Russafa Escènica: Caminante no hay camino…

Cartel del VII Russafa Escènica, obra de Pablo Forcada
Festival de Otoño de Artes Escénicas
Del 14 al 24 de septiembre de 2017

De entre las diez imágenes finalistas que el público seleccionó con sus votos, tres de los cuatro miembros del jurado profesional ha votado por la imagen ganadora, obra de Pablo Forcada, que obtuvo un total de 632 votos del público en la primera fase del concurso. Un quinto miembro del jurado se ha desvinculado del concurso y no ha ejercido su voto por tener un vínculo familiar con uno de los finalistas.

Gracias a las 58 propuestas presentadas al concurso y por los 7.234 votos recibidos a través de la web de Russafa Escènica se pudo seleccionar el trabajo ganador de Forcada. Con toda esa participación, la organización reconoce que es el propio público quien ha pasado a formar parte de la séptima edición del festival de artes escénicas. 
A partir de ahora será el diseñador gráfico de Russafa Escènica, Vicente Ribelles, quien se encargará de adaptar la imagen al cartel de esta séptima edición del festival.

Breve entrevista al ganador

¿En qué te inspiraste para crear la imagen ganadora del concurso de Russafa Escènica?

En el festival. Llevo tres años visitándolo y he visto cada paso que habéis dado en vuestro camino y la huella que han dejado las compañías. Eso ha sido lo que me inspiró.

¿De qué forma conecta tu imagen con el lema de la séptima edición de Russafa Escènica ‘Caminos’?
 


Me pareció una buena forma, representar los pasos que damos los espectadores  para desplazarnos por el barrio de vivero en vivero y de bosque en bosque, para acabar en El Invernadero. Casi como un bucle y así aprovechar la forma del logo.  Ya sabes: “caminante no hay camino…”

¿Tienes alguna relación con el mundo de las artes escénicas? ¿Y con el barrio de Ruzafa?
 

Soy músico, compositor y cantante, aunque siempre me ha gustado el diseño gráfico. Nací y viví en Russafa hasta los 17 años,  casi media vida.
 
¿Qué crees que puede aportar un festival como Russafa Escènica a Valencia y, en concreto, al barrio de Ruzafa?
 
Por un lado, cultura, mediante el teatro, la danza, la música y artes plásticas de una manera accesible y económica. Y por otro lado, un espacio (el barrio de Russafa) para que los artistas, se puedan dar a conocer.

Cartel del VII Russafa Escènica, obra de Pablo Forcada. Imagen cortesía de la organización del festival.

Cartel del VII Russafa Escènica, obra de Pablo Forcada. Imagen cortesía de la organización del festival.

Literatura & Alcohol: el canibaal en el matadero

‘Literatura & Alcohol’
Ciclo organizado por la revista Canibaal
Slaughterhouse
Denia 22, Valencia
Miércoles alternos de cada mes a las 19:30

El ciclo ‘Literatura & Alcohol’ organizado por la revista valenciana de arte, literatura y filosofía (del colmillo) Canibaal, que se celebra quincenalmente en el local Slaughterhouse del barrio de Ruzafa (una antigua carnicería, precisamente), ha cumplido un año y sigue adelante con su programación.

Todo comenzó con la novela ‘Bajo el volcán, del escritor inglés Malcolm Lowry, y, en particular, con el hechizo dipsomaníaco de su mítico y bebedor protagonista, Geoffrey Firmin, un ex-cónsul británico tierno y alcohólico.

El poeta y novelista británico Malcolm Lowry supuso la génesis del ciclo 'Literatura & Alcohol', alumbrado por la revista Canibaal.

El poeta y novelista británico Malcolm Lowry supuso la génesis del ciclo ‘Literatura & Alcohol’, alumbrado por la revista Canibaal.

Sin embargo, la idea de hablar de forma distendida, pero sobria, de la relación entre el alcohol y la literatura, tuvo éxito y se sucedieron, una tras otra, breves charlas como copas de saber, con la parafernalia típica de la revista y del local que lo cobija bajo el tema de Tom Waits, ‘The piano has been drinking, a propósito de escritores y escritoras asociadas al alcohol (de Bukowski a Tenesse Williams, de Lope de Vega a Dylan Thomas, de Patricia Highsmith a John Fante).

‘Michi Panero’, por Pablo Miravet; ‘Charles Bukowski’, por Ximo Rochera; ‘Anne Sexton’, por Luci Romero; ‘Jay Gatsby: la luz verde al otro lado del botellón’, por Jesús García Cívico; ‘Gil de Biedma’, por Carmen Herrando; ‘Maldito malditismo: Celine’, por Cristina Llamedo; «Roland Topor’, por Aldo Alcota; ‘La cama de Tracey Emin’, por Sara Trujillo; ‘La taberna de Roque Dalton’, por Paco Inclán, ‘Dorothy Parker’, por Eva Peydró; ‘Borges que bebía agua’, por Oscar Peyrou; ‘Alejandra Pizarnick: el canto de una leprosa’, por Arturo Borra; ‘Marguerite Duras’, por Éncar Reig; ‘Sátira política italiana’, por Francesco Biondo; ‘Taneda Santoka’, por Danny Blackwell; ‘Teatro nipón y sake’, por Marinela Forcadell, ‘¿Es el talento inflamable? Dipsomanía y literatura’, por Bárbara Blasco.

