El hombre que ríe

‘El hombre que ríe’ de Iñigo Royo
ARTIUM, Sala Este Baja
C/ Francia, 24, Victoria-Gasteiz
Hasta el 16 de octubre de 2016

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta ‘El hombre que ríe’, una exposición de Iñigo Royo sobre “el barullo idiota que formamos viviendo juntos” y “la risa amarga que asoma (…) ante la contemplación del espectáculo”. La muestra reúne instalaciones, vídeos, fotografías y una pieza sonora, contiene referencias literarias habituales en Royo, y establece una mirada irónica y escéptica sobre muchos aspectos de la realidad cotidiana, desde la política hasta las nuevas tecnologías. La exposición es una producción de Artium y cuenta con un catálogo con textos del artista, de Santiago Eraso y del escritor José Luis Arántegui. Su inauguración se completa con una conferencia previa de Iñigo Royo, mientras que en otoño tendrá lugar un ciclo de cine.

El dramaturgo, novelista y poeta irlandés Samuel Beckett se encuentra en el origen de ‘El hombre que ríe’. En su recuerdo, Iñigo Royo ha encontrado dos palabras, barullo y risa, a partir de las cuales ha construido un relato, una forma de explicar el mundo desde “el humor y el caos”. Trece obras –instalaciones, fotografías, vídeos y una pieza sonora- se ordenan en la Sala Este Baja y en el exterior de Artium, ofreciendo además una muestra de los trabajos de Royo desde 2009 hasta el presente.

Iñigo Royo reclama la atención del visitante en su entrada al Museo con ‘Advertencia’, una acción sobre la fachada principal de Artium, en la que ha rotulado en grandes caracteres “aquí no caben ni fantasías ni ocurrencias”. El mismo aviso se repetirá después, ya en la Sala Este Baja, en una instalación fotográfica con el mismo título, en cuyas imágenes se reconocen distintos edificios públicos con el mismo lema rotulado en sus muros.

Pero antes de acceder a la galería, justo ante su puerta, el visitante aún podrá esbozar una primera sonrisa con ‘Unión Europea. Manual de autoayuda’. El artista ha tomado el programa electoral de un partido en las últimas elecciones europeas y ha reordenado y grabado las palabras en función del número de veces que aparecen en el texto.’El hombre que ríe’, la obra que da título a la exposición, se despliega en 10 monitores nada más traspasar la puerta: el artista utiliza el detector de sonrisas de algunas cámaras fotográficas avanzadas dejando que el instrumento decida qué es risa y que no. A su lado ‘Hello Barbie’, una pieza en la que la muñeca –un modelo teóricamente capacitado para responder a lo que se le dice- recibe mil insultos del idioma castellano.

El hombre que ríe. Imagen cortesía Artium.

El hombre que ríe. Imagen cortesía Artium.

De Buñuel a Buñuel
El perímetro del espacio central de la exposición está recorrido por ‘Babel’, en la que escribe el resultado de la traducción sucesiva de un texto de Buñuel a través de los noventa idiomas del intérprete automático de Google, para regresar finalmente al castellano; la frase final, como cabe esperar, no tienen nada que ver con la original. En este mismo espacio, ‘Advertencia’ retoma en más de 50 fotos la idea plasmada en la fachada del Museo.

‘Tribulaciones y mudanzas’ es una serie de siete fotografías que reproduce siete figuras de papel –una pajarita, un barco, un avión…- realizadas con las portadas de los periódicos del 21 de octubre de 2011, con la noticia del abandono de la violencia por parte de ETA. A su lado, ‘Esperpento’ es una instalación fotográfica en la que sesenta imágenes de Google Earth y fragmentos de diálogos de ‘Luces de Bohemia’, de Valle-Inclán, conforman un particular mapa de España. En el centro de este espacio, ‘Ab-alio’, proyecto videográfico basada en los conocidos ‘Listados’ de Ignasi Aballí y que, en sus múltiples vídeos, ofrece “un variado y tragicómico abanico de asuntos relacionados con la vida cotidiana”.

La muestra se cierra con tres obras finales: ‘Benditos tímidos’, una serie de fotografías a partir de álbumes familiares en los que se destaca a los “maravillosos tímidos, que no querían perpetuar su imagen, convencidos de que es preferible pasar sin dejar rastro”; ‘Diálogos con Luciano’, el canario que tuvo durante un tiempo y que un día dejó de cantar; y ‘Quid pro quo’, cortometraje en el que un lector pone al día de las noticias de prensa a Luis Buñuel en un monte cercano a Calanda, donde fueron esparcidas sus cenizas.

Fotógrafo, profesor de fotografía, foto-reportero, guionista y director de cortometrajes, artista, Iñigo Royo (Donostia-San Sebastián, 1962) es, por formación, licenciado en psicología. Desde que en 1988 recibiera el premio Jóvenes fotógrafos del Ministerio de Cultura, ha participado en innumerables exposiciones colectivas en ciudades como Madrid, Barcelona, Vigo, Bilbao, Vitoria-Gasteiz, Donostia- San Sebastián, Berlín o Nueva York. Su obra forma parte de las colecciones de la Fundación La Caixa, Museo Reina Sofía, CGAC, Banco de España y Ordóñez-Falcón y otros fondos privados, entre otras.

Lizzie Fitch i Ryan Trecartin a Espanya

Lizzie Fitch i Ryan Trecartin, Priority Innfield.
La Casa Encendida
C/ Ronda de Valencia, 2. Madrid
Fins al 24 d’abril de 2016

El món del videoart arriba a Espanya de la mà de la Casa Encendida, mitjançant Lizzie Fitch (Bloomington, Indiana, 1981) i Ryan Trecartin (Webster, Texas, 1981). La idea més important, és la finalitat, ací no es recerca com a objectiu la dimensió lúdica, així aquests exploren l’impacte de les noves tecnologies de la comunicació en el llenguatge i en la construcció de la identitat portada a nous extrems.

Normalment no apareixen actors en el sentit tradicional, malgrat si personatges.Veiem per tant, com les seues pel·lícules són una mescla d’art performatiu, sitcoms i hipnòtics collages digitals.

