El pánico al padre

Posted on 6 diciembre, 2019 por Salva Torres

Trayectos (des)esperanzados: de ‘París-Tombuctú’ (Luis García Berlanga) a ‘Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar)
Cátedra Luis García Belanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 8 y martes 9 de diciembre de 2019

Trayectos (des)esperanzados. Ese es el título que la Cátedra Berlanga, creada hace cinco años para promocionar la investigación y divulgación de la obra de Luis García Berlanga, propone en sus jornadas de cine que tendrán lugar en el Palacio de Colomina los próximos días 9 y 10. El diálogo entre la última película del cineasta valenciano, París-Tombuctú, y la de Pedro Almodóvar, Todo sobre mi madre, cuando ambas cumplen 20 años, permite abordar esos trayectos. Trayectos narrativos planteados de forma bien distinta, pero que giran en torno a un mismo problema: el pánico al padre.

Pánico que en París-Tombuctú adquiere tonos burlescos, mientras en Todo sobre mi madre adopta la tonalidad del más intenso melodrama. Y, en ambos casos, como consecuencia de la pregunta que se hacen los personajes, en determinados instantes, acerca del origen paterno. Se sabe, valga la redundancia, todo sobre las madres, poniendo en cuestión la paternidad, ya sea por ciertas dudas acerca de su ADN o simplemente por habérsela ocultado durante mucho tiempo a un hijo.

Toni Cantó (izda) y Cecilia Roth, en un fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

Para tratar de todo ello, siempre en torno a lo que puedan dar de sí esa y otras cuestiones implícitas en ambas películas, la Cátedra Berlanga cuenta con una serie de ponentes. Profesores y profesionales del cine que serán los encargados de ilustrar con sus intervenciones lo que universos fílmicos tan ricos como los de Berlanga y Almodóvar suscitan. Entre ellos, destaca la presencia del actor Toni Cantó, que encarnó al transexual Lola en Todo sobre mi madre, y que desvelará en las jornadas cómo trabajó aquel papel y cuál fue su experiencia durante el rodaje de un filme que logró el Óscar a la Mejor Película extranjera en 1999.

Julián Núñez, ayudante de dirección con Berlanga en París-Tombuctú y con Almodóvar en Mujeres al borde de un ataque de nervios, añadirá su punto de vista con respecto al modo de crear que tenían ambos cineastas. Rafael Maluenda, que también tuvo oportunidad de trabajar con Luis García Berlanga en la película objeto del debate, se centrará en un aspecto llamativo, como son los “silencios en el bullicio berlanguiano”, tal es el elocuente título de su ponencia.

Michel Piccoli en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga vinculada a la Universidad CEU Cardenal Herrera, que cuenta con el patrocinio del Institut Valencià de Cultura (IVC), Fundación Aisge y Fundación Cañada Blanch, en colaboración con Á Punt Media, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista de artes visuales y cultura contemporánea Makma, será la encargada de mostrar las similitudes y diferencias entre ambas películas, pero girando de nuevo en torno a la cuestión del padre.

“Si hay algo que atraviesa los dos filmes es la necesidad que tienen los tres hijos Puchades [Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Javier Gurruchaga], en París Tombuctú, y Esteban [Eloy Azorín], el hijo de Manuela [Cecilia Roth], en Todo sobre mi madre, de saber quienes son sus respectivos padres. Los primeros fantasean con la posibilidad de que sea el famoso matador Manolete, despreciando que sea el enano Ramonet su legítimo padre, mientras el segundo solo quiere conocer a quien su madre le ha ocultado desde que naciera”, explica Siles. “Pienso que el padre, ya sea mediante la farsa burlesca o a través del drama, es la figura anhelada que sin duda falla en ambos relatos. De ahí los trayectos desesperanzados a los que aluden las jornadas, motivados por una búsqueda de la paternidad, tan pronto vilipendiada como fútilmente deseada”, añade.

Amparo Soler Leal, Michel Piccoli y Concha Velasco en un fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Javier Rioyo, director del Instituto Cervantes de Tánger y gran conocedor de la obra de Berlanga, se centrará en la mala españolidad del autor de El verdugo, por cuya película fue censurado en el franquismo. De ese hilo tirará Rioyo, valiéndose precisamente de lo que Franco dijera de él tras el visionado de aquella película en su sala del Pardo, y una vez escuchados los reproches de los censores, tachándolo de rojo y anarquista: “Es algo peor: es un mal español”.

En este mismo sentido, Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid, se referirá a París-Tombuctú como una película que trata “la idea de España como problema filosófico”. “No habla ni de París ni de Tombuctú, sino de lo que está en medio que es España. Y en el personaje de Concha Velasco, que para mí es el principal porque Michel [Michel Piccoli] no deja de ser un mero viajero francés marginal, se da un problema de identidad, al no saber quién es su padre. Un problema totalmente delirante, porque ella cree que su padre es nada más y nada menos que Manolete, que tiene que ver con la identidad española, taurina, la fiesta de moros y cristianos, en fin, lo de siempre en el cine de Berlanga. Concha Velasco y España tienen un problema de identidad, que es lo que aborda la película”.

Fotograma de ‘Todo sobre mi madre’, de Pedro Almodóvar.

París-Tombuctú es la última película de Berlanga y termina con un cartel en el que se pueden leer las palabras: “Tengo miedo, L.” “Termina su filmografía con una comedia que ya no lo es, por ese final de tengo miedo. Si algo no tiene que producir la comedia es miedo. Y qué es lo que le da miedo a Berlanga: pues está claro, la destrucción de España, con ese toro de Osborne finalmente derruido. La destrucción de la idea de España, ojo, no de su unidad, aunque haya también alusión a ello con esa pancarta en la que se lee “Todo por las patrias”. De manera que el problema de España no es tanto su unidad como su identidad”, puntualiza Martín Arias.

Con respecto a Todo sobre mi madre, Jesús González Requena, de la Universidad Complutense de Madrid, señala que se trata de “una película curiosa, porque se proclama como un homenaje a todas las madres del mundo y, sin embargo, en el centro de la cadena de sufrimientos que afectan a las personajes está ese hijo quiere saber quién es su padre”. También destaca, en este sentido, el monólogo de la transexual Agrado [Antonia San Juan]: “Es un monólogo en el que dice que es muy natural ella y, al mismo tiempo, lo que está proclamando es el artificio completo de su esfuerzo por ser mujer”. Y añade: “Todos son mujeres u hombres que se han convertido en mujeres, en una especie de pánico con respecto a la posición del varón”.