Literatura & Alcohol. Makma

Las próximas citas previstas son:

‘Ilustrando entre bebedizos: sobre literatura, cómic y alcohol’, por Carlos Maiques (22 de marzo).

‘Migajas de pan etílico: Mohamed Chukri’, por José Ramón Alarcón (5 de abril).

‘¿Por qué los poetas beben como si no hubiera mañana? El caso de la Escuela de Barcelona bajo la lente de la microsociología interaccionista’, por David Barberá (19 de abril).

Instantánea doméstica del escritor rifeño Mohamed Chukri, cuya dipsomanía será objeto de aproximación en el ciclo 'Literatura & Alcohol'.

Instantánea doméstica del escritor rifeño Mohamed Chukri, cuya dipsomanía será objeto de aproximación en el ciclo ‘Literatura & Alcohol’.

 

 

 

Just in Heaven: Inma Coll en ‘La maleta de Victoria’

‘También los ángeles tienen alas’, de Inma Coll
La maleta de Victoria
Buenos Aires 5, Valencia
Hasta el 31 de marzo de 2017

“¡Quién, si yo gritase, me escucharía entre la jerarquía de los ángeles!”
‘Elegías de Duino’, Reiner María Rilke

‘También los ángeles tienen alas’ es el título de la exposición de la artista Inma Coll en el delicadísimo espacio del barrio de Ruzafa ‘La maleta de Victoria’: una veintena de obras de distintas técnicas y formatos de una estupenda pintora de larga trayectoria, con más de 56 exposiciones y ferias nacionales e internacionales, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia (1980) y diplomada en Diseño por la Università Internazionale dell’Arte de Firenze (Italia) (1983), Inma Coll también cursó estudios de grabado calcográfico en el Instituto de Artes Gráficas de Santa Reparata (Florencia).

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

La presencia de los ángeles como tema del arte, especialmente de la pintura, ha permitido la creación de todo un imaginario de símbolos bajo la insoslayable mirada de aquel archiconocido detalle de la ‘Madonna Sixtina’, el cuadro que Rafael Sanzio pintó en el siglo XVI; un imaginario que tiene como hitos más hermosos, por citar sólo algunos gustos personales ubicados en El Prado, la ‘Santa Cecilia’ de Nicolas Pussin, el boceto sobre la felicidad eterna de José de Madrazo y Agudo o la multitud angélica concentrada bajo la ‘Inmaculada niña’ de Francisco de Zurbarán.

Sin embargo, una primera mirada a la obra tan clásica como brutal de Inma Coll emplaza de inmediato al visitante a la apertura de ese referente alado, que posiblemente desde la penúltima revolución científica no sea ya sino una expresión efímera del contradictorio estado del espíritu más humano y a cuya imposible disección le ha dedicado tantas páginas la angeología. Así, desde ‘Nacer de un ángel’, el collage de gran tamaño con el que se inicia el inquietante paseo por el cielo a través de las obras de Inma Coll, todo nuestro cuerpo y no sólo el tradicional destino de las emociones –el corazón y la cabeza– se tensa y pone en guardia.

Inma Coll. Makma

Ángeles, como la propia pintura de Coll, nada inocentes. Ángeles, como la propia pintura de Coll, poco convencionales. Ángeles impuros, ángeles de complejas revelaciones. Hay un ángel negro entre tela metálica y zinc que atestigua el cosido que remienda un corazón quizás también quebrado y el impulso de esta artista de largo y coherente recorrido por la fina línea que separa (o que une) el horror y la belleza, esto es, la determinación por aprehender sobre el papel, la tabla y el lienzo el impacto último de lo sublime.

Hay problemas ontológicos (‘El sexo de los ángeles’), primitivismo, cuerpos, provocación, símbolos, pintura despojada de cálculos, de toda jactancia, de toda petulancia; hay grabados de dos ángeles, ecos de sexo y ángeles caídos, trapecistas (ángeles metafóricos), ángeles ilustres (Ícaro) y hay bestiarios (‘Mujer sobre glifo’, ‘El ángel exterminador’), hay autobiografía y erotismo, animalidad y delicadeza y en todos esos casos, los ángeles de Coll tienen, sobre todo, algo urgente que decirnos.

