VI Visiones Contemporáneas en el Domus Artium 2002

VI Visiones Contemporáneas, de Playtime Audiovisuales
DA2 – Domus Artium 2002
Av. de la Aldehuela, s/n, Salamanca
Del 15 de febrero al 17 de mayo de 2018

El jueves 15 de febrero comienza la sexta temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel y Natalia Piñuel) que tiene su espacio de exhibición en DA2 – Domus Artium 2002, en la ciudad de Salamanca, cuyos contenidos se desarrollarán hasta el 17 de mayo de 2018.

La nueva temporada se inicia con el decimosexto ciclo, que estará dedicado a la artista visual, Rosana Antolí, a la que seguirán los ciclos que  se dedicarán a la cineasta Diana Toucedo y terminará el año con Dora García, quien, además, dará una master class en el museo.

Visiones Contemporáneas. Makma

Durante esta andadura comenzada en 2013, el proyecto se ha convertido en un referente dentro de la exhibición audiovisual en España, apostando siempre por artistas comprometidos con su tiempo, que se arriesgan tanto formal como conceptualmente. Hasta la fecha, son 15 los artistas que han tenido su Visiones Contemporáneas, ofreciendo un amplio espectro del panorama audiovisual contemporáneo español: Félix Fernández, Alex Reynolds, Chus Domínguez, Albert Alcoz, Arrieta y Vázquez, Laida Lertxundi, Left Hand Rotation, Eli Cortiñas, Víctor Iriarte, Regina de Miguel, Lois Patiño, Momu & No Es, Eloy Domínguez Serén, Las Chicas de Pasaik y María Ruido.

Rosana Antolí cuenta con una producción multidisciplinar que abarca dibujo, pintura, escultura, vídeo, performance y media art. Para la presente edición, Visiones Contemporáneas se ha centrado en sus últimos trabajos en vídeo relacionados con el movimiento de los cuerpos.

En estas obras la artista trabaja en torno del concepto de loop, de repetición, interrelacionando la danza y la performance con la imagen, transitando entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones.

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

En su obra se encuentra un equilibrio entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Antolí cuenta historias y se interesa por el relato, pero no de una forma tradicional, sino haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

Rosana Antolí se perfila como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. En 2015 es galardonada con la beca Multiverso, concedida por la Fundación BBVA y el año pasado, fue premiada con la beca para jóvenes creadores, Generación 2017 de Fundación Monte Madrid, y el premio del Festival Loop, afianzándola como una de las mejores artistas visuales de la actualidad.

Más información en www.playtimeaudiovisuales.com

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

 

El vestigio fílmico de Las chicas de Pasaik

‘Las chicas de Pasaik’
‘Visiones Contemporáneas. Últimas tendencias en el cine y vídeo en España’
DA2 – Domus Artium 2002
Av. de la Aldehuela, s/n, Salamanca
Del 28 de junio al 15 de octubre de 2017

Hoy, miércoles 28 de junio, se inaugura el decimocuarto ciclo de ‘Visiones Contemporáneas. Últimas tendencias en el cine y vídeo en España’, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales, que tiene su sede en el DA2 – Domus Artium 2002, Centro de arte contemporáneo de Salamanca.

El ciclo expositivo está dedicado a Las chicas de Pasaik, el dúo artístico formado por María Elorza y Maider Fernández, dos artistas visuales, con base en San Sebastián, que además de trabajar juntas, son amigas y comparten espacios, personajes y momentos comunes, ingredientes todos que se reflejan en cada una de sus obras.

Fotograma de la película 'Gure Hormek', del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Fotograma de la película ‘Gure Hormek’, del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Comenzaron a colaborar en el año 2011, realizando algunas piezas como ‘Irudi mintzatuen hiztegi poetikoa’, dirigida junto con el cineasta Aitor Gametxo. Dos años después, deciden formar el colectivo Las chicas de Pasaik, nombre con el que comienzan a firmar sus trabajos.

El ámbito de lo doméstico, las familias, los recuerdos, los amigos, los veranos, la ciudad de San Sebastián, son temáticas recurrentes en su filmografía, en una forma de recuperar las vivencias y la memoria personal de la gente. Una suerte de retazos de vida, de marcado carácter autobiográfico, en donde lo personal y el cine se fusionan en un todo, lleno de libertad creativa, que nos acerca a la sencilla belleza que radica en el hecho de lo cotidiano.