“Toda la película es como una especie de alarido de sufrimiento rodeado de todo tipo de negaciones masivas de la masculinidad. Alarido de sufrimiento de un chico que hace una especie de suicidio loco detrás del deseo de la madre, porque a fin de cuentas Huma [Marisa Paredes] es lo que hubiera querido ser la madre”, remarca González Requena. Trayectos (des)esperanzados pondrá todo eso y más a debate en las jornadas de la Cátedra Berlanga, donde se proyectarán al inicio de cada sesión ambas películas.

Fotograma de ‘París-Tombuctú’, de Luis García Berlanga.

Salva Torres

MediArte, del realismo a la psicodelia fantástica

Posted on 12 julio, 2019 por Begoña Siles

VII MediArte. Muestra Creativa de Estudiantes
Palacio de Colomina
Carrer l’Almodí, 1. Valencia
Inauguración: viernes 12 de julio, a las 19.00 horas
Hasta el 20 septiembre de 2019

El Palacio de Colomina abre sus puertas para acoger algunos de los trabajos que los estudiantes de Comunicación Audiovisual, Publicidad y Periodismo han ido realizando durante el curso 2018-2019 en la Universidad CEU Cardenal Herrera, en la VII Muestra Creativa de Estudiantes ‘MediArte’, que se inaugura el viernes 12 de julio y que permanecerá expuesta hasta septiembre.

La muestra incluye creaciones fotográficas, audiovisuales, musicales y sonoras que los alumnos han ido creando, bien en alguna materia a lo largo del curso, bien como Trabajo Final de Grado. Trabajos que vienen a demostrar el enorme potencial de los estudiantes.

Una de las obras de la muestra ‘MediArte’. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

En esta VII Muestra Creativa ‘MediArte’ los trabajos han girado en torno a diversas temáticas relacionadas con el cuerpo como medio o materia de expresión, los trastornos en el lenguaje, la vejez, la realidad social y política de la calle, el empoderamiento femenino y las centradas más estrictamente con la propia creación experimental: fotografía de múltiple exposición, creación sonora y producción musical.

Hay fotografías en blanco y negro sobre el lirismo poético del cuerpo, como las de Lorena Selva y las realizadas por Raquel Brisa, Ángela Bosh, Noelia Capapé, Mon Balart y Gemma Antolín. Otras más realistas, descriptivas de un entorno social y político, como sucede en el trabajo de Carlota Vilarrasa sobre las calles de Malasaña (Malasaña, o cómo morir de éxito), en el de José Sanjaime (Ciudades viajeras) y en el de Víctor Salvador (Nacionalismo de balcón).

Proyectos que contrastan con las imágenes más futuristas y psicodélicas realizadas por Tono Bertomeu o Margarita Aguilar, María Fernanda Alvarado y Ana Cervera. Y otras imágenes que bajo una mirada lúdica nos interrogan sobre la vejez y la diversidad, como las tomadas por el grupo formado por Paula Aguarón, Andrea Fichet, Judith Hemmelmayr y Sonia Almela (Abuelos) y las de Jonathan Sendra (Dislexia, el valor distinto). Selección de trabajos a los que se suman las fotografías de Ana Cervera, Ángela Sanz, Luna Rotelle,

La imagen en movimiento abarca diferentes formatos y géneros. Formatos que van desde el clásico cortometraje, hasta otros más actuales, acorde con nuestra realidad digital, como son las webseries y las stopmotion, pasando por el documental. Y géneros en los que destaca principalmente el fantástico. Y bajo las normas del género fantástico, la webserie titulada Nuevos Dioses, de Victoria Pérez y Antonio García, y la stopmotion, Ambicatus, de Julián Lagullón, nos introducen en el vértigo de lo irracional, en el sentido que la verosimilitud de la trama escapa a la racionalidad científica.

En cambio, los documentales tratan diferentes temas con la intención de incluir cierta verdad: en Itness, desde el prisma del falso documental, se lleva a cabo una sátira de los nuevos protagonistas digitales como son influencers; en Nómadas, No limits o Asinarex se da voz a personajes cuyas experiencias vitales están marcadas por la voluntad, la diferencia y las creencias.

Y, por último, cabe destacar Trashumancia, en el que se muestra este modo de pastoreo siguiendo el recorrido de dichos pastores, y el proyecto transmedia, titulado Visibles, donde se da visibilidad a las deportistas. Proyectos de carácter interdisciplinario, al estar realizados por alumnos de veterinaria, periodismo y comunicación audiovisual.

‘MediArte’ muestra a la ciudadanía valenciana la visión que de la sociedad actual tienen los alumnos mediante su obra creativa, al tiempo que sirve para incentivar su propio desarrollo personal en el transcurso de su aprendizaje educativo.

Begoña Siles

Lo siniestro del fantasma femenino

Posted on 3 diciembre, 2018 por Begoña Siles

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Amores Letales. ‘La boutique’, Luis García Berlanga (1967) y ‘Peppermint Frappé’ (1967),
Carlos Saura
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’ es el título de una de las obras que el pintor Antonio Saura realizó sobre una actriz que, al igual que otros iconos eróticos cinematográficos de mediados del siglo XX, como Marilyn Monroe o James Dean, remite a ser pintada bajo la explosiva estética del arte pop. Sin embargo, para Saura, la espectacular belleza de la actriz quedó plasmada bajo su enérgica, gruesa y oscura pincelada.

Saura pinta en el lienzo ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’, al igual que en los otros de la serie homónima, las palabras del poeta Rainer María Rilke, cuando dice que “lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar”. Refleja así lo terrible que el velo de la belleza y del amor ocultan. Y una vez que este velo se desvanece, lo siniestro, por cruel, horroroso y espeluznante, aparece, tal y como el poeta Schelling lo definió: “Aquello que debiendo permanecer oculto, se ha revelado”.

Retrato imaginario de Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

Si Saura pintó el verso de Rilke en su serie Brigitte Bardot, Luis García Berlanga en ‘La boutique’ y Carlos Saura en ‘Peppermint Frappé’ absorben el espíritu de la obra del pintor aragonés: el amor y la belleza no pueden contener que lo espeluznante aflore en el relato. No es baladí que ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot ‘(1962) y ‘Brigitte Bardot’ (1959) estén citados diegéticamente en ‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, respectivamente.