Hereves de les noves tecnologies han triat aquesta vessant abans de la fotografia, la instal·lació, o la pintura, que també han treballat. Veiem per tant com reflexiones sobre el coneixement de ser gravat, editats i conseqüentment emesos. Res és convencional en aquesta obra, allò real passa a un nivell secundari.

La mostra, titulada Priority Innfield, es composa de cinc escenografies –Pole, Fence, Vila, Way i ilt– que al seu torn contenen quatre pel·lícules –Junior War, CENTER JENNY, Item Falls i Comma Boat–, amb les quals exploren l’impacte de la comunicació en el llenguatge i en la pròpia construcció de la identitat portada a nous extrems.

El muntatge dels seus vídeos és accelerat, ralentit o cap a enrere; els colors són cridaners, molt brillants i exagerats; la carn es torna plàstic en postproducció; els títols de les pel·lícules poden arribar a llegir-se com a  acrònims impossibles de reproduir. Aquest caos aparent és metàfora de la inestabilitat amb la qual els artistes perceben a la humanitat i de com l’excés d’informació i l’ús de Internet banalitza la nostra societat.

Radigales en el debate de las nuevas tecnologías

Enrique Radigales, Ni hueso ni pepita
Galería Carolina Rojo, Zaragoza
Hasta el 14 de noviembre

Enrique Radigales persevera en el debate de las nuevas tecnologías.

En el texto que Enrique Radigales (Zaragoza, 1970) ha escrito para su exposición Ni hueso ni pepita en la galería Carolina Rojo de Zaragoza plantea las claves que nos permiten comprender su trabajo. Una de ellas es su compromiso con el decrecimiento, corriente de pensamiento político, económico y social que aboga por abandonar el objetivo prioritario del crecimiento por el crecimiento. De tal modo que el propósito de su proyecto, señala, es convertir el experimento botánico que presenta en una acción decrecionista. Y cita al economista E. F. Schumacher, autor de Lo pequeño es hermoso (1973), ensayo de enorme difusión de las bases ideológicas decrecentistas: “Más grande aún que el misterio del crecimiento natural es el misterio de la finalización natural del crecimiento”. La posición de Radigales, próxima a la ética decrecentista, ha sido constante a lo largo de su trayectoria artística, a través de la cual ha buscado dar respuesta a preocupaciones tales como el cuestionamiento del progreso tecnológico como reflejo de la evolución económica y social, el significado y consecuencias de la obsolescencia técnica o la problemática del reciclaje de ciertas maquinarias y de los lenguajes que en su día los activaron, sin pasar por el alto su empeño en corregir el reproche habitual al que se enfrenta la representación digital que, según anota Kuspit, es la pérdida de la calidad física de la pintura y su influencia directa en la experiencia emocional a favor de un contenido de marcado carácter conceptual. Sin pasar por alto las imágenes, “síntomas” más que símbolos de su posicionamiento político, social y artístico. Porque Radigales, hemos de insistir, es un artista comprometido con una línea de pensamiento favorable a un cambio radical del sistema mediante acciones como el experimento botánico que rige este proyecto, una acción decrecionista que le permite abrir el debate sobre “el uso de las nuevas tecnologías desde el paraguas del equilibrio natural”.

Enrique Radigales. "Ni hueso ni pepita". Instalación (detalle). Cortesía Galería Carolina Rojo.

Para abordar el creciente desequilibrio entre tecnología y naturaleza, Radigales recurre al injerto, un método de propagación vegetativa según el cual una porción de tejido procedente de una planta se une sobre otra ya asentada, siempre y cuando exista afinidad entre las partes. No hay reglas que determinen las relaciones de afinidad o antipatía, solo sirve la experiencia, y la experiencia, señala Radigales, constata la antipatía existente entre tecnología y naturaleza.

Enrique Radigales. "Ni hueso ni pepita". Instalación (detalle). Cortesía Galería Carolina Rojo.

Todo arranca, nos cuenta, de una fotografía en blanco y negro tomada en 1959, en la Escuela Rural de Nuestra Señora de Cogullada (Zaragoza). En la imagen, tres alumnos realizan ejercicios de injertos frutales. El que aparece a la izquierda de la fotografía es el padre de Enrique Radigales. El injerto se revela -basta atender a su página web- como el método que ha determinado el proceso de crecimiento y ramificación de los proyectos de Enrique Radigales, interesados siempre en cuestionar la influencia del progreso tecnológico y su vinculación con un modelo económico y social que no comparte, a través de la exploración del tiempo de las imágenes producidas en los más diversos soportes con técnicas manuales, analógicas y digitales.

La secuencia de obras que presenta en la galería Carolina Rojo son, anota, el resultado de sus reflexiones sobre el tiempo orgánico y la tecnología, la información como paisaje y la reclamación de la medida humana en un mundo dominado por el paradigma de la velocidad. En todo caso se trata de imágenes realizadas durante el proceso de desarrollo del árbol multi-injertado en la Estación Experimental Aula Dei (EEAD/CSIC) de Zaragoza. A partir de un patrón de María Ángeles Moreno, investigadora científica del Departamento de Pomología, se irán injertando en el tiempo otras variedades de árboles. La mañana del 30 de marzo de 2015, aniversario del nacimiento de Goya, autor de las pinturas al fresco en la cartuja de Aula Dei, se transplantaron dos patrones del híbrido desarrollado por Moreno que servirá de base para futuros injertos. En la actualidad, el árbol mide poco más de 40 cm pero ha trascendido en la secuencia de imágenes que Radigales presenta en la galería Carolina Rojo.

Vista general de la exposición de Radigales en la galería Carolina Rojo.

Escribe Radigales: Ni hueso ni pepita, título de la exposición, hace referencia a la relación de antipatía existente entre la tecnología y la naturaleza. Mientras la naturaleza se rige por el principio de autolimitación de tamaño, velocidad o violencia, generando un sistema sutil que tiende a equilibrarse con su entorno, la tecnología actúa como un cuerpo extraño, exponencial y particularmente voraz con los recursos naturales.

Enrique Radigales, "Ni hueso ni pepita", 2015. Cortesía galería Carolina Rojo.

