Mujeres artistas en la Galería Ana Serratosa

Hago, deshago, rehago. Colectiva de ocho mujeres artistas
Galería Ana Serratosa
C / Pascual y Genís, 19, ático. Valencia
Desde el jueves 28 de septiembre
Hasta el 15 de noviembre de 2017

La galería Ana Serratosa acoge desde el 28 de septiembre parte de su colección de arte. Piezas de ocho mujeres artistas: Louise Bourgeois (París, Francia 1911 – Nueva York, USA 2010); Ida Applebroog (Nueva York, USA 1929); Farideh Lashai (Rasht, Irán 1944 – Teherán, Irán 2013); Phyllida Barlow (Newcastle, Reino Unido 1944); Carmen Calvo (Valencia, España 1950); Pipilotti Rist (Grabs, Suiza 1962); Kara Walker (Stockton, USA 1969); y Françoise Vanneraud (Nantes, Francia 1984).

La muestra reúne bajo el título ‘Hago, deshago, rehago’ obras entre las que podemos encontrar pintura, escultura, fotografía, collage, o instalaciones audiovisuales. Farideh Lashai, por ejemplo, fue la protagonista -a título póstumo- de la recién finalizada muestra inspirada en las Pinturas Negras de Goya, llevada a cabo en el Museo del Prado.

Videoinstalación de Pipilotti Rist. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Videoinstalación de Pipilotti Rist. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Otro de los nombres a destacar de esta exposición comisariada por el escritor y crítico Alfonso de la Torre, sería el de la británica Phyllida Barlow, elegida como artista representante del Reino Unido en la última Bienal de Venecia.

Louise Bourgeois, por otro lado, es una artista que nos invita a reflexionar acerca del psicoanálisis; de encontrar en el arte una vía de acceso al inconsciente o una forma de autoconocimiento y que, como ella misma solía decir, “el arte es una garantía de cordura”.

Entre las autoras, encontraremos no sólo disparidad de estilos y técnicas, sino también de temáticas. Las más veteranas coinciden en aportar a su obra una perspectiva más autobiográfica, mientras que en las más jóvenes vemos el reflejo de los aspectos más sociales de la vida.

A la sexualidad, violencia y esclavitud en la obra de Kara Walker, se une la lectura del pasado a través de la “reinvención” de objetos de Carmen Calvo o los múltiples estratos de la existencia de Françoise Vanneraud, la autora más joven de la exposición.

Con esta presentación, la galería de arte valenciana dedica esta temporada en exclusiva al trabajo de mujeres artistas. Autoras de diferentes generaciones y nacionalidades, algunas de ellas ya ausentes, que han dejado su huella a través de su obra, ya reconocida por instituciones públicas y privadas.

Obra de Ida Applebroog. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Obra de Ida Applebroog. Imagen cortesía de Galería Ana Serratosa.

Fire And Forget. On Violence

KW Institute for Contemporary Art
KUNST-WERKE BERLIN e.V.
Auguststraße 69. Berlin
Hasta el 30 de agosto de 2015

«Fire and Forget” (dispara y olvida) es un término de uso común de la jerga militar para sistemas de armas que se disparan a una distancia segura del enemigo, y que llegan a su destino de manera independiente. La exposición colectiva FIRE AND FORGET. ON VIOLENCE toma el término militar como un punto de entrada a un discurso sobre las ideas actuales de la guerra y la violencia en el arte contemporáneo. La exposición está dividida en cuatro complejos temáticos: ‘fronteras, afecto, memoria y eventos/acaecimiento.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de unavión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de un avión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

Nuevas tecnologías de armas implican la pérdida del enfrentamiento corporal directo y con ello la pérdida del peligro o riesgo para la propia vida. Por eso se necesitan nuevas maneras de expresión de violencia sufrida, atestiguada o solamente temida. Uno de los lugares donde se busca estas maneras se encuentra en el arte. Aunque las armas en el ámbito artistico muchas veces ya estan connotadas como algo malo en si, sin dar referencia a posibles contextos sistematicos o historicos. La exposición se ve a si misma como el intento de mostrar que la complejidad de la violencia no puede ser justificada por sus cálculos lógicos o económicos ni siquiera simplemente por su afecto emocional y se enfrenta de manera autoreflexiva a las posibilidades y limites de lo que el arte puede ser capaz de contribuir hoy en día a esta discusión.

Julius von Bismarck. "POLIZEI", instalación, 2015.

Julius von Bismarck. «POLIZEI», instalación, 2015. Cortesía del artista.

