El mundo de Dave Kusworth

Dave Kusworth Group + Stratos
Miércoles 10 de abril del 2019 a partir de las 21:30 h
Sala 16 Toneladas
C/ Ricardo Micó, 3 de Valencia
Entrada 12€ anticipada (www.movingtickets.com); 15€ taquilla.

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Imagen contraportada ‘The world of Dave Kusworth’

Otra extensa gira por España del maldito dandy británico Dave Kusworth sirve para dar a conocer el legado de uno de los músicos de culto más adorados entre crecientes minorías de privilegiados.

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Imagen extraída de la página de Dave Kusworth

Desde el año 1984 anda el de Birmingham repartiendo ese sonido tan especial que le caracteriza, entre rosas, licores y sonidos que evocan a los Faces, los Stones, Marc Bolan…

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Cartel del concierto de Dave Kusworth en sala 16 Toneladas

Primero fue junto al inolvidable Nikki Sudden formando el mítico grupo The Jacobites. En el más reciente recopilatorio «The world of Dave Kusworth» que está presentando en esta gira española por Barcelona, Tarragona, Pamplona, Donosti, Santander, León, Valencia, Albacete, Madrid y Alicante se encuentran algunas de las piezas más importantes de aquel período, como «Pin your heart to me», «Shame for the angels»…

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Portada del recopilatorio «The world of Dave Kusworth»

Junto a los Bounty Hunters, los Tenderhooks, los Tuppers o su más personal Dave Kusworth Group tras la muerte de Nikki forman el grueso de un álbum al que le falta mucho material del calidad que atesora este músico pero suficiente para tener una idea de su nivel o, por supuesto, para apoyarlo viéndolo en directo.

Juanjo Mestre

La Jaula de Grillos, a los sanfermines

La Jaula de Grillos, de José Saiz
Teatro Gayarre
Avda. Carlos III, 1. Pamplona
Del 8 al 12 de julio de 2016

El escenario del Teatro Gayarre acoge este año durante las fiestas de San Fermín (desde el día 8 al 12 de julio) la puesta en escena de ‘La Jaula de Grillos’, el cabaret más alocado de la temporada. Se trata de la obra de Jean Poiret ‘La Cage Aux Folles’, adaptada como ‘La Jaula de Grillos’, protagonizada por Alberto Vázquez y José Saiz, acompañados de un gran elenco de artistas.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

El teatro apuesta por un espectáculo musical de gran formato, dirigido por José Saiz con música, voces en directo y un cuerpo de baile espectacular. La comedia cuenta cómo la tranquila vida de Alvin y César, una pareja dueña de un cabaret, se ve totalmente alterada ante la inminente boda de Josean, el hijo de César, con la hija de un senador ultraconservador. El político, que desea promocionar los valores tradicionales de la familia, decide visitar a la familia del novio, sin saber lo que se va a encontrar.

Esta comedia musical se representará del  8 al 12 de julio en el Teatro Gayarre. Todas las sesiones serán a las 21h. En esta versión, al cabaret se le da una gran visibilidad, con más de una hora de actuaciones propias de este tipo de locales. El cabaret se agrupa en cuatro bloques, cada uno de ellos compuesto de cuatro números.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

 

Todo «en un entorno drag» de gran vistosidad. Y es que la riqueza de vestuario es otro de los ingredientes que sorprenden en ‘La Jaula de Grillos’. Cada uno de los cuatro números tiene su propia indumentaria. Un dato ilustrativo: en el espectáculo se utilizan más de 100 trajes y más de 60 pelucas.

El otro pilar del espectáculo son las coreografías y se confían a una profesional reconocida como Lina Martínez. La dirección musical corre a cargo de Fernando Barber y Paco Iváñez. ¡Quienes deseen saber qué va a suceder, no debe perderse este espectáculo que no dejará indiferente a nadie!

