Diversas morfologías del collage en Hybrid

Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca)
III Hybrid Art Fair & Festival
Hotel Petit Palace Santa Bárbara
Habitación 216
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
Del 1 al 3 de marzo de 2019

El Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca) –dirigido por la galerista y comisaria de arte Marisa Giménez Soler–, en colaboración con los comisarios y gestores culturales Merche Medina y Jose Ramón Alarcón (Ecomunicam), participa en la tercera edición de Hybrid Art Fair & Festival, que tendrá lugar en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara, del 1 al 3 de marzo de 2019, durante la Semana del Arte de Madrid.

Hybrid. MAKMABajo el título ‘Técnicas híbridas // (re)soluciones uniformes’, los diferentes proyectos permiten configurar una aproximación a las diversas técnicas del collage, el grabado o la serigrafía, como vehículos y procedimientos de impresión y/o ejecución –nucleares o complementarios en la trayectoria de los cinco artistas– para el estudio que sustenta la relación estética, pragmática y semántica entre propósito y (re)solución, implementado por Iván Araujo, Jorge Carla, Fernando García del Real, Rosa Padilla y José Pla.

Iván Araujo (Madrid, 1971)

Sus fundamentos técnicos transitan la pintura, el grabado, el libro de artista y la escultura. Su obra gravita alrededor del objeto, símbolo, elemento vertebrador y semiótico, pieza elemental y última. Araujo hace guiños constantes al pasado artístico, a la naturaleza muerta como género, a la pintura metafísica y al eclecticismo de la Transvanguardia italiana, pasando por alegorías de la figura humana, objetos imposibles y arquitecturas citadinas. Sus maderas encontradas y ensambladas, en búsqueda de un equilibrio de formas, cortan el plano con una singular combinación de sutileza y descarnamiento.

Imagen de la obra 'Juego prohibido', de Iván Araujo. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Juego prohibido’, de Iván Araujo. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Jorge Carla (Madrid, 1974)

De vocación temprana y carácter inquieto, se interesó inicialmente por la noción de art brut de Jean Dubuffet y todo aquello que tuviera que ver con la desmitificación del arte. Su rebeldía le acercó a la obra de Jean-Michel Basquiat o a la carga expresiva de Willem De Kooning, fascinado por los mismos fenómenos orbitales y recurrentes de la subcultura que se proyectan hasta nuestros días. Sus influencias también giran entre el informalismo, el arte povera, el neoexpresionismo y el pop y reflejos de Joaquín Torres García.

Imagen de una de las obras de Jorge Carla presentes en Hybrid. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de una de las obras de Jorge Carla presentes en Hybrid. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Fernando García del Real (Valencia, 1967)

Licenciado en Bellas Artes, en su obra utiliza los mismos principios del collage tradicional: ensamblar elementos aparentemente dispares para formar un todo unificado, pero sustituye las herramientas de trabajo, el ordenador y el software por las tijeras y el pegamento. Su obra es un fiel reflejo del esteta que siempre ha sido. Entiende el arte como un valor esencial y tiene un olfato especial para observar todo lo que le rodea, para buscar la belleza en cualquier rincón, desde el desconchado de una pared hasta un garabato en una hoja.

Imagen de la obra 'Chicken hair', de Fernando García del Real. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Chicken hair’, de Fernando García del Real. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Rosa Padilla (Valencia 1949)

Licenciada en Bellas Artes, trabaja desde hace décadas en sus estudios de Moraira y Valencia, siempre cerca de ese mar que tanta influencia ejerce en ella. Posee una amplia trayectoria como artista, ha realizado multitud de exposiciones y su nombre está presente en importantes colecciones nacionales e internacionales. En su obra se reconocen influencias de sus admirados Kandinsky, Joaquín Michavila o Fernando Zóbel. En sus collages, imágenes rotundas se erigen frente a otras delicadas y sutiles, creando composiciones en las que alegría, color y belleza comparten espacio con retazos de rabia, dolor y melancolía.