Películas en apariencia pequeñas y que pueden enmarcarse dentro del cine amateur en cuanto a su frescura formal, en el que la importancia de captar el momento por encima de todo, les lleva a grabar con el dispositivo que tengan más a mano, ya sea una cámara profesional o un teléfono móvil. Un cine que emociona y sabe llegar, desde lo más cercano, hacia una reflexión sobre los temas universales.

AGOSTO SIN TI. Trailer from Las chicas de Pasaik on Vimeo.

Las chicas de Pasaik cuentan con una trayectoria breve pero intensa, que ya las ha llevado a ser premiadas en algunos de los festivales de cine más importantes del estado, véase Zinebi (Bilbao), Alcances (Cádiz), Festival de Cine Europeo de Sevilla, L’Alternativa (Barcelona), El Festival Internacional de Cine de San Sebastián o más recientemente El Festival de Cine Español de Málaga, donde, este año, se llevaron el premio al mejor cortometraje documental.

Para este programa de Visiones Contemporáneas se han seleccionado tres de sus obras más significativas, “Agosto sin ti” (2015), “Gure Hormek” (2016) y “La chica de la Luz” (2016).

Fotograma de la película 'La chica de la luz', del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Fotograma de la película ‘La chica de la luz’, del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

 

Manipulando el odio y la guerra

Diego del Pozo y Estefanía Martín Sáenz
Ganadores de la XIII Bienal Martínez Guerricabeitia
La Nau de la Universitat de València

La Bienal Martínez Guerricabeitia de la Universitat de València llevaba este año por lema Manipulación y supersticiones. Es una forma de proponer la reflexión en torno a ciertos temas de indudable interés mediante el arte. Diego del Pozo y Estefanía Martín Sáenz han sido los ganadores de la XIII edición, sacándole partido a la propuesta con sendas obras muy sugerentes. El simple título de las piezas avanza el contenido y adivina sus posibilidades: Deconstruyendo el odio, por parte del primero, y Los cuervos que adoraban a la mujer, por parte de la segunda. Ambas obras toman la violencia, su poderosa energía destructiva, proponiendo un ejercicio de desmantelamiento o desactivación progresiva de la misma.

Estefanía Martín lo hace mediante técnica mixta sobre tela estampada. Y se nutre de Morrigan, antigua diosa celta de la guerra, a la que dota de otros poderes inversos al de la destrucción. “Lo que hago es manipular el estampado, de manera que se repiten ciertos patrones, nunca mejor dicho, para que se produzcan fallos en la tela a la hora de visibilizar algunos elementos”. Así, Morrigan, que tenía el poder de convertirse en cuervo, lejos de utilizar ese poder para generar el mal, se transforma en la obra de Martín Sáenz en dadora de parabienes.

“Concede el don de la desaparición, para que se crea que la mala suerte no existe, aunque siga ahí”, explica la artista. Ese juego entre elementos que remiten al acto destructivo y esos otros que reivindican la creación atraviesa la obra de la premiada. “Las supersticiones me encantan”, dice, en tanto le permiten recrear esa mala suerte que le parece igualmente atractiva desde el punto de vista creativo. El crítico Óscar Alonso Molina fue quien propuso su obra para la Bienal de este año: “Te va como anillo al dedo”, cuenta que le dijo. Y Los cuervos que adoraban a la mujer le han dado la razón.

Deconstruyendo el odio, de Diego del Pozo.

Deconstruyendo el odio, de Diego del Pozo. Imagen cortesía de la Bienal Martínez Guerricabeitia.

Diego del Pozo se aleja del mito para centrarse en la más rabiosa actualidad. “Tomo la final de Roland Garros de 2013, que ganó Rafa Nadal, y en la que saltó un hombre con una antorcha y paralizó la final”. El hombre, explica el artista de Valladolid propuesto para la Bienal por la Galería Adora Calvo de Salamanca, formaba parte de uno de los grupos que luchaban contra la homofobia cuando en Francia se aprobó la regularización del matrimonio homosexual. En su obra, Deconstruyendo el odio, monta tres secuencias de fotografías y dibujos en lo que el artista llama un “ejercicio de señalamiento y de reversión”.