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

 

Mike Farris y su gospel sureño evangelizador

Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue
Gira España (Pamplona, Santiago de Compostela, Gijón, Valencia, Molina del Segura, Barcelona, Madrid, Bilbao)
Cita Sala 16 Toneladas
c/ Ricardo Micó nº 3 de Valencia
Martes 7 de junio del 2016 a partir de las 22:00 horas
Precio: 22€ anticipada(www.movingtickets.com, Harmony, Amsterdam); 25€ taquilla

Mike Farris - Gira

El próximo viernes 3 de junio comenzará la gira de Mike Farris por España que le llevará por ocho ciudades, ocho lugares privilegiados tales como Pamplona (Sala Zentral), Santiago de Compostela (Sala Capitol), Gijón (Sala Acapulco), Valencia (Sala 16 Toneladas), Molina del Segura –Murcia- (Teatro Villa de Molina), Barcelona (Sala Bikini), Madrid (Teatro Barceló) y Bilbao (Kafe Antzokia).

Mike Farris - Gira - 2016

Estamos ante una estupendísima oportunidad de ver a un portento vocalista que practica actualmente un impactante ritual de soul, blues, rock sureño y góspel. Acompañado de los siete músicos que actualmente forman The Roseland Rhythm Revue repasará toda su carrera musical junto a versiones clásicas del género.

Recordamos su trayectoria discográfica. Durante la década de los noventa lideró The Screamin’ Cheetah Wheelies, una banda esencial a pesar de que no llegaron a gozar de una merecida popularidad. Dejaron para los anales de la historia una trilogía de traca compuesta por “The Screamin’ Cheetah Wheelies” en 1994, “Magnolia” en 1996 y “Big Wheel” en 1998.

The Screamin' Cheetah Wheelies

(1994) The Screamin’ Cheetah Wheelies

Magnolia

(1996) Magnolia

Big Wheel

(1998) Big Wheel

En solitario cuenta con otra trilogía formada por “Goodnight sun” en el 2002, “Salvation lights” en el 2007 y “Shine for all the people” en el 2015, con los que ha conseguido diversos premios, especialmente relacionados con el góspel.

Goodnight Sun

(2002) Goodnight Sun

Salvation in Lights

(2007) Salvation in Lights

Shine for All the People

(2014) Shine for All the People

Lo dicho, recomendamos encarecidamente a Mike Farris junto a su banda The Roseland Rhythm Revue. Seguro que los amantes del soul, del blues y de la música de New Orleans o, en su caso,  cualquier aficionado a la música de alta calidad está frotándose las manos ante la posibilidad de ver a esta bestia en directo.

JJ Mestre

Carlos Irijalba revisited

Decía Guy Debord, en La sociedad del espectáculo, que los personajes admirados, en quienes se personifica el sistema, son bien conocidos por no ser lo que son; se han convertido en grandes hombres a fuerza de descender por debajo del umbral de la más mínima vida intelectual, y ellos lo saben. La rebelión meramente espectacular puede, así, coexistir con la resignada aceptación de lo establecido, como si se tratase de lo mismo: poniendo de manifiesto el hecho de que la propia insatisfacción se ha convertido en mercancía y el sistema, basado en la abundancia económica, se ha vuelto capaz de ampliar su producción hasta convertir la insatisfacción de las personas en una materia prima más.

Carlos Irijalba. Switch off all devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Switch off all devices. Cortesía del artista.

En ese contexto de pensamiento transita el trabajo de Carlos Irijalba (Pamplona, 1979). Realizaremos un recorrido a través de algunas de las series fotográficas producidas en años anteriores, con piezas de la serie Environment, iniciada en 2004, en la que se nos presentan volúmenes arquitectónicos suspendidos, como paisaje irreal en el que la arquitectura adquiere el grado de deidad terrena, necesariamente cimentada pero simbólicamente elevada a los niveles de representación del poder. Switch off all devices es parte del desarrollo fotográfico del proyecto Überlegung, su conocido prototipo de no-coche, un objeto en el que la estricta simetría aplicada en su diseño lejos de tranquilizar inquieta al observador.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Los vectores opuestos se encuentran en el eje común de sus ruedas en un ejercicio de dislocación de la lógica, cuestionando la idea de progreso que comunica el automóvil. La evolución de esta serie fotográfica lleva a la propia omisión del artefacto creado por Irijalba, elaborando una escena suburbana en la que la luz opuesta proyectada sobre el suelo narra la intencionalidad en la manipulación del entorno, el modo en el que se reclama nuestra atención sobre un “vacío” convenientemente iluminado.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