Enrique Radigales, “Ni hueso ni pepita”, 2015. Cortesía galería Carolina Rojo.

Radigales ha “trasladado” parte de su taller a un ángulo de la galería. Allí cuelga la fotografía en blanco y negro de 1959, varias fotocopias de imágenes correspondientes al prototipo experimental formado por varias especies de melocotonero, almendro y ciruelo al cuidado del jardinero de Aula Dei y a la espera de nuevos injertos de la investigadora María Ángeles Moreno. Y fotocopias de imágenes de las obras tomadas en su taller, algunas de las cuales cuelgan ahora en la galería. Los papeles quedan adheridos a la pared mediante pasta de modelar de diferentes colores que Radigales aplica directamente con los dedos, con forma de píxeles. Y en medio, dos sobrios estantes de madera sobre los que descansan las frutas en proceso de pudrición que en su día Radigales pintó al óleo y, a continuación, pasó por el escáner del que resultaron las impresiones digitales que acogen las imágenes frutales y en las que está adherida la memoria histórica de tantas otras imágenes de frutas atrapadas en el tiempo. A cada lado de la enorme composición central, dos impresiones en cuyos márgenes del papel Radigales registra al óleo, con gestos nuevamente en forma de píxeles, la relación cromática de afinidad o antipatía de los tonos con los que pintó las frutas con los digitales.

Enrique Radigales, "Ni hueso ni pepita", 2015. Cortesía galería Carolina Rojo.

Enrique Radigales, “Ni hueso ni pepita”, 2015. Cortesía galería Carolina Rojo.

Junto a las impresiones digitales, una secuencia de dípticos reclaman a Leibniz, Injertos sobre mónadas se titulan. La cita que Radigales hace a Leibniz no es en vano, pues como supo Deleuze el problema continúa siendo habitar el mundo. “Descubrimos nuevas formas de desplegar y nuevos envoltorios, pero seguimos siendo discípulos de Leibniz, porque se trata siempre de plegar, de desplegar, de replegar”.

Chus Tudelilla

 

Harddiskmuseum en ANT de Punto

[A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas
Galería Punto
C / Barón de Cárcer, 37. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 14 de noviembre de 2015

La Galería Punto reúne a seis de los artistas más activos en el panorama nacional e internacional de las nuevas tecnologías en la exposición [A.N.T.] Arte y Naturalezas Tecnológicas, que se inaugura este viernes 18 de septiembre, con motivo del Abierto Valencia 2015.

A.N.T., según explica su comisario Jorge Lopez, “surge como una vía de comunicación entre la tecnología y los discursos artísticos contemporáneos, los procesos de producción y re-producción digital”, traduciendo “modelos tangibles de información, luz y sonido”. Los artistas que intervienen son: José Antonio Orts, Hugo Martínez-Tormo, Bosch & Simons, Rafael Lozano-Hemmer, Enrique Radigales y Solimán López, quien presenta en primicia su Harddiskmuseum.

No es un museo ni una galería virtual. En su interior no habrá obras físicas que una vez fotografiadas puedan contemplarse on line. Nada de eso. La originalidad del Harddiskmuseum, proyecto que Solimán López ha desarrollado en la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia, es que los trabajos depositados en su disco duro se encontrarán off line. Sólo podrán verse en el interior de sus “paredes” o carpetas creadas para tal fin. De manera que los artistas seleccionados mostrarán su obra en exclusividad. “Hablamos de artistas que trabajan con la idea de lo intangible en su discurso”, explica su creador.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Solimán López y su Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum contará con la participación de una primera serie de esos media artists de lo intangible. “Estamos todavía cerrando el acuerdo de su participación”. En todo caso, recalca Solimán López, serán artistas importantes a nivel nacional e internacional. Esta primera exposición denominada Líquido marcará la pauta de las siguientes, previstas en Madrid, Londres y Nueva York.

Se dará valor al arte digital y a los artistas que trabajen en ese formato, creando piezas originales que formarán parte de la colección del museo de lo intangible y de las exposiciones que se vayan programando. “Las obras no existirán físicamente y únicamente se podrán ver en los archivos digitales” del Harddiskmuseum. Solimán López también destaca que se trata de “un proyecto colaborativo”, ya que de momento “no hay dinero para la producción de las obras y el pago a los artistas”. Hasta que haya un patrocinador global del museo.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Quien se ha hecho cargo de los costes derivados de la programación, las carpetas físicas del disco duro, escritorio 3D, web e imagen corporativa es ESAT, en cuyo Laboratorio de Investigación en Arte y Tecnología se ha gestado el museo. Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) y Droide Comunidad han apoyado el proyecto.

“El sonido también tendrá su espacio”, subraya Solimán López. Los nombres de los artistas valencianos Llorenç Barber y Lucía Peiró salen a colación, ya que sus intervenciones musicales efímeras y performances, respectivamente, son ejemplos del arte intangible que se potenciará en el Harddiskmuseum. Arte representado de forma digital o que dependa para activarlo de diferentes interfaces físicas para ser visualizado. “No cabrán obras que no sean digitales”, remarca su creador.

Como apunta el propio López a la hora de justificar el proyecto, “la figura del museo, centro de arte, espacio cultural o galería, está totalmente relacionada con la idea de un entorno tridimensional, pero ¿acaso un disco duro en su interior no es arquitectura?” No sólo eso: ¿acaso un disco duro no da respuesta a las preguntas que hasta ahora respondía un museo? Y Solimán López se refiere a la memoria y el trabajo de los artistas, a sus huellas, no sólo inscritas en paredes, colecciones y archivos museísticos, sino también ahora en formatos digitales. En la Galería Punto de Valencia verá la luz este museo de lo intangible con proyección internacional.

ANT Arte y Naturalezas Tecnológicas en Galería Punto.

Imagen de la exposición [ANT ]Arte y Naturalezas Tecnológicas en Punto. Cortesía de la galería. 

