CALL: 17 años, 18 propuestas

XVII Edición de CALL, Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 11 de septiembre de 2015

Un total de 18 propuestas, de las más de 500 presentadas, han sido las seleccionadas para la XVII Edición de CALL, la convocatoria internacional de jóvenes artistas de la galería Luis Adelantado. La selección de los artistas participantes ha estado a cargo de la directora de la galería Olga Adelantado.

Obra de Andreu Porcar en la XVII Edición de Call en Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

Obra de Andreu Porcar en la XVII Edición de Call en Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

Este año la presentación de dossieres ha sido similar a la del año pasado, pero como indica la propia Adelantado, “hemos notado que la calidad de las propuestas ha aumentado considerablemente, lo que nos indica una mayor profesionalización de los artistas que ya venimos observando en anteriores ediciones”. Y añade: “Cabe destacar también la calidad de las propuestas de los artistas españoles con respecto a otros años, un total de 13 artistas, de los cuales siete son de la Comunidad Valenciana. A los españoles les sigue la presencia peruana con dos artistas, y completa la selección una artista francesa, una artista alemana y otra suiza. Un total de 20 artistas y 18 propuestas”.

Obra de Camille Tsvetoukhine en CALL de Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

Obra de Camille Tsvetoukhine en CALL de Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

El recorrido artístico de los participantes es muy diverso y plural, si bien su edad oscila entre los 24 y 36 años. Muchos de ellos, a pesar de encontrarse en el primer tramo de sus carreras, ya tienen en su haber una trayectoria destacada con presencia en galerías e instituciones, síntoma de su rigurosidad e implicación profesional. Algunos ya tienen en su haber premios y menciones importantes.

Los medios con los que se expresan en sus obras son tan diversos y amplios como su background. Abarcan desde la fotografía, el dibujo, la pintura, la intervención, el collage, la instalación o el objeto escultórico.

Los artistas seleccionados en la XVII Edición de CALL de Luis Adelantado, con la responsable de la convocatoria Olga Adelantado en el centro de la imagen en primera fila. Cortesía de la galería.

Los artistas seleccionados en la XVII Edición de CALL de Luis Adelantado, con la responsable de la convocatoria Olga Adelantado en el centro de la imagen en primera fila. Cortesía de la galería.

Los 18 artistas participantes en la décimo séptima edición son: Alberto Feijóo (ESP), Julia Fuentesal & Pablo Muñoz de Arenillas (ESP), Usoa Fullaondo (ESP), Ainhoa Salas & Guillermo Lechón (ESP), Javier Martín (ESP), Amanda Moreno (ESP), Nina Paszkowski (SUI), Eduardo Peral (ESP), Sergio Pilan (ESP), Mercedes Pimiento (ESP), Andreu Porcar (ESP), Juan Carlos Rosa (ESP), Cristina Santos (ESP), Iván Sikic (PER), María Tinaut (ESP), Juan Diego Tobalina (PER), Camille Tsvetoukhine (FRA) y Anne Wölk (GER).

Obra de Usoa Fullaondo en la XVII edición CALL de Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

Obra de Usoa Fullaondo en la XVII edición CALL de Luis Adelantado. Cortesía de la galería.

Art Dating ya está en marcha

III Art Dating
Máster Oficial en Producción Artística de la Facultad de Bellas Artes de Valencia
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C/ Sant Ferran, 3. Valencia
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Martes 19, miércoles 20 y jueves 21 de mayo de 2015

Art Dating es un programa docente organizado por el Máster Oficial en Producción Artística de la Facultat de Belles Arts de València, cuya  tercera edición se va a llevar a cabo en el Octubre Centre de Cultura Contemporánea y en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern Centre Julio González, los días 19, 20 y 21 de Mayo de 2015. Art Dating se engloba en el marco de SELECTA 15, un proyecto dirigido por el profesor Pepe Miralles que tiene como objetivo ofrecer una experiencia docente de profesionalización a los estudiantes del Máster.

Cartel anunciador de Art Dating.

Cartel anunciador de Art Dating.

La idea que impulsa Art Dating es propiciar una experiencia directa en la que el alumnado tenga la oportunidad de mostrar su trabajo en condiciones de horizontalidad y cercanía a artistas profesionales, críticos, gestores culturales, profesores y galeristas, situación que resulta poco frecuente para un artista en vías de profesionalización.