A la inversa, la serie Devices supone una evolución de ese estudio acerca del significado de la iluminación en la confección espectacular de la realidad, pero dando un giro en redondo dirige su objetivo sobre el propio instrumento. Los focos adquieren directamente el protagonismo de la mirada, recortados sobre un fondo negro aterciopelado, creando unos singulares bodegones en los que, desaparecida la percepción cercana de la miseria, inmersos en un tiempo de ficticia abundancia, las viandas han perdido la relevancia que las hacía perceptoras de exaltación. El nuevo bodegón se dedica al foco, objeto presente de veneración, dueño de una luz capaz de hacernos mirar hacia donde no habíamos pretendido mientras deja tanto en la penumbra. Nos ciega, nos muestra lo que debemos ver, pero no vemos lo que se oculta tras él.

Carlos Irijalba. Outside comes first. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Outside comes first. Cortesía del artista.

Outside comes first, es una serie realizada entre Pamplona y Nueva York, evidencia la inevitable tensión que se establece entre la necesidad de realidad y la potencia de la imagen espectacular. En ese pulso una gran lámina de cristal se convierte en filtro dispuesto a enmarcar fragmentos de realidad, entornos urbanos y retazos de naturaleza sometidos a una obligada mediación: signos de sometimiento.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Twilight sigue en su línea de cuestionamiento acerca de las formas de representación de lo espectacular, el artista toma como referencia las torres de iluminación de un campo de fútbol –nuestro particular circo romano- y traslada una de ellas al interior de una de las últimas selvas de Europa, en Iratí, al norte de Navarra. Con la extrapolación de este elemento, y su ruidoso grupo electrógeno como fuente de alimentación, se obtiene la evidencia del absurdo a través del que podríamos llegar al origen, a la base misma de insensatez, que hace del mundo un lugar inhabitable para la mayoría. En esta ocasión el trabajo fotográfico se ve arropado por una pieza de vídeo que contribuye positivamente al desarrollo de la idea, como clave de comprensión para el espectador.

Carlos Irijalba. Light alone. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Light alone. Cortesía del artista.

Recuperando palabras de Walt Whitman: “Con frecuencia hemos escrito la palabra Democracia en letras de molde. Sin embargo, no me cansaré de repetir que el significado real del vocablo está aún dormido, pese a las resonancias y a las airadas tempestades en que se han ido formando sus sílabas. Es una gran palabra cuya historia no se ha escrito aún, creo, porque esa historia está todavía por vivirse”.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

Abel Azcona inaugura Donostiartean

Donostiartean, Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Kursaal de Donostia
Avda de Zurriola, 1. Donostia-San Sebastián
Del 7 al 11 de agosto, 2014

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de San Sebastián, Donostiartean, que se celebra del 7 al 11 de agosto de 2014 en Kursaal, arranca su 1ª edición concebida como una feria nueva y distinta pero igualmente rigurosa, ajustada a una línea de excelencia artística en calidad para conseguir una feria más cohesionada. Cuenta con 41 expositores (34 galerías y 7 editoriales) y prevé la asistencia de 20.000 visitantes.

Donostiartean contó con la presencia en el acto inaugural de Juan Carlos Izaguirre, Alcalde de San Sebastián, quien mostró todo su apoyo y conformidad para llevar a cabo esta iniciativa, subrayando la importancia de la capital administrativa de Gipuzkoa en su nombramiento como Capital Europea de la Cultura en 2016 que avala su potencial como ciudad.

Cartel de la performance 'Reminiscence. The art of memory', de Abel Azcona, con la que se inauguró la I Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Donostiartean.

Cartel de la performance ‘Reminiscence. The art of memory’, de Abel Azcona, con la que se inauguró la I Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Donostiartean.

La inauguración de la 1ª edición de Donostiartean tuvo lugar el jueves 7 de agosto en el Palacio de Congresos de San Sebastián por parte de Ignacio Scarpellini, Director de Donostiartean. Tras el recorrido inaugural, el artista Abel Azcona llevó a cabo la performance ‘Reminiscence / The art of memory’, propuesta que surge desde la memoria y la exploración de los fantasmas propios y ajenos.

