Elogio del amor

Cold War, de Pawel Pawlikowski
Palma de Oro en el Festival de Cannes
Polonia. 2018

‘Cold War’, el sexto largometraje del director polaco Pawel Pawlikowski, es un doble elogio del amor. Un elogio, por una parte, de la pasión amorosa, hasta la muerte, entre un hombre y una mujer y, por otra, de la mirada cinematográfica.

La letra de la canción ‘Cuatro ojos y dos corazones’ simboliza la doble llama de amor, como diría Octavio Paz. La protagonista canta los versos “cuatro ojos y dos corazones que  lloran día y noche”, de manera sensual y a ritmo de folk o de jazz, como metáfora del amor apasionado que une a los dos amantes protagonistas. Un amor que el director transfiere en blanco y negro y con amplias elipsis, con una mirada cinematográfica contenida y austera, sin aspavientos de  cámara, pero a la vez sostenida con una silenciosa  pasión. ‘Cold War’ no es simplemente una historia de amor, es una historia de amor atravesada por la realidad socio-política.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

Los variables y cambiantes acontecimientos históricos que ocurren entre 1949 y 1964 en  Europa están de fondo en la tortuosa relación entre Zula (Joanna Kulig) – cantante y bailariana de un grupo de folk tradicional polaco- y Wiktor (Tomasz Kot) -director y compositor musical-.  Una relación de quince años  vivida con atormentados encuentros y desencuentros en el tiempo y en el espacio, de Polonia a París, de París a Polonia. Encuentros y desencuentros apasionados que el espectador no puede evitar relacionar con la novela de Mario Vargas Llosa, Travesuras de la niña mala.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

La pasión destructora de los amantes se entrelaza, a modo de metáfora, con la fría posguerra de Polonia, con la siniestra sombra del regimen dictatorial comunista y con la incomunicación de la guerra fría, de ahí el título de la película.

El director Pawel Pawlikowski retrata con una apasionante mirada cinematográfica, un amor convulso en un periodo histórico igual de convulso. La historia de ‘Cold War’ rezuma una cierta verdad: cuando los relatos éticos son destruidos, las convulsiones de las pasiones amorosas, al igual que las convulsiones ideológicas históricas, van encarriladas a la tragedia.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

Begoña Siles

Crónica universal de una sorda desventura salvaje

‘Rosas Salvajes’, de Anna Jadowska
Polonia, 2017
90 minutos
Filmin

La plataforma de vídeo bajo demanda Filmin estrena en exclusiva ‘Rosas Salvajes’, de la directora  Anna Jadowska; drama polaco cuya producción hubo recibido el pasado otoño el Stockholm Impact Award en el Stockholm International Film Festival, el Premio del Jurado Ecuménico en el 27 Festival de Cine de Cottbus e, igualmente, participó a concurso en la Competición Internación Rellumes del 55 Festival Internacional de Cine de Xixón.

‘Rosas Salvajes’ –’Wild Roses’ (Dzikie Róze)– es el quinto largometraje de ficción de la realizadora de Olésnica (Polonia), si bien su trayectoria ha transitado, igualmente, por el género documental y la series de televisión. Una de las principales y renombradas singularidades del filme reside en el hecho de que la mayoría del equipo técnico está compuesto por mujeres, cuestión de relevancia no solo para el orbe cinematográfico de esta república centroeuropea.

Rosas Salvajes. Makma

No obstante, durante su presencia en el FICX del pasado noviembre, Anna Jadowka consideró este detalle como una cuestión periférica y no determinante para encauzar o posibilitar un discurso artístico de género: “No me gusta este concepto de cine hecho por mujeres, creo que hay muchos cineastas hombres que tienen formas de trabajar muy parecidas, no pienso que importe tanto el sexo como la persona”, aseveraba a la prensa asturiana en las jornadas previas a la presentación de la película.

Jadowska, quien también rubrica el guión, sitúa el relato sobre el horizonte estival del medio rural polaco, inmerso en el paisaje sonoro y visual de una pequeña comunidad católica contemporánea, análoga a los ritmos y costumbres de entornos labriegos de cualquier país de idiosincrasias y liturgias semejantes a la que podemos encontrar por estos lares.

