El arte y el poder en las ideas

Cartell Cubà 1959-1989. Crònica gràfica de la història recent de Cuba
Sala Parpalló del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 15 de octubre de 2017

El cartel cubano mantuvo las distancias con la etapa sombría del realismo socialista y la influencia nociva del triunfalismo panfletario de la propaganda revolucionaria. Desde una conceptualización creativa que marcó una insuperable diversidad estética y definió una personalidad única en el contexto contemporáneo, supo acompañar cada episodio y acontecimiento político, histórico y cultural del incipiente proceso que definió la Cuba posterior a 1959. De modo que esta cartelística se convirtió en una mediadora atípica en las relaciones entre el nuevo poder y la propaganda.

Ciertamente no fue una relación idílica. No estuvo ajena a censuras, ni al voluntarismo ideológico que invadió la institucionalidad. Pero lo que realmente le otorgó una dimensión internacional y un protagonismo sin precedentes, fue un lenguaje nacido de la síntesis de recursos expresivos bajo los designios del pop art, el arte óptico, el art noveau y todas las reformulaciones artísticas que se asimilaban en la isla y se cubanizaban al mismo tiempo, mientras desarrollaba una iconografía y un simbolismo sin apego alguno al cartel comercial.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

El Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM) abre, al parecer, una nueva etapa de “redescubrimiento” museístico al dejar inaugurada esta amplia muestra que agrupa no solo la vanguardia del diseño gráfico cubano que tuvo el mayor exponente en el cartel de cine -conocido por anteriores muestra exhibidas en este recinto-, sino en todo el escenario político y propagandístico en un período de tres décadas enmarcadas entre 1959 y 1989, año que marca la caída del muro y el impás de una crisis material que se extiende hasta el presente.

La exposición comprende un recorrido visual por la gráfica de los primeros 30 años de la revolución cubana. El poder de la propaganda del régimen naciente jugó un papel fundamental en los mensajes destinados a crear una conciencia colectiva sobre el ejercicio de la soberanía e identidad nacional. Un remix de carteles representativos de la época, diseñados por los principales exponentes de la gráfica cubana. La ausencia de mujeres diseñadoras es un denominador común en este período. Pocas oportunidades tuvieron las creadoras para dejar su impronta en la nueva cartelística cubana que nacía con fuerza renovadora del lenguaje visual imperante. ¿Casualidad? “No hay motivos aparentes”, según explicaba la comisaria de la exposición, Moraima Clavijo, “solo es un hecho constatable que a fecha de hoy, sigue siendo un tema a revisar”.

En la etapa que comprende la muestra, la producción de carteles fue inmensa. Los contenidos propagandísticos a divulgar, eran los logros de la revolución repletos de metáforas visuales. El juego de imágenes, los héroes de la revolución, las efemérides, la contienda de la caña de azúcar, la campaña de alfabetización, las organizaciones de masas, la pesca y los actos culturales eran los temas recurrentes a tratar en la gráfica naciente.  Carteles cargados de color con influencias del pop art norteamericano, el realismo socialista, el art deco o influencias tan dispares como la gráfica polaca.

Un cartel que nace de la necesidad, aunque la actividad creativa era desbordante, faltaba todo lo demás. Se contaba con pocos recursos para desarrollar los diseños y trabajaban con medios precarios. De ahí su virtud, un nuevo sello marcaba la identidad del cartel cubano, limitados medios técnicos y la fuerza visual de las ideas, imperaba en los diseños.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

El movimiento cultural de los primeros años de la revolución cubana marcó un inédito rumbo en la cinematografía. La producción era insaciable, películas filmadas en Cuba y gestionadas desde el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica), necesitaban transmitir un mensaje acorde con los nuevos tiempos. Temas recurrentes como pasajes de la revolución, los héroes de la patria, la cultura con influencias de la Unión Soviética y el bloque socialista del este eran las historias contadas bajo el prisma revolucionario. Un cine cubano que expresaba las realidades protagonizado por la sociedad del momento, la experiencia de la revolución y sus hechos trascendentales. En este contexto se desarrolla una gráfica muy visual, con motivos aparentemente simples donde la idea prevalecía en el resultado final.

Muchos creadores conforman la escuela cubana del cartel, entre los que destacan Rafael Morante, Julio Eloy, Alfredo Rosgaaart, Eduardo Muñoz Bach (de origen Valenciano), René Azcuy o Antonio Pérez NIKO, algunos en activo a fecha de hoy. Un movimiento renovador marcado por una época, que supieron adaptarse al contexto internacional para crear la identidad de la gráfica cubana que prevalece hoy día. Estos y muchos otros diseñadores y artistas trabajaron sin descanso durante más de una década, creando una ingente producción con la que conseguirán además de informar de la ajetreada vida cultural del momento, elevar el cartel publicitario a la categoría de obra de arte.

