Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019

Convocante: Colegio de Gestores Administrativos de Valencia
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 19 de abril de 2019

Un año más, el Colegio de Gestores Administrativos de Valencia convoca la XI Edición de su Premio Pintura, una cita referente para la cultura de nuestra ciudad que tiene como objetivo reconocer el arte joven de la sociedad nacional. Un elenco de profesionales del sector formará el jurado de esta edición que, como no podía ser de otra forma, llega pisando fuerte y con muchas novedades. Juan Manuel Bonet, crítico de arte y escritor; Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena; Violeta Janeiro, comisaria de arte, Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición; Álvaro de los Ángeles, crítico de arte; Maite Ibáñez, crítica de arte y Jorge Seguí, miembro de la Junta de Gobierno del Colegio serán los componentes de dicho jurado.

Como novedad, este año, los artistas presentarán sus obras en formato digital y tendrán de plazo hasta el día 19 de abril de 2019. De entre todas las obras
recibidas, el jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura Gestores 2019.

Tras esta primera preselección, se notificará a los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 para proceder al envío físico de sus obras. Una vez finalizado el plazo de presentación, el jurado determinará 20 obras entre las cuales se encontrará la obra finalista y la obra ganadora. La entrega del premio se realizará en la cena anual de colegiados, San Cayetano, el 31 de mayo de 2019.
Esta edición Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, pasando la obra premiada a ser propiedad del Colegio, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.

Tanto el ganador como el finalista tendrán la oportunidad de realizar sus publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el ganador y 20 para el finalista.

Año tras año, entre todos hemos conseguido que este premio se convierta en un referente del arte joven nacional, gracias a los artistas, al alto nivel de participación, la creciente calidad de sus obras y también, gracias a la profesionalidad de los jurados que nos aportan seriedad y prestigio.

BASES

A partir de la edición de 2019, la presentación de obras se realizará inicialmente en formato digital. De entre todas las obras recibidas, un primer jurado realizará una preselección de 40 aspirantes que obtendrán el derecho a presentar físicamente sus obras al Premio Nacional de Pintura GESTORES 2019.

En esta edición el jurado estará compuesto por:
Juan Manuel Bonet, crítico de arte, ex director de museo, escritor
Pedro Maisterra, de la galería Maisterravalbuena
Violeta Janeiro, comisaria de arte
Álvaro de los Ángeles, crítico de arte
Oliver Johnson, pintor y ganador de la última edición
Maite Ibáñez, crítica de arte
Jorge Seguí, COGAV

Participantes
Podrán optar al premio todos los artistas españoles o extranjeros.
Cada artista podrá concursar únicamente con una obra, siendo tanto el tema como la técnica de libre elección.
La obra deberá ser inédita y de reciente creación y deberá ir convenientemente firmada.
Las medidas no serán superiores a 200 cm. por cualquiera de sus lados.

Premio
Se asigna como primer y único premio la cantidad de 7.000 €, no pudiendo ser dividido ni declarado desierto, pasando la obra premiada a ser propiedad del COGAV, quien se reserva los derechos de reproducción de la misma.
Ganador/a y finalista tendrán la oportunidad de realizar sendas publicaciones individuales a definir según el caso (catálogo, libro de artista, etc…) coordinadas por el estudio de diseño gráfico el bandolero Lacabra. Cada publicación constará de una edición limitada de 50 unidades, de dimensiones 14X18 cm, cuya extensión individual tendrá un máximo de 96 páginas. Dichas ediciones irán recopiladas en un estuche conmemorativo junto a una memoria del Premio de pintura, quedando reservados 20 ejemplares de publicación para el/la ganador/a y 20 para el/la finalista. El resto de la edición quedará reservada para
los miembros del jurado y el archivo del Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia (COGAV).
El premio económico concedido estará sujeto a la legislación vigente en materia de I.R.P.F.