La narración se implementa a partir de un in media res cuya acción exhorta al espectador a descifrar la deriva conductual de los personajes, comandados por el laconismo y la introspección de Ewa –interpretada por una excelsa Marta Nieradkiewicz–, una recolectora de rosas silvestres que retorna al hogar tras una prolongada estancia hospitalaria acerca de la que no se reportan detalles y que, a la postre, se revelará determinante para la composición definitiva de cuantas dubitaciones y elipsis gobiernan su argumento.

‘Rosas salvajes’ perfila la gestación de un conflicto moral encaminado por las turbias y sordas relaciones maritales, extraconyugales y paternofiliales, en un austero microcosmos tan sosegado y común como lacerante. A la postre, una sencilla y pequeña historia que atesora la virtud de postularse como una crónica universal de ciertas desventuras pasionales, regidas por la soledad y el vacío como estados emocionales consecuentes.

Si con anterioridad y por motivos excepcionales debía repararse en la nómina de su equipo técnico, conviene ahora resalatar, por razones cualitativas, la dirección de fotografía de Malgorzata Szylak y el distinguido y minucioso trabajo del equipo de sonido, encabezado por Sebastian Branski y Agata Chodyra, cuyos miríficos resultados dotan a esta producción de Alter Ego Pictures de los suficientes mimbres para justificar y aupar estilísticamente la cruda y destacada autoría de Anna Jadowska, cineasta sobre la que se debe permanecer atento.

Rosas Salvajes. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

Arquitecturas en la pintura española del siglo XXI

‘Arquitecturas pintadas’, de VV.AA.
Xanadu Gallery
Hoża 51, 00-681, Varsovia (Polonia)
Del 2 al 20 de diciembre de 2017
Inauguración: viernes 1 de diciembre de 2017

Tras ser presentada el pasado mes de octubre en el Meinblau Projektraum de Berlín, ‘Arquitecturas pintadas’ continúa su itinerancia centroeuropea desplazándose ahora a Polonia. En una antigua fábrica que tuvo un papel relevante en el Alzamiento de Varsovia de 1944 se ubica la sala de exposiciones Xanadu Gallery donde se inaugurará el próximo 1 de diciembre esta exposición colectiva de 17 artistas pertenecientes o afines a la Figuración Postconceptual española (término acuñado por Paco de la Torre, artista presente en la exposición).

“Arquitecturas pintadas”, comisariada por Juan Cuéllar y Roberto Mollá, mostrará el significativo papel que ha representado la imagen arquitectónica y geométrica en algunos de los pintores que han renovado el concepto de figuración desde los años 80 hasta la actualidad. Como fondo o como figura, como contexto o como elemento simbólico, la arquitectura ha vertebrado y articulado el espacio pictórico desde Giotto hasta nuestros días. Un espacio que no es realista ni abstracto sino más bien un lugar alternativo donde armar imágenes mentales, un escenario en el que, como dijo Magritte, “la inteligencia de la exactitud no impide el placer de la inexactitud”.

Imagen de la obra 'Estancia en la Bauhaus', de Paco de la Torre, presente en 'Arquitecturas pintadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la obra ‘Estancia en la Bauhaus’, de Paco de la Torre, presente en ‘Arquitecturas pintadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

Los pintores reunidos en esta exposición llevan en sus genes la lección de la piazza metafísica, construyen su poética y dibujan su perfil a través de la visión de sus ciudades, de viajes reales o imaginados y de la relación del individuo con su entorno urbano. Son pintores que se sienten próximos a las utopías vanguardistas del racionalismo de principios del siglo XX y que encuentran en la mesa de dibujo del arquitecto, en sus escalímetros y en sus isometrías el molde perfecto en el que acomodar sus imágenes. Pintores arquitectos que rastrean la ciudad, convierten el bulevar en su yacimiento arqueológico, allanan domicilios y, como un impulso irrefrenable, dibujan sus casas ideales.