Imagen de la obra 'El secreto', de Rosa Padilla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘El secreto’, de Rosa Padilla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

José Pla (Valencia 1970)

Licenciado en Bellas Artes por la universidad Politécnica de Valencia, pintor, escenógrafo, ha expuesto en varias galerías como Lae.Sferazul, Galeria Edgar Neville, Color Elefante o Mr. Pink, entre otras. Ha participado también en exposiciones colectivas en los museos Vostell Malpartida o MuVIM y ha colaborado en proyectos con otros artistas. Recientemente ha trabajado junto a la ceramista Eugenia Boscá en distintos proyectos. En su obra se observan referencias al surrealismo, a la Bauhaus y al expresionismo, así como destellos de cine e imágenes del pop americano.

Imagen de la obra 'Ortega en Valencia', de José Pla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Ortega en Valencia’, de José Pla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Cristina Alabau. Abstracción y equilibrio

Cristina Alabau
Galería Alba Cabrera
Art Madrid’19
Del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019

Es 29 de enero de 2019, la tarde es oscura y ventosa en València. En el barrio de Ruzafa llego a un callejón sin salida que reconozco, me detengo buscando el número del portal y, antes de verlo, una luz tenue a través de una ventana me hace sentir que ya estoy.

Mientras subo por la pequeña escalera de acceso noto cómo el frío va quedando atrás. La calidez, la calma, te invaden de golpe cuando entras en el estudio, en el refugio donde Cristina Alabau trabaja desde hace más de tres décadas. Todo allí parece pararse en el tiempo: el aire molesto del exterior –cuyo murmullo hace olvidar ahora una música suave–, las urgencias, las prisas. Es un espacio acogedor, de altos techos de madera y cubierta a dos aguas. Ella transmite también esa sensación plácida, que invita a compartir un momento de charla sosegada, aunque su ritmo de trabajo sea estos días acelerado, ya que se encuentra inmersa en plena vorágine productiva (en breve presenta su último trabajo en Art Madrid’19, feria internacional de arte contemporáneo donde acude con la Galería Alba Cabrera).

Imagen de la obra 'Espacio interior', de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid'19. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Espacio interior’, de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid’19. Fotografía cortesía de la galería.

Observar así su obra, detenerte en los nuevos trabajos y adivinar antiguas series que se asoman, apoyadas unas sobre otras en las paredes, es también admirar un ejercicio de coherencia y perseverancia, un estilo defendido y reafirmado a lo largo de su extensa trayectoria, que comenzó a mediados de los ochenta y que hoy sigue consolidando exposición a exposición.

Sus cuadros elegantes, poéticos y sugerentes, encierran íntimas iconografías, enigmáticas formas que son ya reconocibles en su pintura y que definen universos propios, intransferibles, construidos con elementos simbólicos que nunca abandona y que dispone a través de resortes intuitivos.

Figuras esenciales, sutiles, que el color refuerza y que parecen latir bajo una musicalidad que se percibe cercana. Alabau une a su sensibilidad, a su gusto por lo bello, sus férreas referencias intelectuales. Admiradora y estudiosa de Paul Klee y Vassily Kandinsky, se reconoce tocada por el influjo que alentó a los maestros en el camino hacia la abstracción geométrica, y su imaginación vuela lejos, surcando los mismos cielos.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

Cuando el sentimiento y el deseo marcan el objetivo, cuando la búsqueda del equilibrio supera fisuras, aúna energías, esquiva lo superfluo, prioriza la luz ante el tenebrismo y esquiva recovecos imposibles, el proceso lleva implícito el pausado ejercicio de distinguir y valorar lo esencial, lo que prevalece. Las figuras que aparecen en sus grandes lienzos, casi siempre cuadrados, de fondos limpios y claros, obedecen a tres conceptos que se repiten de manera hipnótica una y otra vez: el hombre, la naturaleza y el tiempo.

Al hombre, situado en el centro de la composición, siempre lo representan formas geométricas de tonos cálidos: rojos, anaranjados… que remiten al color de la sangre, del cuerpo, de la piel. En algunos de sus cuadros, la pintura acrílica aparece rayada, arañada, creando texturas llenas de experiencia, de vida. La noción de naturaleza se cuela en sus obras a través del verde, el gris… pero también lo hace de la mano de fotografías o de elementos orgánicos sacados del paisaje; fósiles, musgos, hongos, líquenes, flores… que durante el proceso creativo se revisten de cera, papel o capas de resina. Las formas blancas, a veces casi transparentes, son espacios que irradian luz, fulgor y que contagian, unen y difuminan las otras figuras que parecen dejar estelas, áureas que insinúan leves movimientos, etéreos balanceos.