– 11 de marzo-19 de abril. 1ª convocatoria.
Presentación digital de obras
A partir de la apertura del plazo de admisión, y hasta el 19 de abril de 2019 (inclusive), las obras candidatas deberán enviarse a través de la plataforma gratuita Wetransfer (www.wetransfer.com) en formato digital y con asunto “(nombre artista). Premio Nacional de Pintura Gestores 2019” a la siguiente dirección de correo: premiopintura@gestoresvalencia.org. Tras la recepción del envío y la revisión de la documentación, el COGAV remitirá un e-mail de confirmación de la obra admitida a concurso.
El formato de presentación de la obra constará de un único archivo .PDF de alta resolución (25cm lado máximo / 300 ppp resolución) que contendrá una imagen completa de la obra presentada y los siguientes datos:
· Título de la obra
· Medidas y año
· Técnica
· Datos personales:
Nombre y apellidos
Nombre artístico
DNI
Fecha de nacimiento
Dirección de residencia
Teléfono de contacto
e-mail
Junto al archivo .PDF de la obra podrá adjuntarse, además, una única carpeta con la documentación adicional que se considere necesaria (curriculum, publicaciones anteriores en formato .PDF, etc…) a efectos de consulta para los miembros del jurado que lo requieran.

– 29 de abril-14 de mayo. Preselección y
presentación de obras físicas
Tras la preselección de la primera convocatoria, se notificará a las/los 40 artistas elegidos que dispondrán del 29 de abril al 14 de mayo de 2019 (inclusives) para proceder al envío físico de sus obras. Finalizado el plazo de presentación de obras a concurso, será el jurado quien determine finalmente las 20 obras seleccionadas, incluyendo la obra finalista y la obra ganadora. De esta selección es propósito del COGAV realizar una exposición pública (a falta de concretar en estos momentos). En cualquier caso, llegado el momento se notificará dicha posibilidad que, de no realizarse, conllevará la retirada de la obra por el mismo procedimiento que el fijado para el resto de obras en el apartado 6 de estas bases
Las obras presentadas físicamente deberán estar enmarcadas con un listón y no se admitirán las que vayan presentadas con cristal.
Las obras deberán ir acompañadas de su correspondiente ficha técnica, los datos de contacto del autor/a, fotocopia del D.N.I. o del Permiso de Residencia o documentación extranjera y la documentación adicional que se considere necesaria para el jurado (curriculum, catálogos, etc…).
Las obras deberán ser remitidas, bien personalmente o a través de agencia de transportes, de puerta a puerta al Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia, calle Poeta Quintana nº 1, Valencia 46003, de lunes a viernes, de 9 a 13 horas y de 16,30 a 18,30 horas, siendo el mismo por su cuenta y riesgo a portes pagados, en embalaje sólido y reutilizable para su posterior devolución.
Si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, entendiendo por reutilizables caja de madera o similar, la organización pondrá a disposición plástico de burbujas a efecto de la devolución.

El Colegio de Gestores de Valencia, no responderá de las pérdidas, deterioros, robos o cualquier tipo de desperfecto que pudiera sufrir la obra remitida ni durante el traslado ni durante la estancia en sus locales.
Las obras no seleccionadas podrán ser retiradas por sus autores si fueron entregadas en mano en las oficinas de recepción o solicitar su remisión a portes debidos a su domicilio. Las que fueron entregadas a través de agencia serán devueltas por el mismo medio a portes debidos y con sus embalajes originales o si estos no pudieran ser reutilizables por cualquier motivo, protegidos por cualquier material habitual y bajo la responsabilidad del artista.

Jurado
El jurado estará constituido por Juan Manuel Bonet, Pedro Maisterra, Violeta Janeiro, Álvaro de los Ángeles, Oliver Johnson, Maite Ibáñez y Jorge Seguí.
El premio concedido se entregará oficialmente durante la cena que celebrará el Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia el 31 de Mayo de 2019. El fallo del jurado será totalmente inapelable.