La exposición en Xanadu Gallery,  organizada por la Secretaría de Estado de Cultura (MECD) y con la colaboración de la Embajada de España en Polonia, presentará obras de:

Ángel Mateo Charris / Marcelo Fuentes / Dis Berlin / Damián Flores / Carlos García Alix / Paco De la Torre / Teresa Tomás / Joël Mestre / Roberto Mollá / Jorge Tarazona / Fernando Martín Godoy / Elena Goñi / Juan Cuéllar / Guillermo Peñalver Fernández / Nelo Vinuesa / Gonzalo Elvira / Chema Peralta.

Imagen de la obra 'Planetario', de Carlos García-Alix, presente en 'Arquitecturas pintadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la obra ‘Planetario’, de Carlos García-Alix, presente en ‘Arquitecturas pintadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Tres preestrenos de La Cabina

Fiesta de Presentación del Festival La Cabina
Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Viernes 21 de octubre, 2016, a las 20.30h

A dos semanas de la inauguración, que se celebrará el 3 de noviembre en el Palau de les Arts Reina Sofía, La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, organizado por el Aula de Cinema de la Universitat de València, CulturArts y Conselleria de Cultura a través de la Dirección General, comienza su cuenta atrás con la II Fiesta de su novena edición. La Fiesta tendrá lugar el viernes 21 de octubre a las 20:30h en Las Naves – Espai d’Innovació i Creació y cuenta con la colaboración de Cervezas Turia. En esta ocasión, los asistentes podrán ver tres preestrenos de Sección Oficial que compiten este año: ‘Éclair’ (Marko Gjokovic, Macedonia, 2016), ‘Ameryka’ (Aleksandra Terpinska, Polonia, 2015) y ‘El día de la abuela’ (Milos Sakowski, Polonia, 2015).

Éclair. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de Éclair. Imagen cortesía de La Cabina.

La Cabina abrirá boca entre los asistentes ofreciendo una velada de cine de calidad de entre 30 y 60 minutos. La Fiesta de Presentación comenzará con la proyección del mediometraje ‘Éclair’ (Marko Gjokovic, Macedonia, 2016). Una historia que nos traslada a la Yugoslavia de 1980 en la que Marko, el hijo de la cocinera en la villa del Marsical Tito, tiene la oportunidad de probar la comida que ha visto cocinar durante toda su vida.

Fotograma de Ameryka. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de Ameryka. Imagen cortesía de La Cabina.

Tras ella, toca el turno de ‘Ameryka’ (Aleksandra Terpinska, Polonia, 2015). Un film crudo en el que la relación de dos amigas, Anka y Dzastina, cambia para siempre tras un día en el que deciden escapar de su monotonía.

Fotograma de 'el día de la abuela'. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de ‘El día de la abuela’. Imagen cortesía de La Cabina.

Y para finalizar las proyecciones, el mediometraje ‘El día de la abuela’ (Milos Sakowski, Polonia, 2015), el tercero de los preestrenos de la Sección Oficial de La Cabina 2016. El film narra un día en la vida de Tomek, un joven que estafa a la gente mayor hasta que encuentra a una señora que le descubre y lo encierra en su piso. Le propone un trato: él cobrará si finge ser su nieto cuando les visite un trabajador social… La velada se completará con una sesión de DJ Plaktom.

La Cabina programa un viaje insólito con ‘Junun’

Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia – La Cabina
Inauguración: Sala Auditori del Palau de les Arts
Jueves 3 de noviembre, a las 20.30h
Del 3 al 13 de noviembre de 2016

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, organizado por el Aula de Cinema de la Universitat de València, CulturArts y Conselleria de Cultura a través de la Dirección General, encara su novena edición con una gran gala de inauguración que se celebrará el jueves 3 de noviembre a las 20.30h en la Sala Auditori del Palau de les Arts Reina Sofía. Este año son varios los platos fuertes que conforman la programación que, durante 11 días, inundará la ciudad del mejor cine de entre 30 y 60 minutos. Entre ellos está el mediometraje que formará parte de Sección Amalgama, ‘Junun’, documental del director Paul Thomas Anderson (‘Boogie Nights’, ‘Magnolia’, ‘Pozos de ambición’) y protagonizado por el guitarrista de la mítica banda Radiohead, Jonny Greenwood.

Cartel de 'Junun', de Paul Thomas Anderson. Imagen cortesía de La Cabina.

Cartel de ‘Junun’, de Paul Thomas Anderson. Imagen cortesía de La Cabina.