Luis García Berlanga (1921-2010) y Carlos Saura (1932) son dos de los directores más influyentes de la historia del cine español. Cada uno con un estilo, obviamente único, ha creado un universo cinematográfico bañado por una pátina esperpéntica propia de la más pura tradición cultural española.

Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, estrenadas ambas en 1967, comparten con mayor o menor intensidad ciertos trazos de esa mirada esperpéntica. Lo absurdo y lo ridículo describen los rasgos miserables de los personajes de la película de Berlanga; en cambio, lo grotesco y lo extravagante revelan el mundo austero y fetichista de Julián, papel interpretado por José Luis López Vázquez en el film de Saura. Mirada esperpéntica que desvela, con patética ironía en ‘La boutique’ y con frialdad sórdida en ‘Peppermint Frappé’, a unos personajes masculinos tan atraídos por la mujer, como impotentes hacia ella.

Ricardo, protagonista de ‘La boutique’ que interpreta el galán argentino Rodolfo Bebán, disimula su impotencia tras la máscara de una virilidad más interesada en jugar a las carreras de coches y en seducir de manera insustancial y vacua a toda mujer, que en mantener relaciones sexuales con su esposa o cualquier otra mujer. Porque el sexo para Ricardo es, tal y como él mismo lo expresa, «puro aburrimiento”.

Julián, protagonista de ‘Peppermint Frappé’, encubre su incapacidad sublimando a la mujer, bajo el ritmo estrepitoso producido por el resonar de los tambores del Viernes Santo de Calanda. Un homenaje explícito al gran director español Luis Buñuel. En ambas películas, con sus abismos estilísticos, tras la belleza de la mujer late un cierto foco de amenaza. Una amenaza que deja entrever con total sarcasmo el otro título de la película de Berlanga, ‘Las Pirañas’.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura, con la obra ‘Brigitte Bardot’, de Antonio Saura, al fondo.

Para sofocar el temor ante lo femenino, tanto Carmen (Sonia Bruno), como Elena y Ana (Geraldine Chaplin), protagonistas de ‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, respectivamente, son cubiertas por los rasgos fantasmáticos del deseo masculino, evocando en ambas películas el mito de Pigmalión.

En ‘La boutique’, tal evocación se realiza como un perverso juego de muñecas. Carmen es moldeada por Carlos (Lautaro Murúa), su amante y decorador de la boutique. Para Carlos, Carmen es una muñeca, un objeto más de decoración. Sólo hay que oír sus propias palabras: “A las mujeres sólo las aguanto cuando no entra lo sexual. Las mujeres me gustan de lejos, como amigas para vestirlas, cambiarles el peinado. Para mirarlas como objetos hermosos”.

En ‘Peppermint Frappé’, el mito de Pigmalión está citado en su versión más siniestra, al igual que sucede en la película ‘Vértigo. De entre los muertos’ (1958), de Alfred Hitchcock. Julián queda fascinado por Elena, esposa de su mejor amigo Pablo (Alfredo Mayo), la cual abrasa a Julián, no por su condición de mujer real, sino por representar su imaginario de mujer: el fantasma femenino toma cuerpo en ella. Por tanto, Julián transformará a Ana, su tímida y triste enfermera, en la imagen simulada de Elena, accediendo a representar y someterse a ese fantasma femenino. Una construcción que el director Carlos Saura muestra con elegante precisión fetichista.

En ‘La boutique’ y en ‘Peppermint Frappé’, tan fecunda es la referencia subliminal al mito de Pigmalión, en tanto metáfora de la dificultad para el encuentro sexual entre lo masculino y lo femenino, como la cita literal de los lienzos ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’ y ‘Brigitte Bardot’ de Antonio Saura lo es, de esa belleza femenina como antesala de lo siniestro.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga, con la obra 'Retrato imaginario de Brigitte Bardot, al fondo.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga, con la obra ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot, de Antonio Saura, al fondo.

Begoña Siles

¿Por qué hay amores que son letales?

Posted on 2 diciembre, 2018 por Salva Torres

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

Al sociólogo Edgar Morin lo que más le sorprendió de Mayo del 68, del que ahora se celebra su 50 aniversario, era la paradoja de sentir una gran insatisfacción en la opulenta sociedad del bienestar. Hijos de burgueses acomodados manifestando un profundo malestar, cuya ira desbordaba los amables cauces democráticos en los que vivían. En las acolchadas paredes de los hogares parisinos, tenía lugar una insurrección contra ese orden burgués que reunía en sí la contradicción antes señalada: el confort propiciando la irrupción de cierta violencia.

Medio siglo después, la paradoja continúa. Y, con ella, la dificultad de comprender el malestar que nos aqueja cuando, asegurada la más estricta supervivencia, sentimos insuficiente ese bienestar. Lo mismo sucede en el marco privado de las relaciones personales. Alcanzadas ciertas cotas de igualdad, descubrimos de pronto una diferencia insalvable entre hombres y mujeres, e incluso entre sujetos de idéntica condición sexual. Para abordar todo ello, la Cátedra Berlanga pone en diálogo dos películas de 1967, Peppermint Frappé, de Carlos Saura, y La boutique, de Luis García Berlanga, sintomáticas de esa crispación hoy todavía no resuelta, cuando no agravada.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Si la obsesión de un hombre reprimido por el franquismo es a lo que se reduce la trama de Peppermint Frappé, entonces la obra de arte queda suprimida en aras del debate ideológico y del contexto en que fue creada”, asegura Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid que participa en las jornadas Amores Letales: La Boutique y Peppermint Frappé, que acoge el Palacio Colomina de Valencia durante los próximos días 3 y 4 de diciembre. Organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo, reúne a una serie de expertos y profesionales del audiovisual que analizarán ambos textos para desentrañar lo que en ellos sucede.