Devolución de obras
La organización no se hace responsable de aquellas obras que no hallan sido retiradas a fecha de 30 de Junio del presente año, entendiéndose que a partir de esa fecha las mismas han sido abandonadas por el autor, pasando automáticamente a propiedad y libre disposición del Colegio de Gestores de Valencia.
El hecho de concursar supone la plena aceptación de estas bases.

Imagen de portada: Hound, 2008 (detalle), de Oliver Johnson (Londres, 1972), obra premiada en la pasada edición.

Descargar BASES aquí

Ocho artistas en busca de su papel

On Paper
Marina Camargo (Sao Paulo 1980), Inma Femenia (Alicante, 1985), Matías Ercole (Buenos Aires 1988), Victoria Iranzo (Valencia 1989), Oliver Johnson (Luton 1972), Julia Mariscal (Barcelona 1981), Hugo Mártínez-Tormo (Valencia 1979), Guillermo Ros (Valencia 1988)
Área 72
Avda. Barón de Cárcer, 37. Valencia
Hasta el 6 de febrero de 2016

El proyecto expositivo On Paper explicita el interés de Área 72 por la contemporaneidad, entendida como “morder y rozar el nervio del tiempo” en palabras de Kevin Power. Para ello dedica la presente exposición a estudiar el renacimiento del papel como soporte y objeto artístico e investigar si es posible identificar un nuevo lenguaje con/en uno de los materiales más antiguos de la historia.

Para este trabajo ocho jóvenes artistas de procedencia geográfica e intereses plásticos muy diversos hacen un homenaje al papel con trabajos realizados en algunos casos ad hoc para su presentación en el espacio de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

En una época de valoración de los recursos, el papel, uno de los materiales más antiguos de la historia, retoma una posición privilegiada como soporte discursivo y objeto de creación, ofreciendo a los artistas una excusa para desinhibirse de los soportes con los que habitualmente trabajan. Este proceso de liberación confiere a las obras un aire de frescura y versatilidad que se respira al recorrer la exposición y pone a prueba la capacidad dialógica de cada una de las obras con las demás.

El papel nos seduce además por sí mismo, por su contextura orgánica, su fragilidad, delicadeza, versatilidad y  temporalidad. Por su sencillez. La obra artística ejecutada sobre el soporte papel tiene ese valor añadido de rareza primaria, enigma germinal. Como brote iniciático de nuevos caminos.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

La exposición trata de mostrar distintos usos que los artistas han dado al papel para la creación contemporánea y, con ello, dignificar este lenguaje. En algunos casos el papel es el soporte y condición determinante de la obra, mientras que en otros es el contenido discursivo final. Así, hay obras con un recurso instalativo, otras que se manifiestan como objetos, o piezas que constituyen el soporte de obras de fotografía o videocreación.

En la exposición puede verse un amplio abanico de técnicas y se advierten las posibilidades expansivas del soporte, en cierta medida, volverse un nuevo recurso del objeto y de su función.  En algunas de ellas, el artista ha ejecutado simplemente los trazos de sus prácticas habituales sobre este soporte, sin discriminar el soporte en sí, sino usando sus bondades. En otras, aprovecha la materialidad misma del papel para problematizarlo, y en otras únicamente lo emplea como planimetría pretextual para que su grafismo se comporte más rudimentario, casi de naturaleza epistolar.

Obra perteneciente a la exposición On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

Obra perteneciente a la exposición On Paper. Imagen cortesía de Área 72.

SUMMA o el eje Valencia, Madrid, Lisboa

Summa Contemporary Art Fair 2015
Matadero Madrid
Paseo de la Chopera, 14. Madrid
Del 10 al 13 de septiembre de 2015

Summa vuelve a Matadero por tercer año consecutivo como «plataforma de acción en torno al arte contemporáneo», de «impronta internacional» y como una feria «atenta al contexto social y cultural en que se produce el arte, con particular atención a las circunstancias políticas que motivan las obras de algunos de los mejores creadores de nuestro tiempo», según explica Paco de Blas, el nuevo director de Summa Contemporary Art Fair 2015.