El Festival crece año tras año, prueba de ello es la gran cantidad de películas recibidas, más de 380, de las cuales se han seleccionado 25 de 13 nacionalidades diferentes (Francia, Austria, Macedonia, España, Polonia, Finlandia, Chile, Alemania, Georgia, Rusia, Grecia, Estados Unidos y Bélgica) para la Sección Oficial. Los miembros del jurado, formado por profesionales del mundo del cine y los medios de comunicación, decidirán los premios de las diferentes categorías: Mejor mediometraje, director, guión, actor, actriz, fotografía y música.

La temática, como viene siendo una característica del Festival, es muy variada, pero cabe destacar el tratamiento de diversos temas sociales en películas como ‘Haramiste’ (la confrontación del deseo y las costumbres), ‘San Cristóbal’ (la marginación de la homosexualidad) o ‘El día de la abuela’ (la vejez y la soledad). Pero tampoco se olvida la comedia como en ‘Clitopraxis’, ‘El secuestrador de perros’ o ‘La balada de Ella Plummhof’, entre otras.

Fotograma de 'El funeral'. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de ‘El funeral’. Imagen cortesía de La Cabina.

Algunos de los mediometrajes de Sección Oficial han pasado por festivales internacionales y han conseguido diversos galardones, lo que da muestra de la calidad de las películas seleccionadas en La Cabina. Ejemplo de ello, entre otros, son los filmes ‘La Gruta’, ganadora del Premio de Prensa y Mención Especial del Jurado del Festival de Clermont-Ferrand 2016; ‘Limbo’, seleccionada en la Semana de la Crítica de Cannes; ‘El secuestrador de perros’, premio Mejor Guión en el Rhode Island International Film Festival 2016; ‘Storm Cells’, Mención Especial en el Festival Internacional de Cine de Huesca 2016; ‘San Cristóbal’, Premio Teddy en la Berlinale 2015; ‘El día de la abuela’, Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Varsovia 2015; o ‘El Funeral’, Segundo Premio del Público del Festival de Clermont-Ferrand 2016.

Desde la pasada edición, se añadió a La Cabina la Sección Amalgama, consagrada a películas de no-ficción y otros lenguajes: documental creativo, cine experimental, video-arte, videoclip… En esta ocasión, son 10 los mediometrajes que forman parte de esta sección que será inaugurada el día 4 de noviembre en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau, por el film ‘Junun’, del director estadounidense nominado a varios Oscar, Paul Thomas Anderson. ‘Junun’ narra el viaje a Rajastán del músico Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead, donde ensaya y graba un disco con un grupo de músicos indios. Es un viaje musical insólito por el que Greenwood nos guía a través de músicas vivas y enérgicas.

Fotograma de 'Junun', de Paul Thomas Anderson. Imagen cortesía de La Cabina.

Fotograma de ‘Junun’, de Paul Thomas Anderson. Imagen cortesía de La Cabina.

Las ‘mamás belgas’ conquistan el mundo

Las Mamás Belgas, de Sven Tuytens
Diputación de Valencia y Ayuntamiento de Ontinyent

De Ontinyent a Bruselas, de Belgrado a l’Alfàs del Pi. La odisea de las mamás belgas, el grupo de mujeres judías que trabajaron de enfermeras en España durante la guerra civil,  ha interesado y conmovido a los habitantes de los cuatro puntos cardinales. El documental Les mamàs belgues, realizado por Sven Tuytens que relata por primera vez su odisea, se verá también en otros festivales internacionales como el Ekurhuleni International de Sudáfrica. El Centro Juan Carlos I de España de la Universidad de Nueva York y otras instituciones culturales se han interesado por él y, gracias a la intervención del hispanista Paul Preston, se proyectará  en Londres, en la London School of Economics, el próximo diciembre.

Todo empezó por una foto. Una imagen que representa a un grupo de mujeres en cuyos semblantes se trasluce cierta expresión de alivio. Fue captada en Barcelona, en 1937, y la mayoría de ellas eran judías que llegaron a España por medio de los sindicatos belgas huyendo de las primeras persecuciones nazis y que realizaron una gran labor como enfermeras en el Hospital Militar Internacional de Ontinyent.