Los ángeles que orbitan sobre su obra no son blancos ni puros, sino llenos de palabras y obsesiones; el ángel es también o, sobre todo (recordémoslo), un mensajero de alegrías o de cataclismos, de textos crípticos o de amor hacia los hombres como en el bello filme de Wim Wenders ‘El cielo sobre Berlín’. Poder de la palabra, incluso cuando ésta cae sobre una sima invisible de la comunicación y desaparece (‘Ha pasado un ángel’). Hay, de hecho, en aquel ángel negro una de las piezas centrales de esta hermosa exposición, ecos de las ‘Elegías de Dunio’, el poema removedor de tripas y conciencia, que debió movilizar en su momento el pincel clásico, primitivo, moderno y contemporáneo de Inma Coll: de nuevo la fuerza primordial de las palabras.

Fotografía de una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

Fotografía de una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

Efectivamente, nada en el repaso del currículo de los ángeles (desde el anuncio del embarazo más complejo de la historia a la eminente llegada del apocalipsis) permite confiarnos demasiado en su gracilidad, en sus alas o en su peso. Ligeros, pero nada predecibles, son los ángeles, por eso, y porque algo semejante a una celebración es lo que suele ocurrir en el particular espacio de Victoria (un espacio donde la artista y artesana colombiana despliega toda la magia de su personal escenografía), una última nota debe recogerse: Inma Coll, que ha expuesto en tantos lugares, ha acertado al integrar esta excelente muestra de su arte en un espacio personalísimo y angélico, con ecos de Venecia, Florencia y Estrasburgo, lleno de ángeles que se confunden con la propia obra de una pintora (volvemos a Inma Coll) cercana a los espíritus celestes, a los códices y al arte románico, pero también a Grosz, a Bacon y a sus demonios, a los sentimientos febriles como cuerpos deformados, al derroche del arte y la lujuria, a Rilke y a toda su poesía.

‘El cielo está vacío’ es el nombre de, en mi opinión, una de las obras más emocionantes de Inma Coll, sin embargo, como ocurre con los mejores artistas, Coll también se contradice: su cielo, alborotado de cuerpos, Eros, sueños y desvelo, figuras clásicas, terror, belleza y fantasía no está vacío sino repleto de ángeles… terribles.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

Jesús García Cívico

 

La guitarra en llanto de Cotolí y De la Rosa

Empieza el llanto de la guitarra
Toni Cotolí e Irene de la Rosa
Estudio Loft Social
C / Clero, 12. Valencia
Sábado 11 de febrero, 2017, a las 21.30h

El músico Toni Cotolí, reconocido como máximo exponente de la guitarra mediterránea en el panorama internacional, estrena junto a la bailaora Irene de la Rosa el sábado 11 de febrero su nuevo espectáculo, titulado ‘Empieza el llanto de la guitarra’, en el local Estudio Loft Social en Ruzafa.

Esta puesta en escena es una reinvención del espectáculo de baile español gracias a la combinación de la guitarra clásica con sabor andalusí y el personal estilo de bailar de Irene de Rosa que fusiona flamenco con la danza clásica. “Una mezcla explosiva que cada día tiene mayor aceptación entre el público por su gran riqueza musical”, asegura Cotolí.

Toni Cotolí e Irene de la Rosa. Imagen cortesía de Estudio Loft Social.

Toni Cotolí e Irene de la Rosa. Imagen cortesía de Estudio Loft Social.

Para la bailaora Irene de la Rosa, conocida por su colaboración con el ballet Generalitat en la representación de la obra ‘Carmen’ y alumna aventajada de grandes maestros del flamenco como Antonio Canales o Farruquito, entre otros, ‘Empieza el llanto de la guitarra’ promete “arte, gusto, elegancia, sutilidad y, a la vez, energía flamenca en grandes dosis y un sin parar de taconeos”.

El local Estudio Loft Social, referente del proceso intercultural, del activismo social y de la creación artística en el barrio de Ruzafa, acerca al público una nueva forma de vivir el flamenco a través de un espectáculo creado y escenificado por artistas valencianos.

Toni Cotolí tiene 5 CD editados, titulados ‘Toni Cotolí’ (2003), ‘Entre Amigos’ (2007), ‘Puesta de Sol’ (2010), ‘Sueños’ (2014) y ‘Aromas de Guitarra – Oda’ (2015), que ha presentado, además de en España, en países como Francia, Suiza, Alemania, Italia, Portugal, Inglaterra, Estados Unidos, Japón, China y Emiratos Árabes Unidos.

Actualmente trabaja para dos de las firmas más importantes a nivel internacional del sector, Guitarras Francisco Esteve y Guitarras Juan Hernández, ambas ubicadas en la provincia de Valencia, donde está a cargo del control de calidad y del ajuste de los instrumentos. Además, ejerce como profesor de guitarra en el Colegio Alemán de Valencia.

Toni Cotolí e Irene de la Rosa. Imagen cortesía de Estudio Loft Social.

Toni Cotolí e Irene de la Rosa. Imagen cortesía de Estudio Loft Social.