“Si una película no es simple debate ideológico, sino que plantea el debate eterno de la naturaleza humana, más allá del contexto, será una obra de arte que nos interroga pasado el tiempo”, añade Martín Arias. De lo contrario, dice, quedará como texto para su valoración histórica. De manera que si la obsesión de Julián (José Luis López Vázquez) por Elena (Geraldine Chaplin) en la película de Saura, merece la pena estudiarse, es por ese carácter transversal que lo sitúa en la actualidad como perfil asociado a cierto deseo masculino.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Otro tanto cabe decir de La boutique, película que analizará Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, en su ponencia Máquinas crueles. “Maquinitas egoístas”, matiza, dado que a su juicio, en la película de Berlanga, “todos los personajes son malas personas”. Y dentro de ese mundo de “maquinitas malvadas”, los hombres “son igual de malos que las mujeres, pero infinitamente más torpes”, asegura. Le sorprende esa deriva de Berlanga cada vez que realiza sus películas fuera de España: como pasa en La boutique, rodada en Argentina, o Tamaño natural, en Francia. “Cuando sale de España todo resulta más desabrido; desaparece el lado humano que ves en sus otras películas”.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, pone el acento en algo que vincula a una y otra película: la aparición de ciertas obras de Antonio Saura, hermano del cineasta, en ambos textos. En concreto, obras de la serie Brigitte Bardot, icono sexual de los años 60 y 70, que el pintor realiza quebrando su imagen seductora para que aparezca cierto desgarro de su figura. “Por utilizar la frase del poeta Rilke, cuando dice que lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar, diríase que en ambas películas aparece el fantasma femenino ligado con la muerte”.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Todo deseo remite al fantasma del otro”, apunta Siles. Fantasma que “desemboca en la destrucción” cuando el sujeto “es incapaz de alcanzar al sujeto que hay detrás de ese imaginario”. Precisamente de Antonio Saura, cuya obra viene a coincidir en ambas narraciones, se ocupa Maite Ibáñez, doctora en Historia del Arte, que hablará de la “pintura rebelde” del artista aragonés, del que se cumplen ahora 20 años de su fallecimiento. Pintura rebelde que vuelve a rimar con ese carácter insurgente de Mayo del 68, que alcanza a nuestros días.

El crítico de cine Jorge Castillejo abordará La boutique desde la óptica de la guerra de sexos. Como se recoge en el Berlanga Film Museum, creado por Rafael Maluenda bajo la coordinación del propio Castillejo, la película narra la estrategia perversa de una madre (Ana María Campoy) que hace creer a su yerno (Rodolfo Beban) que su mujer Carmen (Sonia Bruno) padece una enfermedad terminal, con el fin de que el joven playboy deje sus amoríos y se centre en su esposa.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

El director de cine Óscar Aibar (Platillos volantes, El Gran Vázquez o El bosque) incidirá en el humor de la dupla Berlanga Azcona y su influencia en los directores actuales, de los que él mismo se considera un buen ejemplo. “Invierte el humor de directores como Mario Monicelli, maestro de la comedia a la italiana, para adaptarlo a la psicología española”, señala quien se halla en estos momentos dirigiendo uno de los capítulos de la serie televisiva Cuéntame.

Paco Belda, por su parte, en tanto director de fotografía que ha trabajo con Carlos Saura (“me gusta más hablar de Cinematographer o Dirección Fotografía que de director”), rastreará la luz que emplea en sus películas el autor de Peppermint Frappé, La caza, Cría cuervos o Bodas de sangre. Para ello, se servirá de imágenes creadas por José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de la fotografía de la película analizada en las jornadas de la Cátedra Berlanga. Dos días de ponencias, charlas, coloquios y proyecciones, en torno a esas diferencias entre lo masculino y lo femenino, entre lo clásico y lo moderno, tan difíciles de articular en la sociedad posmoderna.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Salva Torres

Sobre muñecas y monstruos

Posted on 4 diciembre, 2017 por Salva Torres

Amores imposibles: de ‘La novia de Frankenstein’ a ‘Tamaño natural’
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 4 y martes 5 de diciembre de 2017

“Tamaño natural refleja una realidad psíquica”. Luis Martín Arias, profesor de la Cátedra de Cine de Valladolid, se refiere a la “fantasía subyacente” al hecho de que una persona busque en otra aquello que mejor se acopla a su deseo imaginario. Podría pensarse que ahora, en plena era de Internet y de las tecnologías propiciadoras de mundos virtuales, es más fácil que nunca. Y, sin embargo, esa fantasía viene de muy lejos. Rastrearla, al menos desde el Romanticismo a la actualidad, es lo que pretende la Cátedra Berlanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera, que en sus jornadas de cine tratará este año tan espinoso asunto.

Amores imposibles: De La novia de Frankenstein a Tamaño natural es el título de las jornadas que, en colaboración con la Fundación Aisge, el Institut Valencià de Cultura, la Asociación Cultural Trama y Fondo y la revista Makma, la Cátedra Berlanga organiza para poner sobre la mesa temas de actualidad tomando como referencia el universo fílmico de Luis García Berlanga. En esta ocasión, centrando su atención en esas relaciones de pareja imposibles por causas que los diferentes ponentes tratarán de averiguar.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Todos en Tamaño natural participan del juego con la muñeca, hasta la mujer del protagonista que se coloca literalmente en la posición de esa muñeca” (Luis Martín Arias)

De esta manera, el Palacio de Colomina de Valencia reunirá los próximos días 4 y 5 de diciembre a diversos expertos cinematográficos para, a través del análisis de las películas Tamaño natural (1973), de Luis García Berlanga, y La novia de Frankenstein (1935), de James Whale, arrojar algo de luz a las siempre conflictivas relaciones de pareja. El propio Martín Arias lo hará enfocándolo desde el lugar que viene a documentar esa realidad psíquica. Por eso ha titulado su ponencia Tamaño natural: una película documental, porque para él “todo documental tiene mucho de ficción y toda ficción es a su vez documental”.

A su juicio, esa realidad psíquica “intersubjetiva” queda documentada a través de cuantos participan en ella (desde el director, al guionista o los actores), y de todos los personajes que la hacen posible: “Porque todos colaboran. De hecho, hasta la mujer del protagonista se coloca literalmente en la posición de la muñeca”, subraya Martín Arias. Tamaño natural narra la historia de Michel, un hombre maduro que se compra una muñeca (teniendo ya una atractiva mujer y una joven amante), con la que mantendrá una relación similar a la que pudiera llevar con una mujer real.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

“Frankenstein es una pesadilla contemporánea asociada al cuerpo y a la sexualidad, al cuerpo como algo monstruoso e inmanejable” (Jesús González Requena)

Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, se referirá a la pesadilla contemporánea que anida en La novia de Frankenstein. Pesadilla asociada “al cuerpo y a la sexualidad, que está tanto en la película de James Whale como en la novela de Mary Shelley”. Y pesadilla del cuerpo “como algo monstruoso e inmanejable”, por cuanto “ninguna mediación simbólica hace posible el encuentro con lo real del sexo”. Señala paralelismos entre Frankenstein y La metamorfosis de Kafka, allí donde el cuerpo (ya sea propio o ajeno) se vive como extraño y (auto)destructivo.