Las Mamás Belgas, de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Las Mamás Belgas, de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Más de 80 años después un documental relata la odisea de estas mujeres atrapadas entre dos guerras y marcadas por la tragedia, pues muchas acabaron en campos de exterminio nazis. Les Mamàs Belgues es un proyecto de Sven Tuytens, corresponsal de la Radiotelevisión belga en España desde hace seis años que ha contado con el apoyo económico del Área de Igualdad de la Diputación de Valencia, el Ayuntamiento de Ontinyent  y el asesoramiento del profesor de Didáctica Joan Torró.

“La idea del documental surgió de la foto de esas mujeres que encontré en el Centro de Estudios de la Segunda Guerra Mundial de Bruselas dirigido por Rudi Van Doorslaer”, dice Tuytens. “En los años ochenta el director de dicho centro escribió un artículo sobre ellas, y pensé que sería muy interesante conocer a fondo su historia. Los episodios de esa época están casi siempre protagonizados por hombres, los combatientes y brigadistas”.

Cartel de 'Las Mamás Belgas', de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Cartel de ‘Las Mamás Belgas’, de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Debido al largo tiempo transcurrido, la idea podría haber acabado en agua de borrajas, pero la buena estrella condujo el proyecto a buen puerto. Fascinado por la historia, Jorge Rodríguez, exalcalde de Ontinyent y presidente de la Diputación, apostó por financiar el filme y los franciscanos que ocupan el vetusto edificio que fue Hospital Militar no pusieron ninguna pega para que se convirtiera por unos días en plató de rodaje. “Me dijeron que no nos dejarían rodar porque la guerra les traía malos recuerdos, pero los padres franciscanos me recibieron con los brazos abiertos y nos dieron todas las facilidades, tal vez por ser un interlocutor extranjero, alguien neutral”, comenta  Tuytens.

La centenaria Rosariet

La aportación del profesor JoanTorró que conocía a fondo la historia por ser natural de Ontinyent fue fundamental. A través de él se conectó con Rosariet, una anciana de 96 años que siendo muy joven trató a las Mamás belgas, como las llamaban cariñosamente los habitantes del pueblo. “Su testimonio es el hilo conductor del argumento, un elemento esencial”, indica Tuytens.

Con un presupuesto de 50.000 euros, el documental se rodó en noviembre de 2015 a lo largo de una semana por la productora valenciana Primera plana. Dura 26 minutos y se ha doblado a varios idiomas: castellano, valenciano con subtítulos en inglés, francés y neerlandés. Incluye imágenes inéditas cedidas por la Filmoteca valenciana como las que captan la llegada a la ciudad de 16 ambulancias donadas por Bélgica a principios de la guerra civil.

Fotograma del documental 'Las Mamás Belgas', de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Fotograma del documental ‘Las Mamás Belgas’, de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Además de las belgas, trabajaron en el Hospital Militar mujeres procedentes de Holanda, Argentina, Cuba y países del este de Europa como Polonia, Rumanía y Hungría que empezaban a sufrir el efecto de los progroms antisemitas alentados por el nazismo. Muchas carecían de conocimientos de medicina pero eso no les impidió realizar una inestimable labor. Resistieron el avance franquista y un par de semanas antes del fin de la contienda partieron a Argelia francesa y desde allí regresaron a Europa. Unas se sumaron a la Resistencia y otras acabaron en los campos de exterminio entre ellas una que había sido madre durante su estancia en Ontinyent; con ella también murió su hijo de cuatro años, nacido en tierras valencianas.

Las mamás belgas. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Las mamás belgas, de Sven Tuytens. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Bel Carrasco

Historia de amor hecha con barro

A mano, de la compañía El Patio
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Sábado 5 (19.00 y 21.00h)  y domingo 6 de marzo (18.00 y 20.00) de 2016

A mano es una reivindicación teatral del trabajo artesanal que podrá verse en el escenario del Musical este sábado y domingo. Una historia de amor cuyo protagonista es una pequeña figura de barro a la que dan vida dos actores a cuatro manos en una alfarería.