Rosana Antolí marca el ritmo

‘Rock it’ de Rosana Antolí
Galería Espai Tactel
C/ Denia 25-B. Ruzafa, Valencia
Inauguración: viernes 13 de enero a las 20:00h                                                                                             Hasta el 17 de febrero de 2017

Espai Tactel  presenta la obra de la artista Rosana Antolí (Alcoy, Alicante, 1981). Su práctica artística se basa en la intersección entre arte, coreografía y vida cotidiana. El carácter utópico es esencial en su práctica, y en consecuencia el fracaso de las acciones implicadas. Posee un BFA en la Universitat Politècnica de València, y MA en Performance and Sculpture en el Royal College of Art, Londres.

Rock It’ es la primera exposición individual en su galería valenciana después de haber expuesto en galerías y museos nacionales e internacionales. Ha realizado exposiciones individuales en la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2016), LagerHaus62 (Zúrich, 2015), el Centro Cultural España Córdoba (Córdoba, Argentina, 2014), el Casal Solleric (Palma de Mallorca, 2013), el Instituto Juan Gil-Albert (Alicante, 2012) y el Centro de Arte Tomás y Valiente (Madrid, 2008).

Ha participado asimismo en numerosas muestras colectivas, entre ellas las celebradas en CAC Wifredo Lam (La Habana, 2016), CCEMx (México D. F., 2016), CCEN (Managua, 2016), Josée Bienvenu Gallery (Nueva York, 2016), Herbert Read Gallery (Canterbury, 2015), Museo ABC (Madrid, 2015), The Ryder Projects (Londres, 2015), Alserkal Avenue (Dubái, 2015), MUA (Alicante, 2015), Caryl Churchill Theatre (Londres, 2015), Fundación Cultural Providencia (Santiago de Chile, 2014), DA2 (Salamanca, 2014), Delft Museum (Delft, Holanda, 2014), Friktioner (Uppsala, Suecia, 2014), Local Projects (Nueva York, 2013), Volta (Basel, 2013), Buzzcut Festival (Glasgow, 2013), CCAI (Gijón, 2013).

Chaos dance. Rosana Antolí. Imagen cortesía Espai Tactel.

Chaos dance. Rosana Antolí. Imagen cortesía Espai Tactel.

David Armengol, crítico de arte y comisario independiente dedica las siguientes palabras con respecto a la muestra:

Rock It fue un gran hit de la música de baile en los ochenta, un tema pionero en el uso del turntablism – crear música mediante la alteración de la rotación del vinilo; es decir, avanzando y retrocediendo la temporalidad del sonido – y un vídeo musical de Godley & Cream premiado por la MTV en 1984 tanto por su concepto como por sus efectos especiales. Me fascinó su atmósfera caótica, así como el ansia enloquecida de los autómatas a medio hacer, supeditados a una repetición infinita que llega a anular el sentido de sus actos. Pero al margen de mi lectura, su reiterado visionado me permitió conectar Rock It con la práctica artística de Rosana Antolí, que de eso se trataba.”

“A mi entender, Rock It sintetiza tres de los intereses principales que definen su trabajo en la actualidad. En primer lugar, la coreografía de lo cotidiano; en este caso movimientos rutinarios (levantarse, comer, caminar, cocinar, bañarse…) saturados hasta convertirse en pura disfunción. A continuación, la teatralización de la realidad; un entorno identificable y reconocible (el hogar) que se desvirtúa mediante un devenir sobreexcitado y convulso. Por último, la alteración del ritmo (el scratch) como dispositivo sensible que nos aprisiona y a su vez nos libera de la experiencia repetitiva del espacio social.”

La cultura explosiona en los mercados de Valencia

I edición del Bonic/A Fest
Fiesta en los mercados municipales de Valencia
Viernes 16 y sábado 17 de septiembre de 2016

Los mercados municipales de Valencia alimentarán este sábado 17 de septiembre a la ciudad con una programación cultural y gastronómica en la primera edición del BONIC/A FEST, una iniciativa que nace de la mano de la Regidoría de Comercio del Ayuntamiento, con el patrocinio de Amstel y la colaboración de Merca València, Ford, My Taxi y Grupo Aguas de València.

Cerca del 95% de los mercados municipales valencianos participan en esta fiesta que arranca un día antes, el viernes 16, con la inauguración de la muestra fotográfica Mercats, producida por el programador cultural Amstel Art y firmada por la fotógrafa valenciana Eva Máñez.

Cartel del Bonic/A Fest, por cortesía de la organización.

Cartel del Bonic/A Fest, por cortesía de la organización.

Una exposición en la que se recogen varios de los espacios más característicos de mercados municipales valencianos como el de Algirós, Cabanyal, Benicalap, Ruzafa o Central. Paradas que reflejan su carácter multicultural, la convivencia de tradiciones gastronómicas de diferentes rincones del mundo con los productos autóctonos.