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Es algo que siempre me ha interesado: el por qué los hombres canalizan su deseo a través de muñecas, de mujeres inexistentes” (Áurea Ortiz)

La profesora de la Universitat de València, Áurea Ortiz, rastreará ese deseo masculino focalizado en las muñecas. “Es algo que siempre me ha interesado: el por qué los hombres canalizan su deseo a través de muñecas, de mujeres inexistentes”. Para ello, confrontará Tamaño natural con otras películas de temática similar como No es bueno que el hombre esté solo (1973), de Pedro Olea, Her (2014), de Spike Jonze, o Lars y una chica de verdad (2007), de Craig Gillespie.

“La idea de juego es lo que pretendo abordar. De cómo el juego se asocia al espacio infantil y a la idea de ficción, de imitación de la vida real”, apunta Rafael Maluenda, director y creador del Berlanga Film Museum. Un juego en el que la relación con esas muñecas ofrece la oportunidad de plantearse el misterio de tan extraña conducta. “[Francisco] Umbral, en el prólogo del guión de la película, señala que asistimos a una imitación que no es símbolo, sino metáfora de la mujer”.

Fotograma de ‘La novia de Frankenstein’, de James Whale.

“Me interesa la idea de juego, de cómo éste se asocia al espacio infantil y a la idea de ficción, de imitación de la vida real de los sujetos” (Rafael Maluenda)

Maluenda pondrá diversos ejemplos de esa lúdica al tiempo que confusa relación, evocando películas como Vértigo (1958) o Psicosis (1960), de Alfred Hitchcock, y Ensayo de un crimen (1955), de Luis Buñuel, todas ellas aludiendo a la problemática del deseo masculino con respecto a una mujer siempre esquiva y, en última instancia, desencadenante de hondos problemas para ese hombre cuya masculinidad queda en entredicho.

El actor valenciano Joaquín Climent, que ha participado con Berlanga en París Tombuctú o Todos a la cárcel, hablará de su relación con el cineasta, que le consideraba su actor talismán, al tiempo que planteará la importancia del plano secuencia tan del gusto de Berlanga y para el cual hacía falta una serie de aptitudes por parte del actor. “Virtuosismo del plano secuencia que exigía a su vez virtuosismo por parte del actor”, señala Maluenda. Climent ha intervenido en series de televisión como El comisario, Física o Química y Amar en tiempos revueltos, además de actuar en otras películas de directores tan emblemáticos como Pedro Almodóvar (Mujeres al borde de un ataque de nervios) o Álex de la Iglesia (El bar).

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

“Habría que plantearse la diferencia entre lo masculino y lo femenino más allá de la ideología sexista, porque es la única manera de comprender su dialéctica en el juego de la seducción” (Begoña Siles)

José Luis García Berlanga, director y productor audiovisual, repasará el papel de la mujer en el cine de su padre. Una mujer a la que el propio cineasta dotaba de gran vitalidad en sus películas, hasta el punto de aplastar en muchas ocasiones al hombre. Como afirmó la directora Josefina Molina (Función de noche), cuya presencia estaba prevista en las jornadas pero problemas de agenda lo han impedido, Berlanga era “misógino y feminista”. “A las mujeres las tenía un poco de miedo, porque las consideraba unas supervivientes, indestructibles y superiores”, refirió Molina en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, precisamente dedicado a las mujeres de Berlanga.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, destaca el hecho de que incluso una mujer, como es el caso de la propia Mary Shelley, autora de Frankenstein o el moderno Prometeo, novela de la que se celebra justamente ahora su 200 aniversario, indague en el deseo masculino desde esa vertiente imaginaria próxima al delirio. “Habría que plantearse la diferencia entre lo masculino y lo femenino más allá de la ideología sexista, porque es la única manera de comprender su dialéctica en el juego de la seducción”.

Las jornadas, que cumplen su XVII edición como encuentros de historia y análisis cinematográfico organizados por la Asociación Cultural Trama y Fondo, celebran su cuarto año consecutivo impulsadas por la Cátedra Berlanga, tras haberse adentrado en las turbulencias de la pasión, en la impotencia del sujeto atrapado en la red social, así como en las utopías y distopías, en tanto dos caras de un mismo fenómeno. “Lo que pretendemos con las jornadas, siempre con Berlanga como trasfondo, es potenciar a través de su cine al director valenciano más internacional, poniéndolo en relación con el cine español y estableciendo igualmente conexiones con el resto de cinematografías”, subraya Siles.

Ver también la noticia en ARTS de EL Mundo Comunidad Valenciana

Fotograma de ‘Tamaño natural’, de Luis García Berlanga.

Salva Torres

MediArte o la creatividad fin de grado

Posted on 15 julio, 2016 por MAKMA

IV Muestra Creativa de Estudiantes – MediArte
Palacio de Colomina
Carrer l’Almodí, 1. Valencia
Inauguración: viernes 15 de julio, a las 19.30h
Hasta septiembre de 2016

El Palacio de Colomina abre sus puertas para acoger algunos de los trabajos que los alumnos de Comunicación Audiovisual han ido realizando durante el curso 2015-2016 en la Universidad CEU Cardenal Herrera, en la IV Muestra Creativa de Estudiantes –MediArte, que se inaugura el viernes 15 de julio a las 19.30 horas, y que permanecerá expuesta hasta septiembre.

Fotografía de Virginia Jareño. Imagen cortesía de MediArte.

La muestra incluye en su interior creaciones fotográficas, audiovisuales, musicales y sonoras que los alumnos han ido realizando, bien en alguna materia a lo largo del curso, bien como Trabajo Final de Grado.

El perfil práctico de los estudios de Comunicación Audiovisual, así como de Periodismo y Publicidad y RRPP, y el Máster Universitario en Diseño y comunicación gráfica, hace que a lo largo de un curso académico se creen gran cantidad de obras creativas de las cuales se ha realizado una selección para formar parte de esta muestra.

Fotografía de Francesc Planes. Imagen cortesía de MediArte.

En esta IV Muestra Creativa de Estudiantes-MediArte los trabajos han girado en torno a temáticas como el futuro y la tecnología, la situación de los refugiados que llegan a Europa, los trastornos de personalidad, las discapacidades, la problemática relacionada con el tabaquismo y las centradas más estrictamente con la propia creación experimental: videocreaciones, fotografía pixelada, videoclips, creación sonora y producción musical.