La gestualidad manda, impulsada por la repetición de esquemas en una constante búsqueda de matices y ritmos para sublimar escenarios y plasmar visiones de vida. A veces, la representación se expande, parece dispersarse, pero la artista de nuevo la envuelve, encaja las piezas que une con líneas casi imperceptibles y regresa al todo. Y en ese todo huye de estridencias, lima aristas, oculta evidencias y se acerca a la forma redonda de la vida, porque es así como Cristina Alabau visualiza la existencia, al igual que Van Gogh –“La vida es probablemente redonda”– o que el poeta francés Joë Bousquet, quien recitaba “Le han dicho que la vida es hermosa. No, la vida es redonda”.

Imagen de la obra 'Espacio sensible', de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid'19. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Espacio sensible’, de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid’19. Fotografía cortesía de la galería.

Las teorías de Gaston Bachelard, filósofo y amante de las ciencias, son otras de las influencias que han marcado su discurso. En su libro ‘La poética del espacio’ el autor se refiere también a esta idea, escribiendo que “lo que se aísla, se redondea, adquiere la figura del ser que se concentra sobre sí mismo” y remite al lector a los poemas franceses de Rilke:

“Árbol, siempre en medio
De todo lo que te rodea
Árbol que saborea
La bóveda entera del cielo […]”

El impulso creativo que guía a la artista se nutre de materiales y técnicas distintas. La pintura, el collage, la acuarela, el dibujo o la escultura tienen cabida en la evolución de su trabajo, aportando y enriqueciéndose entre sí. En la acuarela, sus formas se hacen más ágiles, se desdibujan y superponen; el papel, los trazos, la plumilla… plasman perspectivas fluidas y libres. Aunque ella se define como pintora, la escultura se ha convertido en compañera de viaje y aliada en sus últimas exposiciones. Tras una estancia en Italia, encontró en el cristal de Murano el material perfecto para desarrollar las piezas soñadas durante años. Blancas, translúcidas y frágiles, contienen colores y materiales en su esencia, que parecen reivindicar la importancia de lo sutil.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

Marisa Giménez Soler

«ARCO no es el objetivo»

Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau
Semana del Arte de Madrid
Hasta el 25 de febrero de 2018
Con Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), Sara Joudi (Galería Shiras), Cristina Chumillas (Pepita Lumier) y Vicente Torres (Plastic Murs)
Entrevista realizada por Merche Medina, Jose Ramón Alarcón y Salva Torres, del equipo de redacción de Makma

Con motivo de la presente Semana del Arte de Madrid, que concita en la capital a un nutrido grupo de galerías, artistas, comisarios y gestores culturales valencianos, Desayunos Makma ha procurado reunir a cuatro galeristas participantes en diveras ferias satélite de específicos contenidos –como son Drawing Room, Urvanity e Hybrid Art Fair & Festival–, con el fin de conocer sus respectivas inquietudes y apuestas, en el marco de la 37ª edición de ARCO, la cita artística ferial más relevante del país.

Asumiendo de un modo implícito esta condición de preponderancia que atesora la feria de IFEMA, sus proyectos respectivos se centran en escenarios diversos. En tanto que para Marisa Giménez «ARCO no es el objetivo», el Museo del Ruso desembarca por primera vez en Hybrid Art Fair & Festival. Por su parte, Sara Joudi afirma que “todavía no ha aplicado» para postular su presencia en ARCO a causa «de los requisitos de participación que exige» y, por el momento, se centra en otras propuestas, mientras que Cristina Chumillas destaca el perfil que Drawing Room –de la que Shiras y Pepita Lumier forman parte– ha logrado consolidar en las dos ediciones anteriores, siendo el que más fielmente responde a los contenidos de su galería, tal y como le sucede a Vicente Torres con Urvanity, en la que Plastic Murs participa por segundo año consecutivo.