Estas son las actividades que se van a realizar.

Encuentros. Están dirigidos a estudiantes del MPA que han solicitado participar en los mismos. Cada día participan 10 estudiantes que podrán conversar con los profesionales sobre su trabajo. De 09: a 14:00 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Mariano Poyatos Mora. Escultor y director del laboratorio y espacio de arte Collblanc.

Juan Carlos Meana, (Vitoria 1964) es Profesor Titular del Departamento de Pintura de la Universidad de Vigo en España. Se doctoró en Bellas Artes en el año 1993 en la Universidad del País Vasco, habiendo cursado estudios en la ENSBA de París con Cristian Boltanski. Su actividad se centra en la práctica artística contemporánea, especialmente la escultura y las instalaciones habiendo realizado veinte exposiciones individuales y numerosas colectivas.

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural. Licenciado en BBAA por la UPV y máster interuniversitario en Gestión Cultural UV/UPV. En la actualidad forma parte de la Asamblea que gestiona el Solar Corona de Valencia y del equipo de organización del festival de arte urbano Intramurs, per l’art a València.

Isabel Puig Mir es licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València. Su certeza en cuanto a la importancia de la educación en los espacios culturales, le lleva a completar su formación con el posgrado Educación artística y gestión de museos, dirigido por los profesores Román de la Calle y Ricard Huerta. Es socia fundadora de AVALEM, la primera asociación valenciana de educadores en museos y patrimonios, de la que es actualmente Presidenta.

Johanna Caplliure. Comisaria, filósofa y crítico de arte. Organizadora de actividades culturales. Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València UVEG. Licenciada en Filosofía por la Universitat de València UVEG.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miguel Benlloch y Ángela Molina Climent con participantes de Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

Jorge López. Artista visual y director artístico de Galería Punto.

José María Alonso Calero, nacido en 1969 en Málaga, España. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Víctor del Río es doctor en filosofía y profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Salamanca, donde integra el equipo del Máster de Estudios Avanzados en Filosofía.

Kay Bear Koss es una artista, escritora y comisaria que ha trabajado con organizaciones comunitarias sin ánimo de lucro y proyectos artísticos en muchos países diferentes a lo largo de los últimos años.

Marisol Salanova es licenciada en Filosofia por la UV, Máster en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de la UV, comisaria independiente y directora de Micromegas, editorial murciana dedicada a la publicación de ensayo sobre arte contemporáneo.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Javier Martín-Jiménez con Aris Spensas en Art Dating2 (2014). Fotografía de Enric Mestre. Imagen cortesía de AVVAC.

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Paula Pastor es Licenciada en Historia del Arte y co-directora/fundadora de galeria9, Valencia.

Lorena Amorós Blasco es doctora en Bellas Artes por la UPV (2004). Fue galardonada con el I Premio Tesis Doctoral por el Instituto de Cultura Juan Gil-Albert de Alicante. Actualmente es profesora en la Facultad de Bellas Artes de Murcia.

Antonio Barroso es artista plástico, comisario de exposiciones y critico de arte, actualmente es Presidente del Festival de las Artes Ciutat Vella Oberta, miembro del consejo asesor de La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellon MARTE, y director artístico de la galería de arte contemporáneo SHIRAS.

Alba Braza (Valencia, España, 1980) es comisaria de exposiciones y trabaja como coordinadora de proyectos culturales y de mediación didáctica en Culturama SL. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, especialista en Museología, Museografía y Conservación de Museos por la Universidad Politécnica de Valencia y egresada en el Máster en Gestión y Análisis del Arte Actual por la Universidad de Barcelona.

Conversaciones: Cuatro estudiantes de nuestro Máster mantendrán una conversación con el profesorado invitado a esta actividad, que pertenece a otras facultades de Bellas Artes del estado español. De 16:00 a 17:30 h.