Según palabras de la comisaria Moraima Clavijo, el objetivo principal de la exposición ‘Cartell Cubà 1959-1989. Crònica gràfica de la història recent de Cuba’ “es el de dar a conocer la importancia de la producción gráfica cubana y la efervescencia creativa de la segunda mitad del siglo XX en un campo como el de las artes gráficas, convertidas (con el cartel propagandístico a la cabeza) en vehículo de expresión de las complejas vicisitudes sociales de la etapa inmediatamente posterior al triunfo revolucionario”.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Con esta muestra el MuVIM realiza su particular aportación al conocimiento del arte y los artistas latinoamericanos y la inclusión de los mismos en los circuitos nacionales y locales, estrechando relaciones y creando sinergias con centros internacionales. La muestra forma parte de un proyecto expositivo mayor que bajo el título de ‘Poder y Propaganda’ alberga además la muestra ‘Les imatges del poder’ que inaugurará el museo el próximo día 29 de junio.

Inmersos en plena Revolución tecnológica digital, nos encontramos en una época dominada por un lado por la licuada actualidad política y la supuesta alteración de las estructuras del poder, y por otro por el bombardeo iconográfico y la continua aparición de nuevos o renovados códigos visuales, aparentemente, cada vez más simplificados. Resulta de especial relevancia en este contexto plantear una reflexión como la que aborda el MuVIM con esta propuesta.

El ciclo ‘Poder y Propaganda’ lo conforman dos exposiciones de tesis que investigan, reflexionan y dan algunas pistas sobre cómo se construye -y se ha construido históricamente- la imagen del poder, poniendo de manifiesto la potencia propagandística, expresiva y comunicativa de la imagen artística, y su maleabilidad al servicio de las exigencias del poder (centralizado, absolutista, o democrático, horizontal y “enredado”), siempre atento a los gustos y tendencias del momento.

La muestra se divide en cuatro grandes bloques (‘El cartel político’, ‘El cartel cultural’, ‘El cartel de cine’ y ‘El cartel institucional’) que abordan las similitudes y discordancias en el desarrollo del arte del cartel y su devenir estético según el carácter de su ámbito de actuación y el tipo de organismo emisor que realizaba el encargo.

Las obras expuestas, 57 carteles originales de la época, realizados en serigrafía y una selección de fotografías que ilustran el paisaje urbano cubano con algunas de sus vallas más representativas, forman parte de los fondos del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana (26 carteles), y de la Biblioteca Nacional de Cuba José Martí (31 carteles).

Además, el MuVIM ha enriquecido la muestra incorporando parte de su recién adquirida colección de 14 carteles cubanos que, a partir de octubre, conformarán (junto con una serie de paneles divulgativos y otros elementos) la versión itinerante de esta exposición. Una apuesta del MUVIM por dotar de fondos al museo como una experiencia inicial que pretende ser de largo recorrido.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Los diseñadores cubanos y el arte del cartel

Tres son las características que comparten todas las obras que se integran en esta muestra: su falta de finalidad comercial, hecho que los sitúa en el ámbito de la propaganda institucional, su gran calidad artística, y su carácter innovador representativo de una estética y lenguaje propios cultivados y llevados a su máxima expresión a lo largo de este particular período.

El nuevo régimen surgido de la Revolución vio en la democratización cultural una de sus principales estrategias de acción para el desarrollo del nuevo orden social. Proliferan en esta época políticas culturales orientadas a corregir desigualdades ilustrando a las masas, y a preservar y construir la nueva identidad cultural cubana.

En la propaganda, a través de soportes tradicionalmente publicitarios y de la mano de una generación de artistas y diseñadores locales, el régimen cubano encuentra una excelente vía de comunicación directa con el pueblo que se convertirá además en un fecundo campo de experimentación artística que sentará las bases para la aparición y el desarrollo de un lenguaje y un estilo propios que elevarán el cartel a la categoría de obra de arte.

La vida cultural y el cine como campo de experimentación

En la efervescencia creativa cubana del arte del cartel tendrán un papel decisivo una serie de instituciones oficiales, fundadas tras la victoria revolucionaria, para la promoción cultural en el país. El cine, con la aparición en 1959 del ICAIC – Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico, se convierte en el principal campo de experimentación artística y en la vía para el desarrollo de un diseño gráfico caribeño de nuevo signo.