Lo que señala es “la economía de los afectos que el capitalismo trata de invisibilizar”, cargando las tintas del odio sobre algunos grupos como los inmigrantes o los propios homosexuales, objeto de los disturbios que provocó el espontáneo en Roland Garros. Y la reversión que Diego del Pozo practica es la de transformar toda esa violencia en encuentro afectivo. En la primera secuencia, pone en relación el salto a la pista de tenis con una estatua de Arno Breker, favorito de Hitler. En la segunda, confronta la captura del espontáneo con la serie de dibujos que terminan en un grabado del siglo XVIII. Y, por último, liga la evacuación del agitador con el encuentro reposado de un grupo de hombres a dibujo.

“El capitalismo produce y regula las emociones, que tienden a relacionarse con lo privado y lo psicológico, y no con lo público”, señala Del Pozo, que en su obra visibiliza esas emociones. Lo hace mostrando primero su carácter desestabilizador, para después generar una cierta catarsis. En cualquiera de los casos, tanto Estefanía Martín como Diego del Pozo acreditan su pericia para revelar las contradicciones de esas manipulaciones objeto de XIII Bienal Martínez Guerricabeitia.

Ver noticia en ARTS de El Mundo Comunidad Valenciana

Los cuervos que adoraban a la mujer, de Estefanía Martín Sáenz. Imagen cortesía de la Bienal Martínez Guerricabeitia.

Los cuervos que adoraban a la mujer, de Estefanía Martín Sáenz. Imagen cortesía de la Bienal Martínez Guerricabeitia.

Salva Torres

La “Naturaleza zombi” de Lorena Amorós

Lorena Amorós, «Naturaleza zombi»
Galería Adora Calvo
C/Arco, 11. Salamanca
Desde el 21 de noviembre

El último proyecto de Lorena Amorós, es una exposición que  aborda el fenómeno de la taxidermia teniendo como  referente histórico a la artista Martha Maxwell.

La exposición muestra los paralelismos entre ambas artistas a través de esculturas, videos y dibujos que componen la muestra. Maxwell, la primera mujer naturalista aficionada a la taxidermia, consiguió a lo largo de su vida desarrollar una destacable actividad en este arte, además de ser una representante de  la defensa de los derechos de la mujer. Frente a Lorena Amorós, a quien un encuentro con una propiedad familiar ocupada por un individuo cazador y convertida en un taller de disección animal, ponía en paralelismo la vida de ambas con el mundo de la taxidermia.

Fotografía cortesía de Lorena Amorós.

Lorena Amorós. Cortesía Galería Adora Calvo.

Se nos muestra la taxidermia como una forma de artesanía que tiene relevancia tanto desde un punto de vista cultural como antropológico, somos conocedores de que no es una novedad, sino que por el contrario es una práctica ancestral que nos lleva a la relación que se ha tenido a lo largo de la historia con los cadáveres de animales –bien como trofeos de caza o ejemplares propios de la Historia Natural–.

Lorena Amorós propone un imaginario donde no hablamos de Naturaleza muerta, evitando así entrar en el género que el mundo del arte confiere a una iconografía sobre el rescate de los cuerpos antes de su putrefacción y el mensaje moralizante de lo efímero de los placeres y sentidos. Así, con el apelativo «zombi» nos da pie a interrogar a la propia naturaleza de forma diferente a como lo hemos hecho tradicionalmente, reflexionando sobre el dilema de las apariencias refiriéndose al mundo animal.

Fotografía cortesía de Lorena Amorós.

Lorena Amorós. Cortesía Galería Adora Calvo.

En el escenario taxidérmico que propone la artista la pulsión de muerte está implícita, pero siempre desde un punto de vista irónico. En su trabajo la impronta de este raro imaginario, remite a un mundo ajeno conectado con un pasado difícil de digerir si no modificamos nuestra sensibilidad actual.

SUMMA o el eje Valencia, Madrid, Lisboa

Summa Contemporary Art Fair 2015
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 14. Madrid
Del 10 al 13 de septiembre de 2015

Summa vuelve a Matadero por tercer año consecutivo como “plataforma de acción en torno al arte contemporáneo”, de “impronta internacional” y como una feria “atenta al contexto social y cultural en que se produce el arte, con particular atención a las circunstancias políticas que motivan las obras de algunos de los mejores creadores de nuestro tiempo”, según explica Paco de Blas, el nuevo director de Summa Contemporary Art Fair 2015.