Martes 19 de mayo

Profesionales invitados:

Juan Carlos Meana, profesor Facultad de Bellas Artes de Vigo

Miércoles 20 de mayo

Profesionales invitados:

José María Alonso Calero, profesor de la Facultad de Bellas Artes de Málaga

Víctor García del Río, profesor Facultad de Bellas Artes de Salamanca

Jueves 21 de mayo

Profesionales invitados:

Lorena Amorós, profesora Facultad de Bellas Artes de Murcia

Mesas Redondas: Art Dating quiere tener una proyección en el contexto social y artístico de la ciudad de Valencia. Estas mesas redondas están abiertas al público en general y se realizan en el IVAM a las 19:00h.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Art Dating (2013). Las Naves. Fotografía de Verónica Francés.

Martes 19 de mayo

Otras prácticas artísticas, otros modos de hacer. Otras economías.

Profesionales invitados:

Domingo Mestre (United artists from the Museum). Activista visual, escritor y productor cultural.

Raúl Abeledo. París (1973). Doctor en Ciencias Económicas (2010) y Máster en Estrategias y Gestión Ambiental (1999).

Llorenç Barber. Músico practicante pionero del Arte Público Sonoro mediante intervenciones y propuestas como Conciertos de Ciudad, De Sol a Sol, Naumáquias, Tauromáquias, etc.

Miércoles 20 de mayo

Dispositivos para la profesionalización del artista.

Profesionales invitados:

Eva Caro. Licenciada en BBAA. Gestora cultural con experiencia en Museos de Etnología, Arte Moderno y Contemporáneo.

Marisol Salanova.

Jorge López

Izaskun Etxebarria, AVVACC, Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló. Asociación destinada a reunir dentro de una forma jurídica común al colectivo de artistas visuales de la Comunidad Valenciana.

Jueves 21

Enseñar sin invisibilizar la diversidad sexual.

Profesionales invitados:

Ricard Huerta es profesor titular de educación artística en la Universitat de València. Director del Instituto Universitario de Creatividad e Innovaciones Educativas.

Tatiana Sentamans es Doctora en Bellas Artes, Profesora de la Facultad de BBAA de Altea, miembro del grupo artístico O.R.G.I.A desde su nacimiento en 2001, y del grupo de investigación FIDEX de la UMH.

Luis Noguerol, es Licenciado en Historia del Arte. Secretario de AVALEM. Coordinador Área de Cultura de FELGTB (2012-2015) y en la actualidad responsable de proyectos culturales en Lambda.

Andrés Latorre López. Licenciado en Historia Contemporánea e Historia del Arte por la Universidad de Valencia.

Movimientos complejos en lugares híbridos

BIAM 2014
Premi 13ena Biennal d’Art Ciutat d’Amposta
Centre d’Art Lo Pati
Hasta el 30 de agosto de 2014

Una característica ya previsible del arte contemporáneo es la contaminación entre prácticas en su búsqueda, siquiera formalmente, de la novedad y como material necesario para adecuarse a la sociedad cambiante. Como dice una frase célebre que tiene algo de mágica, “la novedad es vieja como el mundo”, y aún así, en el presente debe prevalecer la opción de permitirnos caer de nuevo en la trampa más dulce: responder con frases ya dichas a las preguntas tantas veces planteadas. Una mirada mínimamente distinta al motivo de análisis puede conseguir un cambio notable en el modo como enfrentamos nuestros grandes temas y deseos, y ese pequeño gesto vale su peso en oro dentro del sistema artístico, ávido y necesitado de estímulos constantes.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

La emergencia es consustancial al arte contemporáneo. Es un recurso que ha aceptado con resignación o incluso promovido con naturalidad, reflejo de un mundo cambiante, pero seguramente también de un ámbito profesional dado a la inestabilidad y la búsqueda sin tregua de lo novedoso. La última entrada de la magna obra Arte desde 1900 (Akal, 2006) orquestada por H. Foster, R. Krauss, Y-A. Bois y B. Buchloh corresponde al año 2003 y en ella se nombra la exposición Zona de emergencia, comisariada por Francesco Bonami para la 50ª Bienal de Venecia, como ejemplo de la “naturaleza informal y discursiva de gran parte del arte y el comisariado recientes”. Los teóricos de October resumen eficazmente una serie de prácticas que pare ellos “se inspiran en una amplia lista de precedentes como los objetos preformativos de Fluxus, los materiales humildes del Arte Povera y las estrategias específicas para el sitio de artistas críticos con las instituciones”. Estas tres características, a las que se suman los procedimientos archivísticos de índole y condición muy variadas, marcan la mayoría de los proyectos que se han realizado en el ámbito del arte contemporáneo de las últimas décadas. Y todo indica que sigue siendo así.