En ella, cada participante de la acción, con un trabajo previo de exploración, mostró estos sentimientos de forma errante por un espacio delimitado del Palacio de Congresos Kursaal destinado a la feria. Cuerpos desnudos errantes, en todo el proceso inaugural, marcaron una búsqueda interna y propia, utilizando como nexo una escultura hiperrealista de un bebé recién nacido, que fue pasando de mano en mano entre las personas.

Finalmente, todos los participantes formaron una gran instalación corpórea con la que Abel Azcona interactuó directamente realizando la acción performativa final en la que simbolizó la conexión de sangre y el abandono de la escultura hiperrealista.

Obra de Iñigo Manterola, artista que participa con la galería En el estudio, en la I Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Donostiartean.

Obra de Iñigo Manterola, artista que participa con la galería En el estudio, en la I Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Donostiartean.

Durante los siete días previos a la inauguración de la feria el artista realizó diferentes sesiones de trabajo, y acciones de contacto con diferentes personas residentes en Pamplona y San Sebastián con un rasgo común: heridas de abandono, abusos y maltrato. Mediante estos contactos el artista conectó interior y corpóreamente con los voluntarios que participaron en la performance inaugural del 7 de Agosto.

Abel Azcona (Pamplona, 1988) es un artista multidisciplinar especialmente unido al arte de acción, a la performance. Su trabajo explora y pone gran atención en los resultados estéticos y, por lo tanto, se relaciona con medios como la fotografía, el videoarte, la instalación y la escultura. Su trabajo artístico se ha presentado en multitud de museos, centros de arte contemporáneo, galerías y espacios artísticos de países de todo el mundo como España, Portugal, Francia, Italia, Dinamarca, Reino Unido, Alemania, Grecia, Polonia, México, Colombia, Venezuela, Perú, Ecuador, Argentina, Estados Unidos de América, China, Filipinas y Japón.

Su obra viene definida por dos líneas: una línea autobiográfica y una línea crítica, ligadas entre sí a través de una sinergia constante, que da como resultado un trabajo heterogéneo y a la vez retrato personal. El arte le proporciona una gran herramienta para la crítica y para el conocimiento de sí mismo, cuestionando al mismo tiempo la sociedad actual e invitando al público a compartir su experiencia y a reflexionar sobre los temas de sus obras, de contenido muy crítico: el feminismo, la sexualidad, la desigualdad, la política o la religión, tratando de arrojar luz sobre estas cuestiones sociales.

Logotipo de Donostiartean, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de San Sebastián.

Logotipo de Donostiartean, I Feria Internacional de Arte Contemporáneo de San Sebastián.

 

Greta Alfaro: tabaco y fantasmas

European Dark Room, de Greta Alfaro
Galería Rosa Santos
C / Bolsería 21. Valencia
Hasta el 14 de marzo

La galería Rosa Santos expone, hasta el próximo 14 de marzo, una muestra de arte fotográfico que reflexiona sobre nuestro pasado colonial: European Dark Room. A través del visor de la artista Greta Alfaro, los visitantes podrán contemplar la verdad que se esconde tras las exóticas plantaciones que se forman en la imaginación al evocar las colonias. Las instantáneas no reflejan interminables campos, sino el interior de la Fábrica de Tabacos de Madrid: oficinas desiertas donde los poderosos actuaban con el mayor secretismo, donde se forjaron abusos y corrupciones, las oscuras salas donde las élites ejercían su soberanía en una sociedad esclavista.

Obra de Greta Alfaro, en 'European Dark Room'. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos

Obra de Greta Alfaro, en ‘European Dark Room’. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos

Cuenta la leyenda que, en 1493, un explorador volvía a su Huelva natal tras su primera expedición a las Américas. Deseoso de compartir con sus vecinos y paisanos las maravillas del Nuevo Mundo, los reunió para mostrarles una de las costumbres que había adquirido allí. Sacó unas hojas de tabaco y, para el horror de los asistentes, las prendió fuego y se las llevó a la boca, para después despedir un aro de humo. Cundió el pánico y el explorador Rodrigo de Jerez fue juzgado por brujería. “Sólo un demonio sería capaz de sacar humo por la boca”, concluyó el tribunal, y el explorador fue encerrado en las profundas mazmorras del Santo Oficio. Para cuando lo hubieron soltado, siete años más tarde, el uso del tabaco ya había comenzado la conquista del mundo entero.