Destacan en este ámbito los carteles reinterpretados a la manera cubana de películas importadas (japonesas, checas, soviéticas, francesas, italianas, rumanas, alemanas, polacas, búlgaras, coreanas, etc). Esa libertad de reinterpretar, por artistas cubanos, la publicidad de estas películas se revela como uno de los factores cruciales para la expansión de este particular universo gráfico y del ocio cinematográfico.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Uno de los carteles de la exposición. Imagen cortesía del MuVIM.

Propaganda con influencias artísticas

Los creadores del momento, que ya habían formulado las directrices de la emergente estética cubana vinculada al ámbito cultural, supieron aprovechar estas experiencias, reconvertir soportes y códigos propios del lenguaje publicitario de tintes capitalistas, superar la herencia del realismo socialista y crear una gráfica política de nuevo sello al servicio de la revolución.

Los carteles de esta sección son una buena muestra de cómo las soluciones estéticas se despegan de la rigidez socialista inicial para jugar con las posibilidades expresivas del color, el uso de recursos propios de tendencias pictóricas como el art nouveau, la abstracción geométrica, el pop art o el informalismo y la potencia comunicativa del diseño puramente tipográfico.

La ciudad y el paisaje urbano

Otra de las características más sobresalientes del diseño gráfico cubano de estas décadas es su importante proyección urbana. Más allá de la intencionalidad del mensaje que se quería divulgar, y del valor creativo de la pieza en sí, tanto el cartel como la valla van a convertirse en elementos absolutamente representativos, icónicos, del paisaje urbano cubano. En la exposición se muestra una serie de fotografías y reproducciones de los ejemplos más significativos de este período. Su carácter efímero, su constante renovación y su valor creativo, convierten a estos soportes en huellas documentales, testigos directos de la historia gráfica, política y social de la isla y en verdaderas obras de arte.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Vista de la exposición sobre el cartel cubano. Imagen cortesía del MuVIM.

Arístides Rosell

Cortos por la visibilidad

II Edición de Cortos por la Diversidad
Ganadores: ‘MAI’, de Marta González Gallego, y ‘Siempre fui Álex’, de Sancho Ortíz de Lejarazu y Roberto Ruiz Céspedes
Mención Especial: ‘Dobles armarios, dobles apoyos’, de Noemi Soriano y Blanca Barberá, una producción de Plena Inclusión Comunidad Valenciana, y ‘Orgull de poble’, dirigida por la plataforma ciudadana Reiniciem Benissa
Entrega de premios: en el MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Martes 13 de junio, 2017, a las 19.00h

Si hay una idea que se repite, hasta convertirse en un principio, en la teoría de Freud es que la sexualidad humana es compleja. Una complejidad que la separa del instinto reproductor de las otras especies, del ligazón de la naturaleza orgánica-corporal, para unirla al deseo, a la psique de cada sujeto.

Si hay un pensamiento crítico inherente al feminismo, tanto a nivel teórico, como a nivel de movimiento social y político, es el que está relacionado con el sistema sexo-género. Un sistema que  estructura  y legitima la división de los seres humanos en dos sexos. Un sistema que en cada época histórica señala culturalmente qué roles, tareas, actitudes, qué modos de pensar, de amar, de sexualidad, de relacionarse, etc… deben llevar a cabo cado uno de los sexos biológicos que conforman el sistema.

Mai, de Marta González Gallego. Imagen cortesía de Cortos por la Diversidad.

Mai, de Marta González Gallego. Imagen cortesía de Cortos por la Diversidad.

El II Certamen Cortos por la Diversidad, patrocinado por la Diputació de València- Joventut, Esports i Igualtat-, organizado por Associació per la Coeducació y en colaboración con Lambda (Co.lectiu de lesbianas, gais, transexuales y bisexuales), está pensado para hacer visible la complejidad de la sexualidad humana y criticar cómo el sistema sexo-género oprime, oculta y reprime los otros modos de sexualidad, de amor, que no estén sujetos a la representación heterosexual. Y, además, el certamen tiene como objetivo sensibilizar y concienciar de la existencia de otras orientaciones y/o identidades sexuales, como lesbianas, gays, transexuales y bisexuales.

Libertad y Felicidad

Libertad y felicidad son las dos palabras que los personajes, tanto de los dos cortometrajes de ficción ganadores, ‘Mai’ y ‘Siempre fui Alex’, como los documentales que han recibido una mención especial, ‘Dobles armarios, dobles apoyos’ y ‘Orgull de Poble’, pronuncian con diferentes tonos  emocionales: con pena, con alegría, con resentimiento, con ira, con esperanza, etc… Los cuatro cortos narran historias donde los personajes proclaman la libertad de amar desde la diversidad para hallar la preciada felicidad.