Salva Torres

Clay Kids, éxito mundial de la animación valenciana

Clay Kids, de Javier Tostado
Se emite en CLAN TV desde el 9 de julio
Todos los días a las 21.00h

Bob Esponja y Dora La Exploradora tienen compañía. Son los chicos de la pandilla de Clay Kids. Sus divertidas aventuras llegan a la televisión para alegrar el verano a toda la familia. Los protagonistas son siete adolescentes que viven en una gran ciudad y comparten aventuras cotidianas, nuevas tecnologías, exámenes, música, amistad y ecología.

Clay Kids es una comedia infantil y juvenil de 52 capítulos, con una duración de 11 minutos cada uno. Es la primera serie de animación protagonizada por un niño discapacitado y ha sido calificada por la prestigiosa Ranker.com como la mejor serie mundial de stop-motion. Su emisión en países como México, Brasil o Reino Unido ha generado un éxito de seguimiento y merchandising sin precedentes en la historia de una serie creada y producida en España. Y más concretamente en Valencia.

Imagen de la serie Clay Kids. Cortesía de sus autores.

Imagen de la serie Clay Kids. Cortesía de sus autores.

La serie está rodada con la técnica tradicional de la animación stop-motion, que consiste en animar muñecos y simular el movimiento foto a foto. Rodada en los estudios valencianos de Clay Animation, donde se han construído 22 sets con los principales decorados, han trabajado más de un centenar de profesionales a lo largo de tres años.

Un proyecto colosal, nacido en Valencia, pero con una ambición internacional. Refrendada por premios como el Silver Telly Award, “el Óscar televisivo” que se entrega en Estados Unidos y que distingue los mejores trabajos mundiales realizados para la pequeña pantalla, un equipo de profesionales donde destacan guionistas como el estadounidense Mark Zaslove (ganador de dos premios Emmy) o Diego San José (“Ocho Apellidos Vascos”) y un doblaje realizado en Los Ángeles.

“El secreto de la serie es que, desde un principio, apostó por crear personajes, historias y situaciones universales, que funcionen en cualquier país del mundo”, afirma su creador Javier Tostado. “Es una serie para todos los públicos, pero tiene toques de humor irreverente, infinidad de chistes visuales y música muy actual que engancha a todo el mundo”.

Imagen de la serie valenciana Clay Kids. Cortesía de sus autores.

Imagen de la serie valenciana Clay Kids. Cortesía de sus autores.

Alicante busca jóvenes con talento

La Diputación de Alicante ha lanzado su 13ª Convocatoria de los Premios Provinciales de la Juventud. Sin duda una buena oportunidad para jóvenes con iniciativa y capacidades. Os destacamos algunos datos de la convocatoria y os invitamos a visitar su web para conocer todos los detalles.

PREMIOS y CATEGORIAS:
a) Iniciativa empresarial:
Premio Único: dotado con 3.000 euros* y un trofeo conmemorativo.

b) Proyecto Nuevas Tecnologías. Blogs:
1er Premio: dotado con 1.500 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º premio: dotado con 1.000 euros* y un trofeo conmemorativo.
3er Premio: dotado con 500 euros* y un trofeo conmemorativo.

c) Cartel ilustrativo:
1er Premio: dotado con 1.500 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º Premio: dotado con 1.000 euros* y un trofeo conmemorativo.
3er Premio: dotado con 500 euros* y un trofeo conmemorativo.

d) Trabajo musical:
1. Solista:
1er Premio: dotado con 1.200 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º Premio: dotado con 800 euros* y un trofeo conmemorativo.

2. Grupo:
1er Premio: dotado con 1.800 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º Premio: dotado con 1.200 euros* y un trofeo conmemorativo.

e) Relato breve:
1er Premio: dotado con 1.500 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º Premio: dotado con 1.000 euros* y un trofeo conmemorativo.
3er Premio: dotado con 500 euros* y un trofeo conmemorativo.

f) Fotografía original:
1er Premio: dotado con 1.500 euros* y un trofeo conmemorativo.
2º Premio: dotado con 1.000 euros* y un trofeo conmemorativo.
3er Premio: dotado con 500 euros* y un trofeo conmemorativo.

*La cuantía de los premios que se indica se hará efectiva previa reducción del correspondiente IRPF.

PARTICIPANTES:
Podrán participar en el presente concurso las personas físicas y jurídicas que cumplan con los requisitos siguientes:

1.-Persona Física: (todas las categorías)
Edad comprendida entre 16 y 35 años (ambos inclusive).
Domicilio en la provincia de Alicante.
Para la categoría a) documentación acreditativa del alta de autónomo que deberá ser posterior al 1 de enero de 2012.
Para la categoría d) no tener contrato discográfico en vigor.

2.- Persona Jurídica:
Sociedad mercantil: categoría a
Actividad empresarial y domicilio social en la provincia de Alicante.
La fecha de constitución de la empresa deberá ser posterior al 1 de enero de 2012, para lo cual se tomará como referencia la fecha de inscripción de la escritura de constitución de la sociedad en el Registro Mercantil.
El 75% de sus socios, en la fecha de presentación de la solicitud en el Registro General de la Excma. Diputación de Alicante, deberán ser personas físicas con edades comprendidas entre 16 y 35 años.
Entidad sin fin de lucro: categoría b
Sede social en la provincia de Alicante.
Actividad radicada en la provincia de Alicante.
Al menos el 75% de los miembros de la Junta Directiva deberán ser personas físicas con edades comprendidas entre 16 y 35 años.
Estar legalmente constituida e inscrita en el Registro de Entidades correspondientes, como Asociación Juvenil, o tener en los Estatutos de la Asociación fines dirigidos específicamente a la juventud.

3. Grupo Musical: categoría d
Componentes con edades comprendidas entre 16 y 35 años, ambos inclusive (se admitirá la inscripción de aquellos grupos musicales cuando al menos el 75% de sus componentes cumplan con este requisito).
Domicilio en la provincia de Alicante de, al menos, el 75% de sus componentes.
No tener contrato discográfico en vigor.

PROYECTOS:
Sólo se admitirá un único proyecto por participante y categoría de premio.