Diez instantáneas de gran formato (3 x 2 metros) captan el proceso de adaptación y transformación experimentado por la ciudad en los últimos años, que tiene su reflejo en los mercados, uno de sus ejes vertebradores, donde se encuentran y abastecen sus vecinos.  Desde el 16 de septiembre y hasta mediados de noviembre puede visitarse gratuitamente esta muestra en la sede del Amstel Art situada en el edificio Veles e Vents.

El sábado 17 será el día grande del BONIC/A FEST con una programación que arrancará a mediodía y que durará hasta medianoche. Para tomar fuerzas, a las 14.00h se realizarán dos paellas populares en los Mercados de Benimàmet y Nazaret. Y a partir de las 20.00h arrancará la programación en el resto de mercados que participan: Castella-Av del Cid, Mercado de Jesús-Patraix, Jerusalem, Russafa, Mercado Central, Rojas Clemente, Mossén Sorell, Torrefiel, Mercat d’Algirós, Cabanyal, El Grau y Benicalap. En sus paradas, los tenderos ofrecerán tapas elaboradas con su materia prima y sus productos frescos. Además, habrá barras con cerveza Amstel y otras bebidas.

Imagen de uno de los puestos del mercado de Russafa. Fotografía de Eva Máñez por cortesía de Bonic/A Fest.

Imagen de uno de los puestos del mercado de Russafa. Fotografía de Eva Máñez por cortesía de Bonic/A Fest.

El pop-rock valenciano tendrá protagonismo gracias a la colaboración del concurso para bandas valencianas emergentes Sona La Dipu, impulsado por la Diputación de Valencia. Actuarán seis de los grupos que han quedado finalistas o han ganado sus últimas ediciones: L’home Brut (Mercado de Castella – Av. del Cid, 23h), La Hora del Té (Jesús- Patraix, 20h), Tardor (Jerusalem, 22h), Desayuno (Rojas Clemente, 23h), Carlos Zanetti (Algirós, 22h) y Octava Polar (Benicalap, 23h).

Otras opciones musicales serán el jazz de Veva’s Band (Mossen Sorell 21h), la música balcánica de la Trocamba Matanusca (Algirós, 20h), el Swing de Le Dancing Pepa (El Grau, 20h) o las versiones de rock mestizo de La Golfería (Grau, 22h). Completarán el cartel la banda 2 Animales (Torrefiel, 20h), Ximo Gómez (Torrefiel, 23h) y el grupo Recámara (Russafa, 20h).  Además, participan la Societat Musical de Peixcadors (Cabanyal 20h) y la Societat Musical de Benicalap (Benicalap, 20h).

Fotografía de la exposición 'Mercados', de Eva Máñez. Imagen cortesía de Bonic/A Fest.

Fotografía de la exposición ‘Mercados’, de Eva Máñez. Imagen cortesía de Bonic/A Fest.

En cuanto a los espectáculos, Amstel aportará demostraciones de baile con la formación Swing Black Bottom (Castella- Av. Del Cid, 20; Jesús, 22h; Mercado Central, 20h; Rojas Clemente, 20h; Torrefiel, 22h; Algirós, 21h; Cabanyal, 22h y Benicalap, 20h.) y la actuación de dos Karaoke Rock Band, que permitirán al público actuar con una verdadera y extravagante banda, cantando los grandes éxitos del rock nacional e internacional (Castella – Av. Del Cid, 21h; Jerusalem, 20h; Central, 22h y Mossén Sorell, 23h).

También se impartirá un taller de hierbas medicinales (El Grau, 21h), habrá demostraciones de bailes de salón (Mossén Sorell, 20 y 22h) y malabares (Jerusalem, 21h y Central, 23h). Como en toda fiesta, habrá charanga y animación (Jesús- Patraix, Torrefiel y Cabanyal). Además, el humor y la música se unirán en el espectáculo Chimichang Comedy Band, de JuJa Teatre (Jesús – Patraix, 23h). Y la moda estará presente en la pasarela Mercafashion, un desfile en el que colaboran los diseñadores valencianos Dolores Cortés, Presen Rodríguez, Lululucía, Andra Cora y Miquel Suay (Russafa, 21h).

Todas las actividades y actuaciones son de acceso gratuito. Se harán hueco en los pasillos y plazas, entre las paradas de productos frescos y sus tenderos, para animar una fiesta que ocurrirá simultáneamente en 14 focos de la ciudad con el objetivo de señalar en el mapa la red de mercados municipales del Ayuntamiento de Valencia. Una jornada para que los vecinos puedan acercarse a conocer y disfrutar de uno de los espacios más vivos de la ciudad: sus mercados.

Black Bottom. Imagen cortesía de Bonic/A Fest.

Black Bottom. Imagen cortesía de Bonic/A Fest.