Siempre fui álex.

Siempre fui Álex, de Sancho Ortiz de Lejarazu y Roberto Ruiz Céspedes. Imagen cortesía de Cortos por la Diversidad.

‘Mai’ relata una historia de amor lésbico. ‘Siempre fui Alex” narra, desde el punto de vista inocente de un niño, la realidad transexual de un personaje llamado Alex. ‘Dobles armarios, dobles apoyos’ trata, a través de diferentes testimonios, de las “dobles puertas” que deben abrir las personas de discapacidad intelectual: la  primera, que se reconozca su derecho a la sexualidad, y, la segunda, que se acepte su orientación y/o identidad sexual no normativa. ‘Orgull de Poble’ muestra las experiencia de personas lesbianas, gays, transexuales y bisexuales en un pueblo pequeño como Benissa.

Cuatro cortos comprometidos con una causa: visibilizar, sensibilizar y reivindicar la diversidad sexual y amorosa con un aire inocente, sencillo, optimista, feliz y solidario. Un compromiso que potencia el mensaje de la causa en detrimento de la fluidez narrativa, de la profundización en los personajes y de cierta riqueza estética.

En principio, puede ser loable que la representación artística se movilice por un compromiso social, político, etc… Ahora bien, si el compromiso  escora la narración hacia la causa, la fuerza del relato se perderá. Difícil equilibro el que debe mantener el artista con su obra y su ideología.

En este sentido, y para terminar, conviene traer a colación las palabras pronunciadas por  el recientemente fallecido Juan Goytisolo en el discurso del Premio Cervantes 2014: “No se trata de poner la pluma al servicio de una causa, por justa que sea, sino de introducir el fermento contestatario de ésta en el ámbito de la escritura (…)” para no condenar “a la obra a la irrelevancia”.

Mai, de Marta González Gallego. Imagen cortesía de Cortos por la Diversidad.

Mai, de Marta González Gallego. Imagen cortesía de Cortos por la Diversidad.

Begoña Siles

Certamen de Cortos por la diversidad

Certamen Cortometrajes por la Diversidad
Plazo de solicitudes: hasta el 31 de mayo de 2017
Entrega de premios: 13 de junio, 2017, en el MuVIM (C / Quevedo, 10. Valencia)

La Diputación de Valencia ha organizado por segundo año consecutivo el Certamen ‘Cortometrajes por la Diversidad’, una iniciativa que tiene como objetivo fundamental contribuir a la defensa de los valores de diversidad, igualdad sexual, de género y familiar, a través de la producción audiovisual de cortos.

Asimismo, pretende revitalizar la noción de género para superar la identificación de roles socialmente establecidos, potenciando nuevos enfoques sobre la pluralidad de las identidades. Los cortometrajes versarán sobre la prevención y sensibilización de cualquier tipo de discriminación por motivos de orientación sexual o de identidad de género.

También pueden tratar sobre la promoción y fomento del respeto a la diversidad, eliminando los estereotipos y dando visibilidad a las personas que tienen una preferencia, identidad o expresión sexual diferente a la heterosexual. Podrán participar personas físicas o jurídicas, centros docentes con especialidad en cine y productores, escuelas de cine y asociaciones profesionales del sector audiovisual.

Los trabajos deberán ser originales, aunque no es necesario que sean inéditos (siempre que no hayan sido retribuidos), de cualquier género y técnica, de una duración máxima de 15 minutos, incluidos los títulos de crédito y en los formatos especificados en las bases de la convocatoria (http://www.dival.es/sites/default/files/bases_cortos_ii%20DIVERSITAT%202017.pdf).

La inscripción se realizará a través de la plataforma digital Movibeta, en la dirección http://festival.movibeta.com, debiendo subir el corto, junto al cartel, tres fotografías de escenas, trailer de un minuto, una fotografía del director o directora, una copia escaneada del DNI, así como la ficha técnica, artística y sinopsis del film, historial de la productora, datos de contacto y otra información relevante del corto.

El plazo de solicitudes finaliza el próximo 31 de mayo. El jurado que decidirá las obras premiadas estará compuesto por la diputada de Igualdad, Juventud y Deportes, Isabel García, o por la persona en quien delegue esta función; un representante de los colectivos en defensa de la igualdad sexual; la directora del certamen y una persona en representación del sector audiovisual.