La posible confusión entre las nomenclaturas arte contemporáneo o arte actual (un modo de ir más allá de la historia en un momento en que el presente parece estirarse sin fin) la resuelve Giorgio Agamben sin hablar de arte, pero sí de un genérico lo contemporáneo que fácilmente puede asumirlo dentro de su definición. Regresa a Nietzsche para indicar que éste “sitúa su pretensión de ‘actualidad’, su ‘contemporaneidad’ respecto del presente, en una desconexión y en un desfase”. Y continúa explicando Agamben que “pertenece en verdad a su tiempo, es en verdad contemporáneo, aquel que no coincide a la perfección con éste ni se adecua a sus pretensiones, y entonces, en este sentido, es inactual; pero, justamente por esto, a partir de ese alejamiento y ese anacronismo, es más capaz que los otros de percibir y aferrar su tiempo.”[1]

El alejamiento es también la distancia crítica óptima para realizar un análisis ajustado de una situación concreta; y el anacronismo no es tanto la voluntad expresa de vivir en otras épocas pasadas, como la necesidad de no aceptar todo lo que el presente ofrece y con lo que apabulla y aturde. Es en esos matices donde sí parece posible encontrar vías de definición de lo contemporáneo en contraste con las propias de lo actual. Aferrarse a su tiempo, entendido éste con una cierta perspectiva histórica y complejidad, es lo que la actualidad no puede hacer, pues precisamente por su carácter actual, debe ir adecuándose a las variaciones ad infinitum que las tendencias marcan.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Los movimientos complejos en espacios híbridos bien podría entenderse asimismo como movimientos híbridos en espacios complejos. Entendiendo por movimiento una acción al respecto de un deseo social, personal o político que acontece en un espacio no tanto real, aunque también, como imaginado. La hibridación implica complejidad, y ésta a su vez no puede siquiera definirse sin la mezcolanza y la transversalidad de varios agentes que actúan inequívocamente sobre una cuestión precisa. Las prácticas artísticas lo son especialmente por el contexto donde se ofrecen y por la actitud de quien lo lleva a término.

Al hablar de la fotografía dentro del ámbito del arte contemporáneo, Peter Osborne indica que ésta “pasó a formar parte del ‘arte’ en el momento en que el ‘arte’ pasó a ser post-conceptual. (…) Podría decirse (…) que la fotografía es arte en la medida en que es una práctica post-conceptual.”[2] Del mismo modo, determinadas prácticas y dispositivos, no vinculados directamente al arte, lo son en la medida en que representan una práctica post-conceptual. La 12ª edición de BIAM tiene la cualidad, tal vez única en su historia, de aunar el trabajo emergente de artistas jóvenes o muy jóvenes que presentan obras llamadas a inscribirse en el panorama de la contemporaneidad artística, junto con el trabajo de artistas pertenecientes a una generación consolidada, incluso podría decirse de media carrera, que tal vez participen de esa señal de emergencia que sigue emitiendo el sistema artístico dentro del Estado español, inoperante para establecer unos mínimos que permitan extender la profesionalización artística. Es también esta particularidad híbrida, intergeneracional, polivalente en los trabajos y compleja en los dispositivos y los temas tratados una característica del momento presente, donde el medio artístico es cuestionado bien desde la técnica, bien desde la credibilidad de su alcance real; tanto desde su autonomía tendente al ensimismamiento como desde la funcionalidad social y política de sus planteamientos. Unas cuestiones aferradas a su tiempo, y que aquí emergen para definirlo.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Álvaro de los Ángeles


[1] Giorgio Agambem, “¿Qué es lo contemporáneo?”, en Desnudez, Anagrama, Barcelona, 2011, p. 18.
[2] Peter Osborne, “Filosofía y fotografía: La ontología social de la imagen”, en Instantáneas de la fotografía, Arola Editors, SCAN 2009, Tarragona, p. 119.

¿Profesionalización o precarización?