Alumnos de ESAT se visten de ‘corto’

Ciclo de cortometrajes
Alumnos de 1º de Art & Design, dirigidos por Alberto Adsuara, de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
Bar Red Cup
C / Cádiz, 70. Valencia
Jueves 30 de junio, 2016, a las 19.00h

El bar Red Cup, de la Calle Cádiz 70 en Ruzafa, acoge este jueves 30 de junio, a partir de las 19.00 horas, los cortometrajes realizados por los alumnos de Alberto Adsuara en la asignatura que imparte en la carrera de Arte & Diseño de la Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Los cortometrajes han sido realizados en el curso 2015-2016 en el módulo audiovisual de la asignatura. Los trabajos audiovisuales están compuestos por cuatro cortometrajes sobre distintas temáticas y llevan por título: ‘Ángelus’, ‘Shut Up and Work Hard’, ‘Like’ y ‘Me cago en la puta’.

En el evento habrá una breve presentación y luego del visionado de los cortometrajes habrá un turno de preguntas por parte del público asistente. Está previsto que el acto dure una hora, por lo que se ruega puntualidad.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.

Russafart arranca fuerte pero con débil presupuesto

Russafart. Obrando arte
Diferentes espacios del barrio de Russafa. Valencia
Del 25 al 29 de mayo de 2016

Arístides Rosell, coordinador de Russafart, lo repite una y otra vez: “Tenemos un valor impresionante en el barrio que la institución pública no tiene en cuenta”. Se refiere a los más de 50 estudios que en apenas 5 km2 se concitan en Russafa. “Hasta ahora vive de espaldas a ello”, resaltó. De espaldas a un festival que del 27 al 29 de mayo abrirá las puertas de todos esos estudios que, junto a galerías, comercios y diferentes espacios expositivos, mostrarán el trabajo de 348 artistas. Y todo ello con apoyo en especies, pero nula ayuda económica.

“El Ayuntamiento de Valencia tiene un doble rasero”, denunció Rosell, en referencia a los 20.000€ que sin embargo el Área de Cultura ha aportado al Festival de Artes Escénicas Tercera Setmana, que arrancará en junio. “Han tenido más en cuenta a un festival de reciente de creación que a otros que llevamos años funcionando”. Y demostrando el potencial artístico de un barrio que este año celebra su quinta bienal abriéndose más que nunca al exterior, con la visita de colectivos del barrio de Bellville en París y de Santa Teresa en Río de Janeiro. Artistas de Russafart ya han estado en el barrio parisino, y otros lo harán después con Río, en lo que constituye un enriquecedor intercambio cultural. La galería el Tossal y la Biblioteca Nova Al-Russafí acogerá los trabajos de esos colectivos.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

“Demandamos acompañamiento de la institución pública: velar por lo que sucede en la ciudad”, manifestó Rosell, contrariado por ese doble rasero institucional. Doble rasero económico que se extiende al régimen de ayudas, “a las que nos presentaremos todos”, aludiendo a las nueve asociaciones que conforman la Plataforma de Iniciativas Culturales Urbanas (PICUV), y de las que han sido excluidos los organizadores de Tercera Setmana recibiendo ese trato de favor. A pesar de todo, el “museo expandido en el barrio”, como fue definido Russafart “continúa creciendo y desarrollándose”, subrayó Rosell.

Román de la Calle, catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universidad de Valencia, que desde su primera edición viene apoyando el festival, incidió en ese carácter museístico de Russafart: “El IVAM ha introducido la ciudad entre sus reflexiones y vosotros el museo en el barrio”. Pintores, escultores, fotógrafos, videoartistas y performers participan en un festival que desplegará, además, alrededor de 500 actividades paralelas en cuatro días.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

De ahí lo de museo expandido y de ahí también el lamento de sus organizadores por tener “que partir de cero” cada año, a pesar del voluminoso y cualitativo aporte artístico del barrio a la ciudad. “Se hace desde la precariedad más absoluta”, insiste Rosell, “cuando estamos contribuyendo a la revitalización de Russafa y a que se conozca Valencia a nivel nacional e internacional”. En cualquier caso, el coordinador del festival artístico huye de la palabra moda. “No me gusta decir que está de moda, porque las modas pasan y aquí se ha creado un tejido cultural que ha dinamizado el barrio y escapa de esas modas”.

Una exposición colectiva en la galería Imprevisual, con obras de formato 20×20 donadas por los propios artistas al precio de 50€ por pieza, combina la exhibición de 149 trabajos y la casi única posibilidad de recaudar fondos. “El recurso de Verkami [plataforma digital de micromecenazgo] no ha funcionado muy bien hasta la fecha”, reconoció Rosell. Lo que sí está funcionando es la aplicación digital creada por Esam Tecnología, de la Universitat de València, que servirá de guía por los diferentes itinerarios. “Apenas puesta en funcionamiento ya llevamos más de 300 descargas”, destacó Vicente Llorens, responsable de la empresa tecnológica.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

La empresa privada, a la espera de la tan ansiada ley de mecenazgo, también aporta su grano de arena al festival. Embajada Alhambra, espacio ideado por la marca cervecera, reunirá en Cosín Estudio las últimas creaciones de artistas como Paco Roca, Vicente Talens, Marco Caparrós, Omega TBS y Raquel Rodrigo. Y EMT, empresa de transporte municipal (he ahí el aporte institucional en especie), cederá un microbús para que los niños lo pinten y hagan graffitis sobre su chapa a modo de talleres creativos. La artista de Russafart Hélène Crecent será la encargada de guiar ese “espíritu gamberro” (Rosell) de los más pequeños.