La feria, que se celebra del 10 al 13 de septiembre, cuenta en su Programa General con 30 galerías, principalmente del eje que atravesando Madrid (con ocho salas) conecta Valencia y Alicante (cinco) con Lisboa (cuatro). Además, hay galerías de Palma de Mallorca, Almagro, Buenos Aires, Sao Paulo, México, Bogotá, San José de Costa Rica, Miami, Alabama y Ottawa.

Portada de 'Sinsonte', de la editorial Versos y Trazos.

Portada de ‘Sinsonte’, de Víctor Escandell. Cortesía de la editorial Versos y Trazos.

Las secciones Transversal, Trazos y Madrid Foto añaden más participación, por lo que finalmente son alrededor de medio centenar las galerías que presentan obra de sus artistas en Summa. La novedad este año viene de la mano de Summa Mag, proyecto editorial comisariado por Marisol Salanova que contará con los sellos Versos y Trazos (Valencia), Micromegas y Ad mínimum microediciones (Murcia), Chucherías del Arte (Mérida), Nocapaper Books & More (Santander), Input (Madrid), Libros del Zorro (Barcelona), Editoriales Pai-Pai (Delirio, Arrebato y La uña rota), de Salamanca, y Editorial Vortex (Valparaíso, Chile).

Versos y Trazos es un joven sello valenciano de literatura infantil y juvenil, cuya década de trayectoria editorial se peculiariza por su apuesta en pro del álbum ilustrado como distintiva herramienta de difusión de sus contenidos, polarizados en torno de la ficción pedagógica (colección ‘El baúl de los cuentos’), la recuperación poética de autores de la generación del 27 -entre otros- (colección ‘Poetas para todos’), el relato corto (‘Los que llegan por la noche’, del valenciano Vicente Marco) y la novela gráfica (‘Sinsonte’, del ilustrador Víctor Escandell) -esta última erigida en un proyecto heterodoxo, tanto por su formato como por su contenido filosófico.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

Obra de Michael Roy. Cortesía de Espai Tactel.

A las galerías de Madrid Aina Nowack / ACC, Espacio Mínimo, Fernando Pradilla, Rafael Ortiz, Lucía Mendoza, Max Estrella, Ponce + Robles y My Name’s Lolita, se suman (valga la redundancia) a SUMMA las procedentes de la Comunidad Valenciana: Área 72, con obra de Victoria Iranzo, Inma Femenia, Oliver Johnson y Guillermo Ros; Aural, con Juanjo Martín Andrés, Isaac Montoya y PSJM;  Espai Tactel, con Eduardo Hurtado, Michael Roy y Luis Úrculo; Luis Adelantado, con doble representación de Allan Villavicencio, por la galería de México, y Darío Villalba, por la valenciana en la sección Trazos y, por último, Rosa Santos, que acude a Summa con Xavier Arenós y Andrea Canepa.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

Instalación de Xavier Arenós. Cortesía de la galería Rosa Santos.

En esa reivindicación del arte contemporáneo, Summa incluye la sección ‘Cómo coleccionar arte político’, comisariada por Jota Castro y que pretende ligar arte y compromiso, dos palabras de moda, en ese afán por contextualizar la obra de los creadores en el conflictivo marco social en que desarrollan sus trabajos. También habrá arte contemporáneo africano, de la mano del comisario Miguel Amado, así como la profundización en el arte de los años 70 y 80 del pasado siglo en la sección Trazos. Madrid Foto se centrará en la generación de fotógrafos españoles contemporáneos poco difundida en nuestro país.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

Obra de Isaac Montoya. Galería Aural de Alicante.