Los proyectos o trabajos presentados deberán ser originales e inéditos, entendiendo por trabajo o proyecto original, aquel que no ha sido copiado, reproducido, ni imitado, en todo o en parte, de otro anterior y por trabajo inédito, el que no ha sido publicado ni dado a conocer al público, por ningún medio impreso, digital o audiovisual, incluidas las redes sociales.

Quedarán excluidos aquellos proyectos que hayan sido premiados, o pendientes de resolución, en otros certámenes.

Los proyectos se presentarán de forma anónima (salvo los presentados en las categorías a y b) y, ajustándose a las siguientes características, en función de la categoría del premio al que se opte:

a) Iniciativa empresarial:
Descripción de la iniciativa empresarial que opta al premio y su puesta en marcha. La extensión máxima será de 5 páginas, a una sola cara, conforme al modelo de presentación establecido.

Además, se adjuntará el currículum vitae del joven o jóvenes implicados en la puesta en marcha de la iniciativa presentada.

Se valorará, entre otros aspectos, la claridad, concreción e innovación de la iniciativa, así como su proyección e impacto social. También se tendrán en cuenta aquellas medidas destinadas a favorecer la igualdad de género en la empresa.

Toda la información, documentos, datos, memoria, proyecto, etc. que se presente en papel deberá ser presentado obligatoriamente también en CD.

b) Proyecto de nuevas tecnologías. Blogs:
Se podrán presentar en esta categoría todos los blogs que promuevan la educación a través de las nuevas tecnologías: Blogs de contenido educativo, asesoramiento, formación, voluntariado, etc., de actualización frecuente, participativos y con al menos 10 posts editados.

Se valorarán aspectos como la originalidad de los temas propuestos, la claridad de los contenidos, el impacto social del blog, etc.

La descripción, características, etc., del blog se presentará en un máximo de 2 páginas, a una sola cara, conforme al modelo detallado en las bases.

Toda la información, documentos, datos, memoria, proyecto, etc. que se presente en papel deberá ser presentado obligatoriamente también en CD.

c) Cartel ilustrativo:

Cartel ilustrativo inédito y de estilo libre cuyo tema será el “Día Internacional de la Juventud”. El tamaño original del cartel será en A3 (29’7x42cm).

Las obras no podrán estar montadas en ningún tipo de enmarcación, ni llevar ninguna forma de protección, bien sea de cristal o plástico.

Se tendrán en cuenta en la valoración, criterios como la claridad del mensaje, la originalidad de la propuesta, el equilibrio entre las imágenes utilizadas y el texto, etc.

Su presentación se realizará obligatoriamente de las dos formas siguientes:

Sobre soporte rígido (cartón, cartón pluma, plástico duro, etc.). Los trabajos se presentarán con el título de la obra al dorso.

En formato digital (JPG, BMP, etc.) en CD.

Los carteles presentados no podrán llevar ninguna marca de identificación del autor.

d) Trabajo musical:
Trabajo en formato CD, incluyendo un solo tema original e inédito de cualquier estilo musical.

Se tendrán en cuenta aspectos como la originalidad del tema musical, la calidad de la letra y la música e interpretación.

Los CD’s se presentarán indicando únicamente el nombre del tema propuesto y si corresponde a SOLISTA o GRUPO.

e) Relato breve:
Relato breve de temática y estilo libre, que cumpla los siguientes requisitos:

– Un mínimo de 2 páginas y un máximo de 5, de tamaño A4.
– Doble espacio.
– Márgenes (superior, inferior, derecho e izquierdo) a 2 cm.
– Letra Times New Roman a paso 12.
– Páginas numeradas.
– En la primera página, al menos, deberá figurar el título del relato.

Se tendrán en cuenta a la hora de la valoración aspectos como la ausencia de faltas ortográficas, la correcta utilización de la gramática, el uso de figuras retóricas o literarias, la originalidad del tema, etc.

El relato se entregará obligatoriamente de las dos formas siguientes:
En formato papel, sin grapar ni encuadernar.
En CD, en formato Word (.doc), que deberá ir rotulado únicamente con el nombre de la obra.

f) Fotografía:
Fotografía original e inédita en tamaño 15×20, de temática libre, obtenidas por cualquier técnica, en blanco y negro o color; tomadas con cámaras digitales o con sistemas tradicionales, sin retoques ni composiciones. Esta deberá llevar en el reverso, únicamente, el título de la fotografía.

Se valorarán, principalmente, la originalidad de la fotografía, el enfoque, el uso adecuado de los claros y oscuros, etc.

Las obras serán entregadas obligatoriamente de las dos formas siguientes:

En CD, llevando rotulado únicamente el nombre de la fotografía en el exterior.

En papel, con el nombre de la obra en el reverso de la fotografía y no pudiendo estar montadas en ningún tipo de enmarcación. Así mismo, no podrán llevar ningún tipo de soporte rígido o semi-rígido, ni de protección, bien sea de cristal o plástico.

CONSULTA LAS BASES COMPLETAS AQUÍ Y NO DEJES PASAR LA OPORTUNIDAD!

Visual Talent, concurso internacional de ESAT

Concurso VISUAL TALENT
Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia (ESAT)
Presentación en el Museo de Bellas Artes San Pío V
C / San Pío V, 9. Valencia
Lunes 12 de mayo (a medios)
Presentación oficial en el Museo de BBAA San Pío V
Miércoles 14 de mayo, a las 18.30h

VISUAL TALENT responde a un concurso internacional propuesto por ESAT desde sus instalaciones de la ciudad de Valencia en el que se busca los nuevos talentos artísticos del siglo XXI, en el marco de las artes visuales. Artistas 360º que sean capaces de responder a las exigencias estéticas, conceptuales y económicas de nuestro tiempo, devolviendo a la ciudad de Valencia la excelencia artística que siempre la ha caracterizado.

Un concurso original por su formato y concepto, cercano al reality show pero con la imagen, el diseño, la creatividad y el arte como motores de desarrollo, que permitirá  a los ganadores desarrollar sus capacidades creativas de manera gratuita y junto con profesionales de reconocido prestigio. Inmersos en la era de la comunicación, estamos viviendo una auténtica revolución en lo que respecta a formatos de información. Redes sociales, realities shows, concursos, vidas televisadas…un sinfín de nuevos formatos que están calando en el ADN de lo que ya se conoce como los nativos digitales.