Una pieza singular de teatro para toda la familia que ha conseguido el aplauso del público y la crítica, que la ha calificado como “una pequeña joya teatral, una obra artesanal exquisita”. Una obra que ha conseguido difusión internacional y ha recibido premios en festivales españoles (Lleida, FETEN, Encinart) y extranjeros: mejor espectáculo en Kuss Festival de Marburg (Alemania) y mejor interpretación en Festival Valise (Polonia).

Escena de A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Escena de A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

La compañía riojana El Patio, fundada por Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, ha creado este espectáculo como una pieza de orfebrería, que se vale del barro, de objetos cotidianos y de un espacio reducido para contar una historia llena de emociones.

Teatro para toda la familia con un lenguaje original y en pequeño formato, que por sus características de visibilidad está limitado a 85 espectadores por función. Todo el público estará ubicado en el escenario del teatro para poder disfrutar de A mano con la cercanía que requiere este espectáculo.

A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical. 

Poesía y pintura de Esther Gómez

Exposición colectiva, con obra de Esther Gómez
Museo Manaut
Santa Amalia, 2. Valencia

“La expresión de los sentimientos, los recuerdos y la pasión”, así conjuga la artista Esther Gómez Gómez sus obras poéticas con su obra artística, cerca de una veintena de obras pintadas al óleo y en las que imprime una gran sensibilidad, fuerza y emoción. En su libro ‘Mirando al mar’, publicado el 17 de diciembre, se presentan sus primeros trabajos como poeta acompañados de sus obras más emblemáticas, aquellas que ya han sido expuestas en salas privadas de países como República Checa, Polonia, Roma y, por supuesto, en ciudades españolas como Madrid, Almería, Córdoba, Marbella o Valencia.

“Me gusta captar los colores, la belleza y el encanto de un paisaje o figura. Es en mis viajes donde tomo fotografías que luego me sirven para traspasar esa imagen a un lienzo y crear obras contemporáneas, que beben del realismo, pero con toques impresionistas inspirados en algunos de mis autores favoritos: Eduardo Manet, Monet o Velázquez”, explica la pintora.

Obra de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Obra de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Nacida en Talavera de la Reina pero afincada en la ciudad del Turia, Esther Gómez Gómez es artista desde niña, aunque no ha sido hasta recientemente que ha comenzado a pintar de manera más profesional. Igual que la pintura, la poesía es una de las constantes a lo largo de su vida. “Desde pequeña siempre he escrito poesía, es intrínseco a mi, es mi manera de expresarme y comunicar mis sentimientos”, señala.

De la misma manera que su vertiente literaria, Esther también ha cultivado la pintura desde bien pequeña, además de cursar estudios y participar en exposiciones. La primera de ellas fue en 1986, a la edad de 18 años, cuando intervino de su primera exposición colectiva en la Casa de la Cultura de Talavera de la Reina, con muy buenas críticas. Desde entonces, no ha dejado de exponer en muestras tanto colectivas como individuales, en ciudades como Roma, Polonia, Madrid, Praga, y distintas ciudades de España. Tiene obras en colecciones privadas como Japón, Inglaterra, Roma, Polonia, Praga y  España.

Obras de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Obras de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

“Me encanta combinar poesía y pintura. Soy una feroz lectora de poesía, y siempre escribo al mismo tiempo que estoy trabajando en un cuadro. Una labor complementa a la otra y me permite exprimir todo lo que siento en cada proceso creativo”. Sus poesías siempre han sido acompañadas de sus obras pictóricas, pinturas que se mueven en un mundo real de marinas, paisajes, escenarios urbanos o dibujos a lápiz. Cada uno de sus lienzos, introduce a su espectador en un mundo real, en el que los sentidos y los sentimientos, expresan la magia de sus pinceles plasmados poéticamente.

Además de la presentación del libro de Esther Gómez Gómez, el Museo Manaut ha inaugurado su Exposición Colectiva de Navidad en la cuál se incluyen las obras ‘Atardecer en Venecia’ y ‘Música’ de la pintora, acompañada de los lienzos de 21 artistas más, entre los que se incluyen Manuel Adlert, Miguel Aparicio, Marisa Arcos, Amparo Berenguer, Adoración Blanch, Tatiana Boïls, José Carretero, José Casanova, José Luis Checa, Carmen Ciorraga, Miguel Diana, José Estellés, Sacramento Hernandis, Gilberto Macareño, Lola Manaut, Stella Manaut, Pascual Marcos, Flora Miravalles, Julia de la Rua, Paco Seoane y Hampton Terry. La exposición también cuenta con dos piezas escultóricas de Maite Andrés y Antonio Sánchez.

