbell o el plátano de Warhol, el perro de Keith Haring, Bibendum (el muñeco de Michelín) o trozos de obras de Roy Lichtenstein, Obey, Banksy o D’Face y les ha dado una reinterpretación. Para esta muestra el artista expone dos tipologías de trabajo.

Bibendum, obra de Coté Escrivá en la exposición 'Stolen Icon' en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Bibendum, obra de Coté Escrivá en la exposición ‘Stolen Icon’ en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Por una parte, utiliza sus ya habituales ilustraciones de personajes animados clásicos, siempre dotándoles de una ácida visión, pero esta vez bastante más colorista de lo que nos tiene acostumbrados. Mezcla de personajes, ojos huecos o saltones, y alguna sorpresa más.

Pig Brothers, obra de Coté Escrivá en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Pig Brothers, obra de Coté Escrivá en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Por otra parte, se acerca al mundo del street art y del graffiti. Destaca el uso de plantillas y botes de spray para dar a sus obras un aspecto callejero. “Cada vez me fijo más en lo que rodea al mundo del arte urbano, disfruto mucho viendo en la calle paredes grafiteadas y quería trasladar esto a mis cuadros”. Las nuevas creaciones de Coté están a mitad de camino entre el street art, imágenes pop con un aire vintage y un guiño retorcido y original.

Punisher, obra de Coté Escrivá en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Punisher, obra de Coté Escrivá en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Twisted Toons Homer, de Coté Escrivá. 'Stolen Icon' en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

Twisted Toons Homer, de Coté Escrivá. ‘Stolen Icon’ en Moosey Art Gallery. Imagen cortesía del autor.

 

Asedio a una intervención artística

Instalación de Julia Lorenzo
Plaza del Árbol
Barrio del Carmen de Valencia

La vida nos absorbe hasta el punto de encerrarnos en una selva de realidad incomprensible. Nos empuja a ir con el cuchillo entre los dientes y a veces con cara de perro para defender la parcela de independencia personal y familiar. En el día a día, custodiar lo que está dentro de los lindes de la libertad personal impone mantener mucha tensión y no podemos distraernos en otras cosas que las estrictamente necesarias para solventar los compromisos de fin de mes. Así es como parece que nos quieren, calladitos y a lo nuestro. Centrados en vivir un modelo de vida que se diluye sin solidificar suficientemente valores como la amistad, el valor, la solidaridad, la compasión, el esfuerzo, la sana competitividad, el civismo y el cuidado del bien común, por citar algunos.

Piezas de la instalación de Julia Lorenzo en la Plaza del Árbol de Valencia. Imagen  Vicente Chambó

Piezas de la instalación de Julia Lorenzo en la Plaza del Árbol de Valencia. Imagen Vicente Chambó.

Pero no debemos renunciar. Eso nunca. El Centro Histórico se ha llenado de turistas en los últimos años. Bienvenidos visitantes que aportan colorido con sus cámaras de fotos y hacen del consumo una forma de recibir divisas. Con el calor, es fácil ver a dichos visitantes tapándose la nariz por el olor nauseabundo de los mondongos y orinadas de perros cuyos dueños miran para otro lado. No se puede generalizar. No todos los propietarios actúan igual con sus mascotas, y a lo del pipí habría que darle una solución. Les hablo de calles como: En Borràs, Mare Vella, Santo Tomás, Tenerías, o plazas como la Plaza de la Cruz o la Plaza del Ángel y alrededores -excepto la calle Caballeros y adyacentes- el Barrio del Carmen tiene localizadas amplias zonas de minas que hay que ir esquivando mientras muchos edificios históricos están abandonados y se dejan caer a la vez que las fachadas resisten apuntaladas durante años y años.

En la imagen Julia Lorenzo con un compañero del montaje en el momento de la paralización de la instalación. Imagen Vicente Chambó

Julia Lorenzo con un compañero de montaje en el momento de la paralización de la instalación. Imagen Vicente Chambó.

Es el caso de la fachada que decidió intervenir Julia Lorenzo, lugar situado en la plaza del Árbol hacia calle Santo Tomás. Edificio en estado ruinoso con dicha fachada sujeta por grandes bases de hormigón y estructuras metálicas desde hace más de 10 años si no calculo mal.

Vista de la fachada apuntalada con Julia Lorenzo y su acompañante. Imagen Vicente Chambó

Vista de la fachada apuntalada con Julia Lorenzo y su acompañante. Imagen Vicente Chambó.