Estos nativos digitales reciben la información con unos códigos actualizados y los comunicadores no están al margen de esta circunstancia. La particularidad se encuentra en que estos formatos son normalmente utilizados en sectores del entretenimiento que no aluden a lo humanista, artístico o contemporáneo, sino que se ciñen al guión del ocio por el ocio. Aún así, el código es compartido, global y sin duda con un alto grado de éxito. Podríamos nombrar múltiples ejemplos de esta tipología de eventos en sectores como la música, el baile, la gastronomía o lo social, pero en el campo de lo visual y artístico estos ejemplos son menos numerosos y con menor visualización.

Planteamos un proyecto en el que los códigos de comunicación jueguen con las estrategias implantadas por las grandes corporación del ocio, pero con unos objetivos, inquietudes y sentido totalmente diferente. Nuestro target se encuentra en el mundo y como tal, comparte estas influencias de comunicación, pero entendemos que buscamos un determinado público, con inquietudes muy concretas y con una visión de futuro que debe ser satisfecha por nuestras propuestas. De este panorama surge VISUAL TALENT.

Visual Talent. Imagen cortesía de Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Visual Talent. Imagen cortesía de Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

“La literatura en sí es algo marginal”

Glóbulos versos, de Raúl Ariza
Editorial Talentura
Presentación en la librería Bartleby
C / Cádiz, 50. Valencia
Viernes 16 de mayo, a las 19.30h

Entre la novela y la poesía, el cuento es un género minoritario, aunque algunas editoriales le dedican cierto espacio. “En España no existe tradición lectora de cuento como ocurre en Latinoamérica”, afirma el castellonense Raúl Ariza, que ha publicado en Talentura nada menos que tres libros de relatos, más de 150 historias, engastadas en un tema común: la soledad y la incomunicación del hombre de nuestro tiempo. Glóbulos versos culmina el proceso que se inició en Elefantiasis y prosiguió con La suave piel de la anaconda, tres libros que comparten el mismo lenguaje desnudo y altamente poético. Glóbulos versos, que combina el cuento con la poesía, se presenta en Valencia en la librería Bartleby.

Raúl Ariza (Benicàssim, 1968) es abogado y escribe desde siempre. En 2010 fue incluido en una antología para la prestigiosa Revista Literaria EntreRíos entre una lista de los cuarenta y cuatro autores españoles más representativos del cuento español actual. Algunos de sus relatos se han incluido también en obras colectivas como la de la colección Noctambulario, el proyecto pedagógico-literario Lectures d’Espagne, para las universidades de Poitiers, el libro De Antología, que recoge a los autores más representativos de lo que se ha venido en llamar Generación Blogger, o la antología Cuentos engranados, donde comparte nómina con los grandes nombres del cuento español. Además de Elefantiasis traducido al alemán, y La suave piel de la anaconda, ha participado en diversos libros colectivos como Los Intachables y Los Incorregibles.

Portada de Glóbulos versos, de Raúl Ariza. Imagen cortesía de la editorial Talentura.

Portada de Glóbulos versos, de Raúl Ariza. Imagen cortesía de la editorial Talentura.

¿Dónde radica su voluntad de contar? 

En la necesidad de expresarme a través de un medio amigo. Siempre me he sentido bien cobijado entre las letras, primero como lector y después escribiendo, lo que entiendo una consecuencia más o menos lógica, pero siempre probable, de lo primero.

¿Cuál es el hilo conductor de su trilogía de relatos?

No es habitual encontrarnos con una trilogía de libros de relatos por la propia naturaleza del género. Cada historia ha de tener una identidad propia e intrínseca, pero al mismo tiempo, para que los libros no sean más que una sucesión de propósitos, ha de pertenecer a un todo, ser una parte, una pieza, de un engranaje superior. En este caso, el pretexto que aúna las historias de mis tres libros es doble. Por un lado, una cuestión temática: la soledad, la incomunicación del individuo como enfermedad catastrófica de estos tiempos. Por otra, de carácter formal, dado que he tratado de que la textura, un lenguaje directo y desnudo pero extremadamente poético,  sea idéntica en todas las historias.

¿Nunca ha sentido el impulso de pasarse  a la novela o el cine? 

Más que ganas, curiosidad. Me reconozco cuentista, es un hecho, pero no rechazo la experiencia que supone expresarme desde otros géneros. En mi último libro alterno de una forma nada traumática, tanto la narrativa como la poesía.

¿Qué opina del momento que atraviesa la cultura y del gratis total que lleva a la proletarización de los artistas?

Al margen de que podamos encontrar aspectos cuestionables y sin duda mejorables en la generalización del arte, como la frivolización que parece acompañar el uso de las nuevas tecnologías, considero que son más importantes y destacables sus aspectos positivos. Por ejemplo, lo que estas nuevas tecnologías han supuesto de acercamiento de la cultura a un segmento de la población que tradicionalmente se ha mantenido al margen de ella.

¿Por qué el cuento es un género marginal?

La literatura en sí es algo marginal.  España es uno de los países de nuestro entorno cultural donde menos se lee. Además, no existe tradición lectora de cuento, como por lo general tampoco existe cariño por la poesía. Al contrario de lo que sucede en otros países de habla hispana.

¿Los microrrelatos traerán nueva vida a la literatura?

Por su estructura y extensión, aparentemente accesibles, el microrrelato, término con el que no me encuentro del todo a gusto, puede hacer las veces de puente para que en este país se acabe leyendo más cuento. De hecho, de unos años a esta parte proliferan los blogs literarios, donde podemos encontrar una maravillosa y prometedora amalgama de muestras del género.

Raúl Ariza. Imagen cortesía del autor.

Raúl Ariza. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

La red social: “¡Facebookéame!”