Oliver Johnson, gota a gota en Área 72

Oliver Johnson
Frequency & Pitch. The Dripping Tap
Área 72
C / Barón de Cárcer, 9. Valencia

Diez años después de su última individual en Valencia y de la mano del nuevo proyecto de la renovación de Galería Punto (Área72), Oliver Johnson vuelve a exponer en la ciudad para mostrar al público sus obras más recientes. Bajo el título ‘Frequency & Pitch. The Dripping Tap’, la exposición reúne los últimos cuadros del pintor inglés afincado en Valencia desde 1995.

Vinculada a la extensión de la pintura de campos de color, al postminimalismo y a la perversión misma de la idea de monocromo, la obra de Oliver Johnson mantiene el pulso de su evolución con la fuerza y la calidad de la mejor pintura contemporánea.

Hace unos meses, Jorge Wagensberg publicaba el siguiente aforismo en El País: «Una ballena de 200 toneladas vive más de ochenta años y una musaraña de 2 gramos apenas dos, pero si no medimos sus vidas en años, ni en días, sino en número de latidos del corazón, igual resulta que viven lo mismo.» Y desde que lo leí, no puedo separar esta comparación de mi opinión y gusto sobre los cuadros de Oliver Johnson (Londres, 1972), que siempre me han parecido ballenas —por su tamaño, por su belleza, por su textura— mientras los contemplo absorto como una musaraña.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Por otro lado, el abismo que supone el recuento de latidos, esa imagen, nos aboca a algo casi imposible pero factible en la mente. Como cuando en la noche insomne ajustamos el ritmo de nuestros latidos y por lo tanto el tiempo, la vida, al gotear perdido de un grifo, allí al fondo, quizás desde la cocina nueva.

Estas son las ideas que situaríamos como notas al margen del trabajo de pintura y que nos permiten explicar si acaso algo de los últimos cuadros de Oliver Johnson. Como una parte de la ciencia contemporánea, se trata de interpretar y no de explicar el fenómeno. Se trata, en su caso, de orquestar una serie de cuadros poniendo en escena ideas y conceptos en los que participan la física de la luz y el color y donde la implicación del espectador delante de las obras es siempre fundamental, su participación activa.

Además, de fondo, se trata en definitiva de una experiencia del fenómeno convertida en pintura, de un juego de tiempos y gotas, de latidos y gotas que nos plantean, sobre la superficie del cuadro, secuencias de equilibrio en una estructura compleja de belleza caótica (Mitchell J. Feigembaum), la del aparente y completo desorden de las partículas de pintura.

Digamos que podemos intuir cómo actuará la pintura en un momento dado pero luego su comportamiento —incluso desde el principio del proceso, al pintar— se nos aparece azaroso, quizás errático o irregular, difícil de conducir por la potencialidad de los efectos ópticos, las variaciones lumínicas según la posición detrás de una armonía general, la indeterminación en los bordes, la casualidad en las transiciones y, así, todo marcado por el principio de incertidumbre.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Pero, como comprobó John von Neumann al estudiar la complejidad del caos en el goteo perdido de un grifo, incluso en el desorden caótico de lo que aparentemente sigue un patrón matemático o pretendidamente circular, existen turbulencias y secuencias de equilibrio. Dicho de otro modo y en relación a estos cuadros de Oliver Johnson, es algo que podríamos formular, como en un juego de palabras de concentración, de esta forma: las variables inciertas de la luz sobre cierto orden compositivo de color y el desorden siempre de las partículas elementales de la pintura, depositada gota a gota.