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló agradecen a la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y a su cuerpo docente que en los últimos años (2013 y 2014) se haya contado con la Asociación para colaborar puntualmente en proyectos como PAM o SELECTA, en los cuales AVVAC ha podido participar en mesas de debate, designar artistas para participar como jurados u organizar eventos de envergadura nacional como ART DATING I y II.  Estas colaboraciones han posibilitado además el contacto y proximidad entre estudiantes, artistas emergentes y profesionalizados con profesionales de las artes visuales contemporáneas a nivel nacional, lo cual ha consolidado y tejido lazos más fuertes dentro del sector.

En las apariciones públicas de los distintos representantes de la junta directiva de AVVAC que se han producido en el marco de esto eventos, AVVAC ha dejado muy clara su postura sobre la defensa de los derechos de los artistas y la necesidad de la implementación de las bases que construyan los cimientos para la profesionalización del sector.  Estas declaraciones, conferencias y/o charlas informativas ante un público universitario, principalmente alumnos del máster de producción artística, tenían como objetivo explicar de una manera muy didáctica los pilares fundamentales de la profesionalización y la necesidad de aplicarlos para realmente hacer viable y sostenible el ejercicio artístico en todos los niveles del sector (creación, gestión, etc.).

Sin embargo, creemos que aún queda un largo camino por recorrer y quizás estos presupuestos no han sido comprendidos ni asumidos por la Universidad. La profesionalización en lo tocante a exponer en un espacio público se basa en el respeto a la libertad de expresión y los derechos de autor, así como en la formalización de un contrato por escrito y la remuneración por el trabajo realizado.  Estos tres puntos son los pilares básicos que se consideran y se practican en el ámbito profesional en cualquier centro de excelencia del país.  Si una universidad forma profesionales, y organiza una exposición en una institución como el Centro del Carmen, financiada con dinero público, estos puntos deberían de estar claros para cualquier organizador de las exposiciones realizadas por los responsables de los masters en producción artística como PAM o SELECTA. Volvemos a repetir que no tiene ningún sentido que el artista siga siendo ninguneado como profesional. En realidad a los artistas y ex alumnos de estos másteres no se les ha proporcionado una auténtica experiencia de profesionalización (que es lo que supuestamente han pretendido desde el ámbito universitario), sino que más bien han representado experiencias de precarización.

¿Por qué son experiencias de precarización?

En el caso específico de la exposición “PAM PAM!” en el Centro del Carmen, a los artistas participantes ni se les ha hecho un contrato por escrito ni se les ha remunerado por el trabajo realizado (o por los derechos de comunicación pública de las obras de las cuales son autores y propietarios).  Tampoco se les ha preguntado sobre cómo gestiona cada artista sus derechos de autor y si tiene contratada algún tipo de licencia antes de que se haga uso de sus imágenes en medios y soportes.  Tampoco han sido informados sobre el coste total del proyecto expositivo ni se les ha facilitado un desglose del mismo, y tampoco se les ha ofrecido proveerles con una ayuda de producción para sus obras.

Hemos podido conocer a través de la rueda de prensa concedida el jueves 24 de Julio de 2014 que el Consorcio de Museos ha aportado para este proyecto una cifra en torno a 10.000€, sin haber precisado en qué se han invertido y cómo se han repartido.  Sin embrago lo que sí sabemos a ciencia cierta es que la remuneración a los artistas no ha sido contemplada en el presupuesto.

En conclusión podemos decir con rotundidad que de este modo los alumnos de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia tienen su primera experiencia de “precarización” y “amateurización” en una institución pública, Consorcio de Museos, organizada por otra institución, la Universidad Politécnica de Valencia, y que ambas deberían dar ejemplo de buenas prácticas profesionales.  Sin embargo, y como es de costumbre en la Comunidad Valenciana, sí se editan, como en el caso de “PAM PAM!”, catálogos colectivos con las obras de los artistas, cuya utilidad curricular a nivel profesional es cuanto menos cuestionable, pero que en cambio sí sirven de mucho a las imprentas, diseñadores gráficos y autores de los textos que acompañan a las obras, los cuales todos sí ven remunerado su trabajo de una manera directa o indirecta.