La feria, que se celebra del 10 al 13 de septiembre, cuenta en su Programa General con 30 galerías, principalmente del eje que atravesando Madrid (con ocho salas) conecta Valencia y Alicante (cinco) con Lisboa (cuatro). Además, hay galerías de Palma de Mallorca, Almagro, Buenos Aires, Sao Paulo, México, Bogotá, San José de Costa Rica, Miami, Alabama y Ottawa.

Portada de 'Sinsonte', de la editorial Versos y Trazos.

Portada de ‘Sinsonte’, de Víctor Escandell. Cortesía de la editorial Versos y Trazos.

Las secciones Transversal, Trazos y Madrid Foto añaden más participación, por lo que finalmente son alrededor de medio centenar las galerías que presentan obra de sus artistas en Summa. La novedad este año viene de la mano de Summa Mag, proyecto editorial comisariado por Marisol Salanova que contará con los sellos Versos y Trazos (Valencia), Micromegas y Ad mínimum microediciones (Murcia), Chucherías del Arte (Mérida), Nocapaper Books & More (Santander), Input (Madrid), Libros del Zorro (Barcelona), Editoriales Pai-Pai (Delirio, Arrebato y La uña rota), de Salamanca, y Editorial Vortex (Valparaíso, Chile).

Versos y Trazos es un joven sello valenciano de literatura infantil y juvenil, cuya década de trayectoria editorial se peculiariza por su apuesta en pro del álbum ilustrado como distintiva herramienta de difusión de sus contenidos, polarizados en torno de la ficción pedagógica (colección ‘El baúl de los cuentos’), la recuperación poética de autores de la generación del 27 -entre otros- (colección ‘Poetas para todos’), el relato corto (‘Los que llegan por la noche’, del valenciano Vicente Marco) y la novela gráfica (‘Sinsonte’, del ilustrador Víctor Escandell) -esta última erigida en un proyecto heterodoxo, tanto por su formato como por su contenido filosófico.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

A las galerías de Madrid Aina Nowack / ACC, Espacio Mínimo, Fernando Pradilla, Rafael Ortiz, Lucía Mendoza, Max Estrella, Ponce + Robles y My Name’s Lolita, se suman (valga la redundancia) a SUMMA las procedentes de la Comunidad Valenciana: Área 72, con obra de Victoria Iranzo, Inma Femenia, Oliver Johnson y Guillermo Ros; Aural, con Juanjo Martín Andrés, Isaac Montoya y PSJM;  Espai Tactel, con Eduardo Hurtado, Michael Roy y Luis Úrculo; Luis Adelantado, con doble representación de Allan Villavicencio, por la galería de México, y Darío Villalba, por la valenciana en la sección Trazos y, por último, Rosa Santos, que acude a Summa con Xavier Arenós y Andrea Canepa.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

En esa reivindicación del arte contemporáneo, Summa incluye la sección ‘Cómo coleccionar arte político’, comisariada por Jota Castro y que pretende ligar arte y compromiso, dos palabras de moda, en ese afán por contextualizar la obra de los creadores en el conflictivo marco social en que desarrollan sus trabajos. También habrá arte contemporáneo africano, de la mano del comisario Miguel Amado, así como la profundización en el arte de los años 70 y 80 del pasado siglo en la sección Trazos. Madrid Foto se centrará en la generación de fotógrafos españoles contemporáneos poco difundida en nuestro país.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

ArteSantander, de internacionalidad alemana

Feria internacional ArteSantander
Palacio de Exposiciones
C / Real Racing Club, 3. Santander
Del 25 al 29 de julio de 2015

La feria internacional ArteSantander ha reunido en su edición de 2015, la XXIV, un total de 42 galerías, 39 de varias ciudades españolas y tres alemanas, que mostraron la obra de diversos artistas contemporáneos hasta el 29 de julio en el Palacio de Exposiciones de Santander. Cànem, Espai Tactel, Espai Visor, Kir Royal, pazYcomedias y Set Espai d’Art han sido las representantes por parte de la Comunidad Valenciana.