MediArte tiene como objetivo mostrar a la ciudadanía la visión que de la sociedad actual tienen los alumnos mediante su obra creativa, al tiempo que sirve para incentivar su propio desarrollo personal en el transcurso de su aprendizaje educativo.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

El diseño de Valencia toma la calle

Posted on 30 enero, 2016 por MAKMA

Valencia Disseny Week
Del 1 al 5 de febrero de 2016

La Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) organiza la séptima edición de la Valencia Disseny Week (VDW) con el objetivo de sacar el diseño valenciano a la calle y mostrar el talento que existe en este sector.

Del 1 al 5 de febrero de 2016 coincidiendo en fechas y con la colaboración de ‘Nos vemos en Valencia’ de Feria Valencia se pueden encontrar por la ciudad diferentes actividades relacionadas con el diseño gráfico, de producto y nuevos medios. La VDW 2016 cuenta con Turia como cerveza oficial.

Por un lado, se cuenta con la participación de tiendas y estudios de diseño que sacan a pie de calle sus propuestas. Son los llamados ‘Eventos VDW’, que nos ayudan a descubrir las actuales tendencias y novedades del diseño valenciano.

Entre los ‘Eventos VDW’ que se desarrollan durante esta edición se encuentra la exposición The beautiful 15 en Pepita Lumier de las monturas de Mouet customizadas por diferentes diseñadores. La presentación del taburete de la serie n(e)omads de Samuel Gallego. La segunda edición de ‘Diseña, Crea y Recicla’ en La Chaise. La presentación de las novedades de Corian by Dupont en el baño de la mano de Vicent Clauselly Ice Design.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014. Lilaluchs Photography.

La nueva edición de Conecta […] en Correo Viejo, con exposiciones efímeras, talleres, mesas redondas, PechaKucha Night, conciertos. La presentación de las manillas de Olivari cuyos diseños son de Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Marcel Wanders. Además, se activará una iniciativa propuesta por De armario a armario, alternativa de amueblamiento con ‘Intercambio – Home Edition’. Y Lebrel presentará varias piezas realizadas a partir tubos de PVC, en Dieciséis interiorismo.

Complementando estas acciones y con un objetivo más didáctico se cuenta con el taller práctico en Barreira A+D titulado ‘Apps love graphic designers’, donde se creará una App usando InDesign y 480interactive. Y las VIBRA Brand Session, con breves charlas diarias para aprender sobre el planteamiento y solución de casos reales de proyectos gráficos.

Por otro lado, están los proyectos ‘Destacados VDW’, que se diferencian por su magnitud del resto de eventos particulares, ya sea por el emplazamiento, por su producción o por la entidad que las organiza. Dentro de estas actividades, el lunes 1 de febrero, a partir de las 19.00h, en el salón de actos del MUVIM, tiene lugar la conferencia inaugural a cargo de de Francesc Rifé.

También a partir de este día se puede visitar la exposición interactiva Ana Juan, dibujando al otro lado en la Sala Josep Renau de la Facultat de Belles Arts (UPV) que permitirá una aproximación al universo creativo de esta ilustradora reconocida internacionalmente. También el lunes, inaugura su exposición colectiva Unamo design studio con el objetivo de ser un escaparate para diseñadores y colectivos.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014 en el MuVIM. Fotografía de Marisela.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014 en el MuVIM. Fotografía: Misael del Rosario.

El día 2, a partir de las 19.00h, la ADCV ha organizado Meet & Greet & Eat, en colaboración con Anieme / Mueble de España, un encuentro entre revistas internacionales y diseñadores para dar a conocer la creatividad valenciana de primera mano. Colaboran: Cerveza Turia, los restaurantes italianos Sorsi e Morsi y Las Naves.

También en el marco de la Valencia Disseny Week se puede visitar la exposición Carne Fresca/En el horno, en la biblioteca de la nave 1 de Las Naves. Organizada por la ADCV y comisariada por el estudio Pablus, la muestra permite descubrir las futuras promesas del diseño, ya que recoge los mejores trabajos de los estudiantes de diseño gráfico, de producto y nuevos medios de diferentes centros formativos de Valencia. La inauguración será el día 3 de febrero a las 19.00h. Ese mismo día, de 18.30 a 20.00h, el estudio de Santiago Sevillano presenta en las instalaciones de LOFT Interiorismo la familia de sillas LAP que ha diseñado para la marca Dressy de Mobliberica.

Los días 3, 4 y 5 febrero, de 10 a 14h, el Espai Alfaro, lugar de tradición artística, donde confluyen el arte, el diseño y la arquitectura, ha preparado también un ‘Evento Destacado VDW’. En él realizará visitas guiadas cada hora para conocer este espacio singular de 7.000m2, que incluye exposiciones y espacios profesionales.

La Escuela Superior de Enseñanzas Técnicas de la Universidad CEU-UCH vuelve a organizar las Jornadas ‘Design Works’ dedicadas al diseño a través de conferencias, talleres y una exposición, en su sede del Palacio de Colomina.

Por su parte, la EASD Valencia ha preparado la decimotercera edición de su ciclo de conferencias ‘Diálogos’ para los días 3, 4 y 5 febrero. Entre sus ponentes estarán: Luzifer, La Granja (interiores), Tavo Studio (gráfico), Nani Marquina (producto), Miguel Oriola (fotografía), Gemma Draper (joyería), Borja García (interiores/producto), Rocío Pastor (moda), Pica para arriba (gráfico), Eva Iszoro (moda), Javier Jaén (gráfico), Jorge Pensi (producto), Álvaro Sobrino (gráfico) y Maio (interiores).

Imagen de la Valencia Disseny Week 2014. Fotografía: Misael del Rosario.

El 4 de febrero, en el recinto ferial Ágora nude, la ADCV ha organizado en colaboración con nude de Feria Hábitat Valencia y Padima, la segunda edición de ‘Altavoz’. Un escenario, un micro, una pantalla y 90 segundos son las herramientas para ofrecer oportunidades a los diseñadores que empiezan su andadura profesional. Los participantes en esta ocasión son los jóvenes diseñadores participantes en NUDE de Feria Hábitat y la imagen ha sido desarrollada por Nueve Estudio.

También el jueves es el día elegido para la presentación de la revista Urban, nuevo proyecto editorial vinculado a la cabecera del LevanteEMV con contenidos de calidad y amplio espectro relacionados con la cultura, la moda, el diseño y, en sentido lato, el “lifestyle”. Será en el Palau de la Música i Congressos de València, Sala Iturbi.