Los trabajos como los de Julia Lorenzo enriquecen el Barrio del Carmen. Se trata de realizaciones muy interesantes y estéticamente atractivas no exentas de elementos de reflexión.

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Otra de de las intervenciones de Julia Lorenzo en el barrio de El Carmen, calle Coronas, Valencia. Imagen Vicente Chambó.

Una mañana, Julia Lorenzo transportó las piezas de su instalación previamente realizadas en su estudio. Se dispuso a montar y colocar cada elemento en un lugar de las citadas calles para cuya resolución todo estaba medido. Hasta el último detalle. Uno de los inconvenientes técnicos que tuvo que salvar consistía en taladrar un viejo y horrendo chapado que cubre un lado de la fachada.

Al fondo pueden verse los listones para sujetar el montaje sobre el horrendo chapado pintarrajeado de la fachada en estado de abandono. Imagen Vicente Chambó.

Al fondo, los listones de madera para sujetar el montaje sobre chapado de la fachada. La foto muestra el estado de abandono de la fachada con Julia Lorenzo y su acompañante. Imagen Vicente Chambó.

La descubrí en la calle trabajando en plena instalación. Así que tomé una tarjeta y le pasé mi contacto animándola a participar en un proyecto artístico de los que llevo entre manos. Al darme cuenta que no llevaba mi cámara, fui rápidamente a por ella con el fin de registrar aquella obra de arte urbana. Al volver me encontré con la Policía Local obligándola a paralizar su trabajo.

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Imagen Vicente Chambó.

Me puse a hacer fotos y le pregunté a uno de los agentes cuál era el motivo por el que no podía seguir Julia con su instalación. El agente me contestó (educadamente) que no se podía perforar la pared de una propiedad privada y a continuación otro agente de la Policía Local me pidió la documentación y se tomó nota de mis datos.

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Lo que puede verse de la instalación. Imagen Vicente Chambó.

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Julia no pudo terminar con su instalación pero dejó testimonio de una parte de ella. Su único delito: dar luz y poner color a un Centro Histórico que es ya un poco mejor gracias a artistas como ella.

Julia Lorenzo. Imagen Vicente Chambó.

Julia Lorenzo. Imagen Vicente Chambó.

Vicente Chambó

Escif y la revolución de lo real

Escif. Todo lo que sobra
Falla Mossen Sorell – Corona
Marzo 2015, Valencia

La revolución de lo real

El tránsito del sistema dictatorial al modelo democrático ha supuesto que en el Estado español hayan convivido en el tiempo formas y comportamientos que han prolongado una determinada manera de entender la representación pública, así como su relación con la ciudadanía. La posición de vasallaje del individuo hacia sus representantes se pone de manifiesto cada vez que tiene lugar la escenificación del poder. Los coches oficiales, los escoltas, el despliegue de seguridad, la colisión de protocolos y toda una parafernalia inacabable que consume recursos, con el solo propósito de engrasar una ficción que adquiere la apariencia de normalidad a costa de una fórmula de repetición.
Con la fiesta de las Fallas en Valencia sucede algo similar, pues se ha pasado de la manifestación popular espontánea a un dispositivo instrumentado desde el poder político. El maximalismo, la sobredimensión y el exceso, característicos de la política municipal y autonómica valenciana en las dos últimas décadas, han estimulado el desenfreno también en el modo de entender las fallas, convertidas en “monumentos” desprovistos de contenidos significantes.

En el campo de las expresiones artísticas en el espacio público, se viene trabajando en la reconsideración del uso del arte en la ciudad, poniendo en cuestión la función ornamental o decorativa con la que el arte es empleado en tantas ocasiones. La faceta estética del arte no agota sus otras muchas posibilidades, más interesantes a mi parecer. La capacidad crítica y participativa del arte en el espacio público apela a una interpretación horizontal de la sociedad, con relaciones más naturales y menos regladas, contribuyendo al desarrollo de estímulos que activan en el individuo una progresión en la reconquista de la calle como lugar vertebrador de la comunidad. Ese proceso simbólico está conectado con la creciente necesidad que expresa la ciudadanía por recuperar el pulso con la realidad, saliendo del letargo de la opulencia falaz, para llevar a cabo un ejercicio de empoderamiento más participativo y menos autocrático.

La Falla Corona trabaja desde hace años para convertir el dispositivo fallero en una herramienta de experimentación cultural, huyendo de los estándares que parecen haber homologado estética y discursivamente las imágenes que cada año son devoradas por el fuego. Huir de la grandilocuencia y penetrar en los códigos de lo cotidiano no son tareas sencillas, cuando se piensa en el abigarramiento característico de las fallas. Sin duda se trata de un reto, que un artista urbano como Escif ha sabido formular con acierto. Los muros del centro histórico de Valencia le han visto crecer, mientras le sirven de bastidor para sus grafitis, cargados de mensajes en combustión, que buscan la complicidad del observador para hacer detonar las convenciones que durante demasiado tiempo han nublado el juicio de una mayoría. Pero a la vez que asistimos al final de esa época, Escif salta del muro para llevar a cabo una intervención que subvierte la estandarización fallera.

“Todo lo que sobra” pone en crisis el concepto de representación hegemónica, elimina los elementos centrales y rompe con la jerarquía del tamaño para llevarlo todo a una escala 1:1. Escif compone una narración realista que reconstruye el aspecto habitual del entorno a partir de materiales poco sofisticados como el cartón y la madera, que nos lleva al origen de las fallas. En la actualidad muchas calles, plazas e intersecciones son desalojadas de mobiliario urbano, de vehículos, semáforos y cualquier otro elemento que dificulte el uso del espacio público para el propósito de plantar las fallas, peatonalizando por unos días grandes áreas de la ciudad que habitualmente se encuentran subrogadas al tráfico rodado. Todo eso es lo que sobra, lo que se retira, para dejar disponible el espacio necesario en el que escenificar una catarsis anual de diversión autorizada. Pero en esta ocasión la falla pensada por Escif se arroga la responsabilidad de replicar los elementos retirados, con la intención de recomponer el aspecto cotidiano de este entorno, llevando a cabo el propósito de asemejarse a la realidad, mientras lo habitual es que las fallas se alejen de ésta para conducir al público por una experiencia espectacularizada. “Todo lo que sobra” es una réplica a la ciudadanía, una indicación que nos sugiere que recuperemos la iniciativa, que nos invita a pasar de la pasividad del que “mira” a la actitud del que “ve”. A veces son los pequeños gestos los que condensan la capacidad de transformarnos, y con ello extender cambios que nos revolucionan.

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Escif lleva a cabo en la Falla Corona un ejercicio de sensatez que deja en evidencia a todas esas epopeyas de poliespan disneyficado, que año tras año compiten por elevarse hacia equilibrios imposibles. Parece que ha llegado el momento de poner los pies en el suelo, la sociedad ha comenzado a mostrarse intolerante con los juegos de apariencias. Si es cierto que el fuego cumple la función de purificar y regenerar, Valencia –aunque solo sea en lo simbólico- deberá pronto arder para expiar sus excesos. De momento la Falla Corona ha comenzado por desprenderse de “todo lo que sobra”, invitando a deshacerse de los atributos inútiles para poder llegar mejor a la esencia de las cosas. Es frecuente que las ramas impidan ver el bosque, pero también sucede en ocasiones que las verdades fundamentales se muestran sencillas a los ojos de todos y es nuestro enrevesado entendimiento el que nos impide reconocerlas. En la sencillez reside no solo la belleza, sino también la inteligencia.

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José Luis Pérez Pont

Nota:
La versión popular del origen de las fallas dice que fueron iniciadas por el gremio de carpinteros. En la víspera del día de su patrón San José, quemaban en una hoguera purificadora, las virutas y todo lo que sobraba, haciendo limpieza de los talleres antes de entrar la primavera.

¿Como hacer una falla que no sea una falla, pero que si sea una falla? La propuesta consiste en reproducir aquellos elementos que “sobran” en el escenario habitual de una falla. Hacer una falla con todo lo que no es una falla, pero que irremediablemente forma parte de la transformación del paisaje urbano durante esta celebración; Tanto los elementos que han de quitarse para despejar el espacio, como aquellos que son accesorios al monumento fallero. Así pues, la falla consistirá en diferentes objetos copiados de la realidad, tales como una moto junto a la pared de Beneficiencia, un contenedor gris, una señal de tráfico, una rejilla de alcantarilla, dos coches aparcados en la plaza, dos cajas de petardos vacías, tres bicicletas con sus respectivos candados, tres bolardos negros, tres paquetes de tabaco, cuatro bolsas de snacks, cinco vallas de separación con sus respectivas publicidades, cinco chicles pegados, doce colillas, vasos rotos, muchos confetis,…

Escif, cinco años de trabajo

A estas alturas todos nos hemos encontrado con la obra de Escif. Conociéndole o no, es inevitable fijarnos en sus críticas político-económicas, presentes por las calles valencianas de Ciutat Vella.

Sin embargo, no sabemos quién se esconde tras este artista -o artistas- que con sus pinturas genera un diálogo entre la pared y el paseante. Muchos se han referido a él como “El Banksy Valenciano”, pero su trabajo debe valorarse no como un símil al artista británico sino por quién es, el mismo Escif, quien a día de hoy ha conseguido tener repercusión internacional.

¿Cómo referirnos a la obra de Escif? ¿Es graffiti o Street Art? Para el artista “Street Art” es un término al que se refiere el mercado del arte para la comercialización. En su manifiesto, La calle otra vez, contesta:  “no creo demasiado en las definiciones, es una forma de encerrarse y de limitar el campo de acción. Estamos hablando de pintura, de jugar, de experimentar, de investigar y a lo mejor también de graffiti.” El artista, por lo tanto, juega con lo que le ofrece el espacio público, la calle, a su vez un espacio con normas, en el que existen unas limitaciones. De esta forma, “una pared pintada deja de ser un límite para convertirse en un canal de comunicación abierto, con ella se puede llegar a muchísima gente.”

"The Reader", por Escif.

“The Reader”, por Escif.

Sus intervenciones son trabajos o reflexiones que desarrolla él mismo, mostrándose ante nosotros como mensajes sutiles, en ocasiones “camuflados” en la ciudad grisácea, dada la gama cromática que utiliza en su pintura mural. Son protestas contra la crisis económica en España, el consumismo y capitalismo del mundo, o contra temas de actualidad más concretos como el caso Gürtel y la trama de corrupción, además de temas relacionados con la Primavera Valenciana, junto a característicos juegos de palabras.

Escif comenzó haciendo graffitis en la segunda mitad de los 90′, tal y como explica en una de las pocas entrevistas que concedió en Velvet Liga. Después empezó a plantearse “la calle como espacio de investigación”. De manera que, como él mismo señalaba en la entrevista:

“Antes luchaba contra el sistema y ahora el sistema soy yo. Soy mi enemigo número uno y mi mejor aliado. Ya no creo en la revolución, pero sí en las pequeñas revueltas que empiezan por uno mismo.”

Con esta frase de lucha personal, y con una gran cantidad de intervenciones a su espalda, os proponemos participar en “Elsewhere”, una recopilación del trabajo llevado a cabo por Escif durante los últimos 5 años. No solo de murales, sino también bocetos, dibujos, ideas, sentimientos… así como pequeñas anécdotas. “No es un libro sobre el trabajo de Escif. Es un trabajo sobre el libro de Escif.”

"Elsewhere", por Escif.

“Elsewhere”, por Escif.

En la página de recaudación se presenta el libro como “un cruce de pensamientos, pinturas, referencias y fragmentos. No desde un punto de vista espectacular, pero como si fuese tu madre quien lo hubiese cocinado”.

El objetivo que se han propuesto es imprimir el libro en febrero para comenzar la distribución en marzo . “Elsewhere” tendrá una primera edición de 1000 copias, un total de 300 páginas a todo color, en diferentes papeles y diferentes texturas. Enrique Casp se ha hecho cargo del diseño y Santiago Alba Rico del texto. A nosotros nos ha tocado la parte de producción. Sí, nosotros, “tú, tus amigos, los amigos de tus amigos y la abuela de Escif”.

A cambio de participar, y según la cuantía que quieras aportar al proyecto, podrías hacerte con una copia del fanzine ANTI-MATERIA, o la edición de Coreographies/Blue realizadas en POW, impresiones de alguno de sus trabajos (The Writer o The Reader) o hacerte con el libro “Elsewhere” firmado y terminado a mano por el autor.

Incluso puedes participar a cambio de recibir a Escif en tu casa para cocinarte una paella vegetariana o tener la posibilidad de aparecer en la portada del libro una foto tuya o de tu familia.

Para colaborar o adquirir más información: “LA CALLE ES GRATIS, IMPRIMIR UN LIBRO NO”

"Elsewhere", por Escif.

“Elsewhere”, por Escif.