La entrega de premios será en el salón de actes del MuVIM el próximo 13 de junio. Después de la elección de los ganadores, uno por cada categoría (personas físicas o jurídicas, centros docentes, y productoras, escuelas de cine y asociaciones del sector), las piezas ganadoras se pondrán a la disposición de los ayuntamientos para que puedan ser empleadas si así lo solicitan en el marco de la celebración del Día del Orgullo Gay del próximo 28 de junio.

Logotipo del certamen 'Cortos por la Diversidad'.

Logotipo del certamen ‘Cortos por la Diversidad’.

Fotográfica ha regresado para ser trienal

Fotogràfica
MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 28 de mayo de 2017

Carlos Pérez, entonces coordinador de exposiciones del MuVIM y hoy tristemente fallecido, avanzó en la tercera edición de Fotogràfica celebrada en 2010 que el certamen estaba “consolidado”, superando la treintena de exposiciones. Lamentablemente, se tuvo que retractar poco tiempo después, dándolo por finiquitado: “Nadie ha tomado el testigo”. Siete años después, la nueva dirección del MuVIM toma ese testigo, recuperando un certamen fotográfico que arranca con tres exposiciones en el propio museo y otras cuatro repartidas por diferentes instituciones y espacios de Valencia.

Rafael Company, director del MuVIM, también se lamentó de que el proyecto fuera abandonado por sus antecesores en el cargo. El jefe de Programación de Exposiciones, Amador Griñó, suavizó la crítica aunque reconoció que, efectivamente, “no fue una cosa que interesara”. Ahora sí. De manera que Fotográfica vuelve, eso sí con menos muestras que cuando se abandonó, y con carácter no bienal sino “trienal o uno por legislatura”, avanzó Griñó, quien también se desmarcó de las comparaciones con PhotoEspaña: “Somos Valencia”.

Vista de una de las exposiciones de Fotogràfica en el MuVIM.

Vista de la exposición de Leonardo Kossoy en Fotogràfica  del MuVIM.

En cualquiera de los casos, Fotogràfica arranca con fuerza, inaugurando tres exposiciones de gran calado protagonizadas por Agustí Centelles, Leonardo Kossoy y Bernardo Tejeda. De Centelles se muestran 116 fotografías de la colección particular de su hijo Octavi Centelles y de la Fundación Pablo Iglesias, además de publicaciones y revistas de la época que incluyeron trabajos del artista valenciano. Como señaló José Aleixandre, comisario de Tot Centelles, “Agustí fue uno de los primeros en utilizar la cámara Leika y el introductor de la fotografía moderna en España”.

Trece de esas fotografías se verán por primera vez en edición facsímil, mostrando el conjunto una visión de la España que va de 1934 a 1939, con muchas de las imágenes tomadas en plena efervescencia bélica. “En su primera etapa de free lance estaba a pie de campo y cuando silbaban demasiado cerca las balas se agachaba”, recordó su hijo Octavi durante el recorrido expositivo. En su repaso por las fotografías más señeras, se detuvo en la que recordaba a la de El beso de Robert Doisneau (“ésta de mi padre fue anterior”), o esa otra que también se asemejaba “a la de la niña del Vietnam quemada por el napalm”, mientras subrayaba algunos de los personajes famosos que aparecían en ellas, como Robert Capa o George Orwell.

El hijo de Agustí Centelles en la exposición de su padre.

Octavi Centelles, hijo de Agustí Centelles, en un apartado de la exposición de su padre.

La famosa fotografía de los guardias de asalto disparando detrás de una barricada de caballos, emblema de la fotografía de prensa de la Guerra Civil española, junto a la del miliciano muerto de Capa, “estuvo preparada”, señaló Octavi Centelles, recordando cómo su padre compuso la escena poco después de que sucediera, con los propios guardias escenificando lo sucedido segundos antes.

Imágenes de la exposición.

Imágenes de la exposición de Leonardo Kossoy en Fotogràfica del MuVIM.

También impactantes son las fotografías de estudio de Leonardo Kossoy, en las que muestra en gran formato los cuerpos desnudos de una pareja. “Planteo los miedos, las dudas, los deseos y la lucha por acercarse al otro”, explicó el artista. El también fotógrafo Pedro Hernández criticó la ausencia de erotismo en la exposición, cosa que tanto Griñó como el propio Kossoy reconocieron: “Me limité pensando hasta dónde podía llegar de cara al público”, indicó el artista, quien afirmó extrañado cómo su obra fue prohibida en Brasil. “Me gustaría hacer una exposición más pornográfica, porque yo veo poesía en el acto amoroso”, agregó.