Desde AVVAC queremos expresar que nos sorprende y decepciona que la Facultad de Bellas Artes de Valencia no preste más atención a la práctica de la profesión conforme a unas mínimas normas deontológicas, puesto que están formando profesionales que tienen que tener los mismos derechos que sus homólogos de otras carreras.  No nos sorprende tanto que lo haga Consorcio de Museos puesto que la falta de consideración del artista como profesional es su práctica habitual, funcionando este ente como una estructura que en lugar de potenciar y dinamizar el tejido creativo lo precariza y desarticula.

Una vez más AVVAC lamenta la situación expuesta en este escrito y hace un llamamiento al sentido común y profesional del cuerpo docente universitario para en el futuro aplicar con el máximo respeto y rigor el concepto de profesionalización que los profesionales y Asociaciones representantes de los profesionales de las artes visuales defendemos.

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

Con el apoyo de la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)

Donde habita el olvido

No es cierto que el poder corrompa. El poder, sencillamente, produce amnesia. Del mismo modo que la melancolía, hoy tipificada como depresión, fue una enfermedad corriente a  finales del siglo XIX, la no menos dañina amnesia política, o el olvido sistemático del que ciertos políticos hacen gala  será, con seguridad, una de las patologías características de finales del siglo XX y comienzos de éste. Un olvido selectivo y una falta de pigmentación sanguínea, que impide el rubor en situaciones vergonzantes, en las que un ciudadano normal parecería un crustáceo cocido, son los síntomas más evidentes de esta dolencia. Bajo esta óptica, por tanto, podemos comprender no solamente el sistemático incumplimiento de programas electorales por parte de los dos partidos que se alternan en el poder, sino las recientes declaraciones de Felipe Garín, director del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, el pasado 24 de junio en este mismo medio, las cuales son el motivo por el que se escribe este artículo.

Pero vayamos por partes. Sería terriblemente indecoroso señalar con un dedo acusatorio a cualquier persona cuyas acciones, palabras o sentimientos son producto de una enfermedad. Por no mencionar que olvidos, sean pequeños o grandes, tenemos todos: ¿quién no se ha visto nunca en la situación de apelar al donde dije digo, digo Diego? Sin embargo, lo que sí se puede hacer es argumentar y razonar, lo cual, si el sentido común imperara en las instituciones culturales  valencianas, tendría que ser la constante dentro del marco de una democracia plena y saludable, pero como ya se ha dicho en alguna otra ocasión recientemente, tenemos la cultura que tenemos (sic), y punto. Y si dicen las malas lenguas que falta comunicación entre las instituciones valencianas y los profesionales del sector del arte, habrá que hacer oídos sordos porque en realidad no hace falta, y es que ya hay una comisión científico-técnica que lo resuelve todo. Para mí, particularmente, el mero hecho de calificar de científica a una comisión encargada de dar el visto bueno a las exposiciones del Consorcio podría aparecer en una antología del dislate, pero nos estamos desviando del tema. El tema es que a estas alturas la comisión científico-técnica todavía no le ha explicado a don Felipe Garín cual es la diferencia entre pagar la producción de una pieza y ponerle un marco, y de que no hay argumento científico que sostenga que el único profesional que no debe cobrar por trabajar en un proyecto expositivo es el artista, como de hecho sucede, de modo que al parecer no sólo no hay comunicación entre el Consorcio y los profesionales del arte, sino que ni tan siquiera hay comunicación entre los propios integrantes de tan magna institución. A ver si un día de estos le explican que en la producción van incluidos todo tipo de gastos, honorarios del artista incluidos.

Porque el artista, y este es otro tema, no es exactamente un trabajador (sic). Al artista las obras le crecen en el estudio por generación espontánea. No son fruto de años de estudio y dedicación, las más de las veces pasando por la Universidad, y el alquiler del taller, los materiales frecuentemente costosos y las horas de trabajo físico y mental son pequeñas bagatelas que corren a cuenta de esa tía ricachona que cualquier artista que se precie tiene a la vuelta de la esquina, encantada de resucitar la antigua costumbre del mecenazgo. De modo que si cede para una exposición alguna de esas obrillas de poca monta que nada le han costado de realizar, pues que no se le suba el ego a la parra que todavía no ha llegado a la categoría de pintor normal. Los cuales habrá que suponer que son los que pintan las paredes de blanco, es decir, los auténticos profesionales.