Obra de Greta Alfaro, en 'European Dark Room'. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos.

Obra de Greta Alfaro, en ‘European Dark Room’. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos.

European Dark Room nos presenta habitaciones asfixiantes, misteriosas, cubiertas de marrón.  Y es que 400 kilos de chocolate fundido y aplicado sobre todas las superficies nos recuerdan la esclavitud sobre la que se sostuvo el ‘Imperio Español’. Chocolate y tabaco cobran protagonismo en esta muestra, productos estrella de América convertidos en objetos de deseo hedonistas, lujosos, pero consumidos de manera masiva y ‘democrática’ en todo Occidente. Estos dos productos son el dispositivo crítico que saca a la luz los fantasmas de nuestro pasado esclavista y colonial, un pasado que se encuentra ausente en nuestro discurso contemporáneo y merece una profunda reflexión.

Un momento de la inauguración de 'European Dark Room', de Greta Alfaro.

Un momento de la inauguración de ‘European Dark Room’, de Greta Alfaro.

Estas enigmáticas fotografías ponen de manifiesto la carencia de pensamiento crítico que existe con nuestro pasado colonial en España. Salas fantasmales, oscuras e inquietantes, son retratadas con maestría por Greta Alfaro. Como si del escenario de un auténtico thriller se tratara, los espacios cerrados y asfixiantes de cada fotografía aúnan chocolate con suciedad, placer con explotación, codicia con miseria. En cada instantánea el visitante puede reconocer una tradición de desigualdad e injusticia que forma parte de nuestra Historia.

Greta Alfaro (Pamplona, 1977) trabaja constantemente con materiales comestibles y perecederos, reflexionando sobre el interés simbólico de la comida (entendida como sustento y fuente de vida, pero a su vez como sacrificio) y el interés social (los rituales en los que participamos al cocinar y comer). En este proyecto, el chocolate es el motor crítico de nuestro pasado que nos inclina a reflexionar sobre la esclavitud, el poder y la riqueza.

Obra de Greta Alfaro, de 'European Dark Room'. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos.

Obra de Greta Alfaro, de ‘European Dark Room’. Imagen cortesía de la galería Rosa Santos.

Beatriz Vera

Fermín Jiménez. Todo lo que de verdad importa

El trabajo de Fermín Jiménez podría interpretarse como el logro de quien ha superado el miedo a la libertad, no porque él lo haya padecido sino porque en realidad en el campo de la creación artística se respira –más allá de lo razonable- un temor a hacer lo que uno quiere hacer y a decir lo que uno desea decir. Moeller van der Bruck, uno de los padres ideológicos del nazismo expresó con claridad que “Los conservadores prefieren creer en la catástrofe, en la impotencia del hombre para evitarla, en su necesidad y en el terrible desengaño que sufrirá el iluso optimista”, como cimiento sobre el que elevar una mentalidad que invita al individuo al inmovilismo, a la obediencia, la resignación y la autocensura. De eso hay mucho en los tiempos que corren.