En esta nutrida diversificación de planteamientos que se dan cita durante la presente semana, “a los artistas les da vida participar en las ferias; años atrás únicamente existía ARCO y hay que celebrar que Madrid alberga ahora una mayor oferta”, señala Giménez; Joudi, así mismo, no duda en manifestar que “quisiera que aumentasen las galerías españolas” en IFEMA, a la par que Torres exhorta a intensificar el “riesgo de las propuestas que habitualmente se presentan” allí.

(De izquierda a derecha) Cristina Chumillas (Pepita Lumier), Sara Joudi (Galería Shiras)y Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

(De izquierda a derecha) Cristina Chumillas (Pepita Lumier), Vicente Torres (Plastic Murs), Sara Joudi (Galería Shiras) y Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Conversar acerca de la consolidación del presente mapa ferial supone, necesariamente, reparar en las nuevas fórmulas venales y poner la atención sobre la figura y perfil asociado al coleccionismo, ante lo cual Vicente Torres indica que “el coleccionista convencional se plantea, de este modo, visitar también otras opciones”; “sin duda, ARCO crea un tirón de público especializado que beneficia al resto”, corrobora Marisa Giménez, mientras que Joudi estima que “cada una tiene su target«. En cambio, Chumillas diagnostica el efecto inverso: “es el público de estas ferias satélite el que se plantea visitar ARCO”, si bien todos coinciden en que, en el entorno ferial, es la dirección y su organización quienes deben contar previamente con un público objetivo específico, propiciar el acceso y el contacto con los espacios participantes.

Para Sara Joudi los coleccionistas “son, por lo general, personas muy formadas que investigan constantemente acerca de sus intereses y que, en muchas ocasiones, se centran en un artista determinado”. Marisa Giménez amplía este comentario e insiste “en potenciar la figura del nuevo coleccionista entre gente joven y es en estas ferias donde puedes arriesgar con las propuestas y educar en el coleccionismo”, a la par que Cristinas Chumillas apuesta por “rescatar al coleccionista abruptamente desaparecido por la pérdida de poder adquisitivo, de ahí la importancia de esta visibilidad y asistencia a las ferias”, a través de las que “hay que lanzar un mensaje e incentivar al coleccionismo”, especialmente entre el público joven que se acerca a las galerías, en tanto que “sus intereses varían y hay que detectarlos”, insiste Vicente Torres.

Sin duda, factores tan determinantes y decisivos como la labor de refrendo y mecenazgo que se debe exigir a la instituciones. En este sentido, prosigue Torres, “el mercado y las instituciones son muy estáticas; por ejemplo en Frieze London éstas no diferencian entre ferias convencionales y de largo recorrido y otras satélite o de reciente creación”. Lo que piden, en comunión, a las instituciones y los museos es mayor apoyo, tanto a nivel local como a través comisiones de compra equitativas, el fomento de relaciones más estrechas y directas con los agentes que las representan, tanto cuando se establece un primer contacto como en el momento en el que éstas seleccionan y materializan las compras en las ferias nacionales. Reclaman, en consecuencia, una mayor transparencia en sus decisiones.

Cristina Chumillas (Pepita Lumier) y Vicente Torres (Plastic Murs) durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Cristina Chumillas (Pepita Lumier) y Vicente Torres (Plastic Murs) durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Atendiendo a estas cuestiones previas, los presentes galeristas no solo adaptan, sino que, ante todo, formulan sus apuestas en plena búsqueda y ejercicio de la especificidad, como una consecuencia natural de la línea expositiva trazada en sus respectivos espacios.

A través del Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca), Marisa Giménez, para quien “acceder a una feria ya es un reto”, pone a su servicio una larga trayectoria como galerista y comisaria, gestada entre Valencia y Madrid, participando en la segunda edición de la feria internacional de arte emergente Hybrid Art Fair & Festival, en colaboraicón con los comisarios y agentes culturales Merche Medina y Jose Ramón Alarcón (Ecomunicam), mediante una propuesta colectiva que atiende a las razones metodológicas y finales de diversos artistas emparentados con la fotografía –Jose Manuel Madrona, Ignacio Evangelista, Alicia Martínez y Fotolateras (Lola Barcia y Marinela Forcadel-) y los procesos infográficos (Silvia Mercé).