Se presentan obras de Marina Abramovic y Ulay; Ron Amir; Julius von Bismarck; Roy Marca, Ori Scialom, y Keren Yeala Golán; James Bridle; Luis Camnitzer; Mircea Cantor; Jota Castro; Chto Delat; Marcelo Cidade; Jem Cohen; Martin Dammann; Öyvind Fahlström; Harun Farocki; Daniil Galkin; Rudolf Herz; Damien Hirst; Clara Ianni; Emily Jacir; Hunter Jonakin; Joachim Koester; Korpys / Löffler; Barbara Kruger; Armin Linke; Robert Longo; Jazmín López; Kris Martin; Ana Mendieta; Michael Müller; Timo Nasseri; NEOZOON; Katja Novitskova; Jon Rafman; Pipilotti Rist; Robbert & Frank Frank & Robbert; André Robillard; Julian Röder; Henning Rogge; Martha Rosler; Hrair Sarkissian; Santiago Sierra; Timur Si-Qin; Tal R; Javier Téllez; Sharif Waked; Gillian Wearing; Él Xiangyu; Amir Yatziv; Ala Younis.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Además fotografías de la colección de Martin Dammann /Archive of Modern Conflict in London (Archivo de Conflicto Modern de Londres) se extienden por toda la exposición como un motivo que la acompaña. Este elemento documental, junto con los enfoques artísticos, es una invitación a reflexionar sobre lo que imágenes artísticas en comparación a imágenes documentales son capaces de retratar – o no. La publicación que acompaña la exposición, así como su programa público y educativo iluminan el tema desde otras perspectivas: El libro FRIENDLY FIRE & FORGET (Matthes y Seitz Berlin) recoge textos literarios producidos para esta ocasión por autores alemanes e internacionales, entre ellos Schorsch Kamerun, Wladimir Kaminer y Kathrin Passig. En las fechas seleccionadas, algunos invitados que han sido afectados personalmente por la violencia guían a los visitantes por la exposición, o invitan para discutir posibles formas de tratar con el tema desde un punto de vista cinematografico, teatral o musical.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

MUSAC presenta su nueva temporada expositiva

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

– Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]: 16 de mayo – 13 de septiembre, 2015
– Sector primario: 16 de mayo, 2015 – 10 de enero, 2016
– Visita guiada: artista, museo, espectador[Fondos de la Colección MUSAC]: 16 de mayo – 20 de septiembre, 2015

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presenta tres exposiciones colectivas. Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]  explora el fenómeno del autorretrato fotográfico a partir de una selección de 80 obras de 34 artistas nacionales e internacionales, tomando como punto de partida la Colección Federal de Fotografía de Austria, en diálogo con obras de artistas nacionales e internacionales y obras de la Colección MUSAC. Sector primario es una muestra producida por MUSAC que  atiende a la relevancia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León, a través del trabajo de los artistas Paco Algaba, Alfonso Borragán, Álvaro Laiz, Asunción Molinos Gordo, Javier Riera, y Antje Schiffers. Visita guiada: artista, museo, espectador es una exposición realizada en exclusiva con fondos de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte.

Self-timer Stories

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Federal de Fotografía de Austria –en depósito permanente en el Museum der Moderne Salzburgo—en diálogo con artistas internacionales y obras de la fotografía expandida.

El leitmotif de esta exposición es la creación del autorretrato a través de un disparador automático. Esta práctica, popular tanto en la vida cotidiana como en el arte, mueve alternativamente con los avances técnicos y se manifiesta en los cables de liberación que aparecen en las composiciones, la liberación de control remoto digital, o la mano extendida. En el momento del “clic” de la cámara (que está reproducida de modo artificial en la fotografía digital) el “yo como autodisparador” se vuelve prevalente y así marca la relación del sujeto con el mundo, que ha sido siempre inseparablemente vinculado con los medios de comunicación.

Así, la exposición presenta el tema omnipresente de la auto-representación fotográfica a lo largo de varias generaciones en el contexto de una historia del arte-crítico de los medios y continúa hasta nuestros días como una historia de auto-temporizador fotografía como emancipador «clic»; un juego de mostrar y ocultar, de público y privado.

La exposición Self-Timer Stories cuenta con artistas fotográficos de la talla de VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Sharon Hayes, Matthias Herrmann, Juan Hidalgo, AA Bronson & Matthias Herrmann, Birgit Jürgenssen, Barbara Kapusta, Roberta Lima, Anja Manfredi, Ana Mendieta, Lilo Nein, Cristina Núñez, Carlos Pazos, Carolee Schneemann, Peter Weibel, Martha Wilson, o Francesca Woodman.

Self-timer Stories. Valie Export

Retrato fotográfico de Valie Export. Imagen cortesía de MUSAC.

Sector Primario

Sector primario es una exposición colectiva que pretende atender a la importancia y presencia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en esta comunidad a través del trabajo de algunos artistas contemporáneos. Por una parte se «documenta» el cambio de paradigma económico que hace «inviables» algunas áreas del sector primario, pero por otra se pone en valor alguna de esas actividades porque tienen precisamente un valor innegable y primordial. Los sectores de la vida rural y la ganadería serán objeto de investigación y trabajo de Antje Schiffers; Asunción Molinos Gordo se centrará en la agricultura y la alimentación; la languideciente actividad minera que fue tan identitaria en León es tratada en el proyecto de Álvaro Laíz que lleva el ilustrativo título de Fósil; Alfonso Borragán trabajará con el agua, los ríos, los embalses y todo los aspectos lúdicos y míticos a ellos asociados; en la tierra se centra la producción de Paco Algaba; y Javier Riera explorará la presencia y la dimensión del paisaje, la naturaleza y los animales salvajes.

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Fotografía paisajista de Alfonso Borragán. Imagen cortesía de MUSAC.

Visita guiada: artista, museo, espectador [Fondos de la Colección MUSAC]

‘Visita guiada: artista, museo, espectador’ es una exposición colectiva de obras de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte. Mientras que la primera parte del título alude a esa inevitable paradoja que acompaña al museo desde su gestación —entre el (exceso de) didactismo y la necesidad de mediación— así como al rol del comisario-intermediador en ella; la segunda parte hace referencia a las complejas y ciertamente asimétricas relaciones entre el artista, el museo y el espectador.

Divida en tres bloques temáticos —artista, museo, espectador—, la exposición reúne entre otros obras de Pipilotti Rist, Antonio Abad, Matthew Barney, Pierre Huyghe, Cristina Lucas, Christian Jankowski, Ruth Gómez, Isaac Julien, Sandra Gamarra, Candida Höfer, Dora García, Zhang Huan, Cerith Wyn Evans, David Iturregui, Anne Collier & Matthew Higgs, Ana Laura Aláez, Daniele Buetti, Joan Morey, Juan López o Lina Bertucci. En este sentido, la obra ‘I married an artist’ de Anne Collier y Matthew Higgs bien podría funcionar como leitmotiv de las diferentes e interconectadas narrativas que ‘Visita guiada: artista, museo, espectador» desea abordar en un ejercicio no exento de ironía ni de auto-crítica.

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Impresión digital de Anne Collier y Matthew Higgs. Imagen cortesía de MUSAC.

Ignasi Aballí: Premio Joan Miró 2015

Ignasi Aballí
Premio Joan Miró 2015
(Quinta edición)

Elisa Durán, directora general adjunta de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, y Rosa Maria Malet, directora de la Fundació Joan Miró, han presentado el artista galardonado con el premio Joan Miró 2015. Este año se celebra la quinta edición de esta distinción bianual, que en anteriores ediciones ha distinguido a los artistas Olafur Eliasson, Pipilotti Rist, Mona Hatoum y Roni Horn.

Los miembros del jurado, todos ellos profesionales de reconocido prestigio internacional en el campo del arte contemporáneo, seleccionan al ganador valorando la innovación y la libertad creativa, valores que también caracterizaron la obra de Joan Miró.

Teoria [Teoría], 2009. Hierro, vidrio, madera, pigmentos,polvo y serigrafías. Ocho piezas de 200 x 100 x 180 cm y una de 200 x 200 x 200 cm. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

Teoria [Teoría], 2009. Hierro, vidrio, madera, pigmentos,polvo y serigrafías. Ocho piezas de 200 x 100 x 180 cm y una de 200 x 200 x 200 cm. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

En su declaración, el jurado del Premio Joan Miró 2015 destaca de Ignasi Aballí «su reflexión constante sobre los límites de la pintura y la representación, su minuciosa atención a las importantes implicaciones de los más pequeños cambios en las estrategias de resignificación, así como su papel como mentor para los artistas más jóvenes».

Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Su obra se ha expuesto en la Fundació Joan Miró, así como en numerosas instituciones de diferentes países como España, México, Bélgica, Brasil o China. Tras unos inicios pictóricos, Aballí se abre a otros actos y condiciones de producción: el efecto del polvo o el sol sobre los materiales, la colección de informaciones de periódico o de imágenes reproducidas hasta el infinito. Sus obras se rehacen con los materiales y también con las condiciones de percepción y de interpretación que llevan asociadas.

Correcció [Corrección], 2001 y Gran error, 1998. Corrector Tipp-Ex sobre espejo y corrector Tipp-Ex sobre pintura plástica sobre papel. 100 x 100 cm cada uno. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

Correcció [Corrección], 2001 y Gran error, 1998. Corrector Tipp-Ex sobre espejo y corrector Tipp-Ex sobre pintura plástica sobre papel. 100 x 100 cm cada uno. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

Con el prestigio de la institución organizadora, la Fundació Joan Miró, y el apoyo económico de la Obra Social ”la Caixa”, el Premio Joan Miró se ha convertido en pocos años en uno de los reconocimientos artísticos más importantes del mundo. Además de recibir esta dotación económica, el artista protagonizará una exposición monográfica en la Fundació Miró de Barcelona en 2016 que posteriormente itinerará. Completa el premio un galardón concebido por el reconocido diseñador André Ricard. Para crearlo se inspiró en el espíritu y la identidad de Joan Miró y de la Fundació. Con él, Ricard quiere reflejar la voluntad de innovación y el dinamismo del premio y del artista que lleva su nombre.

Carta de colors (Teoria) II [Carta de colores (Teoría) II], 2009. Acrílico y vinilo sobre tela. Diez piezas de 50 x 50 cm cada una. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

Carta de colors (Teoria) II [Carta de colores (Teoría) II], 2009. Acrílico y vinilo sobre tela. Diez piezas de 50 x 50 cm cada una. Imagen cortesía de la Fundació Joan Miró.

www.ignasiaballi.net