El título que agrupa esta docena de obras, ‘Frequency & Pitch. The Dripping Tap’, ha sido elegido por la sonoridad de unas palabras (algo así como frecuencia y tono, el grifo goteando) que evidencian una extensión musical en referencia a las composiciones de color en las que viene trabajando Oliver Johnson. De hecho, ‘Colour Composition’ ha sido la forma con la que ha titulado buena parte de su obra hasta hace relativamente poco, cuando comienzan a aparecer palabras o frases seleccionadas por su sonoridad fonética y con alguna vinculación (o no) con lo que se ha pintado. Por otro lado, el título encierra ese vínculo con el pensamiento científico fascinado por la interpretación de determinados fenómenos complejos y, especialmente aquí, con la teoría del caos con la que se intenta explicar el mundo desde hace medio siglo.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Obras de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

En esta nueva etapa en la obra de Oliver Johnson destaca su madurez de estilo y una mayor concentración en los efectos ópticos y cromáticos a través de cuadros realizados sobre soportes de aluminio con pinturas industriales destinadas a colorear las carrocerías de los automóviles y aplicadas siguiendo los mismos procedimientos técnicos. De ahí que el resultado sea realmente impactante, por sus mezclas, contrastes y degradados metalizados, tanto en la mirada del espectador mientras se desplaza delante de la pintura como sobre la perfecta superficie pulida de las obras que actúan como espejos.

Así funcionan sus degradados sutiles, tanto en formatos rectangulares a modo casi de monocromos paisajísticos como los circulares, quizás recordando al iris de un ojo, en los que es casi imposible calibrar las transiciones y tomar su medida. También las composiciones a partir de barridos verticales donde las características de la pintura se descubren más camaleónicas todavía, absolutamente cambiantes y mágicas al ojo del espectador. Y en la serie de cuadros en los que recupera el empleo de la trama y la cuadrícula, en este caso como veladuras, para dibujar unas composiciones de puntos —de nuevo la retícula y la ameba de Alfred H. Barr— que podrían recordar las imágenes ampliadas de las secuencias del genoma.

Esta es la manera de proceder de un pintor magnífico que se plantea trabajar en el taller a partir (o a través) de una teoría, de un argumento que, aunque pudiera parecer alejado de la pintura, supone el mejor ejercicio mental desde el cual abordar el proceso de trabajo de estas superficies pulidas y metalizadas que a su manera toman la naturaleza como modelo y, de la naturaleza, su manera de responder tantas veces arbitraria o caótica, con su propio orden interno. Por ejemplo, si acertamos a pensar en esos horizontes imposibles, siempre en transición, o en los juegos de reflejo y virado de los colores, siempre una variable importante en la pintura de Oliver Johnson.

Obra de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Obra de Oliver Johnson. Imagen cortesía de Área 72.

Ricardo Forriols

RADIOGRAFÍAS ULTERIORES (ARTE Y LONJA)

 

Tras cinco jornadas de previsible y extenuante actividad en el inasible territorio del mercado artístico, se antoja necesario procurar radiografiar el mapa de propuestas de diversas galerías levantinas que se han encontrado presentes en las diferentes ferias celebradas en Madrid.

La impresión ulterior de cuanto se ha tenido ocasión de contemplar solidifica un poso notable y decisivo, relativo a la coherencia e idiosincrasia  de la composición de los espacios y el rostro definitivo de cuanto se pretende proyectar, es decir, existe una relación inmediata entre el discurso estilístico de los gestores de las diferentes galerías –atendiendo a sus respectivas trayectorias- y la selección de piezas y artistas, huyendo, por tanto, del sincretismo que ha podido apreciarse en las apuestas de otros stands nacionales e internacionales.

Respecto de la trigésimo tercera edición de ARCO debemos destacar la propuesta implementada por Espai Visor (Fig. 1), componiendo un mapa fotográfico abaldonado y singularmente cualitativo, fruto de obras  heterodoxas como “Suburbios (Serie XS)”, de Sergio Zeballos (adquirida por el museo Reina Sofía), o “Microrrelatos en Rojo”, de Inmaculada Salinas.