Y ya puestos, es sin duda la de Bernardo Tejeda la que más se aproxima a ese carácter erótico lindando con lo pornográfico. “No sabría decir cuál es la diferencia”, sostuvo Kossoy. En [una] trilogía de la conducta Tejeda utiliza las tecnologías de edición para ampliar el cuerpo desnudo fragmentado en imágenes porosas. Escorzos, pliegues de la piel, vello de asombrosa nitidez e incluso dientes hurgando en el sexo, componen esa coreografía bacanal de gran impacto visual. El Centre del Carme, con la obra del artista Giancarlo Cauteruccio; Railowsky, con María Antonia García de la Vega; la Biblioteca Pública de Valencia, exhibiendo fotografías de Joaquín Collado, y la sede de Agfoval, reuniendo a José Gresa y al propio Collado, completan el retorno de Fotogràfica.

Vista de la exposición de Leonardo Kossoy en Fotográfica del MuVIM.

Vista de la exposición de Leonardo Kossoy en Fotográfica del MuVIM.

Salva Torres

La filosofía a través de metáforas visuales

Philographics. Breu diccionari filosòfic mural, de Genís Carreras
MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 25 de junio de 2017

Explicar las distintas corrientes filosóficas a través de metáforas visuales. Con este leitmotiv el Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), dependiente del Área de Cultura de la Diputación de Valencia, exhibe ‘Philographics. Breu diccionari filosòfic mural’. Una muestra integrada por una ecléctica selección de 20 carteles en los que el artista Genís Carreras explica, a través de los recursos propios del diseño gráfico -la forma, la proporción, el color-, algunas de las grandes y más complejas ideas del pensamiento occidental.

El director del MuVIM, Rafael Company, recordó la condición de “museo de las ideas” con la que fue concebido este centro expositivo, por lo que afirmó que “los temas relativos al pensamiento y la filosofía siempre serán tratados de forma especial en este museo”. Company insistió en que el MuVIM “es afín a la filosofía desde su nacimiento, y así continuará. Puesto que entendemos que en nuestro compromiso con la sociedad debemos aportar un valor añadido en cuanto a la reflexión, la obligación moral y no contribuir a la vacuidad”.

Genís Carreras, junto a una de sus obras. Imagen cortesía del MuVIM.

Genís Carreras, junto a una de sus obras. Imagen cortesía del MuVIM.

‘Philographics. Breu diccionari filosòfic mural’ invita a un ejercicio de traducción a formato visual de conceptos abstractos y complejos, lo que aumenta su inteligibilidad al llevar la idea más allá de las palabras con las que habitualmente se expresa. Eso no significa que el autor renuncie a la palabra o la relegue -de hecho, todos los carteles incluyen la definición escrita del concepto que representan-, sino que confía en la potencialidad de otras formas de comprensión basadas en la intuición y la experiencia estética. Así, con el lenguaje directo de la imagen, con formas puras y colores planos, sin alharacas y con elocuencia gráfica, los carteles se convierten en estímulos estéticos para nuestro entendimiento.

La muestra constituye una cuidada selección de 20 carteles de un total de 95 que constituyen el trabajo completo que Genís Carreras desarrolló durante su estancia en Londres. “Mi intención reside en explicar las diferentes corrientes filosóficas haciendo servir metáforas visuales, en contraposición con el raciocinio que representa el saber filosófico”, indicó el artista. Todo ello “a través de propuestas gráficas que se mueven entre la frontera del arte y el diseño gráfico”, con el objetivo de que “la filosofía vuelva a resultar funcional para la gente”, afirmó Carreras.

“El propósito de esta exposición es poder llegar al corazón de los conceptos filosóficos de forma totalmente intuitiva para conseguir acercar ideas complejas y abstractas al público mediante una propuesta interdisciplinar”, explicó el comisario de la muestra, Marc Borràs. “Lograr, en definitiva, que el visitante se sienta interpelado por la obra e invitado a adentrarse en el campo de la filosofía”, aseveró Borràs.

Responsables del MuVIM y de la exposición durante la presentación de la misma. Imagen cortesía del MuVIM.

Responsables del MuVIM y de la exposición durante la presentación de la misma. Imagen cortesía del MuVIM.

Un breve diccionario transitable

La obra seleccionada para ser expuesta en el museo por Marc Borràs (MuVIM) y Alfonso Moreira (València Pensa), comisarios de la muestra, propone una agrupación temática que, con la ayuda de un breve texto explicativo, relaciona cada concepto con aquellos con los que tiene más afinidad o, por contra, mantiene mayores discrepancias. Se ofrece al visitante un recorrido filosófico e iniciático con parada en nueve estaciones representativas de algunos de los grandes dilemas o dudas insolubles de la existencia humana.

A través de esas familias conceptuales (“El absurdo y la nada”, “O todo o nada. O una parte. O depende”, “Cómo somos y cómo actuamos”, “Placeres, pasiones, belleza”, “Duración y eternidad”, “Las cosas o su apariencia”, “La idea y su materialización”, “En cuerpo y alma” e “Ignorancia o libertad”) se propone un sucinto diccionario filosófico mural que puede ser leído, mirado y experimentado y que, sobre todo, persigue un objetivo fundamental: abrir un espacio de encuentro entre algunos de los conceptos e ideas claves de nuestra historia intelectual y el público que los habría de utilizar.

Avivament: un festival de filosofía en València

El acto también sirvió para dar a conocer el festival Avivament -que incluye conferencias, rutas filosóficas, micropiezas teatrales y hasta un concurso de aforismos- y que tiene como objetivo potenciar el conocimiento de la filosofía como disciplina eminentemente práctica y útil para la vida cotidiana. Promovido por la asociación València Pensa, en su primera edición en València, apuesta por la consideración de la filosofía como herramienta fundamental para el fomento de una cultura crítica y participativa en que todo el mundo pueda sentirse implicado. El proyecto quiere eliminar las dificultades de acceso a la disciplina, romper las barreras académicas y convertir el discurso filosófico en un bien común y participativo que desdibuje las fronteras entre la alta cultura y la popular.

Uno de los objetivos con los que nació València Pensa -además de contribuir a que aumente el número de valencianopensantes- fue el de poner en marcha este festival, al estilo de las manifestaciones que vienen celebrándose en lugares como Barcelona, Modena-Carpi-Sassuolo o Málaga. “La asociación busca implicar la filosofía en la vida cotidiana de la ciudad y hacer del pensamiento teórico y reflexivo un elemento fundamental de nuestra experiencia vital”, apuntó Alfonso Moreira,  miembro de València Pensa. Con ‘Philographics’ se celebra la preapertura del festival en el MuVIM, espacio que acogerá gran parte de su programación del 1 al 3 de junio.

Philographics.

Una mujer sostiene el folleto de la exposición ‘Philographics. Breu diccionari filosòfic mural’. Imagen cortesía del MuVIM.

Tolerado para bebés

Menut Teatre
Organizado por Teatre Escalante
MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Domingos 7, 14 y 21 de mayo de 2017, a las 17.00 y 18.00h

Sonidos, colores, formas y movimiento. Desde la más tierna infancia los sentidos se despiertan ávidos de sensaciones que estimulen el cerebro y lo ayuden a desarrollarse. Desde la más tierna infancia los niños abren los ojos y los oídos al exterior. Lo que ocurre a su alrededor, en las pantallas…y también en escena. Los espectadores más enanos han sido invitados al ciclo Menut Teatre organizado por el Escalante como broche final de su temporada. Las funciones tendrán lugar en el MuVIM, los tres próximos domingos de mayo, a las 17 y 18 horas. El aforo es limitado, así que conviene conseguir las entradas, a cinco euros.

“Este ciclo pretende fomentar el contacto con el teatro desde edades muy tempranas a través de espectáculos muy  sensoriales en los que los bebés disfruten y se dejen llevar por todo el imaginario y las emociones que los actores les propongan”, dice Josep Policarpo, director del Escalante.

Afuera es un lugar.

Afuera es un lugar, de la compañía Arena en los bolsillos. Imagen cortesía del Escalante.

El próximo domingo 7 de mayo se inician las representaciones con ‘Afuera es un lugar’, el segundo espectáculo de la compañía granadina Arena en los bolsillos. En su decidida apuesta por el teatro para bebés, este montaje de títeres cuenta con la experimentada dirección de la Premio Nacional de Teatro, Rosa Díaz. Su propuesta, para infantes a partir de un año, rinde homenaje a la libertad y a la curiosidad, ese material mágico con el que se alimenta y nutre el conocimiento.

Planeta Ka. Imagen cortesía del Escalante.

Planeta Ka. Imagen cortesía del Escalante.