Imagen de uno de los espacios expositivos de la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Imagen de uno de los espacios expositivos de la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Un jurado conformado por la historiadora del Arte Alicia Ventura, el director artístico del Centro Botín, Benjamin Weil, y el artista navarro Moisés Pérez, fue el encargado de seleccionar estas 42 galerías de las 77 que presentaron 90 proyectos para estar en la feria santanderina.

Galerías veteranas en ArteSantander como Cánem (Castellón), Ángeles Baños (Badajoz), Blanca Soto (Madrid) o Rafael Ortiz (Sevilla) se volvieron a juntar este año en la feria con nuevas galerías como las madrileñas Alegría, Espacio Valverde y Javier López, y la vallisoletana La Gran.

Una de las obras expuestas en la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

Una de las obras expuestas en la feria internacional ArteSantander 2015. Extraída del video de Néstor Navarro.

También regresaron a ArteSantander tras su ausencia durante algunas ediciones las galerías Sicart (Barcelona) y Cavecamen (Sevilla). Las tres galerías alemanas que estuvieron en la feria son Mäss, Greusslich Contemporany y Collectiva.

ArteSantander contó con seis galerías cántabras, a las que se reservó espacio en esta feria, como son Espiral, Estela Docal, Juan Silió, Josedelafuente, Espacio Alexandra y Siboney. También mostraron sus obras galerías de Canarias, Salamanca, Zaragoza, Vizcaya o Asturias.

El presidente de Cantabria, Miguel Ángel Revilla, y el alcalde de Santander, Íñigo de la Serna, fueron los encargados de la inauguración, el sábado 25, de ArteSantander 2015, junto al director de la feria, Juan González Riancho.

Feria internacional ArteSantander 2015. Imagen extraída del video de Néstor Navarro.

Feria internacional ArteSantander 2015. Imagen extraída del video de Néstor Navarro.

ArteSantander acogió pintura, escultura, instalaciones, fotografía, nuevos soportes tecnológicos y obra gráfica, además de dibujos y múltiples trabajos artísticos que mostraron las 42 galerías participantes. Ahora ya toca pensar en el cuarto de siglo que celebrará ArteSantander en 2016.

Una de las obras expuestas en la feria internacional Arte Santander 2015.

Una de las obras expuestas en la feria internacional Arte Santander 2015.

Video de la Feria Internacional ArteSantander 2015, realizado por Néstor Navarro:

ArteSantander 2015 from Makma on Vimeo.

Robles, un asesinato al ‘rojo’ vivo

Robles, duelo al sol, de Sonia Tercero
Festival Internacional de Cine de Valencia Cinema Jove
Del 19 al 26 de junio, 2015

José Robles Pazos estaba leyendo a Edgar Allan Poe cuando alguien llamó a su puerta y se lo llevó para que respondiera a ciertas preguntas. Pura rutina. Había llegado a Valencia desde Madrid en noviembre del 36 y aquella fue la última noche que se le vio con vida. A partir de ahí, son múltiples las elucubraciones en torno a su desaparición y asesinato. Sonia Tercero recrea el misterio del “Robles que sabía demasiado”, según el novelista Ignacio Martínez de Pisón, en el documental Robles, duelo al sol, presentado en Cinema Jove.

Fotograma del documental 'Robles, duelo al sol', de Sonia Tercero. Cinema Jove.

Fotograma del documental ‘Robles, duelo al sol’, de Sonia Tercero. Cinema Jove.

No se sabe a ciencia cierta quién lo mató, pero de lo que no cabe duda es que la orden partió de los servicios secretos soviéticos, con el silencio cómplice del gobierno de la República que nada hizo por esclarecer los hechos. “Se le pudo hacer un juicio, porque el Gobierno de la República los contemplaba por ley”, subraya Martínez de Pisón, presente en el documental y que recreó el misterio en su libro Enterrar a los muertos’. Se pudo, pero no se hizo. ¿Por qué?

Casi todos coinciden en señalar que Robles sabía demasiado; conocía buena parte de los secretos entre el Ministerio de la Guerra español y el Kremlin soviético. Fue asignado como traductor, dados sus conocimientos de inglés, francés y ruso, a Vladimir Gorev, embajador soviético en Madrid, lo que le permitió establecer contactos de alto nivel en aquel momento convulso que desencadenó la Guerra Civil. Una guerra que atrajo a corresponsales, intelectuales y novelistas de la talla de John Dos Passos y Ernest Hemingway, instalados en el Hotel Florida de la capital de España.

Imagen de José Robles en el documental 'Robles, duelo al sol', de Sonia Tercero. Cinema Jove.

Imagen de José Robles en el documental ‘Robles, duelo al sol’, de Sonia Tercero. Cinema Jove.

José Robles fue el traductor al español de Manhattan Transfer, novela fundamental de Dos Passos. La amistad entre ambos se fue estrechando con el tiempo, después de que el escritor le animara a dar clases en la Universidad Johns Hopkins de Baltimore. Amistad parecida a la que tenían Dos Passos y Hemingway, hasta que la desaparición y asesinato de Robles provocó la ruptura entre ambos. Ruptura que venía a simbolizar las dos formas de entender el comunismo por quienes entonces lo profesaban: la defensa a machamartillo de una ideas por turbias que en ciertos momentos fueran, o el pensamiento social por encima de la terquedad ideológica.

Dos Passos, empeñado en esclarecer la muerte de su amigo, se encontró con la negativa de Hemingway a la hora de seguir ese rastro, al igual que sucedió con otros muchos republicanos. El duelo al sol al que se refiere el título del documental se extiende más allá del que se establece entre ambos novelistas y toma otros derroteros. “En realidad hay tres duelos, en el sentido de sucesivas tristezas: el que se refiere a la pérdida del amigo Robles; el que alude a Hemingway, y el que se deriva del desencanto por el comunismo”, explica Sonia Tercero, que tuvo siempre claro el formato de película de ficción del documental, “porque el personaje lo tenía todo en contra”.

Fotograma de 'Robles, duelo al sol', de Sonia Tercero. Cinema Jove.

Fotograma de ‘Robles, duelo al sol’, de Sonia Tercero. Cinema Jove.

Otra de las especulaciones gira en torno a Ramón, hermano de José Robles, militar y en el bando contrario, que pudo tramar cierta venganza. El documental, narrado de forma clásica, cuenta con los testimonios de Carmen Robles, hija de Ramón, Lucy Dos Passos y John Dos Passos Coggin, hija y nieto del novelista, así como de los historiadores Paul Preston y Ricardo Miralles o el propio Martínez de Pisón. Testimonios y declaraciones que ofrecen abundantes pistas acerca del misterioso asesinato de José Robles, al tiempo que abren la puerta a posteriores pesquisas. El fantasma que Marx anunciara en su Manifiesto comunista recorriendo Europa sigue, tras la presentación de Robles, duelo al sol, dando miedo.

Fotograma del trailer del documental 'Robles, duelo al sol', de Sonia Tercero.

Fotograma del trailer del documental ‘Robles, duelo al sol’, de Sonia Tercero.

Salva Torres

Fuente Ovejuna, contra el abuso de poder

Fuente Ovejuna. Ensayo desde la violencia
Dirección: César Barló
Produce: Cía AlmaViva Teatro (Madrid)
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Viernes 22 y sábado 23, a las 21.00h, y domingo 24 de mayo, 19.00h

Sala Russafa estrena en la Comunidad Valenciana del 22 al 24 de mayo una propuesta de la compañía madrileña AlmaViva Teatro que ha cosechado excelentes críticas a su paso por Méjico y ciudades españolas como Madrid o Salamanca.

‘Fuente Ovejuna’ retoma el texto escrito por Lope de Vega, obra cumbre del Siglo de Oro, en un nuevo acercamiento marcado por un fuerte componente físico y de performance. Un “ensayo desde la violencia” que recrea el ambiente asambleario resurgido en los últimos tiempos y que intercala textos actuales entre los versos originales para enlazar con nuestra época el abuso de poder que sufren los habitantes de un pequeño pueblo en manos de su Comendador.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cinco actores, ataviados con ropas ligeras, rodilleras y manos vendadas, interpretan la oposición de fuerzas entre la gente humilde y el poder violento y corrupto de los gobernantes. Ingredientes que convierten ‘Fuente Ovejuna. Ensayo desde la violencia’, en una interesante reflexión para esta semana de elecciones.

A través de los cuerpos de los intérpretes, se muestra el crisol de luchas que tienen lugar sobre el escenario: traicionera entre los poderosos, cariñosa entre los amantes, explosiva cuando al pueblo se le acaba la paciencia.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

César Barló adapta y dirige esta obra que interpretan Juan Carlos Arráez, Beatriz Llorente, Alberto Gómez, Luna Paredes y Sergio Torres, combinando el dominio del verso y la plasticidad física de la puesta en escena.

Sobre el escenario recuperan una historia escrita a principios del siglo XVII, basándose en los hechos reales ocurridos en 1.476, capaz de retratar a la perfección la impotencia, la búsqueda de unión y la agresividad que recibe el pueblo en pleno S. XXI.

Un montaje en el que una sociedad, huérfana de referentes, vuelve la mirada hacia sí misma para encontrar la solución a la injusticia, hermanando a los individuos que la integran, actuando todos a una.

VÍDEO: https://www.youtube.com/watch?v=3omxbxCjS3k

Escena de Fuente Ovejuna.

Escena de Fuente Ovejuna, de César Barló, a cargo de la compañía AlmaViva Teatro. Imagen cortesía de Sala Russafa.

 

Arte con chispa en La Nau

Itinerarios de una Colección
Colección Fundación Coca-Cola
Sala Martínez Guerricabeitia
La Nau de la Universitat de València
C / Universidad, 2. Valencia
Hasta el 13 de abril de 2015

La Fundación Coca-Cola ni siquiera existía cuando la agencia de publicidad McCann lanzó en 1976 su famosa campaña ‘Coke adds life’ (Coca-Cola te da vida). En España se tradujo como ‘La chispa de la vida’, dejando imborrable huella en el imaginario de la bebida. Como la creatividad forma parte de sus genes, que se remontan a su fórmula secreta, nada mejor que incorporar a la marca el nombre de consagrados artistas, al tiempo que se promocionan jóvenes valores. Que es lo que hace desde 1993 la Fundación Coca-Cola, creada con la finalidad de apoyar el arte contemporáneo de la península Ibérica: esto es, artistas españoles y portugueses.

Fotografía de Bleda i Rosa de la Colección Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau de la Universitat de València.

Fotografía de Bleda i Rosa de la Colección Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau de la Universitat de València.

Alrededor de 250 creadores y 360 obras forman ya parte de su Colección de Arte, adquirida principalmente de sus compras en ARCO, y depositadas en el Centro de Arte Contemporáneo DA2 de Salamanca desde 2007. Para que todo ese caudal creativo no sea pasto del triste almacenaje o respetuosa conservación, la Fundación Coca-Cola realiza exposiciones itinerantes para dar a conocer tan valioso patrimonio, en comunión con otras instituciones privadas y públicas. Una treintena de esas obras llega ahora a La Nau de la Universitat de València, siendo la primera vez que una universidad las acoge.

Obra de Adriana Molder de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Adriana Molder de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Todo ese arte con chispa se presenta en la Sala Martínez Guerricabeitia, cuyo Patronato celebra este año su 25 aniversario, culminándolo con esta exposición. Hay artistas valencianos como Bleda i Rosa o Victoria Civera, junto a creadores de otras latitudes, ya sean consagrados o con venturosa carrera por delante, como son los casos de Juan Uslé, José María Sicilia, Rogelio López Cuenca o Juan Navarro Baldeweg, y Rubén Guerrero, Ruth Gómez o  Carmela García. Artistas diversos que emplean a su vez técnicas diferentes para expresar cuanto les motiva. De manera que hay pintura, pero también fotografía, escultura, dibujo, instalación y video.

Obra de Dionisio González de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Dionisio González de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Juan José Litrán, director de la Fundación Coca-Cola, fue taxativo con respecto al trabajo que llevan a cabo: “No creemos en las subvenciones. Lo hacemos por decisión estratégica. Nos acerca a una parte de la sociedad”. Arte fresco, con chispa, burbujeante que, como la bebida que representa, genere cierta adicción cultural. Adicción al pensamiento, la reflexión y el sentimiento que despiertan las 31 piezas expuestas. La confusa frontera entre realidad y ficción; el paisaje abordado como espacio conceptual o lugar de múltiples afecciones; el retrato y la figura lacerados por cierta quiebra en la identidad, son algunas de las temáticas recogidas o que atraviesan el conjunto expositivo.

Obra de Gonzalo Puch de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Gonzalo Puch de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Arte, como precisa su comisaria Lorena Martínez de Corral, que pudiera agruparse igualmente bajo el concepto de espectacularidad, más allá de su acepción peyorativa: “Entendemos que cuando algo es espectacular quiere decir que pide ser contemplado”. Una mirada, pues, atenta, alejada de las prisas a las que, paradójicamente, nos conduce el aluvión de imágenes que caracteriza nuestra contemporaneidad. Como hay tiempo de sobra, porque la muestra permanecerá en La Nau hasta el 13 de abril, no hay excusa para detenerse, como lo hace esa joven fotografiada por Carmela García, al borde de ese acantilado al que parece abismarse el arte contemporáneo.

Obra de Rubén Guerrero de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Rubén Guerrero de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Isidro Blasco en la exposición de la Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau.

Obra de Isidro Blasco en la exposición de la Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau.

 

Salva Torres

Seleccionados en A Quemarropa

Tras reunirse en las instalaciones de Parking Gallery, el jurado de Residencias A Quemarropa, compuesto por los integrantes del Colectivo Cristal (Arántzazu Ros, Juan Fuster, Miriam Martínez Guirao y Saúl Sellés) y Jaime Pérez Zaragozí (Director de la Parking Gallery) ha deliberado que los/las seleccionados/as son:

Alicia García Núñez (Elche), Álvaro Giménez Ibáñez (Salamanca), Ana Pastor (Alicante), Batack (Elche), Clara Sánchez Sala (Alicante), Félix Gilabert Chiquillo (Alcoy), Joaquín Artime (Santa Cruz de Tenerife), Pau Figueres (Benidorm) , Sara Caballero (Santander), Senna Theuwissen (Lommel).

Ana Pastor. Still life, 2014. Sangre y urna de metacrilato. 50 x 150 x 15 cm. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.

Ana Pastor. Still life, 2014. Sangre y urna de metacrilato. 50 x 150 x 15 cm. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.

Desde la organización se está trabajando para dar comienzo a la residencia que abrirá sus puertas el próximo 7 de julio de 2014 en la Parking Gallery de Alicante. El Colectivo Cristal está ultimando la programación de visitas, talleres y workshops así como las actividades que se llevarán a cabo fuera y dentro de la galería.

Félix Gilalbert Chiquillo. That's two men, 2014. Montaje fotográfico digital. 50 x 40 cm. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.Félix Gilabert Chiquillo. That’s two men, 2014. Montaje fotográfico digital. 50 x 40 cm. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.
Gracias al apoyo y colaboración de entidades como Master Universitario en Proyecto e Investigación de Arte (Departamento de Arte de la Facultad de BBAA de la Universidad Miguel Hernández de Elche) y el Espacio Trapecio, los residentes de A Quemarropa disfrutarán de una visibilidad mayor y de promoción dentro y fuera de la región. Un ejemplo es el del pasado 30 de mayo en Madrid, donde el colectivo fue invitado a Intransit proyecto de investigación
artística que se desarrolla en lel entornode la universidad complutense de Madrid con la finalidad de presentar, promocionar y explicar el proyecto llevado a cabo para la ciudad de Alicante.

Sara Caballero. Collage nº 19. Proyecto Varjoes, 2014. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.

Sara Caballero. Collage nº 19. Proyecto Varjoes, 2014. Imagen cortesía de Colectivo Cristal.

La 1ª convocatoria ha sido valorada como un éxito por parte de los organizadores, contando con una afluencia de 42 participantes de todo el territorio nacional y dos de los cuales de fuera de España.  La organización planeta internacionalizar la futuras convocatorias, así como la búsqueda de ayudas para los becados y la posibilidad de ofrecer alojamiento a los mismos, con la intención de mejorar año tras año la calidad de A Quemarropa. Dado al interés de los/las creadores/creadoras participantes tanto de la región como de fuera, denota las ganas de crear y plantear una revitalización y calidad de las actividades artísticas y culturales en el núcleo de la ciudad de Alicante.