El mundo es inaprensible, es imposible llegar a todo. La realidad es demasiado complicada, se compone de tal multitud de capas que hincarle el diente puede ser tan apetecible e indigesto como uno de esos enormes sándwiches que mezclan varios pisos de alimentos. Mientras una persona se angustia porque su ordenador no arranca, a muchos kilómetros sucede una catástrofe que acaba con la vida de cientos o miles. Los términos absolutos se sostienen con dificultad, porque se fundamentan en la deshumanización de la realidad, en el anonimato opaco de la cifra, en la construcción de relatos genéricos a la medida del narrador. Fermín Jiménez Landa (Pamplona, 1979) huye de las consignas con vehemencia, no necesita recursos de estilo ni recurre al abigarramiento del arte sobreintelectualizado. Lo que no quiere decir que el público vaya a encontrar con facilidad, a la primera, las claves que permiten el disfrute de sus trabajos. En sus planteamientos subyace una base de ironía y humor que no va dirigido a arrebatar carcajadas al espectador, pero seguramente sí logra esa especie de regocijo interno que acaba con unos labios que se curvan hacia arriba, entre el desconcierto y la sensación de haber conectado. Porque incredulidad es, con frecuencia, la primera impresión que provocan sus obras. Es inteligente en su manera de establecer nuevos resortes de pensamiento para poner en contacto asuntos aparentemente ajenos entre sí, como sucede con su proyecto centrado en el peso de personajes famosos utilizando objetos no famosos, realizado en 2006. De ese proyecto resultan instalaciones como El peso aproximado de Glenn Medeiros en limpiasuelos, El peso aproximado de Kirk Cameron en placas de granito o El peso aproximado de Brian de Palma en champú, que se resuelven depositando sobre una mesa un determinado número de productos corrientes hasta completar el peso aproximado del famoso en cuestión, invitando a relativizar el peso de la fama en nuestra sociedad.

El artista indaga con su obra en las relaciones entre lo científico, lo fenomenológico y lo cotidiano, generando intentos imposibles de poner en contacto esos elementos, con resultados de dudosa ciencia pero de eficaz relato artístico. También en esa línea, la ley de la gravedad centra la atención del vídeo Todo es imposible (2008), en él se suceden escenas de equilibrio inverosímil con alimentos y artículos domésticos como una cacerola, una barra de pan, una mesilla de noche, un zapato o una silla.

Una parte importante de su atención se vuelca hacia el espacio público, mediante intervenciones que no tienen la menor posibilidad de pervivir ni de cobrar una presencia más allá del gesto, de la intención y de su registro a través de la fotografía y el vídeo. Su conocido proyecto Desempatar las torres más altas de Barcelona (2008) es un ejemplo del tipo de cruzada inútil en las que se embarca el autor, logrando todos los permisos necesarios para poder coronar la torre de MAPFRE con un árbol de Navidad y, por unos instantes, conseguir que gane dos metros de altura. Acciones como Rellenar todos los huecos con nata montada representa ese punto de encuentro que hace del trabajo de Jiménez Landa algo sublime, instalado conscientemente en la categoría de lo cutre, liberado de los servilismos del gusto, que habla con sencillez de nuestro mundo, de lo insignificante que sucede en la calle, sin los aspavientos ni la monotonía adoctrinadora de la publicidad o la política. En su afición por la nata montada, por ese milagro que convierte el líquido en sólido, Adelgazamiento por corte es una serie de dibujos creados exclusivamente mediante esta técnica espontánea, con una presencia principal de texto. Con Unir todos los chicles del suelo (2007) se documenta al artista, provisto de un potente rotulador, lanzando líneas sobre el suelo en una calle cualquiera, uniendo el residuo dejado por chicles fundidos en el pavimento, creando el trazado de una relación esquemática que podría estar sintetizando un árbol genealógico, una red viaria o la estructura de una trama de corrupción.

Uno de sus últimos trabajos, Ahora todos los chicos están llorando (2009), aborda una investigación sobre la cultura griega tomando la rebétika –música considerada vulgarmente como el blues griego- como hilo conductor de una realidad que Jiménez Landa conoce bien debido a sus numerosos viajes al país. El componente vital, la deriva, la búsqueda y el encuentro casual son factores que enriquecen e incluso gestan los proyectos. ¿Cómo calificar Calma chicha (2010)? Se trata de una instalación compuesta de una fila de garrafas y botellas de plástico con agua hasta una misma altura, creando una serena línea de horizonte. En el líquido, disueltos, hay una gran cantidad de comprimidos de myolastan para asegurar que las aguas no anden revueltas, que la tensa calma se mantenga.

Jose Luis Pérez Pont

Fermín Jiménez Landa ha inspirado la obra teatral «Jo de major vull ser Fermín Jiménez». Pincha aquí para saber más.