Nuevas tecnologías, ¿sociedad de la información o de la incomunicación?
Palau de Cerveró
Plaza de Cisneros, 4. Valencia
Piratas de Silicon Valley (Martyn Burke): jueves 6 de febrero, a las 18.00h
La red social (David Fincher): 13 de febrero (18.00h)
La sala de los suicidas (Jan Komasa): 20 de febrero (18.00h)
Hello! How are you (Alexandru Maftei): 27 de febrero (18.00h)

La red social, de David Fincher, es una de las cuatro películas del ciclo Nuevas tecnologías, ¿sociedad de la información o de la incomunicación? que este mes acoge el Palau de Cerveró. Y en esa sobresaliente película, Eduardo (Andrew Garfield) le dice a su amigo Mark (Jesse Eisenberg), a la sazón fundador de Facebook, lo siguiente, después del efímero diálogo con una atractiva joven: “Me ha dicho: Facebookéame y podríamos ir a tomar algo. ¿Alguna vez habrás oído tantas cosas buenas juntas en una sola frase?”. He ahí, concentrado, el sentido más preciso de la red social, tanto por lo que se refiere a la película misma, como por lo que tiene que ver con las nuevas tecnologías a las que alude el ciclo organizado por el Aula de Cinema de la Universitat de València y el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero (Palau de Cerveró).

Fotograma de 'La red social', de David Fincher.

Fotograma de ‘La red social’, de David Fincher.

“En esencia”, le explicará el propio Mark a su amigo Eduardo, “en eso va a consistir TheFacebook. Todos sabrán que tras esa parafernalia existe la posibilidad real…”. Eduardo le interrumpe para completar la frase: “…de echar un polvo”. Mark le corrige ligeramente: “…de conocer a una chica”. La red social, como sucede con Piratas de Silicon Valley, de Martyn Burke, película con la que arrancó el ciclo la semana pasada, se centra en la historia fundacional de las nuevas tecnologías y sus sorprendentes aplicaciones en el terreno de la comunicación. Es decir, narran los inicios de quienes revolucionaron el mundo de la informática.

Fotograma de 'La red social', de David Fincher

Fotogramas de ‘La red social’, de David Fincher

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Y en la narración de los hechos, David Fincher (hablamos de uno de los grandes directores actuales) acierta al dibujar las dos caras de la red social: su rostro más eficaz, pura expansión del discurso capitalista fraguado en torno a la objetividad científica, y su envés pulsional, allí donde el sujeto busca el goce que el tejido de signos informático le escamotea. De manera que sí, Facebookéame, ponte en contacto conmigo, infórmame, comunícate, utiliza la red que nos protege con su lógica interna, para luego dar rienda suelta al más intenso placer que reclama la experiencia subjetiva.

Fotograma de 'La sala de los suicidas', de Jan Komasa

Fotograma de ‘La sala de los suicidas’, de Jan Komasa

Lo estamos viendo últimamente, en películas que hablan igualmente del poder que ofrecen las nuevas tecnologías para amasar fortunas en apenas un click de ordenador, al tiempo que las drogas y el sexo se suman al vértigo que produce el dominio de la informática (El lobo de Wall Street, La gran estafa americana, El consejero…). La red social y Piratas de Silicon Valley diríamos que ponen el acento en el combate que ciertos jóvenes mantuvieron por liderar esa revolución informática, mientras que La sala de los suicidas (Jan Komasa) y Hello! How are you?, de Alexandru Maftei, se centran en las consecuencias del uso y abuso de esa red social.

Fotograma de Hello! How are you? de Alexandru Maftei

Fotograma de Hello! How are you? de Alexandru Maftei

En cualquiera de los casos, el discurso cibernético y cierta pulsión difícil de encauzar van de la mano. De hecho, Mark Zuckerberg, creador de Facebook, aparece en la película de David Fincher como un joven obsesionado por las nuevas tecnologías, al que cierto desengaño amoroso le espolea a la hora de configurar su exitoso programa. Una mente de gran capacidad lógica, incapaz, paradójicamente, de sostener una relación amorosa con Erica Allbright (Rooney Mara), a la que adora tanto como odia. Y una Erica que, dirigiéndose a Mark, dolida (“me llamaste zorra en Internet”), le echará en cara algo que también suscita la red social: “Escribes tus chorradas denigrantes desde la sombra, porque eso hace la gente frustrada hoy en día”. La sociedad de la información, en tanto eficaz aparato de transmisión de mensajes, conviviendo peligrosamente con la sociedad de consumo, en tanto espacio diseñado para la obtención del máximo placer, incluido, claro está, el placer más siniestro.

Rooney Mara en 'La red social', de David Fincher.

Rooney Mara, como Erica Allbright, en ‘La red social’, de David Fincher.

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Jesse Eisenberg, como Mark Zuckerberg, en 'La red social', de David Fincher.

Jesse Eisenberg, como Mark Zuckerberg, en ‘La red social’, de David Fincher.

Salva Torres

“Me interesa la frontera entre la vida y la muerte”

Lucifer Circus, de Pilar Pedraza
Premio Nacional Nocte de literatura fantástica

“Donde esté un zombi, que se quite un marine y su novia”. En contraste con las atmósferas sombrías y terroríficas que crea magistralmente en sus novelas, Pilar Pedraza exhibe un talante pacífico y amigable, iluminado por chispas de ironía como esta frase. Con 24 títulos publicados, además de sus trabajos académicos y unos 30 años en la Universitat de València intentando imbuir a los jóvenes el amor al arte,  se ha consagrado como autora de culto y ya no tiene nada que demostrar. Pero como a nadie le amarga un dulce, disfruta del prestigioso premio nacional Nocte, convocado por Asociación Española de Escritores de Terror (Nocte), destinado a las obras que por su calidad, temática y originalidad han destacado a lo largo del año.

Pilar Pedraza. Imagen cortesía de la autora.

Pilar Pedraza. Imagen cortesía de la autora.

¿Qué ha significado para usted recibir el Nocte? 

Una simpática sonrisa de Buda en el ocaso del terrible año 2013. Me encanta que me tengan en cuenta los que saben de literatura fantástica y gótica. Son gente especialmente amable. La novela premiada, Lucifer Circus, no sólo es la última sino una de las que más me gustan, por el ambiente esotérico de finales del siglo XIX y la extravagancia de los personajes, como la joven pilosa y el hermoso indio de los elefantes.