Comandada por Vicente Torres, Plastic Murs repite en Urvanity, feria que centra su leitmotiv en la “expresión artística desarrollada en el contexto urbano, que construye hoy un diálogo con la modernidad”-, oportuno y propicio escaparate ferial para exhibir el inquietante y celebrado street art individual o colectivo de PichiAvo, Hyuro, Vinz y Deih.

Sara Joudi (Galería Shiras) y Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Sara Joudi (Galería Shiras) y Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), durante un instante de los Desayunos Makma en el Centre Cultural La Nau. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Cristina Chumillas (junto con Lucía Vilar) apuesta por el dibujo, la ilustración y el cómic como disciplinas que vertebran la senda de Pepita Lumier, galería que se encuentra presente en la tercera edición de Drawing Room –especializada “en la práctica transgeneracional de los nuevos artistas por el el dibujo contemporáneo”–, en la que participan con los proyectos de Agente Morillas (‘Ecosistemas Invisibles’) y David de las Heras (Cazadores).

Por su parte, Sara Joudi formula con Galería Shiras una linea discursiva en la que se concitan emergentes y celebrados artistas del ámbito valenciano y nacional. En la incipiente semana de las ferias, Shiras hace doblete. En Drawing Room estará con Nuria Rodriguez, Miquel Navarro y Nieves Torralba y en Art Madrid contará con obra de Miquel Navarro, Horacio Silva, Sebastián Nicolau, José Saborit y Javier Chapa.

La conversación entre los galeristas evoluciona hacia las necesidades que afectan al ámbito local y regional, territorio en el que se desarrolla su labor profesional. Cristina Chumillas asevera: “tengo que dar un tirón de orejas al gobierno actual; se debería haber preocupado en dialogar con nosotros e incluirnos dentro de la oferta turística. Por ejemplo, podía generar una ruta, porque el comercio hace cultura”, apreciación que el resto de participantes respaldan.

Un diagnóstico común que se suma a los requerimientos vinculados con la optimización de las subvenciones públicas, así como la necesidad de elaborar en conjunto un sistema realmente efectivo que impulse el desarrollo del sector o «la posibilidad de generar un efecto Guggenheim ampliado a librerías, anticuarios” y otros agentes determinantes del ámbito empresarial emparentado con las diversas extremidades del mercado cultural.

Vicente Torres (Plastic Murs), Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), Cristina Chumillas (Pepita Lumier) y Sara Joudi (Galería Shiras) posan en las inmediaciones del Centre Cultural La Nau, instantes previos al Desayuno Makma. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Vicente Torres (Plastic Murs), Marisa Giménez (Museo del Ruso de Alarcón), Cristina Chumillas (Pepita Lumier) y Sara Joudi (Galería Shiras) posan en las inmediaciones del Centre Cultural La Nau, instantes previos al Desayuno Makma. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Merche Medina

Prácticas artísticas experimentales en Hybrid Art Fair

II Hybrid Art Fair & Festival
Hotel Petit Palace Santa Bárbara
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
Del 23 al 25 de febrero de 2018

Hybrid Art Fair & Festival celebrará su segunda edición, entre los días 23 y 25 de febrero, en el hotel Petit Palace Santa Bárbara de Madrid, que estará marcada por la consolidación de un proyecto basado en la exhibición de propuestas artísticas experimentales. Hybrid Art Fair & Festival apuesta por mostrar la convivencia entre proyectos alejados de los circuitos tradicionales del sistema del arte con otros consolidados que presentan sus propuestas más arriesgadas en el marco de la feria.

En esta edición serán 30 las galerías, colectivos y espacios híbridos que participarán en el Programa General: Espronceda (Barcelona), a-space (Basilea, Suiza), Ars Magna – Desembarco (Lanzarote), Espacio Oculto (Madrid), Rizoma (Madrid), Coven Berlin (Berlín, Alemania), Espai d’Art 32 (Mallorca), Est_Art (Madrid), La Doce (La Coruña), Bloc Projects (Sheffield, Reino Unido), Labrador (Sheffield, Reino Unido), ArtSevilla (Sevilla), impulsarte by Petit Palace Hoteles (Madrid/Sevilla), InfoMag (Mallorca), Veo Arte en todas pArtes (Madrid), Dosmilvacas (León), The Sea Urchins Container (Alicante), Nottwins (Barcelona), Current (Milán, Italia), Raum E116 (Berlín, Alemania), Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca), La Ecléctica (Huelva), LaLatente (Madrid), Juca Claret (Madrid), Ufofabrik (Trento, Italia) Cerquone Projects (Caracas, Venezuela), Admiral Arte Contemporáneo (Málaga), Bolidismo (Bilbao), Cobertura Photo (Sevilla) y Blanca Soto (Madrid). En total serán seis los países participantes, apostando así por mostrar el arte más actual que se está realizando tanto de dentro como fuera de nuestras fronteras.

Hybrid Art Fair. Makma

Hybrid Art Fair & Festival apuesta un año más por mostrar proyectos únicos tanto nacionales como internacionales, que no siempre  tienen cabida en el mercado del arte tradicional. Así, durante los tres días que dura la feria se podrán contemplar los trabajos más recientes de artistas como Ileana Pascalau, Carlo Miele, Lucy Vann, Fausto Amundarain, Tamara Jacquin, Miguel Scheroff y Sanja Milenkovich, entre otros.

LO EXPERIMENTAL COMO EJE VERTEBRADOR

Todas las propuestas que participarán en esta edición de Hybrid Art Fair & Festival tienen como eje vertebrador su compromiso con las prácticas artísticas más experimentales. Son propuestas que sirven para mostrar nuevos lenguajes y formas de creación que pretenden ir más allá de la temporalidad de un evento de tres días. La hibridación de disciplinas, el contraste entre la poca visibilidad que pueden llegar a tener algunos proyectos y su perdurabilidad artística o el potencial expositivo para desenvolverse en un espacio que no está concebido para la exhibición son referencias constantes para el equipo curatorial de la feria y se ven reflejados en la selección final de proyectos participantes.

Las habitaciones de un hotel convertidas en salas de exhibición favorecen la multiplicidad de lecturas de las propuestas. La forma de convivir de las creaciones en un espacio que no está pensado para la exhibición provoca formas alternativas de diálogo entre el espectador y la obra, teniendo que adaptarse ambos a una nueva forma de encontrarse.

Imagen de una de las obras de Jose Manuel Madrona, que forma parte de la nómina de artistas del Museo del Ruso de Alarcón. Fotografía cortesía de Hybrid Art Fair.

Imagen de una de las obras de Jose Manuel Madrona, que forma parte de la nómina de artistas del Museo del Ruso de Alarcón. Fotografía cortesía de Hybrid Art Fair.

En su apuesta por el arte más experimental, Hybrid Art Fair & Festival también quiere ser altavoz de artistas emergentes cuyas carreras están empezando. En este contexto, y gracias al programa de apoyo a la cultura impulsarte by Petit Palace Hoteles (principal patrocinador del evento), cinco jóvenes artistas tendrán la posibilidad de exponer en una habitación de Hybrid Art Fair & Festival. Sevilla y Madrid fueron sedes de los concursos impulsarte en las que de un total de 23 artistas escogidos por convocatoria, un comité de expertos seleccionó a Miguel Ángel Cardenal, Arturo Comas, Haalimah Gasea Ruiz, Elisa González y Miguel Alejos Parra.

Además, a través de un acuerdo entre Hybrid Art Fair & Festival, el Consorcio de Cultura de la ciudad de Sheffield (UK) y el Arts Council England, se podrá disfrutar por primera vez en España del trabajo de artistas jóvenes de esa región de Reino Unido, quienes mostrarán sus obras a través de dos proyectos participantes (Bloc Project y Labrador).

La feria completa su propuesta con un extenso programa de actividades paralelas, centradas en la interacción entre el público y los creadores. Mesas redondas, debates, conciertos o performances, entre otras acciones, componen el programa.

Imagen de la obra 'La Carne Orgullosa', de Picotres, que forma parte de la nómina de artistas de la galería Rizoma. Fotografía cortesía de Hybrid Art Fair.