Obra de Esther Gómez. Cortesía de la autora.

Obra de Esther Gómez. Cortesía de la autora.

Keke Vilabelda en Polonia

Brand New Ruins
Rodríguez Gallery
Wodna 13/4
Poznan, Wielkopolskie, Polonia

La galería de arte contemporánea Rodríguez Gallery expone la muestra Brand New Ruins, del artista valenciano Keke Vilabelda. En su empeño por aportar y promover el arte en el escenario polonés, cuentan en esta ocasión con este artista que aporta una visión muy personal del estado real de España, su país natal.

En su último proyecto, nos expone la investigación que ha realizado alrededor de toda la península española, recogiendo los vestigios que se han dejado como consecuencia a la burbuja inmobiliaria. Su creatividad, hace que el artista extrapole una visión personal de un espacio que representa un sueño frustrado de los especuladores, así como el empobrecimiento de una nación.

El silencio de la arquitectura se puede ver  en su obra, un testimonio de lo que fue una etapa espléndida en la construcción española, una etapa que se creía de oro donde abundaba el lujo, la confianza y la avaricia que acabó consolidando una decadencia profunda. Con su técnica, este artista se hace eco de unos fósiles contemporáneos y los lleva a un espacio vivo, a diferencia de éstos que han caído en desuso. La belleza de esta miseria arquitectónica y el paisaje urbano, son los protagonistas de esta obra.

Crack. 2015- Fotografía sobre cemento. Keke Vilabelda

Keke Vilabelda. Cortesía de Rodríguez Gallery.

La confluencia de texturas y muchas veces el azar, ha colaborado a tener unas composiciones que juegan con los materiales de las construcciones. Esta belleza no fue ideada, desde un inicio, sino que fue una consecuencia de la crisis que deja un aire de desolación y desesperación, propias de los sueños frustrados por parte de las familias que apostaron por hipotecas e incluso por empresas que se derrumbaron por su impaciencia y egoísmo, viéndose en la bancarrota.

El hierro, asfalto y cemento se pueden ver en la producción de Vilabelda, además del neón que confiere una calidad artificial y ficticia en la imagen. Consigue generar con todo ello contraste entre la decadencia y una nueva noción de la ruina, ya que la realidad se ve disfrazada mediante colores brillantes.

Blue Flow-2015. Cemento, fotografía, metacrilato y acrílico. 80x54. Keke Vilabelda

Keke Vilabelda. Cortesía de Rodríguez Gallery

Con todo ello, vemos como las cosas pasan rápido en nuestro tiempo de acuerdo con el ritmo de nuestra sociedad, donde el consumo es el motor que nos mueve y la exigencia una característica que ya, se nos ha hecho propia.  Vilabelda, pone ya en reflexión lo que estamos generando, y son sus «ruinas contemporáneas».

Broken Web-2015. Cemento, fotografía y acrílico. 120x80. Keke Vilabelda

Keke Vilabelda. Cortesía de Rodríguez Gallery

Poliniza 2015, graffitis en 17 muros

Poliniza 2015
X Festival de Arte Urbano
Universitat Politècnica de València (UPV)
Del 11 al 15 de mayo, 2015

La Universitat Politècnica de València (UPV), a través de su Área de Actividades Culturales, acoge Poliniza 2015, X edición de su Festival de Arte Urbano, que tendrá lugar del lunes 11 al viernes 15 de mayo en las instalaciones de su campus de Vera.

Nacido en abril de 2006 con la intención de hacer confluir simbióticamente dos mundos inicialmente alejados como la universidad y el arte urbano, Poliniza se convirtió pronto en un referente debido a su originalidad y realismo: se interviene directamente, sin falsos muros que retirar una vez finalizado el evento, por lo que las obras permanecen hasta la siguiente edición del festival, respetando a su vez el carácter efímero del grafiti.