El género fantástico vive una edad de oro tanto entre los lectores jóvenes como adultos. ¿A qué cree que se debe este fenómeno? 

Se debe a que algo hay que leer en tiempos de crisis, y lo más atractivo tanto para los jóvenes como para los adultos es lo más transgresor de la cutre realidad cotidiana en la que vivimos, y de la gris masa humana que nos rodea. Además, la literatura fantástica es la más rica en contenidos latentes y por ello la más liberadora. Donde esté un zombi, que se quite un marine y su novia.

Dentro del amplio y variado panorama de este tipo de literatura, ¿en cuál de sus tendencias se sitúa? 

En ninguna. Yo escribo lo que quiero cuando quiero, no  estoy profesionalizada y mis editores son unas criaturas liberales que me lo permiten todo con tal de que tenga calidad. Esto último es lo único que nos exigimos. Por otra parte, no todo lo que escribo pertenece a un género determinado.

Portada del libro Lucifer Circus.

Portada del libro Lucifer Circus.

Tras una brillante trayectoria se ha consagrado como autora de culto. ¿No siente algunas veces la tentación del bestseller

Para nada. Jamás. A estas alturas podría hacerlo, a nuestra escala y contando con una editorial de mucho peso económico, pero eso sería traicionarme a mí misma y perder un tiempo precioso en marketing; total,  para ganar dinero y popularidad, cosas ambas que no me interesan en absoluto. Ya tengo edad para entretenerme con mis libros y estar tranquila y libre de compromisos.

Lucifer Circus sigue en la línea de sus anteriores libros, El síndrome de Ambras y Venus barbuda y el eslabón perdido. ¿También profundiza en él  en los límites entre la vida y la muerte, lo femenino y lo masculino, lo ordinario y lo extraordinario? Háblenos del hilo conductor de sus obras, de lo esencial que pretende expresar en ellas.

Considero esencial, cuando me pongo a escribir, llegar a crear algo nuevo en lo que sumergirme y poder ofrecérselo a otros, con los mismos gustos, para que lo compartan y alucinen como yo misma. Lo que más me interesa es la frontera entre la vida y la muerte, tema que estudio continuamente, porque hay mucha bibliografía en la que puedo apoyarme. También me interesa lo humano titánico, lo semidivino, el mal extremo,  el humor y el cariño; el sexo, menos. Mis planteamientos vitales son feministas, pero eso solo se refleja en mis escritos indirectamente, salvo en la trilogía de ensayos: La bella, enigma y pesadilla, Máquinas de amar y Espectra, que tratan precisamente de aspectos enigmáticos de lo femenino. Mi feminismo es socialista y de la igualdad, interesado sobre todo en denunciar la misoginia.

La historia, el arte y el cine están presentes en sus fabulaciones. ¿Dónde surge la chispa de la invención y cómo combina la pura  imaginación con su rico acervo cultural?

Con paciencia y dedicación. Es como ponerse a pescar en un río rico en peces. Tarde o temprano pica uno y puedes hacer con él un guiso estupendo (si sabes cocinar). Por otra parte, no concibo a un escritor inculto. ¿Qué nos va a contar alguien que no sepa de la tradición y las vanguardias de su cultura? No sé de dónde surge la chispa. Seguramente no es una chispa, sino una especie de dolorcillo insidioso al que hay que poner remedio cubriéndolo con determinadas palabras, que a su vez se expanden y van llenando páginas hasta que el dolor se convierte en placer: el placer del texto.

Portada del libro de Pilar Pedraza, La perra de Alejandría.

Portada del libro de Pilar Pedraza, La perra de Alejandría.

¿Cuáles  serían sus primeras  decisiones si volviera a desempeñar un cargo importante en la política cultural, como lo hizo durante el Gobierno de Lerma? 

En primer lugar, no aceptaría un cargo político ni muerta. Yo soy ácrata y no estoy hecha para eso, sobre todo habiéndolo probado y conociendo sus limitaciones. Puestos a imaginar a lo loco y un poco en broma, borraría de los presupuestos todo lo referente a religión y defensa, negocios que no sirven para nada ni defienden nada, y trasvasaría todo ese activo a Cultura. Promovería una libertad absoluta de creación y expresión, y una ayuda imaginativa a sectores claves como el cine español, el teatro contemporáneo y la extensión cultural, y restringiría el derroche de fondos públicos en fiestas y saraos. Pero eso no me lo iba a permitir ningún partido, de modo que será mejor quedarme como estoy, conformándome con quejarme de lo muerta que está la cultura.

¿Qué opinión le merece el sistema de enseñanza y el futuro que se abre ante las últimas generaciones que han pasado por su aula? 

Después de treinta años de experiencia universitaria, puedo decir que hasta hace un par de años la enseñanza funcionaba aceptablemente bien en este país. Ahora ha comenzado una debacle rápida hacia el abismo. Menos mal, por lo que a mí respecta, que mis alumnos han salido ya del sistema y no tendrán problemas graves de empleo, porque están muy bien formados. Hay entre ellos personas verdaderamente valiosas que sería suicida perder, aunque, visto el panorama, podemos temernos lo peor.

Nuevas tecnologías. ¿Es adicta y partidaria o más bien reticente? ¿Cómo cree que van a influir en la creación literaria la proliferación de blogs, ediciones digitales, etcétera?

No sé nada de las nuevas tecnologías. No pertenecen a la época hippie, que es la de mi formación,  pero me sirvo de las más comunes con gratitud y sin complejos. Alguna de mis novelas cuenta ya con edición digital (Paisaje con reptiles). Ya no podría trabajar sin internet, ni comunicarme sin correo electrónico.  Pero, por no tener, no tengo ni teléfono móvil.

Un alegato final a favor de lo fantástico contra quienes lo tildan de pueril y escapista.

Todo el mundo es libre de opinar lo que le parezca y no seré yo quien les saque de sus estúpidos errores. Comprendo que no les guste Harry Potter, pero es que eso no es literatura ni cine fantásticos. Que vean Addiction de Abel Ferrara y me digan si eso es escapismo.

Pilar Pedraza. Imagen cortesía de la autora.

Pilar Pedraza. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco