La Pinada Fun, cultura sostenible contra el Covid

La Pinada Fun
Barrio La Pinada. Paterna (Valencia)
Agosto 2020
Martes 25 de agosto de 2020

La Pinada Fun es una iniciativa creada por Barrio La Pinada para dar vida al espacio, y proporcionar una alternativa de ocio, cultura y gastronomía que ayude a las personas a vivir de una forma más sostenible. Un lugar ideal para el ocio familiar al aire libre a tan sólo 10 minutos de València. Sostenibilidad, integración en la naturaleza, conciencia social, comunidad, cocina saludable de proximidad y actividades culturales, como la música en vivo, son los pilares que sostienen este nuevo espacio ubicado en el término municipal de Paterna.

Uno de los mayores atractivos que presenta La Pinada Fun es programación cultural que brinda la posibilidad de disfrutar de la música en directo entre pinos. La Pinada Fun abre al público de lunes a viernes a partir de las 18 h. y sábados y domingos a partir de las 12 h. hasta la 1 h. 

Una de las actuaciones en La Pinada Fun. Imagen cortesía de la organización.

Cada día a las 19 h., los amantes de la música tienen una cita para disfrutar de la cultura en estos momentos complicados: los miércoles están destinados al Reggae, los jueves son el turno de las Jam Sessions, en la que cualquier persona puede traer su instrumento y participar. Los sábados están reservados para el flamenco y los domingos de tardeo los vinilos toman el protagonismo de la mano de DJs. A través de conciertos íntimos, artistas y bandas como Rober Molina o VI Blau y la promotora Bam Bam se han encargado de crear la banda sonora del verano en El Barrio La Pinada.

“Es impresionante ver cada día como familias y personas de todas las edades comparten, disfrutan y participan de nuestra sesiones, en un ambiente inclusivo y diverso”, comenta Belén Balada, Directora de la Pinada Fun, que destaca también el carácter eco y sostenible del espacio: “Nuestro objetivo es ser referentes en ocio sostenible, trabajando en todas sus dimensiones sociales y ambientales. Por ejemplo, acabamos de instalar un parking y estación de reparación básica de bicicletas, aprovechando que estamos en un entorno único para poder realizar rutas tanto en bici como a pie. Queremos potenciar que sea un medio de transporte ideal para llegar a nosotros”Añade:“También estamos apostando por zonas de juegos naturales para los niños que incluyen, por ejemplo, areneros o circuitos de troncos”.

Ambiente en La Pinada Fun. Imagen cortesía de la organización.

La Food Area de La Pinada Fun se caracteriza por una cocina con producto local y de proximidad, saludable y artesanal tanto en su Gastro Bar, donde tomar o picar algo con amigos en un entorno natural, como en su restaurante, en el que se puede degustar todo tipo de arroces, previo encargo. 

La oferta de la Pinada Fun sigue creciendo para todo tipo de usuarios. Por ejemplo, niños y adultos celebran sus cumpleaños, empresas realizan encuentros de sus equipos que están teletrabajando o actividades de teambuilding. En definitiva, un espacio para vivir, aprender y disfrutar.

Al ser un amplio espacio abierto al aire libre, La Pinada Fun se convierte en un lugar ideal para el ocio y encuentro en esta nueva normalidad post-COVID-19. Se cumplen con todas las normas y mejores prácticas de seguridad e higiene: distancia (con espacios acotados y exclusivos para grupos), higienización (disponen de gel hidroalcohólico para todos los clientes y desinfección del mobiliario después de cada uso) y seguridad (uso obligatorio de mascarillas, los empleados pasan por controles de temperatura y obligación de llevar mascarilla y guantes). La Pinada Fun ofrece una alternativa nueva y distinta en la agenda valenciana para familias, amigos o empresas para disfrutar de la naturaleza y el ocio responsable.

Imagen de La Pinada Fun, por cortesía de la organización.

45 estudiantes de la UPV crean la barraca del siglo XXI

#MAKMAArquitectura #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Salva Torres | 45 estudiantes de la UPV crean la barraca del siglo XXI
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Miércoles 12 de agosto de 2020

Dice el arquitecto César Portela que la arquitectura es en sí espectacular, pero que no debería ser espectáculo. La barraca que 45 estudiantes de la Universitat Politècnica de València (UPV) han creado, tras dos intensos años de trabajo, también es espectacular (“la más grande de cuantas compiten”), pero no quieren que se quede en mero espectáculo. “No querríamos que eso pasara”, subraya Alina Marín, integrante del equipo Azalea, encargado de defender esa idea en la ciudad húngara de Szentendre: que la barraca valenciana no es cosa del pasado, sino una vivienda con muchísimo futuro.

“El conflicto con la huerta valenciana hay que abordarlo integrando diferentes puntos de vista y esto que nosotros planteamos puede ser una solución”, apunta Marín, que sueña con ver un paisaje de la huerta sembrado de barracas como la que llevan a Hungría. “Queremos una huerta viva, pero activa. No queremos solo admirarla, sino que se adapte al porvenir”. Por eso se atreve a vaticinar: “Igual la casa del futuro es la barraca”. Frente a los módulos actuales en forma de cubo, el triunfo de la vivienda típica valenciana adaptada a los tiempos modernos.

barraca, UPV,
Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Así se presenta Azalea UPV, como un proyecto de vivienda sostenible que propone el equipo, “como primer paso para conseguir reducir nuestro impacto en el medio ambiente”, mediante la unión de tecnología, naturaleza, confort, sostenibilidad y tradición.

Los 45 estudiantes que intentan demostrar las bondades arquitectónicas de la barraca valenciana, frente a otros 16 proyectos europeos seleccionados en la cuarta edición del Solar Decathlon Europe –que se celebra entre finales de junio y principios de julio–, se han dejado “literalmente la piel, el sueño y la vida, por sacar adelante un proyecto que desde el principio formó parte de nosotros”, subraya Marín.

Su futuro, una vez superada su fase de presentación a nivel competitivo, pasa por el interés que tengan las instituciones públicas: “La barraca, una vez presentada en Hungría, tendrá futuro si las empresas privadas y las instituciones públicas colaboran para que se haga realidad”.

Hablamos de una vivienda que se ha tenido que adaptar a las bases del concurso: “Tiene 80 m2 de planta útil y un total de 110 m2 con terraza incluida, además de siete metros de altura. La única que lleva zapatas y la única de fachada inclinada. Es la más grande, más alta y más compleja de las 16 seleccionadas, aunque ahora ya solo estemos 11 porque cinco se han quedado por el camino”, precisa Marín, como ejemplo de lo difícil que es simplemente llegar a la competición final.

El proyecto, nacido de estudiantes de diferentes facultades de la UPV (Industriales, Diseño, Arquitectura), a los que se han ido sumando alumnos de hasta un total de 16 titulaciones distintas, ha ido tomando cuerpo a partir del programa de Generación Espontánea, del Vicerrectorado de Alumnado, Cultura y Deporte, y la pasión de un grupo de estudiantes inmunes al desaliento. “La cultura valenciana, nuestra ciudad, nuestra historia, fue la inspiración. Y tuvimos la suerte de enamorar a un jurado muy lejos de aquí”, apunta, exultante, Marín.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Un total de ocho camiones se encargaron de desplazar a Szentendre todas los elementos estructurales de una vivienda que tuvieron luego que volver a montar en 14 días. “Hay ediciones en las que algunos de los proyectos no llegan a montarse. Vamos a rezar al cielo para que no nos suceda. Lo llevamos todo muy planeado”, destaca Marín, que considera ya todo un éxito haber llegado hasta aquí. “Hay países, como Holanda, que aportan dos millones para realizar el proyecto, mientras que nosotros nos hemos tenido que buscar la financiación”, cuyo coste ha ascendido a medio millón de euros.

La Universitat Politècnica de València ha contribuido con una parte importante, a la que se han sumado Leroy Merlin y algunos de sus proveedores, hasta un total de 60 empresas “también de fuera que han confiado en nosotros”, remarca Marín, al frente de un equipo que se verá ligeramente reducido (“iremos 33 personas”) para llevar a cabo la gesta de vencer en el Solar Decathlon Europe, del que hay otras seis competiciones en diversos continentes. “Hay 10 categorías distintas y tres premios en cada una de ellas, siendo la suma de las diferentes puntuaciones la que da el premio global”.

La comercialización de la futura barraca, una vez superada la competición y de vuelta a casa, es viable. “Ahora vamos con un Fórmula 1, porque hemos tenido que adaptarnos a las bases del concurso, que nos marcan, por ejemplo, que la temperatura interior no puede bajar de 21º ni superar los 23, porque si no te penalizan”.

Para ello, cuentan con un aislante térmico de corcho reciclado con el que, previamente triturado, se han rellenado los muros. “Tenemos, además, una instalación fotovoltaica preparada para que podamos cubrir todo nuestro consumo durante el día y, a partir de las siete de la tarde, el concurso nos pide que seamos capaces de vender energía”.

Todas estas exigencias luego no serán necesarias, de manera que la barraca “podrá adecuarse más fácilmente a la vida cotidiana”. Por eso entiende Marín que el futuro de la casa típica valenciana es halagüeño. “Nuestra barraca no tiene únicamente sentido como empresa, sino como una iniciativa pública que deberíamos lanzar para resolver el conflicto entre la ciudad y la huerta, con un nuevo modelo de vivienda que la respete, pero que se pueda adaptar al futuro”, concluye. Hungría es el puente hacia ese futuro que Azalea ha empezado a construir.

barraca, upv
Más de una veintena de los alumnos que han creado la barraca. Fotografía cortesía de Azalea UPV.

Salva Torres

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

Poesía virtual para una cultura ecológica en el CCCC

‘Laboratorio Ecopoético’ | ‘#CCCCenCasa’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Martes 14 de abril

El Centre del Carme Cultura Contemporània traslada su ‘Laboratorio Ecopoético’ a las redes sociales, dentro de su programa ‘#CCCCenCasa’. Este laboratorio se fundamenta en el intercambio de saberes entre personas mayores y jóvenes en torno a la ecología, con la poesía como medio de expresión.

Tras varias sesiones celebradas en el Centre del Carme y que fueron interrumpidas por la COVID-19, el taller, en el que participan principalmente personas mayores, continúa ahora su proyecto desde el ámbito virtual como fórmula para combatir la soledad y el aislamiento que afecta especialmente a estas personas, consideradas grupo de riesgo.

Los talleres están organizados por Polyforum València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, y coordinados por David Trashumante, director de Vociferio.

En sus sesiones, un equipo transdisciplinario de poetas, periodistas, historiadores e integradores sociales buscan generar un corpus poético en torno a diversos temas como la sostenibilidad, la especulación urbanística, la vuelta al mundo rural o el feminismo.

Así, en los próximos días las redes sociales del Centre del Carme ofrecerán diversos recitales poéticos a cargo de las personas integrantes de estos talleres, que presentarán los primeros resultados de su trabajo.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, ha manifestado que “estas acciones permiten visibilizar a un sector de la población especialmente vulnerable en estos momentos”, y ha recordado que “nuestro programa de mediación cultural busca diversas formas de aproximación al arte y a la cultura creando espacios para la palabra, para el diálogo, como fórmulas de integración social y de participación ciudadana”.

La propuesta virtual del ‘Laboratorio Ecopoético’ se suma a la iniciativa de ‘La merienda’, dirigida también a personas mayores, y coordinada por la mediadora Alba Cacheda, que ha continuado desarrollándose a través de entrevistas telefónicas, compartiendo afectos, escucha y cuidados en una situación que afecta directamente a este grupo de personas.

Pérez Pont ha señalado que “con el ‘#CCCCenCasa’ estamos desarrollando un proyecto cultural virtual que integre a todas las disciplinas artísticas para que la cultura no pare y para seguir apoyando al sector creativo valenciano y a sus artistas”.

Programación semanal

Dentro de ‘#CCCCenCasa’, esta semana las artistas Mónica y Gema del Rey Jordà (Art al Quadrat) nos abren las puertas de su estudio para adentrarnos en su proyecto creativo.

Su exposición del Centre del Carme, ‘De coros, danzas y desmemoria’, es una investigación sobre la recuperación de la memoria histórica a través del lenguaje contemporáneo y de la tradición oral. La exposición les permite mostrar la represión que impuso el franquismo en toda España, especialmente en la vida de la mujer. El objetivo de Art al Quadrat es trascender el relato histórico para recuperar la memoria de las damnificadas, con historias que resuenan ahora a través de sus cantos.

Inspirado en esta muestra, el programa de educación y mediación ‘#CCCCHabitantEspais’ propone esta semana un taller en el que experimentar con los sonidos. En la exposición de Art al Quadrat, el canto de diversas mujeres nos permite conectar con la memoria, modificando el significado de los escenarios presentados y alentándonos a generar nuevos espacios de compromiso y libertad.

Este taller propone a las familias diferenciar entre oír y escuchar, trabajando con los ruidos de la casa. El sonido nos ayudará a identificar la forma del espacio, sus dimensiones y sus usos en función de nuestra memoria, pero también en función de las reverberaciones y las reflexiones que produce en el espacio. Así, se proponen diferentes acciones desde la experimentación con el eco, la composición de una banda sonora con sonidos cotidianos, descubrir qué es el sonido holofónico o componer su propia fonoteca de la casa.

Además, esta semana ‘CCCC_Arquilecturas’ propone a las familias explorar la vivienda siguiendo ‘El curso del agua’, un taller didáctico donde invitar a las y los pequeños a reconocer de dónde viene el agua que sale de los grifos: buscar las llaves de paso, las alcantarillas de la calle desde la ventana y la fuente de calor que hace posible que podamos ducharnos con agua caliente.

Hay que recordar que cada semana estos talleres se van sumando a un conjunto de propuestas didácticas en familia que se encuentran disponibles en la web del Consorci de Museus como los talleres ‘El plano de mi casa’, ‘Aburrimiento’, ‘¿Dónde están las flores?’, que toma como base la muestra de Escif ‘Qué pasa con los insectos después de la guerra’, o la propuesta ‘Desde mi ventana’ inspirada en la exposición sobre Carlos Pérez. A esta última iniciativa, que busca convertir las ventanas en espacios de creación, se han sumado numerosas ilustradoras e ilustradores, diseñadores y artistas como Javier Mariscal, Escif, Juan Berrio, Paco Roca, Iván Solbes, Marta Colomer (Tutticonfetti), Lina Vila, Ortifus, Boke Bazán, Ibán Ramón, Alex Cervantes, Tomás Gorría, Calpurnio, Lucía Meseguer, Martín Forés y Mai Hidalgo, entre otros.

Las propuestas ‘#CCCCHabitantEspais’ están coordinadas por el equipo Arquilecturas, proyecto seleccionado dentro de la convocatoria Tangent, de mediación cultural del Consorci de Museus.

Conciertos ‘Sonoras’ y ‘TheCCCC’

Este próximo sábado 18 de abril las redes sociales del Centre del Carme ofrecerán una nueva propuesta sonora poniendo al alcance de sus seguidoras y seguidores los conciertos celebrados durante las primeras ediciones de los festivales ‘Sonoras’ y ‘TheCCCC’ en el Centre del Carme.

CCCContesenCasa’, Joanjo García

Este próximo domingo 19 de abril el canal de pódcast del Centre del Carme contará en su programa ‘#CCCContesenCasa’ con la intervención de Joanjo García, historiador y escritor de literatura en valenciano. Ha ganado el Premi Enric Valor de la Diputación de Alicante por ‘Quan caminàrem la nit’, el Premi de Narrativa Antoni Bru por ‘Tota la terra és de vidre’ y el Premi de Novel·la Ciutat d’Alzira por ‘El temps és mentida’.

La primera parte de este cuarto programa contará como siempre con uno de los ‘Cuentos por teléfono’ de Gianni Rodari. A continuación se ofrecerá una reseña de ‘Cors de gofra’, de la escritora noruega Maria Parr, editado por Nórdica Libros.

El podcast finalizará con dos cuentos: ‘La princesa y la felicidad’ y un cuento creado por el alumnado de la escuela para adultos Vicent Ventura en los talleres de narrativa de Rebombori Cultural, donde las alumnas y los alumnos ponen en marcha su creatividad con historias de los cinco continentes.

‘#CCCContesenCasa’ quiere invitar al público a participar incluyendo los audios de niñas, niños y familias que quieran compartir sus reseñas de libros, recomendaciones o comentarios sobre por qué les gusta leer o qué están leyendo durante la cuarentena. Los mensajes se pueden enviar por Whatsapp al 603 83 22 52 o al correo info@rebomboricultural.com.

Visitas virtuales

Dentro de su programa ‘#CCCCenCasa’, el Centre del Carme activa nuevas visitas virtuales que permitirán al público recorrer cada una de sus salas, de un modo inmersivo. Así, esta semana el Centre del Carme incorpora el recorrido por la muestra ‘Viaje a Corfú. Carlos Pérez. El hombre-museo’, una experiencia que se suma a la ofrecida en la exposición ‘(Escif). Qué pasa con los insectos después de la guerra’.

Todos los contenidos del programa online del Centre del Carme ‘#CCCCenCasa’ están disponibles en www.consorcimuseus.gva.es y a través de las redes sociales del @centredelcarme.

MAKMA

Domingo y Chambó, firmas en la 51 Fira del Llibre

51 Fira del llibre
Valencia, hasta el 1 de mayo. Jardín de Viveros.

Vicente Chambó y Carlos Domingo firmarán el libro Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet el sábado 23 y domingo 24 (librería Denes caseta 17 y 18) en la 51 Fira del Llibre de València. Autor e ilustrador del volumen galardonado con el Premio Nacional de Edición (Bibliofilia) Ministerio de Educación Cultura y Deporte, y con el premi al Libre millor editatat, Consellería d’Educació Cultura i Esports de la Generalitat Valenciana compartirán con los lectores los detalles de dicha publicación.

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Edición con obra gráfica original de Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Tirada de 100 ejemplares numerados. Ed. El Caballero de la Blanca Luna.

La obra, tiene como preámbulo la narración de Chambó que vertebra la recuperación de la tradición oral con mensajes de sostenibilidad, el debate sobre los problemas políticos e históricos del Tíbet y el amor al libro como elemento aglutinador de todo ello. Se trata de un relato didáctico y original que pone al lector frente al misterioso Tíbet con el máximo rigor, y lo hace encarnando a Kunsang Tapontshang, una mujer tibetana que narra en primera persona la historia y argumentos de los protagonistas, transmite el valor de los cuentos y de la tradición oral, a la vez que desvela muchos detalles del Tíbet místico y desconocido de principios del s. XX hasta la huida del Dalai Lama en 1959. Ver https://www.makma.net/el-libro-debe-superar-al-arbol/

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Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Edición sin numerar, tirada de 225 ejemplares. Ed. El Caballero de la Blanca Luna.

Además, el fin de semana firmarán escritoras y escritores como Almudena Grandes (sábado por la mañana en la caseta de la organización), Santiago Posteguillo (sábado por la mañana en las casetas 27 y 28, de Llibreria El Puerto), Carmen Amoraga (viernes por la tarde en la caseta de BiblioCafé y domingo por la mañana en la caseta de la organización) o Ramón Palomar (viernes por la tarde y sábado por la mañana en la Caseta 2, de La Llapissera) entre otros.

Imagen de portada, presentación de Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet en el Centro del Carmen. De izquierda a Derecha, Felipe Garín, José Luis Pérez Pont, Carlos Domingo, Vicente Chambó, Rafael Solaz y José Elías Esteve. Foto archivo MAKMA.

Nueva edición de «Paisajes sostenibles» en Es Baluard

Es Baluard pone en marcha otra edición del proyecto Paisajes Sostenibles, un iniciativa que nació en 2014 con el apoyo de la Fundación José Navarro y con la intención de construir desde Es Baluard nuevos espacios de reflexión y acción vinculados a la sociedad actual y prácticas de conciencia responsable.
En sus Fundamentos, Es Baluard define el museo como un bien común que debe ser paradigma de respeto por la igualdad en todos los niveles así como de los derechos de los seres vivos con objeto de contribuir a un planeta más sostenible y solidario, manteniendo el respeto por los recursos medioambientales y la ecología a partir de la educación en valores cívicos, de compromiso social y de la cultura comprometida.
Se consolida este año una programación pionera en las Islas por su carácter innovador en línea con su intención de crear vínculos entre la cultura, el medio ambiente y el desarrollo sostenible. En la pasada edición se organizaron desde formaciones y charlas sobre paisajismo, permacultura, educación ambiental, sostenibilidad; hasta performances, proyecciones de proyectos arte-activistas por un cambio social e instalaciones. Colaboraron personas de relevancia como Eduardo Kac, Josep Pàmies, Olafur Eliasson y organismos como Slow Food, Coa Negra, Jardí Botànic de Soller, Fundació per la vida Poc a Poc, etc.

PROGRAMA 2016

  • El 12 de enero a las 18:30 h hacemos un avance del Festival Internacional Reflecta que celebraremos en junio, un año más, en Es Baluard. Se proyectarán los cortos finalistas de 2015 y se presentarán las bases de la convocatoria 2016 del Premio (Art)Activista Reflecta. Actividad gratuita.
  • El 26 de enero inauguraremos la zona huerto en la terraza superior de Es Baluard. Un nuevo espacio de intercambio de semillas y de conocimientos. En colaboración con la Associació Varietats Locals se elaborará un punto informativo con vista panorámica a la biodiversidad de la Isla. Actividad gratuita.
  • El 27 de febrero activaremos una propuesta piloto “Green and Play”, que consiste en una formación para educadores y pedagogos de dinámicas, recursos y estructuras para divulgar de forma creativa y lúdica los productos propios de estación y KM0 para una alimentación más inteligente y saludable. De 10:00h a 14:00h. Actividad gratuita con plazas limitadas inscripciones hasta el 15 de febrero a programesbaluard@gmail.com.
  • El 4 de marzo a las 19:00 h, se impartirá una conferencia sobre “Ecofeminismo” con Ruth Escribano, coordinadora de l’Oficina de Cooperació al Desenvolupament i Solidaritat de la UIB. El Ecofeminismo es una corriente de pensamiento que defiende la construcción de una sociedad ecológica, descentralizada, no jerárquica ni militarizada, con democracia interna y en la que prevalece el uso de tecnologías más respetuosas con el medio ambiente y pone la vida en el centro. Actividad gratuita.
  • El 2 de abril, en colaboración con el GOB, organizamos una visita a la Serra de Tramuntana. Los asistentes descubrirán a través de una excursión guiada los valores naturales y culturales de la Trapa, finca propiedad del GOB que adquirió en los años ’80 para su conservación y protección. Una vez allí se realizará un voluntariado ambiental de reforestación de plantas aromáticas que contribuyan a la recuperación ecológica de la finca al mismo tiempo que se compartirán conocimientos de sus usos para la salud y otros beneficios. Los resultados y la documentación del proceso se podrá visibilizar en la Zona huerto de las terrazas superiores del museo. Actividad gratuita con inscripción previa en programesbaluard@gmail.com.
  • El 18 de mayo tendrá lugar una actividad coincidiendo con el Día Internacional de los Museos, que este año lleva por título “Museos y Paisajes culturales”.
  • El 7 junio, a las 21:30 h, presentaremos la edición de «Reflecta 2016, el Festival Internacional de videoactivismo», en la que se proyectará la mejor selección de cortos de videoarte comprometido con el medio ambiente y el cambio social. Proyección en versión original subtitulada en castellano. Actividad gratuita.
  • Y para finalizar, en septiembre, traeremos la instalación sonora Charrúa, de Gustavo Tabares, parte del Pabellón de América Latina en la Bienal de Venecia 2015. La pieza de este reconocido artista uruguayo consiste en una reflexión sobre las identidades, las transnacionalidades y los procesos de globalización a través de grabaciones sonoras. Se podrá visitar en el Aljub desde el 6 septiembre hasta finales de noviembre de 2016.

El libro debe superar al árbol

El libro debe superar al árbol.

El proyecto de edición que el presente manifiesto tratará de glosar en las siguientes líneas, seguro que podría ser -para la gran mayoría de las personas- el arquetipo de libro que no sabrían ubicar entre los mal acotados conceptos: edición contemporánea, libro de artista, edición denuncia, libro objeto, edición creativa, obra de arte, libro de bibliofilia, libro ilustrado, edición limitada, primera edición, recopilación de tradición oral, recopilación de cuentos y fábulas, muestra tipográfica, o edición ecológica.

En realidad podría ser todo a la vez, pero en este y en cualquier otro caso, por muy extraordinario o no que fuere su contenido, que el libro sea más o menos ecológico, sostenible, atractivo, e incluso solemne, depende de la conciencia y criterio que tenga su poseedor, que es quien finalmente le concede la gracia de cuidarlo y compartirlo, o la condena de ignorarlo. Y un ejemplar compartido, releído, transmitido y cuidado a lo largo del tiempo, es un ejemplar que habrá optimizado los recursos, y honrado a la materia prima con la que está hecho, principalmente papel, que como todos sabemos, proviene del árbol. No lo expresarían mejor dos citas anónimas:

“Imagínese que los árboles dieran wiffi, todo el mundo plantaría árboles como locos y acabaría la deforestación. Es una lástima que solo produzcan el oxígeno que respiramos”

“¿Creen que su vida es mala?, piensen que hay árboles que han estado creciendo durante 25 años para acabar siendo propaganda electoral”

Primera prueba de imprenta. Imagen, Vicente Chambó.

Primera prueba de imprenta. Imagen, Vicente Chambó.

Cada proyecto editorial me lo planteo con la idea de aportar nuevos elementos que potencien al libro como soporte de comunicación y transmisión de conocimientos, pero también como espacio de creación e investigación sin escatimar tiempo en hacer y deshacer para empezar de nuevo una y mil veces si no me satisface plenamente lo realizado. Es importante explorar todos los territorios y las diferentes fórmulas y técnicas con las que se puede realizar: tipografía móvil, offset, serigrafía, litografía, gofrado, perforado, troquelado o producción de desplegables, por citar algunos ejemplos. Buscar nuevas fórmulas de comunicación entre lector por un lado, y autor, ilustrador y editor por otro, forman parte de la exigencia profesional del editor, y nada más satisfactorio que hacer uso de códigos alternativos al propio texto e imágenes, que por sí mismos, –como no podría ser de otra manera- son y deben seguir siendo a mi entender, los elementos más importantes.

Plancha manchada después de imprimir. Imagen Vicente Chambó.

Plancha manchada después de imprimir. Imagen, Vicente Chambó.

Los editores nacidos en los países desarrollados, tenemos la responsabilidad de no ignorar, al menos por más tiempo, tres grandes problemas inherentes al ser humano y muy relacionados entre sí que necesitan respuestas urgentes: el problema ecológico, el problema energético, y el problema humanitario. Abrir debate e incidir sobre ellos pasa por tenerlos presentes en nuestras publicaciones. Ojalá la apuesta didáctica que propongo pueda servir para ello, yendo más allá del placer de la lectura, la contemplación y el análisis. Por empezar, uno de los problemas que he querido abordar, es la vida programada de los productos industriales, también conocido como obsolescencia programada, y así me propuse incorporar al libro un elemento de reflexión al respecto. Para ello, se me ocurrió hacer la estampación del ejemplar con una imprenta fabricada en Berlín, capital de la antigua República Democrática Alemana antes de la caída del muro y también principal ciudad industrial y tecnológica de los entonces países del COMECON, pues según las prácticas industriales de los antiguos países del Este, las producciones fabriles de vehículos, electrodomésticos y lógicamente también de imprentas debían tener una vida de 25 años funcionando bien, frente a la idea de vida útil programada del aparato que la sociedad de consumo propone (en general de 2 a 5 años), haciendo insostenible el balance entre la materia prima que la madre tierra es capaz de producir y el consumo. Lo cierto, es que dicha imprenta (Planeta, super variant), sigue funcionando -con las revisiones y reparaciones lógicas del desgaste- en perfecto estado desde su fabricación entre los años 1984-1989. Con ello, tenemos un ejemplo de que la fecha de caducidad de dichos productos industriales viene impuesta por el mercado de consumo, e invita a la reflexión y a generar debate sobre dichos problemas. Cabría la afirmación que me gusta citar, del economista, filósofo y poeta Kenneth E. Boulding (Liverpool, 1910-Boulder, Colorado 1993) para profundizar en la cuestión: “Quien crea que el crecimiento exponencial puede durar eternamente en un mundo finito, es un loco o es un economista”

Planet Variant en pleno trabajo de impresión. Imagen, Vicente Chambó.

Imprenta Planet Variant fabricada en Berlín (antes de la caída del muro) en pleno trabajo de impresión de: Fábulas y Cuentos del Viejo Tíbet. Julio de 2012. Imagen, Vicente Chambó.

Imprenta Planet Variant. Placa identificativa de su fabricación en Berlín, antigua República Democrática Alemana. Imagen, Vicente Chambó.

Placa identificativa de la imprenta Planet Variant, fabricada en Berlín, capital industrial de la República Democrática Alemana. Imagen, Vicente Chambó.

Dando un paso más, me planteé reservar una parte del texto para poder imprimirlo con tipografía móvil, en concreto con una imprenta Hispania, cuidando mucho que lo impreso por una y otra imprenta no resultara estridente en la percepción del lector. Para ello, tuve que hacer una exploración entre los diferentes tipos (letras) fabricadas con plomo que pude encontrar y buscar su tipografía homóloga en formato digital. Una vez localizadas con la ayuda de mi tipógrafo, me decanté por la tipografía Bodoni, aunque -montando los moldes para imprimir- descubrimos que nos faltaba una letra mayúscula que no diré, y hubo que sustituirla por otra de una tipografía diferente. En cualquier caso, lo importante es que había hallado en la tipografía Brooklyn digital su similar, la idea se podía llevar a la práctica, dos tipografías y dos técnicas de impresión conviviendo en un mismo texto y en un mismo libro, permitiendo crear un juego perceptible, y a su vez ayudando a reflexionar sobre mis planteamientos. Por lo tanto, hay una parte del libro que se ha impreso con tipos móviles de plomo, -letra a letra- a mano, con la intención de remontarnos más todavía a las diversas técnicas con que se puede imprimir ¿Podrá el lector diferenciar lo impreso por cada una de las técnicas empleadas y distinguir las páginas?

Composición tipográfica. Texto preparado para imprimir: Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Imagen, Vicente Chambó.

Tal vez creando este tipo de juegos de apreciación, o dicho de otra manera, invitando a diferenciar, el lector quiera descubrir –con sensibilidad y tino- qué parte del texto se ha realizado con tipografía móvil y qué parte no, o tal vez se plantee buscar la letra que no pertenece a su familia tipográfica, descubriendo entre la lectura y la sensación visual un nuevo elemento de comunicación experimental en el libro.

Detalle de molde tipográfico listo para imprimir Fábulas y cuentos del viejo Tíbet. Imagen, Vicente Chambó.

Detalle de molde tipográfico listo para imprimir un titular de cuento. Imagen, Vicente Chambó.

En ocasiones, me pregunto si con todo ello puedo incidir en modo alguno en los hábitos de la sociedad de consumo, si lo realizado es demasiado complejo y absurdo para hacer una edición cuyo coste de producción es necesariamente elevado por el cuidado y tiempo que requiere su realización, y por lo tanto contradictorio con mi idea de llegar al público con la necesidad de modificar hábitos de consumo y lectura y abrir el debate de la sostenibilidad. Otras veces pienso que tal vez con detalles y creaciones de libros de estas características si puedo influir mínimamente, aunque sea en una sola persona. Una es más que ninguna, y por otro lado mi concepto de edición pasa por la voluntad de crear un volumen que me sobreviva, capaz de reunir a varias generaciones a su alrededor. Solo los libros especiales sobrevivirán, y con ello perpetuarán al árbol del que proceden. Los recursos naturales son finitos, es algo que sabemos de la misma manera que conocemos que algún día moriremos, y actuamos y vivimos como si los recursos fueran infinitos, así como vivimos sin pensar en que la vida también acabará para nosotros cuando llegue el momento, en mis reflexiones siempre sale venciendo la idea que pequeños gestos pueden ser importantes para mantener un planeta mejor.

Plancha con restos de tinta roja, y  plancha con restos de tinta verde después de imprimir Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Imagen, Vicente Chambó

Plancha manchada de tinta roja, y plancha manchada de tinta verde después de imprimir Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Julio de 2012. Imagen, Vicente Chambó.

Familiares y amigos han dedicado burlas y chirigotas a mi conducta firme en lo que respecta a la separación y reciclaje de residuos domésticos, especialmente con la aparición de reportajes que ponen a la luz hechos como los descubiertos en ciertas plantas de vertidos, en las que una vez recolectados los distintos contenedores que separan, papel, plásticos, o vidrio, acaban siendo mezclados por el propio camión en el vertedero, sin ser reciclados posteriormente, acto lamentable que no debe desanimar en el empeño. Ante ello, solo cabe denunciar y seguir haciendo lo correcto. Dibujo_ori1 - copia sello maque 1 - copia

Las dos imágenes superiores muestran el dibujo original y el diseño del sello de fantasía. Sobre éstas líneas, uno de los sellos franqueados. Imagen Vicente Chambó

 

Dos ejemplos de sellos de fantasía franqueados. Diseñados a partir de dibujos originales de Carlos Domingo. Imagen, Vicente Chambó.

Utilización de varios modelos de sellos de fantasía. Las imágenes están ordenadas de izquierda a derecha y de arriba abajo según el orden en el proceso de creación. Las ilustraciones para diseñar los sellos son de Carlos Domingo. Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Imágenes, Vicente Chambó.

Como editor, todavía puedo aportar otros elementos para comunicarme, -al margen de los códigos expuestos utilizados en las técnicas de impresión -como la creación de sellos de fantasía inspirados en sellos reales, haciendo un guiño al correo tradicional y evocando la belleza de piezas filatélicas singulares, o utilizando espacios como lo son las guardas y el colofón, partes del libro muy interesantes para incorporar elementos surrealistas, tanto literarios como iconográficos. Los elementos que custodian la obra, también son espacios que me gusta aprovechar para conectar con el lector, en este caso, una caja realizada a mano, con madera resistente, de roble, (me resultó inviable realizarla con madera tibetana), o la encuadernación, válida para mostrar los colores de las banderas de plegaria tibetanas (1), o la presencia de uno de los seres legendarios míticos de la cordillera del Himalaya, el Yeti, y la apariencia del color blanco nieve, que oscurecerá con el manejo del libro, al igual que las pisadas del hombre convierten la pureza de su blancura en fango.

Dibujo para realizar la caja. Imagen, Vicente Chambó.

Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet. Vicente Chambó.

Arriba, apuntes para crear el estuche. Abajo, el estuche del libro. Imágenes, Vicente Chambó.

Otro de los desafíos que me plantea la edición, es mostrar equilibrio entre lo tradicional, la creación contemporánea, y lo pedagógico (implícito en el texto, ilustraciones y diseño). Poder ofrecer un universo por descubrir al lector sin perder la armonía. Las páginas de Fábulas y cuentos del viejo Tíbet están dotadas de un sinfín de minuciosidades y guiños -como voy contando- difíciles de percibir incluso manejando mucho el ejemplar. Provocar el deseo del ser humano para perpetuar el libro en su vida cotidiana es una búsqueda nunca satisfecha, siempre insuficiente, esto sin dejar de ser consciente de la necesidad de incorporar nuevos soportes tecnológicos para ciertos textos. Es obvio que crear debate y despertar interés alrededor de un libro es el mínimo que me exijo como editor, y ¿no son las fábulas y cuentos una forma de hacerlo?

Banderas de plegaria tibetanas.

Banderas de plegaria tibetanas.

Expresadas algunas de mis inquietudes de editor, como autor, he de confesar que hay una buena dosis de sucesos y vivencias personales que me han empujado a escribir y seleccionar el contenido del libro. Lo entenderán más adelante, en cuanto al proemio, obedece a la necesidad de concluir la obra en su concepto global, para lo cual, me resulta más sencillo realizar personalmente la investigación que explicar minuciosamente para luego exigir a terceros, algo que sucede a menudo conmigo mismo, por lo que ponerme sobre el teclado y borrar o reescribir lo propio, cuesta menos que hacerlo con un trabajo ajeno. En este caso, todo comenzó cuando escribía el prólogo para una edición anterior, en la que quería incluir un relato didáctico sobre el origen de las fábulas y en la investigación me encontré con la hermosa historia de Sirechuel, el rey de Persia que financió a su consejero, el físico Berzebuey para ir a la India en busca de unas plantas que procuraban la inmortalidad. Así comienza el primer capítulo de Calila y Dimna (2). Al menos 10 años atrás, yo había tenido un tertulia con Ramón Rodríguez Culebras (Cascueña, Cuenca, 1930-Castellón 2001) quien a modo coloquial me confesó haber encontrado cierto paralelismo entre la crueldad de historias como la de (Judith y Holofernes, o Jael y Sísera) incluidos en los llamados Speculum Humanae (mss. s. XIV-XV), con algunos cuentos tibetanos. Relatos que a éste le habían llegado a través de unos monjes lamaístas en un encuentro interreligioso informal con personas practicantes de varias confesiones. La cosa ocurrió de forma anecdótica. Le pedí que me consiguiera estos cuentos tibetanos por curiosidad, los mandé a traducir, y los comparé con una pequeña edición de Araluce (3) -cuyo contenido leí, disfruté y compartí en muchas ocasiones- que había comprado en el rastro de Valencia en un remoto domingo de finales de los 80.

Portada de la Edición de Araluce.

Portada de la edición de Araluce.

Así, sin querer empezó mi recopilación. Los folios permanecieron en mi cajón varios años y resistieron tres mudanzas, hasta que leí la historia que une a las fábulas con la búsqueda de la inmortalidad. Pensé que las casualidades no existen, y debía hacer algo. En Tíbet se habría mantenido la tradición oral muy pura por el aislamiento geográfico de su territorio, pero mantenía buena comunicación con India a través de Sikim. Por otro lado, pensé en el riesgo que correrían los cuentacuentos tibetanos que por costumbre reúnen a un numeroso público a su alrededor. Cualquier reunión numerosa es incómoda para las autoridades chinas.

Día festivo en Lhasa. Imagen Bruno Berger, 1938/39, cortesía Budesarchive.

Día festivo en Lhasa. Imagen, Bruno Berger, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

En la situación política actual, una reunión de personas alrededor de un cuentacuentos podría considerarse una manifestación, por lo tanto, sería disuelta, y la tradición iría desapareciendo, y al fin y al cabo, no hay labor más gratificante para un editor que impedir que historias milenarias se pierdan. De los diez u once primeros cuentos, pasé a recopilar muchos más, para ello ha colaborado conmigo una mujer muy especial que ayudaba a ancianos pobres y desprotegidos de las comunidades tibetanas desplazadas a Nepal, quién en una situación personal muy especial me requirió mantener su anonimato para poder seguir su actividad en aquel país sin el lastre de su única y muy lejana familia.

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Lhasa vista por Ernest Schäfer, 1938/39. Imagen, cortesía Bundesarchive.

Otra gran parte de los relatos es fruto de un despliegue de contactos que me ha llevado años. El criterio de selección es sin duda algo íntimo, me interesaban las historias carentes de presencia religiosa, de por sí, la espiritualidad ya está presente en los cuentos y fábulas de todo el mundo, y probablemente, esa carencia, le otorga más posibilidades de que la fábula o el cuento tenga un origen más remoto, procedente de la tradición Bön (4), tradición que se pierde en la historia del remoto Tíbet anterior al Lamaísmo. Algunos de los cuentos fueron completados entre varias versiones del mismo relato, en este caso, cabe destacar «La historia del labio partido de la liebre». Las fábulas están vivas, y se adaptan a la necesidad del cuentacuentos y su escuchante. Un buen narrador, siempre adaptará la historia a cada situación con ejemplos y enseñanzas llenas de gracejo.

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Otro modelo de sello recreado a partir de una ilustración de Carlos Domingo.

Entre todo el material, fui depurando y adaptando hasta las 29 narraciones que conforman la obra, todas de tradición oral recopiladas y clasificadas en tres tipologías, (9) fábulas, (11) cuentos tradicionales y (9) cuentos maravillosos. Especialmente, los cuentos maravillosos son extraordinarios por sus características, ya que Tíbet era caldo de cultivo de demonios. A juzgar por las antiguas leyendas y creencias populares, eran mucho más numerosos los demonios que los propios seres humanos. En el imaginario tibetano adoptan mil formas distintas, seres maléficos que viven en los árboles, en las rocas, en los valles, en los lagos o en manantiales. De muchos de los cuentos he llegado a reunir múltiples versiones, escogiendo y completando las más puras e interesantes para la edición.

León de piedra,  imagen de la escultura que según ciertas creencias puede haber inspirado en cuento "El león de piedra,  Fábulas y cuentos del Viejo Tíbet". Imagen Hugh E. Richardson, 1949. Región del valle Chyongye. The Tíbet álbum. Pitt Rivers Museum.

León de piedra, imagen de la escultura que según ciertas creencias puede haber inspirado el cuento con dicho título. Imagen Hugh E. Richardson, 1949. Región del valle Chyongye. The Tíbet álbum. Pitt Rivers Museum.

Según Alexandra David-Neel (1868-1929), “Tíbet está lleno de entes horripilantes que persiguen a los hombres y a los animales para arrebatarles la vida y saciarse. Vagan por gusto a través de las estepas y de los bosques, y el viajero corre peligro de topar súbitamente con uno de ellos en cada recodo del camino”

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El tiro con arco era una de las grandes aficciones de los tibetanos y practicado en días festivos. Imagen de Ernest Schäfer, 1938/39, cortesía de Bundesarchive.

Estas creencias, han dado pie a un amplísimo repertorio de literatura oral trasmitida de generación en generación, costumbre milenaria que en la actualidad no está garantizada en Tíbet, con lo que el aporte literario, es un testimonio exquisito del saber popular puro y poco contaminado de los tibetanos, aislados del mundo por la cordillera del Himalaya hasta hace relativamente poco tiempo, coincidiendo con la política de Pekín.

A pesar de la fe en la reencarnación, hay que comer. imagen, Ernst Krause, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

A pesar de la fe en la reencarnación, hay que comer. Imagen, Ernst Krause, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Pensé, que las fábulas y cuentos seleccionados debían tener una historia previa como eje vertebrador entre la parte literaria, los mensajes de sostenibilidad, el debate sobre los problemas políticos e históricos del Tíbet y el amor al libro como elemento aglutinador de todo ello. El guión, exigía un relato didáctico, inédito y original, un modelo diferente de proemio, más próximo a un relato breve, capaz de poner al lector frente al misterioso Tíbet con el máximo rigor. Debería tener presente el concepto de libro como pieza homogénea capaz de envolver tantas ideas. Con todos estos datos en mi inconsciente nació Kunsang Tapontshang, la mujer tibetana que narra en primera persona la historia y argumentos de los protagonistas, el valor de los cuentos, de la tradición oral y describe muchos detalles del Tíbet místico y desconocido de principios del s. XX hasta la huida del Dalai Lama en 1959 (5).

Tibetano con la cornamenta de una res. Imagen Ernst Krause, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Tibetano con la cornamenta de una res. Imagen Ernst Krause, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

Los buitres son protagonistas en los funerales celestes tibetanos, y alcanzan a tener grandes dimensiones. Imagen, Erns Krause, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Los buitres son protagonistas en los funerales celestes tibetanos. Hay animales de grandes dimensiones. Imagen, Ernst Krause, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Muchacha tibetana. Imagen, Ernest Schäfer, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Muchacha tibetana. Imagen, Ernest Schäfer, 1938/39. Cortesía Bundesarchive.

Madre tibetana con su hijo. Imagen, Ernest Schäfer, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

Madre tibetana con su hijo. Imagen, Ernest Schäfer, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

 

Muchacha tibetana cargando piedras. Imagen , Bruno Berger, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

Muchacha tibetana cargando piedras. Imagen , Bruno Berger, 1938/39, cortesía Bundesarchive.

En cuanto a las ilustraciones, la elección de Carlos Domingo (San Agustín-Teruel, 1969) como ilustrador se produjo de forma natural. Mi relación con él viene de lejos, ha formado parte de todos los proyectos colectivos que he comisariado, es interesante mencionar que durante el tiempo que duró la selección de los textos, le aporté algunos cuentos y fábulas que se descartaron con posterioridad, aunque para dichos relatos, Domingo ya había realizado algunas ilustraciones. Finalmente dichas fábulas y cuentos fueron descartados y sustituidos por otras consideradas más interesantes para la publicación, pero los dibujos los conservé y les di vida en los personajes del mencionado relato inicial. Me resultaba doloroso renunciar y dejar fuera la belleza y singularidad que vi en esos dibujos, así que había que salvarlos. ¿Palabra pintada o pintura escrita? Siempre me pregunto si el lector será capaz de identificar dichas imágenes y si es posible diferenciar entre la pintura realizada sobre lo leído, o la narrativa inspirada en lo previamente pintado.

Carlos Domingo verificando la gama cromática de la edición. Imagen, Vicente Chambó.

Carlos Domingo verificando la gama cromática de la edición en julio de 2012. Imagen, Vicente Chambó.

Domingo inicia su formación plástica en la facultad de Bellas Artes de San Carlos (UPV, Valencia), donde se licencia en 1993 (especialidad de pintura) y donde actualmente es profesor. En ese mismo año realiza su primera exposición individual (Galería José Cataluña, Santander). El primer reconocimiento destacado por su trabajo llega en la XIX convocatoria del Premi Alfons Roig, cuyo jurado estaba compuesto por críticos como Román de la Calle o Daniel Giralt-Miracle, también es premio Senyera de pintura (2004) entre otros. Posteriormente, trabajó en “Vertical leve”, una individual realizada en el Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad MuVIM de Valencia con motivo de dicha distinción. Con las muestras: Você està aquí (Galería Valle Ortí, 2007), Superficie de revolución (Galería Alejandro Bataller, 2011), o Preludio de una edición de fábula (El Caballero de la Blanca Luna, 2011-2012) -por citar solo algunas- confirma su interés especial por la relación del hombre con la naturaleza y su entorno. La composición de la obra de Domingo, es una crítica al trato y abuso que confiere el ser humano a la naturaleza. Entre sus ilustraciones, podemos ver animales tanto en miniatura como a página completa que representan secuencias puntuales de los cuentos o fábulas. En muchas de ellas, desafía el límite, como si las ilustraciones quisieran salirse de los lindes del papel que las custodia. Para realizarlas ha utilizado soportes con tramas variadas, en algunas de ellas se aprecian las marcas del papel verjurado. Todo ello, da muestra del ingenio de un lenguaje gráfico excelente. La bondad de su estética, se emite en un código que puede ser sintonizado tanto por los defensores de las proporciones áureas como por quien ve más allá de una simple composición pictórica limpia. A la belleza en la pintura se la relaciona con manifestaciones artísticas del renacimiento, pero cuando se le añade sanguina y mucha sutileza pertenece a Carlos Domingo.

Verificando colores en julio de 2012. Imagen, Carlos Domingo.

Verificando colores en julio de 2012. Imagen, Carlos Domingo.

Compartir proyectos -en materia de arte contemporáneo- me ha permitido conocer la obra y pensamiento de Carlos Domingo en profundidad, y un editor debe contar con un valor seguro para afrontar una aventura con tantos planteamientos abiertos: el viejo Tíbet, la tradición oral, la tipografía, la sostenibilidad, la plástica, la estética, y demás territorios. Y a juzgar por los grandes cambios que aporta la comunicación en soporte digital, hacer un libro puede ser como internarse en un territorio abrupto con climatología complicada, donde la relación entre ilustrador y editor es definitiva.

Vicente Chambó

 

(1) Hay dos tipos de banderas de plegaria: las de tipo horizontal, denominadas lung ta (que significa «caballo de viento») en tibetano y las verticales denominadas darchor. «Dar» significa «para aumentar la vida, fortuna, salud y dinero», «cho» significa «todos los seres sensibles». Las banderas de plegaria lung ta (horizontales) son las que más hemos visto, poseen una forma rectangular o cuadrada y se encuentran unidas a lo largo de su borde superior a una larga soga. Por lo general son colgadas en una línea diagonal de lo alto a lo bajo entre dos objetos (por ejemplo, una roca y la punta de un mástil) en sitios elevados tales como arriba de templos, monasterios, estupas o pasos en las montañas. Las banderas de plegaria darchor (verticales) son por lo general un gran rectángulo solo que se adosa a un mástil a lo largo de su lado más largo. Tradicionalmente, las banderas se encuentran en grupos de cinco, una por cada uno de los cinco colores elegidos. Representan los 5 elementos en la cosmografía tibetana, y se disponen de izquierda a derecha en un orden específico. Los elementos se encuentran asociados con diferentes colores en sus tradiciones que simbolizan; Azul: cielo-espacio; Blanco: agua; Rojo: fuego; Verde: aire; Amarillo: la tierra.

(2) Los orígenes del Calila y Dimna se pierden en la antigüedad, se trata de una de las primeras referencias de la fábula del lejano oriente en el mundo europeo. La obra reúne fábulas y apólogos que en la India aparecen primero en colecciones como el Panchatantra, o el Mahabarata. En el s. VI dC. el médico y filósofo persa Berzebuey tradujo el Calila e Dimna al pahlevi, y Abdalla Ben Almocafa al árabe en el siglo VIII, de cuya traducción se hizo la castellana en 1251 por orden de quien sería Alfonso X el Sabio, a quién algunos críticos se la atribuyen.

 

(3) Cuentos tibetanos. Ilustraciones De la Helguera, J. Colección, los mejores cuentos de todos los países, nº 18. Barcelona: Publicaciones Araluce, 1936.

 

(4)El Bön es una antigua tradición chamánica y animista tibetana, anterior a la llegada del budismo cuya influencia sobre las creencias del Budismo Tibetano influyó hasta el punto de crear una especie de sincretismo religioso. Para el tibetólogo noruego Per Kværne, el término Bön designa tres tradiciones religiosas tibetanas distintas: en primer lugar, una religión tibetana preexistente al budismo y que es suplantada por éste en los siglos VIII y IX, a continuación, una religión sincrética que aparece en el Tíbet en los siglos X – XI, tiempo en el que el budismo, después de un período de decadencia, se propagó desde India para pasar a ser la fe dominante, y por último, el extenso corpus de creencias populares, a menudo mal definidas, incluida la adivinación, que no son de origen búdico y son comunes a los adeptos del bön o bönpos y a los budistas. Hasta hoy el bön sigue existiendo en Tíbet como religión minoritaria.

 

(5)Para saber más, ejemps: (literalA fines de los años 50, cuando terminaba la primera ola de liberación en Tibet, una antigua esclava de 36 años, de nombre Lando, se levantó frente a un grupo de siervos y esclavos emancipados para dar éste testimonio: Cuando Lando tenía ocho años, a su padre le dieron una paliza a latigazos que lo dejó paralizado. Luego el capataz fue a sacarlo de la cama para que volviera a trabajar. Como no pudo levantarse de la cama, lo mató a latigazos por «fingir» que estaba paralizado; lo mató ahí mismo en la cama. El capataz le dio la espalda al muerto y se llevó arrastrando de la mano a Lando como esclava. Ella tenía que dormir en el establo con las ovejas que se le había ordenado pastorear. El amo la violaba cuando le daba la gana y la esposa celosa la golpeaba hasta dejarla inconsciente. Lando quedó embarazada y el amo la vendió para tapar la «vergüenza». Lando vivió en ese tormento 28 años. No le permitían tener contacto con su familia. Rezaba por la muerte, pero no se suicidaba por temor a que su reencarnación fuera peor. Cuando llegó la liberación, grupos de revolucionarios fueron a organizar a los esclavos y siervos para tumbar a los opresores. Pero Lando jamás había escuchado la palabra «opresión» y no sabía qué significaba. Pensaba que el sufrimiento que vivía era su propia culpa, su insoslayable karma. Al escuchar su relato, los siervos liberados lloraron y gritaron: «¡Abajo la servidumbre!» Para entonces, Lando era activista y dirigente revolucionaria”.

Strong, Anna LouiseWhen serfs stood up in Tibet: a report. Pekín: New World Press, 1959. Disponible en: http://www.marxists.org/reference/archive/strong-anna-louise/1959/tibet/index.htm

Gyatso, Palden; Shakya, Tsering. Fire under the snow: testimony of a tibetan prisoner. London: Panther, 1998

David Neel, AlexandraViaje a Lhasa. Barcelona: Editorial Península, 1999.

David Neel, AlexandraMagos y místicos del Tíbet. Barcelona: Indigo Ediciones, 1988.

Harrer, Heinrich. Siete años en el Tíbet. Barcelona: Editorial Juventud, 1983

Alfred Bell, Sir CharlesThe Tibet AlbumThe British MuseumPitt Rivers Museum.

Schäfer, Ernst. Expedición de 1938 y 1939. Disponible en: http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Deutsche_Tibet-Expedition_Ernst_Sch%C3%A4fer

Film GeheimnisBudesarchive. Disponible en: http//www.youtube.com/watch?v=Vmh4GLddGG8

FrenchPatrick. Artículo (The Guardian, 10 marzo, 2009). Disponible en: http: http//www.theguardian.com/world/2009/mar/10/tibet-dalailama

Miles, James. Entrevista sobre el Tibet (CNN WORLD). Disponible en: http://edition.cnn.com/2008/WORLD/asiapcf/03/20/tibet.miles.interview/

Publicado por Vicente Chambó en Pasiones Bibliográficas, SBVJG. Valencia, 2014.

Artistas de Russafa en Open Natura

Open Natura, por artistas de Russafa
Paraje natural de La Ermita
Carretera de Almodóvar, kilómetro 9
Paracuellos de la Vega. Cuenca
Hasta diciembre

Open Natura, certamen inaugurado el 12 de octubre, acoge las obras de artistas del barrio valenciano de Russafa, en una simbiosis entre arte y naturaleza que permanecerá expuesta hasta diciembre. La iniciativa, que tiene como marco el paraje rural de Paracuellos de la Vega en Cuenca, es una forma de acercamiento al arte diferente, desde otros espacios, en contacto con el medio natural, reflexionando acerca de él y lo necesario que es preservarlo para el futuro.

Instalación de Miguel Ángel Aranda y María Jesús Bárcena en el paraje natural de La Ermita en Paracuello. Imagen cortesía de Open Natura.

Instalación de Miguel Ángel Aranda y María Jesús Bárcena en el paraje natural de La Ermita en Paracuello de la Vega. Imagen cortesía de Open Natura.

Open Natura, que se puso en marcha hace ahora tres años por dos de los artistas del colectivo Russafart,  Arístides Rosell y José Juan Gimeno, ha reunido en esta ocasión a un nutrido grupo de artistas para que dialoguen con la naturaleza, a través de un tema de vital importancia para el medio como es el agua, lema y motivo de esta tercera edición 2014.

Instalación de Inma Coll y José Juan Gimeno en el paraje natural de Paracuello de la Vega. Imagen cortesía de Open Natura.

Instalación de Inma Coll y José Juan Gimeno en el paraje natural de Paracuello de la Vega. Imagen cortesía de Open Natura.

En palabras  del coordinador general de Open Natura,  José Juan Gimeno,  “la importancia del agua dentro del medio natural y rural de la zona, Valle del Cabriel, es el lema que nos mueve en este evento artístico.  La concienciación sobre este recurso natural, necesario para el desarrollo económico y humano de esta zona, hacerlo bajo los parámetros del desarrollo sostenible, la investigación, la educación y el intercambio de información, teniendo en cuenta la conservación y protección de los recursos naturales y culturales del Valle del Cabriel, es nuestra principal motivación”.

Instalación de Arístides Rosell en el paraje natural de Paracuello de la Vega. Imagen cortesía de Open Natura.

Instalación de Arístides Rosell en el paraje natural de Paracuello de la Vega. Imagen cortesía de Open Natura.

El evento, que cuenta con el apoyo de diferentes instituciones públicas y privadas, nació para llevar el arte a otros espacios, buscar la participación de artistas y la convivencia entre ellos y propiciar el encuentro con los visitantes. Para ello cuenta con un amplio programa de actividades, entre las que cabe resaltar diferentes ponencias, encuentros, talleres para niños y, lo más destacado, la jornada dedicada a la instalación de las propias obras de arte de los participantes.

Una de las instalaciones de Open Natura realizada por varios artistas. Imagen cortesía de Open Natura.

Una de las instalaciones de Open Natura realizada por varios artistas. Imagen cortesía de Open Natura.

Cinema Jove, un amor en conserva

Premio Luna de Valencia Especial: Joachim Lafosse y Ferenc Cakó
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 20 al 27 de junio

Chico Marx dice en Amor en conserva, última película de los Hermanos Marx: “Tengo algo que vale más de un millón de dólares”. “¿Y qué es?”, le preguntan. Su respuesta: “Amor”. El Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove vale ese millón de euros, pero se gestiona con poco más de la mitad: 540.000. El resto corre a cuenta de ese amor. Rafael Maluenda, director de Cinema Jove, lo destacó utilizando la anécdota del inspector de la FIAPF que, tras visitar por sorpresa el festival, exclamó: “Con ese presupuesto hacéis uno de millón de euros”. Manuel Tomás, director gerente de CulturArts, salió al quite: “También se puede interpretar a la inversa: que se puede hacer con 500.000 euros” y, agregó después, “a base cariño”.

De izquierda a derecha, Rafael Maluenda, Manuel Tomás y Ana Álvarez, en la presentación de Cinema Jove en la Sala Berlanga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

De izquierda a derecha, Rafael Maluenda, Manuel Tomás y Ana Álvarez, en la presentación de Cinema Jove en la Sala Berlanga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Todo ello vino precedido del entusiasmo declarado por la actriz Ana Álvarez hacia Cinema Jove, un festival que considera “un tesoro que tiene la ciudad de Valencia”. Manuel Tomás lo corroboró: “Para nosotros es un tesoro, cuidado, mimado e impulsado”. Un tesoro valorado en 540.000€, porque los tiempos son duros y hay que acatarlo. La propia Ana Álvarez asumió la fórmula del crowdfunding o micromecenazgo vía redes sociales para poner en marcha proyectos cinematográficos, pero con matices: “Las instituciones públicas deberían fomentar las ayudas al sector”. “La sostenibilidad de la cultura es un tema que nos preocupa”, y Manuel Tomás dijo estar en ello. Entretanto…

Entretanto se siguió avanzando en la programación de la 29ª edición de Cinema Jove. Rafael Maluenda dio a conocer en la Sala Berlanga los nombres del Premio Luna de Valencia Especial otorgado al director belga Joachim Lafosse, de quien se proyectarán sus cinco largometrajes, y al director húngaro de cine de animación Ferenc Cakó. Del primero, Maluenda dijo que se trataba de un autor cuyas historias se apoyaban en “paradojas”. Por ejemplo, ésta: “Cómo las buenas intenciones pueden generar grandes desastres”. Hablaba, claro está, del cine de Lafosse, caracterizado en su mayoría por las “relaciones de autoridad y poder”.

El director húngaro, Ferenc Cakó. Imagen cortesía de Cinema Jove.

El director húngaro, Ferenc Cakó. Imagen cortesía de Cinema Jove.

De Ferenc Cakó apuntó Maluenda que se trataba de “uno de los grandes cineastas de animación en activo”. Su técnica de animación con arena protagonizará la gala de apertura del festival en el Teatro Principal el 20 de junio. ”Será un gran descubrimiento para el público no especializado”. De la presentación de esa gala se encargará precisamente Ana Álvarez, sorprendida, tras conocer otros festivales de la talla de los de San Sebastián, Málaga, Berlín o Moscú, de la enorme acogida de Cinema Jove por parte del público. “¡Es que llenan las salas, algo que no he visto en otros festivales grandes y pequeños”, recalcó.

La actriz de Don Juan de los infiernos, de Gonzalo Suárez, se refirió precisamente a la presencia de este director en la sección Cuadernos de rodaje del festival. “He hecho lo posible para que viniera, porque es muy amigo mío”. He ahí el espíritu, una vez más, de Cinema Jove: un festival que acerca grandes directores al público y comparte con él la pasión por el cine. Una pasión recompensada por los vínculos afectivos y profesionales que se generan entre los participantes y que Álvarez representa en una sección querida del festival: el Encuentro Audiovisual de los Jóvenes. Un tesoro más del Festival Internacional de Cine de Valencia.

Fotograma de 'Lecciones privadas' de Joachim Lafosse. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de ‘Lecciones privadas’ de Joachim Lafosse. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Salva Torres

The Architect is present

The Architect is present. De la arquitectura del espectáculo a la arquitectura de la razón.
Museo ICO
C/ Zorrilla, 3. Madrid
Hasta el 18 de mayo de 2014

Esta innovadora exposición, The Architect is Present, desvela las claves de un futuro arquitectónico, ya presente… en que el barro, el bambú, la madera, la cerámica y los elementos reutilizados son los componentes de la revolución de una nueva arquitectura. El futuro se puede construir con un nuevo lenguaje y nuevas técnicas.

©PasiAalto. Imagen cortesía del Museo ICO.

©PasiAalto. Imagen cortesía del Museo ICO.

The Architect is Present reúne cinco estudios internacionales cuyos proyectos persiguen el objetivo de cubrir las necesidades de la sociedad aprovechando al máximo los recursos disponibles. Así, Diébédo Francis Kéré, TYIN Tegnestue Architects, Anupama Kundoo, Solano Benítez y Anna Heringer han construido alojamientos, escuelas rurales o centros sociales con extraordinaria economía de medios, adaptando cada proyecto a las demandas colectivas. Desde Noruega y Alemania hasta Burkina Faso, y desde Paraguay hasta Australia, pasando por India o Tailandia, la excelente materialización constructiva de sus proyectos ha facilitado que nuevas generaciones de arquitectos de todo el mundo empiecen a inspirarse en este compromiso con la ética y con la arquitectura responsable.

©PasiAalto. Imagen cortesía del Museo ICO.

©PasiAalto. Imagen cortesía del Museo ICO.

®Sonja Winkler. Imagen cortesía del Museo ICO.

®Sonja Winkler. Imagen cortesía del Museo ICO.

Luis Fernández-Galiano, arquitecto y comisario de la exposición define la muestra de esta manera: «La exposición muestra la obra de cinco influyentes estudios internacionales que han hecho de la austeridad su referente ético y estético. Extendidos por los cinco continentes, estos jóvenes arquitectos trabajan en entornos de economía precaria, mostrando que la escasez de recursos puede ser un estímulo para la inventiva técnica y la participación comunitaria, y el fundamento de una arquitectura responsable donde la vocación de servicio no excluya la belleza y la emoción».

©Andreas Deffner. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Andreas Deffner. Imagen cortesía del Museo ICO.

Los cinco arquitectos han sido escogidos porque entre todos, ya sea por su origen o por los lugares donde construyen, cubren los cinco continentes y en prácticamente todos los casos construyen con trabajadores locales y materiales autóctonos, reduciendo así costes materiales y de transporte.

®kurt.hoerbst. Imagen cortesía del Museo ICO.

®kurt.hoerbst. Imagen cortesía del Museo ICO.

Esta muestra no parte de un concepto expositivo habitual. El proyecto está creciendo a medida que pasan las semanas, y sólo se podrá ver al completo al final del mismo.

©Naquib Houssain. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Naquib Houssain. Imagen cortesía del Museo ICO.

Además, para facilitar la comunicación de sus ideas, se ha creado un diálogo profesional y académico, para el que cada uno de los arquitectos dirige un taller de dos semanas a un grupo escogido de estudiantes avanzados y titulados recientes. El material producido en los talleres sucesivos se va incorporando a la muestra. También son importantes las conferencias en diferentes Escuelas de Arquitecturas del país, para acercar a los más jóvenes el mensaje de responsabilidad y optimismo.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

DIÉBÉDO FRANNCIS KÉRÉ «la solidaridad no es una opción, sino una necesidad, una solución».
Diébédo Francis Kéré nació en Gando, una aldea de Burkina Faso, en 1965, y fue la primera persona de su pueblo en estudiar y en hacerlo en el extranjero. Se graduó en la TU de Berlín, donde, con la ayuda de sus compañeros de estudios, fundó la asociación Schulbausteine für Gando (ladrillos para la escuela en Gando). Gracias a esta asociación pudo recaudar los fondos necesarios para construir la Escuela Primaria, un edificio que fue construido por los propios habitantes de su pueblo natal, y que obtuvo el premio Aga Khan de Arquitectura en 2004. Aparte de dirigir su propio estudio desde 2005, Kéré enseña en la TU de Berlín. Sus principales intereses son la vivienda y el desarrollo urbano, la utilización de materiales sostenibles y técnicas tradicionales de construcción.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

©Kéré. Imagen cortesía del Museo ICO.

TYIN «El principal activo en nuestros proyectos es la comunidad local».
TYIN Tegnestue Architects es un estudio de arquitectura fundado por Andreas G. Gjertsen y Yashar Hanstad en el año 2008 que ha enfocado su trabajo hacia la construcción de proyectos en áreas pobres y subdesarrolladas de Tailandia, Birmania, Haití y Uganda. El trabajo del estudio no sólo se queda en la oficina, implica también a la población local de forma activa en el diseño y en la construcción de los proyectos. De esta manera son capaces de establecer un marco para el intercambio de conocimientos y habilidades. Todos los materiales utilizados en sus proyectos se recogen cerca de los solares o se compran a los comerciantes locales. El estudio ha ganado varios premios internacionales y sus proyectos han sido publicados y expuestos en todo el mundo.

©TYIN. Imagen cortesía del Museo ICO.

©TYIN. Imagen cortesía del Museo ICO.

ANUPAMA KUNDOO «Mi objetivo es revelar la belleza natural de los materiales».
Nacida en Pune (India) en 1967, Anupama Kundoo fundó su estudio en 1990 en Auroville. Su trabajo se centra en la investigación de materiales y la experimentación para producir una arquitectura de bajo impacto ambiental y adecuada al contexto socio-económico. Entre 1992 y 1996 trabajó en Berlín en el campo de la vivienda social. Desde 1996 continuó su práctica independiente en la India. De 2002 a 2004, fue «asesora de diseño sostenible» para ICAEN, en un proyecto de la Comisión Europea. En 2008 se doctoró en la TU Berlín. Ha sido profesora en varias escuelas, como la Architectural Association de Londres, TU Darmstadt, la TU Berlín y, hasta 2011, la Parsons New School of Design. Actualmente enseña en la Universidad of Queensland en Brisbane. A partir de septiembre de 2014 lo hará en la ESAYT, Escuela de Arquitectura de la UCJC de Madrid.

©Caitling Moore (Anupama Kundoo). Imagen cortesía del Museo ICO.

©Caitling Moore (Anupama Kundoo). Imagen cortesía del Museo ICO.

SOLANO BENÍTEZ «la gran arquitectura trata con la gente, y cuida de ella».
Solano Benítez nació en Asunción (Paraguay) en 1963. Se licenció en arquitectura en la Universidad Nacional de Asunción (FAUNA) en 1986, y en 1987 fundó Gabinete de Arquitectura, la sociedad profesional que en la actualidad comparte con Alberto Marinoni y Gloria Cabral. Entre los premios que ha recibido Benítez destacan las distinciones como «Joven sobresaliente» por la Cámara Junior de Paraguay por su contribución a la cultura paraguaya (1999); el BSI Swiss Architectural Award (2008); y una mención honorífica del Congreso Nacional Paraguayo por aportes a la nación(2011). También fue elegido «Arquitecto del Bicentenario» por la Asociación Paraguaya de Arquitectos (2011) y miembro honorario del American Institute of Architects (2012).

©Solano. imagen cortesía del Museo ICO.

©Solano. imagen cortesía del Museo ICO.

ANNA HERINGER «Para mí la sostenibilidad es sinónimo de belleza y de felicidad».
Anna Heringer nació en Rosenheim (Alemania) en 1977. Su trabajo se centra en el uso de materiales y técnicas locales para crear edificios que sean distintivos de su lugar. Su proyecto fin de carrera —una escuela en Bangladesh construida con barro y bambú—, se materializó en 2006 en Rudrapur, donde vivió en 1998 como voluntaria de la ONG local, Dipshikha. Desde 2008 hasta 2011 dirigió el estudio BASEhabitat en la Universidad de Linz. Además, ha sido profesora de talleres internacionales en Bangladesh y Austria, y desde 2010 es profesora honoraria de la Cátedra UNESCO de Arquitectura de Tierra. Su trabajo se ha expuesto en el MoMA de Nueva York, en La Loge de Bruselas, en la Cité d’architecture et du patrimonie de París y en el MAM de São Paulo.

©Stefano Mori (Anna Heringer). Imagen cortesía del Museo ICO.

©Stefano Mori (Anna Heringer). Imagen cortesía del Museo ICO.

Imagen de la exposición. Cortesía del Museo ICO.

Imagen de la exposición. Cortesía del Museo ICO.

La sostenibilidad en un mundo totalizado

7 000 000 000
Artistas participantes:
Anetta Mona Chişa y Lucia Tkáčová, Basurama, Carlos Motta, Daniela Ortiz y Xose Quiroga, Johan Grimonprez, Juan José Martín Andrés, Julieta Aranda and Anton Vidokle, Nuria Güell, Oliver Ressler, Oliver Ressler y Zanny begg, Regina José Galindo,The Otolih Group, Tue Greenfort y Ursula Biemann.
Espai d’Art Contemporani de Castelló -EACC-
C/ Prim, s/n. Castellón
Inauguración: 31 de enero, 20 h.
Hasta el 27 de abril de 2014

Los comisarios, David Arlandis y Javier Marroquí, nos adelantan el enfoque y los contenidos de su nuevo proyecto.

7 000 000 000 es un proyecto que parte de la idea de desarrollo sostenible. Este concepto, como es bien sabido, surgió de un informe de la ONU publicado en 1987 con el simbólico nombre de “Nuestro futuro común” aunque también se le conoce como Informe Brundtland. El trabajo de la Comisión Mundial de Medio Ambiente y Desarrollo de Naciones Unidas, encabezada por la entonces primera ministra de Noruega Gro Harlem Brundtland definió el desarrollo sostenible como la acción de “satisfacer las necesidades de las generaciones presentes sin comprometer las posibilidades de las del futuro para atender sus propias necesidades” y para ello, cualquier plan de acción pasaba necesariamente por el trabajo en tres áreas fundamentales: sostenibilidad económica, sostenibilidad social y sostenibilidad medioambiental. Lo que se ha llamado el triángulo de la sostenibilidad.

Sin duda, desde entonces, se ha conseguido que sea una idea presente tanto en la agenda política de instituciones oficiales de todo tamaño, como en la política desplegada por los propios ciudadanos a través de redes más o menos complejas de iniciativas colectivas o incluso particulares. Sin embargo, se ha dado una cierta perversión en el uso de la expresión ya que a menudo se reduce la idea a su faceta medioambiental o, a la sumo, a la relación de la economía con la ecología. Y a la vez, cada día se hace más y más evidente que el sistema actual no va a ser capaz de evolucionar positivamente y dar respuesta a las demandas tanto a nivel local como global. Por ello, deben plantearse otros modelos de desarrollo diferentes que habrán de mostrarse más sostenibles. Estos modelos tendrán que basarse necesariamente en un entendimiento más amplio de la actividad humana, uno que mire directamente a la totalidad de la vida.

7 000 000 000 hace referencia a la cifra estimada de habitantes en el mundo ya que el problema del desarrollo sostenible abarca a la totalidad de las personas, tanto individual como colectivamente, y además, comprende todas las facetas de su vida. De hecho, nos basamos en la idea de Biopoder y Biopolítica que reformulan Michael Hardt y Antonio Negri en Imperio. Afirman que el poder dominante hoy abarca la totalidad de las relaciones sociales, las mentes y los cuerpos. Pero precisamente por ello, la capacidad de producción de la multitud conserva y explota la capacidad creadora de realidad social. Parafraseándoles podemos afirmar que vida, producción y política son un circuito ininterrumpido dominado globalmente por el modo de producción capitalista pero, a la vez, en esta situación, todas las fuerzas de la sociedad tienden a activarse como fuerzas productivas; todos los poderes de la humanidad son convocados a contribuir a la reproducción global del trabajo, la sociedad y la vida. Es decir, la dominación llega hasta la vida misma, pero la resistencia también se encuentra en el desarrollo de la vida de los 7.000.000.000 de habitantes del planeta. Así pues, todas las facetas de la vida están relacionadas unas con otras, todas forman parte del gran escenario de la producción de nuestra contemporaneidad y en este mismo espacio es donde se produce la posibilidad de sublevación de forma creativa.

El perfil de los proyectos incluidos en el EACC responde a una manera muy concreta de hacer: la del artista como investigador, una manera de entender el arte y la práctica artística desde una posición crítica enfocada a la creación de conocimiento usando herramientas más cercanas a la investigación que a la producción estética de bienes de consumo. Se huye así del modelo contemplativo y se llega al entendimiento de la exposición como un lugar y un tiempo de producción de conocimiento colectivo, pero a la vez, como una ocasión para el encuentro de intereses comunes y, por último, como una ocasión para la activación de la acción social y política.

El espacio expositivo es un lugar de encuentro donde se aprende, donde pasan cosas, se incita a la reflexión crítica y se favorece el intercambio. En muchos de los proyectos que forman parte de 7.000.000.000 se fuerza a este cambio fundamental en el papel del espectador, que de hecho deja de ser mero espectador para convertirse en participante. Pensemos por ejemplo en el proyecto de Basurama Laboratori Públic de Castelló que crea un grupo de trabajo con ciudadanos de Castellón para documentar de manera autónoma zonas sensibles a la destrucción y el consumo del territorio. La manera de hacerlo es conectar a distintas asociaciones locales que ya están trabajando en esa línea para proponerles utilizar una serie de herramientas creadas por The Public Laboratory, una organización de EEUU que promueve el uso de herramientas de toma de datos de ecología a las poblaciones que lo necesiten (fotos aéreas, fotos térmicas o espectrofotometría, por ejemplo) con precios y tecnologías asequibles en licencias libres.

Ocurre algo similar, en cuanto a la necesidad de participación, con la pieza Rescate de Nuria Güell que se configura como una oficina activa instalada en el EACC que difundirá diferentes posibilidades creativas para revertir la insostenible situación económica que vivimos, ofertando asesoramiento gratuito a los ciudadanos interesados. En ambos casos la pieza -si es que podemos seguir hablando en esos términos- es inseparable de la participación ciudadana. No existe una obra más allá de la participación.

Sin embargo, la participación se da más allá de la propia obra, o al menos, más allá de la exposición de la misma. El Laboratori Públic de Castelló tiene la intención de crear un grupo de trabajo que continúe con su labor tras la clausura de la muestra y lo aprendido en Rescate se seguirá poniendo a disposición de la ciudadanía a través de la persona encargada de dar la información y asesoramiento a quienes lo pidan y que tras la clausura seguirá dándola en el Casal Popular de Castelló. Un ejemplo más podría ser Time/Bank, una de las iniciativas que encontramos en el EACC que supone la apertura de una sucursal de Time/Bank, un banco del tiempo que cuenta ya con sucursales en Bélgica, Berlín, Frankfurt, New York, Moscú y la última Ljubiana; y que colaborará con otra iniciativa similar, la Ecoxarxa, que se está desarrollando fuera del ámbito artístico. Time/Bank es un proyecto que consta de una instalación en la que podemos ver material diverso y documentación relacionada con las primeras iniciativas de banco de tiempo. La segunda parte trata de poner en marcha esa sucursal de banco de tiempo, con voluntad de continuidad, en la ciudad. Lo que se persigue es favorecer la implantación real de un modelo económico alternativo donde se intercambia con el tiempo como moneda.