También sobresale Poliniza por su impacto mediático e internacionalidad: alumnos de ‘Pintura y Entorno’ y el Máster de Producción Artística al margen, 179 artistas de 15 países diferentes – Reino Unido, Italia, Alemania, México, Países Bajos, Francia, Colombia, Cuba, Ucrania, Polonia, Chile, Bélgica, Argentina, Rusia y España – habrán participado en el mismo a la conclusión de la presente edición.

Graffiti de Deih en el Poliniza 2013. Imagen cortesía de la UPV.

Graffiti de Deih en el Poliniza 2013. Imagen cortesía de la UPV.

45 artistas pictóricos intervendrán sobre 700 m2 divididos en 17 muros

Este año, participarán 45 artistas pictóricos: siete individuales y una crew seleccionados a través del IX Certamen de Intervenciones de Pintura Mural (en la primera edición, la selección se realizó sin concurso), 24 alumnos de la asignatura de ‘Pintura y Entorno’ de la Facultad de Bellas Artes y 12 del Máster de Producción Artística de la UPV.

Los seleccionados a través del certamen son KAWAMO (Oaxaca de Juárez, México), Roberto Cireddu (Muravena, Italia), Juan Sánchez (Murcia), H101 (Badalona), FEOFLIP (La Laguna, Tenerife), SABEK (Madrid), SPOGO (Badalona) y la crew RESKATE (Barcelona).

Serán ellos, junto a los 36 artistas UPV citados, los encargados de intervenir directamente sobre 17 muros del campus (tres del Ágora, 11 de la Facultad de Bellas Artes, uno del Rectorado y dos de la ETS de Gestión de la Edificación). En total, más de 700 metros cuadrados en los que desde el lunes 11 comenzaron a trabajar los artistas hasta el viernes 15 de mayo.

Graffiti de Dulk en el Poliniza de 2014. Imagen cortesía de la UPV.

Graffiti de Dulk en el Poliniza de 2014. Imagen cortesía de la UPV.

Capoeira, performance, slackline, mercado de fanzines y mucho más

El festival – en el que colaboran Montana, Pinturas José Antonio García, Art i Clar, Suproval y Love Valencia – incluirá el martes 12 y el miércoles 13 (Facultad de Bellas Artes, 11 a 18 h) el mercado ambulante de fanzines ‘El Fansinet’.

Además, el martes 12, en el Ágora (14 h), tendrá lugar la acción escénica ‘Ser o no ser’, realizada por alumnos del Taller de performance teatral de la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia.

El jueves 14, a la misma hora (14 h) y en el mismo lugar – Ágora UPV – todo aquel que lo desee podrá disfrutar en directo del I Encuentro de Capoeira e Interculturalidad, que precederá al taller MenudoPoliniza, creado específicamente para niños de 6 a 11 años y que incluye, entre otros aspectos, la visita guiada a los diversos espacios en los que trabajan los artistas (las 80 plazas están cubiertas desde hace semanas).

Por último, el viernes 15, mientras los artistas acaban sus obras, tendrá lugar de 10 a 16 horas, frente a la pista de atletismo de la UPV, el Slackline Day UPV, que incluirá exhibiciones y talleres gratuitos de slackline y malabares.

Graffiti de Julieta en el Poliniza de 2008. Imagen cortesía de la UPV.

Graffiti de Julieta en el Poliniza de 2008. Imagen cortesía de la UPV.

La exposición ’10×10 Poliniza’, abierta al público hasta el próximo 9 de junio

Con motivo del décimo aniversario del festival, la UPV inauguró el pasado 26 de marzo la exposición ’10×10 Poliniza’, que incluye más de 900 fotografías realizadas por Kike Sempere de las nueve ediciones precedentes del festival.

La muestra, ubicada en la sala de exposiciones del edificio de Rectorado del campus de Vera (planta baja), puede visitarse libremente hasta el 9 de junio de lunes a viernes laborables, entre las 11 y las 14 h en horario matinal, y de 17 a 20 h en el vespertino.

Graffiti de Stinkfish en el Poliniza de 2012. Imagen cortesía de la UPV.

Graffiti de Stinkfish en el Poliniza de 2012. Imagen cortesía de la UPV.