Esto viene a cuento de que todavía recuerdo la alegría, no exenta de cierto escepticismo, con la que Nacho París, el anterior presidente de AVVAC, tras una reunión con Felipe Garín hará ya más de año y medio, nos transmitió a algunas personas la firme convicción que había mostrado el director del Consorcio respecto a la obvia obligación moral del pago a los artistas en las exposiciones, ejemplificando que a él mismo, tras dar una conferencia, le habían pagado con un libro, a lo que él se había preguntado dónde estaba el libro para pagar al electricista que fuera a su casa. Pero ya se sabe la epidemia que está asolando la política, haciendo estragos en los más inopinados recuerdos de nuestros dirigentes. Algunos de ellos olvidan incluso que su labor consiste en servir a la ciudadanía, y hay que recordarles que la tarea principal del Consorcio de Museos consiste en promover una política museística sostenible y de calidad, que para eso cuentan con un presupuesto de más de dos millones de euros, como se dijo en una rueda de prensa a principios de año. Por tanto, sostenible significa que apoyan y enriquecen el tejido cultural de la región, pagando a los profesionales por su trabajo y ofreciendo una programación expositiva de calidad, que es la única forma de que ese dinero público, de todos los ciudadanos, revierta en la sociedad.  Puesto que si priorizan la financiación privada de las exposiciones y no pagan a los artistas, la gran pregunta que a todos nos gustaría que nos respondieran es a qué pesebres van a parar tantos dineros, y en qué medida ese reparto beneficia a nuestra sociedad. Puesto que con unos presupuestos tan jugosos, y unos resultados tan magros, resulta como mínimo chocante la comparativa con el EACC de Castellón, el cual ha mantenido una política expositiva con unos estándares de calidad muy superiores a la del Consorcio, con una quinta parte de ese dinero y pagando a los artistas, por supuesto. Por no hablar de las maravillas que harían con ese mismo dinero al norte de los Pirineos.

Por otro lado, tengo que aclarar que jamás he puesto en duda la caballerosidad y gentileza, de la que puedo dar fe, de don Felipe Garín: con lo que tengo problemas es con su memoria. Es por eso que creo oportuno repetir, una vez más,  este tema hace tiempo superado, y es que el hecho de que los artistas cobren por su trabajo ya no es un tema de debate. Trabajar y no cobrar tiene un nombre, y es algo que, tras la Revolución francesa y la declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, se abolió, en Francia, en 1794, y no hay mucho más que decir al respecto. Quizás tan sólo haya que recordarlo.

Ernesto Casero es artista y miembro de la junta directiva de AVVAC

 

¿Tenemos los artistas opción de elegir?

Oportunidad: ¿tenemos los artistas opción de elegir?

 La caridad es humillante porque se ejerce verticalmente y desde arriba; la solidaridad es horizontal e implica respeto mutuo. Eduardo Galeano.

Hace poco con Art al Quadrat, grupo en el que trabajamos desde hace 11 años, fuimos invitadas a participar en una exposición colectiva en el IVAM. En un principio nos pareció una gran oportunidad y que, con las pocas que hay, era una suerte participar. Después se fueron concretando las condiciones: no hay dinero ni para producción, ni honorarios. “¿Qué hacemos?, ¿participamos o no? Hemos hecho tantas cosas gratis…” pensamos. “Al menos es el IVAM, y aunque no esté en su mejor momento, siempre será el IVAM”. Así que accedimos.

AVVAC en este caso nos propuso dialogar con el comisario y así lo hicimos. Planteamos la posibilidad de recibir algún tipo de remuneración por alquiler de obra pero él dejo bien clara su postura: no hay dinero para honorarios, ni producción, ni alquiler de obra para los artistas aunque ¿no es tarea suya velar por los intereses de los artistas?

Lamentablemente este no es un caso aislado, más bien es una normalidad sobre todo después de un tiempo en el que se han visto truncados muchos proyectos expositivos, falta de financiación para investigaciones,… y en este punto nos preguntamos ¿estamos los artistas en posición de poder elegir?, o más bien ¿y si los que realmente están necesitados de artistas son las instituciones?