Las tres obras de las que hemos hablado hasta el momento son, o bien nuevas producciones para 7 000 000 000, pensando siempre en la ciudad Castellón -como Laboratori Públic de Castelló o Rescate– o bien adaptaciones de iniciativas que ya se han desarrollado en otros lugares y que se adaptan a la ciudad y el espacio del EACC, como Time Bank. Esta última estrategia también se sigue en la obra de Daniela Ortiz y Xose Quiroga NN 15.518 que aunque se realizó en La Capella en Barcelona por primera vez, se vuelve a montar en el EACC y se vuelve a organizar una jornada de participación ciudadana para Castellón. En este aspecto, se ve claramente cómo los proyectos coinciden en la necesidad de articular lo global con lo local. 7 000 000 000 desde su propio título alude directamente a lo global y habla de temas que incumben a la totalidad de la población pero, aún así, es necesario siempre ver qué pasa con esos temas en lo local, en el mismo espacio donde se ubica la exposición.

En este perfil de artista hay algo que suele repetirse y es un tiempo muy dilatado. Lo podemos ver claramente en el caso de las obras de Carlos Motta. Por ejemplo, We Who Feel Diferently es un trabajo que ha llevado años de investigación previa y años de desarrollo y producción. El resultado toma la forma de una base de datos documental que casi podríamos llamar enciclopédica sobre la cultura queer. Para ello, ha entrevistado a especialistas de distintos ámbitos, activistas LGBTQQI, académicos, artistas y personalidades influyentes dentro del discurso queer de distintas procedencias como Colombia, Corea del Sur, EEUU. El relato que conforman todas estas entrevistas es una historia de diferentes desarrollos de las políticas sexuales en distintos países. We Who Feel Diferently es un proyecto que hace de la diferencia bandera y que ve en ella una oportunidad para pensar e imaginar de manera diferente a la retórica del discurso dominante.

En realidad todo el proyecto 7 000 000 000 se podría leer en esa consigna de “Siempre es posible crear nuevos mundos” que tan bien representa el pensamiento de Antonio Negri. Es algo que el arte ha estado trabajando desde hace décadas. Es el mensaje de que puedo ocuparme de pensar otros modos de actuar, ensayar alternativas y proponer formas sociales distintas. Lograr, de este modo, eliminar la imagen de necesidad, naturalidad y unicidad de la actual configuración político-cultural dominante y demostrar que existen múltiples alternativas. Y esto, a la luz de la crisis que vivimos es más importante que nunca. Pensemos en cuantas veces estamos escuchando por parte de la política global el discurso de que es lo único que podemos hacer o es el peor de los males posibles. Son muchas las obras presentes en este proyecto, casi todas, las que nos pueden llevar a esta idea de que existen otras maneras de hacer. Por ejemplo, tenemos Take the Square de Oliver Ressler. Una videoinstalación de tres canales que muestra el surgimiento de movimientos sociales con una capacidad creativa inconmensurable. Son, entre los tres vídeos, 88 minutos en los que vemos a activistas de los movimientos 15M en Madrid, Plaza Sintagma en Atenas y Occupy Wall Street en Nueva York discutiendo las posibles formas nuevas de organización social y política. Otro de los trabajos donde también se puede ver de manera extensa la diversidad de maneras de hacer es Radical Ecology and Tender Gardening de Johan Grimonprez, un video blog dividido en cinco categorías: Biotecture, Guerilla Gardening, Transition World, Radical Ecology y Off the Grid. Un trabajo que te lleva a una idea clara: sólo podremos solucionar totalmente los graves problemas medioambientales que tenemos cuando cambiemos profundamente nuestro sistema de producción capitalista. Pero que también te lleva a interrogantes tan interesantes como la relación entre esta producción, el medioambiente y la consiguiente alimentación de las personas. Es un ejemplo claro de lo absolutamente imbricados que están los tres vértices de los que hablaba el Informe Brundtland.

Pensemos también en Egyptian Chemistry de Ursula Biemann que explora la importancia del Nilo en Egipto. Un papel que se desempeña de una forma muy parecida a como veíamos con Grimonprez pero en sentido inverso, ya que aquí no partimos de la sociedad para que, a través de la economía, se altere el medioambiente y recaiga de nuevo en la sociedad; sino que en el caso del Nilo, es éste el que pone en marcha la rueda: su medio configura la economía y ésta la sociedad que acaba de nuevo afectando al primero y el segundo.

Una de las grandes cuestiones al hablar de sostenibilidad es la energía, un tema siempre presente en las cumbres y en la agenda política pero del que seguimos sin poder ver resultados significativos. En 2011 un terremoto causó en Fukushima el mayor desastre nuclear desde Chernobil, The Otolith Group presentó en 2012 The Radiant, un film resultado de una investigación en la que mezclan imágenes de la catástrofe con fragmentos de antiguos filmes propagandísticos en los que la energía nuclear y la propia construcción de la planta se asocian a la idea de progreso. Este contraste se complementa con entrevistas a expertos en energía nuclear y sus efectos radioactivos. Con Fukushima se volvió a dar protagonismo al debate sobre la energía y cómo abastecer las necesidades de consumo de las grandes ciudades. Las energías limpias cada vez están ganando más terreno pero otra parte de la industria sigue centrando sus esfuerzos en conseguir una mayor eficiencia lanzando cada año nuevos productos y usando las mismas viejas fuentes de energía. Ante esta situación hay voces que están reclamando un cambio de hábitos que nos lleve al consumo consciente.

Exceeding 2 Degrees propone exactamente eso, un pequeño cambio que llevado a gran escala en nuestras viviendas y edificios públicos repercutiría en una menor demanda de energía y en un ahorro económico. Este proyecto fue presentado el la 8ª Bienal de Sharjah y consistió en variar en dos grados la temperatura de la sala de exposiciones para conseguir bajar el gasto energético. Además el dinero ahorrado se invirtió para la reforestación del amazonas. En el EACC de Castellón repetirá la acción, bajará la calefacción del centro dos grados para ahorrar energía y con el dinero comprará una porción de selva amazónica a través de la organización medioambiental Nepenthes para salvaguardarla de la explotación global. Además, esta estrategia muestra una de las realidades más crueles de nuestro sistema desde hace siglos, que no es otra que la de la diferencia abismal entre zonas ricas y pobres del planeta.

Juan José Martín Andrés con su obra Infografías para entender el capitalismo en tiempos de crisis pone nombres y cifras a estas avergonzantes relaciones de desigualdad entre países. Así mismo la obra de Regina José Galindo viene denunciando desde hace años esta situación. En Saqueo se hizo incrustar en los dientes oro nacional de Guatemala. Cuando la operación estuvo concluida cogió un avión y viajó hasta Berlín, allí volvió a acudir a un quirófano para que el cirujano alemán le quitará el oro nacional, reproduciendo así el saqueo que el norte hace al sur desde hace siglos.

Esta es una pieza muy dura, como todas las de Regina José Galindo, y con una crítica, una denuncia muy áspera. También es una crítica muy contundente la que hacen Anneta Mona Chişa & Lucia Tkácová en When Labour Becomes Form que habla de la trampa en la que se encuentran las mujeres de entorno a 45 años, con una doble discriminación laboral por edad y por género y la obligación cultural de ser ellas las que se ocupen del trabajo reproductivo, de los cuidados de los mayores y los niños. Para hacer su pieza publicaron un anuncio en el periódico buscando una mujer de mediana edad en paro y ofreciéndole su fee por participar en la exposición, como pago por hacer un macramé diseñado por las artistas y que representa una gráfica que denuncia con datos reales, tomados por el Gobierno Eslovaco, las enormes diferencias en el campo laboral cuando las mujeres llegan a su mediana edad.

En este sentido, es un buen momento para explicitar un punto que nos parece muy importante. Encontramos en esta muestra, en realidad como reflejo de todo el arte crítico, piezas que hacen denuncias muy potentes de situaciones totalmente insostenibles -como la que acabamos de ver-; también piezas que van más allá y no muestran sólo la denuncia, aquello que no funciona, sino que muestran propuestas reales que llevan a cabo personas o colectivos para solucionar esas cuestiones que nos afectan en nuestro día a día -como Take the Square de Olvier Ressler-; pero también tenemos propuestas -como la de Laboratori Public de Castelló, Time/Bank o la obra de Tue Greenfort- que directamente lo que hacen es crear propuestas de solución, de mayor o menor calado. En todo momento, son conscientes de su limitación, de la imposibilidad de que su acción llegue a un movimiento tal que alcance su objetivo de una manera universal; sin embargo, su trabajo está pleno de valor al imaginar otros modos de actuar, ensayar alternativas y proponer formas sociales distintas. Lograr, como decíamos, eliminar la imagen de necesidad, naturalidad y unicidad de la actual configuración político cultural dominante y demostrar que existen múltiples alternativas.

No cabe duda de que en el proceso de invención de un nuevo mundo, las potencialidades que hacen realidad el cambio no son estas prácticas artísticas sino los movimientos sociales. Lo que ocurre es que unos y otros viven un proceso de asimilación, cada vez trabajan más estrechamente. Esto se hace muy evidente, por ejemplo, en los grandes encuentros de los distintos grupos alter-globalización en los que la performance es ya un elemento esencial; o en la utilización del video como herramienta creativa y de difusión de experiencias. Pero esto son sólo formas evidentes. Lo más importante es que el arte está aportando al crecimiento de nuevas formas sociales su capacidad imaginativa, creativa. Estas prácticas han decidido firmemente ser partícipes de la invención de un nuevo mundo. La habilidad de los artistas para buscar soluciones creativas sale “fuera del arte” y son utilizadas sobre el tejido social. La división de especialidades de la modernidad deja huecos donde no llega ninguna de las formaciones académicas convencionales. Ahí es donde el artista puede actuar aportando alternativas creativas, pensando de una manera diferente, transversal, ensayando nuevas formas sociales, económicas, medioambientales…

Hub de empresas

El proyecto 7 000 000 000 no se mueve en el terreno de lo utópico, los proyectos hablan todos de realidad y de hechos. Como actividad paralela a la exposición, se ha organizado un encuentro de empresas para dar visibilidad a pymes que están trabajando día a día en cuestiones de sostenibilidad.

La intención es doble, por un lado, sacar del terreno de lo “artistico” el discurso del proyecto, ya que no tiene sentido hablar de sostenibilidad únicamente a través de proyectos vinculados al “arte” -aunque siempre defenderemos que estos proyectos ya poco o nada tienen que ver con el arte, entendido como una forma cultural ya muy lejana. Y por otro, dar a conocer a la ciudadanía una serie de empresas que les están ofreciendo la posibilidad de actuar sobre el mundo de una manera distinta, sencillamente cambiando su consumo.

Para ello, en la planta superior del EACC se va a diseñar un display con información básica sobre estas empresas y servicios que podrá estar disponible para el visitante en cualquier visita al Centro de arte; y además en febrero tendrá lugar un encuentro físico con estas empresas. Se configurará como una charla en la que todas las empresas tendrán la oportunidad de explicar sus servicios o productos a los ciudadanos de Castellón.