Román de la Calle definió la cultura que a borbotones fluye en Russafart como ese “pequeño afluente que nada entre dos ríos: la política y la economía”. Carmen Amoraga, directora general de Cultura y Patrimonio, en representación de ese primer río, dice en el catálogo del festival que el mundo de la creación es “un sector estratégico en el nuevo modelo de desarrollo socio-cultural y económico justo y sostenible en el que estamos trabajando”. Por eso valora “mucho la aportación que hace Russafart”. Lástima, como ironizó De la Calle “que [el barrio] no tenga mar”, aunque “sí la mar de imaginación”. De momento, a falta de ese otro río económico, Russafart desde luego nada en la abundancia.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Salva Torres

ESAT asalta Ruzafa

Exposición fotográfica de alumnos de ESAT
Cuatro Monos
C / Reina Doña María, 7. Valencia
Viernes 19 de febrero de 2016, a las 19.30h
Circuito: Restaurante Ossea (C/Romeu de Corbera, 9) y La Pecera (C/Cádiz, 86)

Por segundo año consecutivo el barrio de Ruzafa acoge una muestra de los trabajos fotográficos realizados por los alumnos de ESAT. Alberto Adsuara es el profesor responsable de la asignatura ‘Fotografía de Estudio’, formación que imparte desde hace diez años a los alumnos de primer curso de la carrera Arte&Diseño, de la escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia www.esat.es.

La temática -todo un referente en el mundo del arte fotográfico- está basada en la obra del fotógrafo y director norteamericano David La Chapelle, obra de estética particular que se podrá apreciar en esta muestra de fotografía.

Fotografía de Ana Sora. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Ana Sora. Imagen cortesía de ESAT.

En un radio menor de 100 metros, jóvenes estudiantes de fotografía vivirán la experiencia de ver expuesta su obra recién horneada en diversos locales de Ruzafa, con lo que ello supone de intensa formación y posterior riesgo expositivo.

Y puestos a correr riesgos, nada mejor que tomar como modelo a LaChapelle, fotógrafo del glamour bizarro, irreverente y creador de atmósferas inquietantes. Algunas de ellas, recreadas por los alumnos de Adsuara, ya sea tomándole a él como palmaria referencia o siguiendo los consejos del maestro, también él fotógrafo de turbadoras escenografías.

La inauguración será el viernes 19 de febrero en el bar Cuatro Monos (C/Reina Doña Maria, 7). El recorrido -un circuito artístico- continúa en Ossea y Line Up, ambos en la Calle Romeu de Corbera del barrio de Ruzafa.

Fotografía de Garson. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Garson. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Antonio Pérez. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Antonio Pérez. Imagen cortesía de ESAT.

 

Sótanos de identidad: Marie-Lou Desmeules

Tras más de una década de residencia en Berlín, la artista canadiense Marie-Lou Desmeules tomó la determinación de trasladarse a Valencia, hace más de tres años, portando consigo un turbio equipaje de vestigios plásticos, emparentados con los hipogeos de la identidad como temática vertebral de su trabajo, para transitar por los hediondos cauces y alcantarillas levantinas, en permanente búsqueda y sed de metamorfosis, al azucarado calor del Mediterráneo.

Makma se traslada a su estudio, en pleno corazón primigenio del barrio de Ruzafa, para ser testigo inmediato de una de sus Surgeries (Cirugías) y conversar, de un modo ulterior, acerca de sus perturbadoras inquietudes y singularísimo proceso de trabajo.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿Por qué motivo has escogido la figura de Klaus Nomi para realizar tu última Cirugía?

En homenaje a su fascinante personaje, su música y estética plástica tan heterodoxa.

¿A qué serie pertenece esta Surgery?

A una nueva serie vinculada con artistas e iconos alemanes (todavía carece de nombre).

¿Cuáles han sido tus últimas series y trabajos de transformación?

Travis Brickle, Eminem, Don Limpio, Chewbacca, John Waters, Divine, Dolly Parton, así como autorretratos de pintores como Gustave Courbet y Van Gogh.

También he estado recientemente en Bucarest, donde he hecho una perfomance experimental en vivo con el compositor electrónico Silent Strike, además de una Cirugía con una actriz rumana como modelo.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

¿En qué momento y por qué motivo descubriste y comenzaste a explorar el universo de las Surgereis?