Estamos cansadas de que la práctica artística se haya convertido, o a lo mejor siempre fue así, en un ejercicio de resistencia en donde sobrevive simplemente el que más aguanta. Después de más de 10 años de trabajo, esfuerzo, equivocaciones, aciertos, exposiciones colectivas, individuales, nacionales, internacionales… parece que no hayamos adelantado nada. Estamos cansadas de que siga sin crearse un tejido cultural que permita ofrecer nuestros servicios. No es de extrañar que muchos de nosotros estemos pensando en emigrar, como otros ya han hecho, o que muchos hayan tirado finalmente la toalla y se hayan dado por vencidos.

Si la institución no paga a los artistas por su trabajo, ¿qué tipo de profesionales están buscando? ¿Artistas que después de cumplir su jornada laboral que les ayude a mantenerse, de vez en cuando hagan una exposición? Con su política la institución está favoreciendo no sólo la precariedad laboral sino que tengamos que hacer trabajos superficiales y menos profesionales ¿No se dan cuenta que para dar lo mejor en esta profesión, uno tiene que ser capaz de poder dedicar tiempo de investigación, producción,…? Es más ¿se puede crear con la cabeza en mil sitios a la vez para poder intentar compaginar un trabajo remunerado con la práctica artística? ¿A quién le interesa un artista que no da lo mejor en su trabajo?

Personalmente pensamos que una institución que no remunera a sus artistas, nos menosprecia por no tratarnos como profesionales y solo se aprovecha de nuestra situación de precariedad ofreciendo sus oportunidades como si fuesen auténticas gangas. No necesitamos la caridad de una institución que ejerce su poder desde arriba. Necesitamos una institución que se solidarice y entienda el papel que cada persona juega dentro del estamento del arte para tener todos y cada uno de los profesionales implicados oportunidades para ofrecer lo mejor en sus trabajos. Aunque en cierta forma somos nosotros, los artistas, los máximos responsables de que nuestra situación sea esta. Si alguien tiene que poner límites a las prácticas abusivas esos tenemos que ser nosotros. Evidentemente uno solo poca cosa va a hacer, pero si nos unimos en asociaciones y mantenemos unas condiciones mínimas para seguir trabajando, poco a poco seremos más fuertes.

Os invitamos a visionar el audiovisual Oportunidad dentro del Videodiccionario que realizamos mensualmente donde se refleja esta situación.
http://www.artalquadrat.net/portfolio/videodictionary/

Por cierto al final hemos elegido no participar en la citada exposición. Una oportunidad perdida (para ellos).

Gema y Mònica del Rey Jordà (Art al Quadrat), artistas y socias de AVVAC.

Lee el comunicado de las asociaciones de artistas, críticos de arte y comisarios de la Comunitat Valenciana, publicado con motivo de la inauguración en el IVAM de la exposición referida.

Los artistas valencianos van al Defensor del Pueblo

El 19 de abril de 2013 la asociación Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC) remitió una carta al Síndic de Greuges (Defensor del Pueblo de la Comunitat Valenciana), que fue admitida a trámite el pasado 5 de mayo.
La carta denuncia el trato discriminatorio y de desigualdad a los artistas que trabajan para aportar contenidos a los diversos centros y salas de exposiciones dependientes de las instituciones públicas valencianas.

Mientras todos y cada uno de los agentes implicados en cualquier proyecto expositivo reciben una remuneración por su trabajo, desde la plantilla del museo, los vigilantes, transportistas, electricistas, montadores, diseñadores gráficos, etc., resulta inconcebible que no se contemple la remuneración a los artistas por ninguno de los conceptos posibles, como podrían ser los derechos de comunicación pública derivados de la cesión de obra para su exposición. Sin los artistas y el resultado de sus procesos de investigación y creación están de más el resto de agentes, trabajadores e infraestructuras.

La carta dirigida al Síndic de Greuges está apoyada con diversos documentos que demuestran que no es una práctica legal ni habitual el modo de proceder de estas instituciones, pues tienen la responsabilidad de velar y hacer sostenible el tejido cultural valenciano, así como mantener unos niveles de profesionalidad y rigor en el trato laboral con los mismos.

AVVAC denuncia una situación que considera de absoluta desigualdad y discriminación, que se da en la Comunitat Valenciana con particular gravedad y prolongación en el tiempo.

Carta al Defensor del Pueblo