La VDW 2016 se realiza gracias a la colaboración de Las Naves – Espai d’Innovació, los restaurantes italianos Sorsi e Morsi, Anieme, Mueble de España, Padima y DissenyCV. Además, cuenta con Turia como Cerveza Oficial VDW2016. Se pueden consultar todas las actividades en la Guía Oficial VDW 2016 “Pocket Design Guide”.

La adaptación de la imagen de esta edición ha sido llevada a cabo por Que maten al diseñador y Manu García.

Imagen de una de las instalaciones de la Valencia Dissey Week de 2014. Lilaluchs Photpgraphy.

Imagen de una de las instalaciones de la Valencia Dissey Week de 2014. Lilaluchs Photography.

Los últimos mohicanos de Berlanga

Posted on 17 julio, 2015 por Salva Torres

MediArte, tercera muestra creativa de estudiantes
Palacio de Colomina de la Universidad CEU Cardenal Herrera
C / l’Almodí, 1. Valencia
Hasta el 26 de septiembre de 2015

Un dólar para Berlanga. Así ha llamado Fernando Ruiz el conjunto de fotografías realizadas en diferentes espacios a familiares y actores que trabajaron con el director de Bienvenido Mr Marshall. Fotografías que forman parte de la muestra creativa de estudiantes Mediarte, que hasta el 26 de septiembre permanecerá en el Palacio Colomina del CEU Universidad Cardenal Herrera. El título expositivo obedece a la práctica utilizada por Berlanga de premiar con un dólar simbólico a quien mejoraba el guión durante el rodaje de sus películas.

Fotografía de Fernando Ruiz cortesía de MediArte.

“Cuando alguien sugería algo interesante, decía, ‘fantástico, toma un dólar’”, recuerda el actor Eusebio Lázaro, uno de los 23 fotografiados y entrevistados por Fernando Ruiz para su Trabajo de Fin de Grado. En dicho trabajo, acompañado de las imágenes de quienes ofrecen testimonio vivo de la aventura fílmica de Berlanga, se dicen entre otras cosas que el director valenciano era “muy iconoclasta”, “un burgués anarquista”, “muy fallero”, al que “le gustaba mucho la traca y la mascletà”, “un cachondo mental y muy salido”.

Fernando Colomo, fotografiado por Fernando Ruiz. Imagen cortesía de MediArte.

Como director, recuerda Fernando Colomo, se llamaba a sí mismo Míster Cagada. “Cuando se le preguntaba, después de una toma, ¿qué tal, Luis?, él respondía: “Bienvenido Míster Cagada”, porque siempre encontraba algo mal”. También decía, al concluir una escena, “todo bien menos los actores”. “Era su forma de picarles y de crear ambiente”, subraya Lázaro.

Fernando Ruiz ofrece en su trabajo un exhaustivo festín de declaraciones por parte de quienes todavía son leyenda viva de su cine: su mujer María Jesús Manrique, sus hijos Fernando y José Luis García Berlanga o actores, escritores y directores que trabajaron con él, como José Lifante, Carlos Suárez, Guillermo Montesinos, Paco Clavel, Josetxo Mateo, Eusebio Lázaro, Jaime Chávarri, Fernando Colomo o Antonio Gómez Rufo. Parte de ese dólar para Berlanga se muestra en la exposición colectiva MediArte.

Fotografía de Laura Carrasco cortesía de MediArte.

En ella, además de las fotografías mencionadas, hay otras de estudiantes de la Universidad CEU Cardenal Herrera que abarcan paisajes, detalles urbanos, objetos y escenas cotidianas de Laura Carrasco, Carlos Codoñer, Mar Aranda, Haxar Fahmy, Juan Manuel García, Nacho Errando, Inés Sánchez o Marta Benlloch, entre otros. También hay cortometrajes y documentales, fashion films, música, creaciones sonoras, audiovisual publicitario, diseño gráfico y webs.

Fotografía de Marta Benlloch cortesía de MediArte.

Más de un centenar de obras de jóvenes aún inexpertos pero en posesión de un alto grado de inquietud, a falta de un contexto cultural valenciano que favorezca su proyección artística. MediArte, en su tercera edición, promovida por Raúl Cruz, Carolina Hermida, Manuel Millán, Vicente Peñafort y Begoña Siles, se consolida pensando en alguna colaboración futura que propicie un alcance todavía mayor.

Fotografía de Nacho Errando cortesía de MediArte.

Fotografía de Carlos Codoñer cortesía de MediArte.

Salva Torres

29 Spielberg 29

Posted on 17 diciembre, 2014 por Bel Carrasco

29 Miradas sobre Spielberg
El Búho de Minerva

La editorial valenciana El Búho de Minerva y Pau Gómez, periodista de la liquidada Ràdio9, se han confabulado para brindar homenaje a uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. ’29 Miradas sobre Spielberg’ reúne la opinión personal de una treintena de creadores y hombres de la cultura española sobre el realizador norteamericano. Un mosaico de voces y estilos con el denominador común de la devoción por este maestro del séptimo arte que cambió la forma de hacer cine influyendo en toda una generación.

Fotograma de ET, de Steven Spielberg, película incluida en el libro ’29 Miradas sobre Spielberg’.

“El proyecto se me ocurrió hace dos años, mientras preparaba mi tesis doctoral sobre el tratamiento de la familia en el cine de Steven Spielberg”, cuenta Gómez, coordinador de la obra. “Después de muchos años entrevistando a cineastas españoles en Ràdio 9, caí en la cuenta de que prácticamente todos lo citaban como su principal influencia creativa. Constaté que todos estos realizadores pertenecían a una generación que creció con las películas que Spielberg produjo y dirigió en los años ochenta, despertando en ellos la vocación cinematográfica. Como por entonces estaba sumergido en la obra de Spielberg, se me ocurrió unirlos a todos en un libro que rindiese homenaje a su trayectoria. Sin embargo, conforme iba investigando en la influencia de Spielberg dentro de nuestra cultura, descubrí que ésta alcanzaba también a la literatura, la ilustración, el periodismo o la docencia, por lo que opté por ampliar el número de colaboradores hasta 29, exactamente las mismas películas firmadas por este director hasta la fecha”.

Pau Gómez, coordinador del libro ’29 Miradas sobre Spielberg’. Fotografía: Álex Crespo.

En algunos casos seleccionar a los autores fue un proceso bastante natural, pues Gómez conocía los gustos de potenciales colaboradores, como Daniel Monzón, Rodrigo Cortés, Javier Sierra o Enrique Gato, y sabía perfectamente de qué película querría hablar cada uno de ellos. “Para algunas otras, pensaba en la persona idónea y contactaba con ella para ofrecerle el capítulo, lo que casi siempre derivaba en una respuesta afirmativa”, comenta. “Lo más complicado fue encontrar a autores para las películas menores o menos conocidas de Spielberg. Algunas, como ‘Hook’, están consideradas malditas y nadie se atreve a hablar de ellas”.

Fotograma de Lincoln, de Steven Spielberg, película incluida en el libro ’29 Miradas sobre Spielberg’.

Este libro es fruto de un trabajo a fuego lento de dos años. “Poner de acuerdo a casi una treintena de personalidades con las agendas saturadas no es fácil, aunque tiene su parte enriquecedora y fascinante. La dilatación del proyecto no sólo prolongó las tensiones, sino que, para compensar, permitió que gente como Emilio Aragón o Bayona y Amenábar encontraran un hueco para formar parte de él”.

Portada del libro ’29 Miradas sobre Spielberg’, de la editorial El Búho de Minerva.

Gómez se muestra orgulloso de haber incorporado al reparto a un buen número de valencianos. “No por simple capricho o patriotismo, sino porque su presencia en este libro está justificada. Fue una suerte convencer a personajes tan importantes de nuestra Comunidad como Paco Roca y Santiago Posteguillo, los alicantinos Rafa Maluenda y Vicente Molina Foix y el castellonense Enric Pardo. Todos ellos se han volcado en apoyar el lanzamiento y participar en las presentaciones, lo que les hace aún más merecedores de mi admiración y mi agradecimiento”.

’29 miradas sobre Spielberg’ se presentó el pasado 11 de diciembre en el Palacio de Colomina, con asistencia de Jaume Balagueró, Santiago Posteguillo, Rafael Maluenda y Aurora Boch, así como Pau Gómez y la editora Susana Alfonso.

Fotograma de En busca del arca perdida, de Steven Spielberg, película incluida en el libro ’29 miradas sobre Spielberg’.

Bel Carrasco

Berlanga y su caja fuerte 1034

Posted on 16 diciembre, 2014 por Salva Torres

Amor y cine: Berlanga, Buñuel, Hitchcock
Palacio de Colomina
C / l’Almodí, 1. Valencia
Celebradas del 11 al 15 de diciembre, 2014

Luis García Berlanga, dos años antes de fallecer, depositó en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes un sobre secreto. Sobre, cuyo contenido no será desvelado hasta 2021, coincidiendo con el centenario de su nacimiento. Se halla en la caja fuerte 1034, antigua cámara acorazada del Banco Central. Su hijo Jorge Berlanga, presente en aquel instante, sentenció que se trataba de “un guión o un mensaje demoledor para la humanidad”. Seis años después de aquel enigmático legado, José Luis García Berlanga revela en parte aquel secreto: “Se trata de un guión escrito inédito”. No se atrevió a decir nada más, si bien antes había diseccionado la obra de su padre en las jornadas ‘Amor y Cine: Berlanga, Buñuel, Hitchcock’ celebradas en el Palacio de Colomina.

Fotograma de Novio a la vista, de Luis García Berlanga, incluida en las jornadas de cine del Palacio de Colomina.

Ese guión escrito inédito deberá esperar siete años. Lo que no admite demora es el análisis de las obras de uno de los directores de cine español más influyentes del pasado siglo. “El cine de mi padre recoge la historia de España, desde la guerra civil a la democracia y la corrupción actual”, explicó José Luis García Berlanga durante su intervención en las jornadas organizadas por la Cátedra Berlanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera y CulturArts de la Generalitat, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo y el Berlanga Film Museum. Historia magníficamente reflejada en sus películas, gracias a las dotes de “gran fabulador” que poseía Berlanga.

José Luis García Berlanga en un momento de su intervención en las jornadas de cine de la Cátedra Berlanga en el Palacio de Colomina. Imagen cortesía de la Universidad CEU Cardenal Herrera.

“No creía en lo épico; todo su cine acaba mal”, señaló el guionista, productor y director de cine y televisión, actualmente embarcado en una serie sobre Cervantes. “Me preocupa que no sepamos cómo vivíamos hasta hace bien poco en España y en Europa”, apuntando como remedio a tamaña desmemoria la obra de su padre, de la que destacó ‘Plácido’: “La habré visto más de diez veces y cada vez encuentro cosas distintas”. Como le ocurrió al ver en las jornadas ‘Novio a la vista’, una “perlita en su cinematografía” sobre “la pureza del amor adolescente, el tipo de amor en el que creía mi padre”.

“Era un gran tímido y tenía pavor a las mujeres”. De ahí que en sus películas, las mujeres aparezcan siempre como “seres superiores que dominan y aplastan a los hombres”. Incluso en una película como ‘Tamaño natural’ (“el colmo de la misoginia”), el protagonista se suicida arrojándose con su coche al Sena, saliendo a flote la muñeca causante de su locura. Las mujeres siempre a flote, mientras los hombres se hunden. Por eso José Luis García Berlanga entiende la misoginia de su padre, a partir de esos temores.

Fotograma de Plácido, de Luis García Berlanga.

“Mi padre más que erotómano era un gran teórico especialista en bondage, asunto que le servía como escapismo liberador de esa sensación de atadura hacia las mujeres”. También subrayó García Berlanga que hoy en día su padre “no hubiera podido hacer su cine”. Y se explicó: “Hoy los productores prefieren apostar por lo espectacular; es peor la censura económica que la política”.

El cine coral del que tanto se habla a la hora de etiquetar sus películas quizás tenga que ver con ese “horror al vacío” de Berlanga. “El silencio le agobiaba, porque cuando se producía pensaba que era culpa de él, de ahí su verborrea”. También su gusto por no acabar las películas “hasta el último momento; siempre quería una toma más”. Por eso le gustaba el doblaje, “porque le permitía reescribir el guión constantemente”. Algo que tendrá que hacer quien se haga cargo de ese “guión escrito inédito” que verá la luz en 2021, tras permanecer guardado 13 años en la caja fuerte 1034.

Fotograma de la película Tamaño natural, de Luis García Berlanga.

Salva Torres