1.Espai Visor (Arco)

1.Espai Visor (Arco)

Rosa Santos ha apostado por la columna vertebral solidificada de artistas como Chema López,Mira Bernabeu, Greta Alfaro (esta última muy a tener en cuenta). (Fig. 2) y  la artista peruana Andrea Canepa –premio ARCO Comunidad de Madrid para jóvenes artistas 2014-, mientras que la castellonense Canem (Fig. 3), supeditada a la sapiencia de lustros y perseverancia de Pilar Dolz, se hubo presentado con obra de Antonio Alacaraz, Yugo Minnam y Yotta Kippe, entre otros, equilibrando un mapa de presencia local e internacional, perfiles emergentes y consolidados.

2.Galería Rosa Santos (Arco)

2.Galería Rosa Santos (Arco)

3. Cànem (Arco)

3. Cànem (Arco)

Espai Tactel (Fig. 4) con los encolados fluorescentes de Javier Palacios, Galería Punto (Fig. 5) a través de los esmaltes sobre aluminio de Oliver Johnson y “The incident”, de Solimán López,  en JUST ON SCREEN, los aglomerados de fibra de madera y epoxi de Ana Esteve  (Paz y Comedias) (Fig. 6) y la osadía JUST ON PAPER de Trentatres Gallery (Fig. 7), con trabajos de Henrike Scholten y Raquel Carrero, han compuesto con sobresaliente dignidad la presencia valenciana en la quinta edición de JUSTMAD, beneficiada este curso por su ubicación en el seno arquitectónico de la COAM, desarrollándose una atmósfera cualitativamente diversa a la de celebraciones precedentes y gestándose una visibilidad nada carpetovetónica.

4. Espai Tactel

4. Espai Tactel

5.Galería Punto (JustMad)

5.Galería Punto (JustMad)

6. PazyComedias (JustMad)

6. PazyComedias (JustMad)

Capítulo aparte merece la Galería de Cristal de Centro Cibeles donde se ha desarrollado ArtMadrid’14 en su novena edición. La fastuosa arquitectura y su céntrica ubicación han posibilitado reportar un giro copernicano a la presencia de esta feria, otrora polarizada en torno del segundo mercado y vertebrada, en esta ocasión, por algunas propuestas osadas, singulares y de inesperadas sorpresas. Se ha advertido la presencia de conspicuos coleccionistas y diversas autoridades de ferias internacionales -como la de  Estrasburgo-.

Además del magnífico espacio de Galería Punto (por partida doble en Madrid), con obra de Equipo Realidad, Canogar, Carmen Calvo o Yturralde -artistas que responden a su consolidada personalidad diacrónica-, pudimos apreciar el congruente trabajo de Rubén Fuentes para la galería Alba Carrera (Fig. 8), a través de un ONE PROJECT henchido de obra gráfica de estudio sobre la que plasmar, a posteriori, sus gramofónicas piezas, resinas y maderas sinestésicamente sonoras. Galería del Palau (Fig. 9), fiel a su calima de consanguineidad, ha exhibido obra de Fuencisla Francés , Hans Dieter Zingraff,  Paqui Revert, Martí Rom, Carmen Sánchez y Mariona Brines. Por su parte, Val i 30 (Fig. 10) –a las puertas de formalizar su medio siglo de existencia-, además de allegarse con obra de Equipo Crónica u obra gráfica de Jaume Plensa, se acompaña de los lienzos de Antonio Gadea.

8. Alba Cabrera (ArtMadrid)

8. Alba Cabrera (ArtMadrid)

9. Galería del Palau (ArtMadrid)

9. Galería del Palau (ArtMadrid)

10. Galería Val i 30 (ArtMadrid)

10. Galería Val i 30 (ArtMadrid)

No ha habido discursos estilísticos desnortados ni metamorfosis en el rumbo. Elvestigio de masticadas apuestas que configuran las sendas respectivas terminan por ofrecernos una descodificación del carácter  y un sentido último del mercado  mediterráneo -en cuanto a pulso y ritmos se refiere- que facilita una de las más diversas composiciones del horizonte artístico de nuestro entorno.

(Imagen portada: 7. Trentatres Gallery – JustMad)

 

José Ramón Alarcón y Merche Medina