Imagen de la obra ‘La Carne Orgullosa’, de Picotres, que forma parte de la nómina de artistas de la galería Rizoma. Fotografía cortesía de Hybrid Art Fair.

 

La apuesta de Hybrid por el arte emergente internacional

‘Hybrid. Art Fair & Festival’
Petit Palace Santa Bárbara
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
Del 24 al 26 de febrero de 2017

Hybrid es un festival y una feria internacional de arte emergente creada gracias al programa de apoyo al arte joven de ImpulsArte by Petit Palace Hoteles que celebrará su primera edición los días 24, 25 y 26 de febrero de 2017, durante la Semana del Arte de Madrid.

Imagen de diversas obras de artistas presentes en Hybrid (de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Marie-Lou Desmeules, Diora Reshetnikova, Yassine Chouati, Sergio Frutos y Pierre Louis Geldenhuys). Fotografías cortesía de Hybrid.

Imagen de diversas obras de artistas presentes en Hybrid (de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Marie-Lou Desmeules, Diora Reshetnikova, Yassine Chouati, Sergio Frutos y Pierre Louis Geldenhuys). Fotografías cortesía de Hybrid.

En Hybrid se podrá disfrutar del trabajo de más de un centenar de artistas emergentes procedentes de una exclusiva selección de 34 propuestas, entre galerías, colectivos y espacios de arte híbridos llegados desde siete países diferentes. Artistas españoles de gran proyección como Francisco Buenavida, Juan Carlos Rosa Casasola, Verónika Márquez, Christian Lagata, Olga de Dios o Irene Cruz expondrán sus nuevas obras en Hybrid. Los acompañarán artistas emergentes internacionales como Pierre Louis Geldenhuys, Marie-Lou Desmeules, Paloma Proudfoot, Angela Kaisers, Diora Reshetnikova, Dario Felicíssimo o Marcelo Macedo, entre otros.

A parte del programa general de expositores, Hybrid contará con una programación paralela en la que destacará una serie de performance comisariada por Mario Gutiérrez Cru (Acciones Hybridas), talleres y mesas redondas, una noche de música electrónica experimental, conciertos acústicos a mediodía y sesiones de Djs a últimas horas de la tarde.

‘Proyecto Quimera’

El equipo curatorial de la feria ha escogido seis  proyectos artísticos de corte híbrido que trabajarán en parejas para intervenir un ala del hotel Petit Palace Santa Bárbara donde se realizará Hybrid.

Hybrid. Makma

El punto de partida temático viene definido por la naturaleza misma de este proyecto multipolar. La instalación final no sólo reflexionará sobre las hibridaciones y sobre las virtudes de exponer en espacios de exhibición no tradicionales, sino que ‘Proyecto Quimera’, en tanto que animal híbrido, también define su temático por su otro significado: quimera como aquello que se propone a la imaginación como verdadero, sin serlo. El proyecto reflexiona sobre las promesas del arte, sobre los problemas de la emergencia artística o sobre el engaño desde un punto de vista más filosófico.

Desde este abierto punto de partida temático los comisarios y artistas de los espacios escogidos tendrán vía libre para hablar, crear y sorprender.

‘Acciones Hybridas’

En ‘Acciones Hybridas’ el comisario Mario Gutiérrez Cru ha reunido a seis accionistas que trabajan desde una búsqueda híbrida de conceptos, espacios de trabajo y personajes. Este ciclo presentará en los espacios comunes del hotel Petit Palace Santa Bárbara propuestas nuevas y/o creadas site specific para la programación de la feria internacional de arte emergente, Hybrid.

Andrés Montes y Laura Flores realizarán acciones continuadas en los pasillos y escaleras del hotel apartir de las 11:00 del sábado 25. De 17:30 a 19:30 horas se sucederán el resto de las acciones en el salón Santa Bárbara: Miguel Andrés, Víctor Colmenero Mir, Paula Lafuente en colaboración con Kike Medina Galán, Andrés Montes, Pan (Alberto Chinchón y Miguel Palancares).

Consultar toda la información en http://www.hybridartfair.com

Hybrid. Makma