Después de años pintando retrato sobre lienzo, comencé a pintar sobre la gente durante mis dos últimos años de residencia en Berlín -estancia que prolongué durante una década-. La idea de que el individuo desaparece detrás de una imagen me ha fascinado muchísimo desde mis comienzos.

En el primer año de mi proceso de experimentación trabajaba en un taller sito en una enorme y vieja brasserie industrial, en la Landsbergerallee. Era un piso justo encima de un estudio de BDSM -disciplina de bondage y sadomasoquismo-. Se escuchaban los gritos de las masoquistas y los electroshocks mientras trabajaba sobre mis modelos. Este ambiente ha sido el punto culminante del comienzo de mis Cirugías, desarrollando en esta etapa diversas series de transformaciones monstruosas-pop. Posteriormente, he hecho series de social-reality (esta vez mi taller se encontraba frente a una casa para personas sin hogar), celebrities y políticos internacionales.

¿Qué materiales y estilos sueles emplear?

Utilizo materiales fibrosos como pelos, telas y papeles, además de acrílicos. Trabajo mezclando el pop, el bad art y el grotesque, entre otros, conformando elementos y estilos que son parte final de la estética de mi obra.

Ha de tenerse en cuenta que una Cirugía es muy compleja. Es un mezcla de medios y técnicas diferentes, como fotografía, escultura, pintura y performance, para los que combino estilos y referencias de la historia del arte y de la  música, además de un importante proceso de preparación y una dosis ineludible de improvisación.

Composición de imágenes de la obra 'En el centro de belleza'. Fotografía cortesía de la artista.

Composición de imágenes de la obra ‘En el centro de belleza’. Fotografía cortesía de la artista.

¿Qué papel juega la música en el proceso de tu obra y con qué soundtrack sueles trabajar en tu estudio?

De la música, como de la vida, es de donde saco toda la energía. La reproduzco igualmente para mis modelos durante las Surgeries; como estos no se pueden mover, ni hablar (en ocasiones ni ver), confío en que la música les transporte durante el viaje/’operación quirúrgica’.

Un buen soundtrack para trabajar debe ser una selección ecléctica de estilos que dan emociones diferentes -ligero, agresivo, festivo, dramático, surreal, diva, opera, kitsch, japonés, clásica, etc.-. Cada Cirugía tiene su playlist diferente y lo pongo en shuffle mode, de este modo es siempre una sorpresa y forma parte de la improvisación.

Por ejemplo, en la última Cirugía de Klaus Nomi había canciones de Philipp Glass, Brad Mehldau, Erik Truffaz, Klaus Nomi, Amanda Lear, Nitzer Ebb, Señor Coconut, Bohren, Bach, Nino Ferrer, Klaus Wunderlich, Van McCoy…

Tus Cirugías trabajan permanentemente sobre un concepto asociado a la identidad y a la máscara.

En mi trabajo nos encontramos con la imagen de una persona sobre otra. A través de esta superposición me interesa conversar sobre la identidad, los géneros (genders) y las cirugías plásticas en sí mismas, entre otras cuestiones. En mi serie de Celebrities, por ejemplo, procuro tratar la imagen de los famosos como resultado de un post-internet-patchwork.

Me fascina el poder de la imagen, en una época de selfies egomaníacos, en la que la belleza se asocia ineludiblemente a los conceptos de dinero y felicidad. Una obsesión por querer ser amado por nuestra imagen, por conocer a gente, ignorando quién palpita detrás realmente

Una cirugía estetico-plástica es similar a una máscara, diluye la identidad. Y cuanto más ansía un paciente parecerse a otra  persona, tanto más grotesco resulta.

Imagen de la obra 'La Dolce Vita'. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la obra ‘La Dolce Vita’. Fotografía cortesía de la artista.

Tu obra ha sido referida en medios de comunicación y magazines internacionales, desde la costa oeste de Estados Unidos hasta los confines del este asiático, pasando por exposiciones en Alemania, los países de Europa Central y Turquía. ¿Consideras que en España, en general, y en Valencia, en particular, aún no se ha comprendido tu trabajo?

Es verdad que mi trabajo ha tenido mas éxito internacional -sobre todo en Nueva York, L.A. y Londres-, pero en Valencia dispongo de una lista de modelos con quienes trabajo con mucho gusto y siempre existen muchas personas interesadas en participar o que me preguntan cuándo y dónde voy a exponer mi trabajo en España.

¿Qué proyectos tienes en mente para 2016?

Ir a Nueva York y Tokyo. Encontrarme con diversos  artistas y galeristas, así como alimentar mis ojos y mi mente. También existen varios proyectos sobre los que todavía no puedo concretar detalles, como uno en Alemania, así como transformaciones sobre músicos famosos de Inglaterra y Estados Unidos. Y, por supuesto, planificar/exponer aquí en España.

http://www.marieloudesmeules.com
Instagram: @marieloudesmeules

Jose Ramón Alarcón