Los pequeños exploradores podrán también disfrutar de ‘Planeta Ka’, un espectáculo e instalación sensorial coproducido por el Festival El més petit de tots i Imaginart, que  propone a niños y niñas de uno a tres años adentrarse en un universo desconocido y misterioso. Un territorio montañoso de colores y texturas diversas, suelos irregulares, pendientes para escalar o por donde dejarse caer, efectos sonoros y visuales que se activarán con la presencia de los intrépidos aventureros.

El ciclo Menut Teatre se cerrará el trecer domingo de mayo con ‘Screen Man’, de Teatre de L’Home Dibuixat. Un montaje para bebés a partir de dos años que recibió el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud otorgado por el Ministerio de Cultura, en 2011. Una propuesta en la que la manipulación de imágenes, títeres y objetos, sitúa a los pequeños espectadores en un universo mágico que se desarrolla ante sus ojos. Los deseos y los sueños se dan cita en esta historia que propone un camino para su consecución, la perseverancia y la pasión.

Afuera es un lugar, de la compañía Arena en los bolsillos. Imagen cortesía del Teatre Escalante.

Afuera es un lugar, de la compañía Arena en los bolsillos. Imagen cortesía del Teatre Escalante.

Bel Carrasco

30×30 Railowsky, tercera parte

30×30 Railowsky
Facultad de Bellas Artes
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta el 12 de mayo de 2017

La Facultat de Belles Arts de la UPV presenta la tercera y última parte del proyecto expositivo ’30 x 30 RAILOWSKY underground’ que, tras las muestras en el MuVIM y La Nau, pone el broche a la celebración del 30 aniversario de la Librería y fotogalería Railowsky que, el pasado mes de diciembre, recibía de esta misma Facultat su Medalla de Sant Carles por “su labor continua de difusión y dedicación especializada a la bibliografía sobre arte, fotografía y cine desde mediados de los años ochenta, siendo un referente cultural de la ciudad de Valencia, promotora de exposiciones y otras actividades, siempre tan cerca de la Universidad y de esta Facultad, y un lugar de ‘aprovisionamiento’ para nuestros estudiantes y profesores”.

En los últimos meses, Railowsky ha celebrado su 30 aniversario realizando tres exposiciones en lugares a los que de una manera u otra ha estado y está muy unido: el MuVIM, el Centre Cultural La Nau y, ahora, la Facultat de Belles Arts de la UPV.

La tercera parte de la muestra reúne a 10 fotógrafos de reconocido prestigio que se unen entre sí por afinidad de estilos y amistades en un apasionante viaje en Metro. Alberto García-Alix, Ricky Dávila, Bernard Plossu, Vari Caramés, Las Fotolateras (Lola Barcia y Marinela Forcadell), Eduard Ibáñez, Pilar Pequeño, Javier Campano, Chema Madoz y Rafael Navarro se convierten en improvisadas estaciones de Metro que conforman, en el montaje de esta última parte, la línea morada de esta red imaginaria que une distintos espacios de la ciudad y a diferentes fotógrafos.

Cartel de 30x30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Cartel de 30×30 Railowsky ahora en la Facultad de Bellas Artes.

Esta tercera y última línea agrupa la parte más artística y vanguardista del ‘Universo Railowskyano’. El final de este viaje tan solo es el principio de uno nuevo porque, como decía el poeta catalán Miquel Martí i Pol: “i via fora! /que tot està per fer i tot és possible”.

Alberto García-Alix es un reconocido fotógrafo español (nacido en León, en 1956), que fue uno de los estandartes de la llamada ‘Movida Madrileña’. En sus obras emplea una poderosa imaginería para llevarnos al lado más duro de la sociedad, combinándolo con su incuestionable genio artístico.

“Yo soy un permanente insatisfecho, nunca quedo contento, siempre sacaría un carrete más.” (Alberto García-Alix)

Ricky Dávila Wood es un fotógrafo vasco (nacido en 1964 en Bilbao) que es un poeta visual. Es un hombre reflexivo y apasionado a la vez. Busca imágenes definitivas, pero no el instante decisivo: busca almas y rostros, historias, busca emociones y escalofríos.

“Las caras tienen que ver con una dirección hacia fuera de la cámara, mientras que los paisajes me devuelven hacia un viaje interior.” (Ricky Dávila)

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Fotografía de Ricky Dávila. Imagen cortesía de Railowsky.

Bernard Plossu es un fotógrafo francés (nacido el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam) del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes. Es el fotógrafo viajero por excelencia. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto.

“Viajar no es cruzar fronteras sino cambiar de olor.” (Bernard Plossu)

Vari Caramés es un fotógrafo gallego (nacido en 1953 en Ferrol). Actualmente vive en A Coruña. Es un incorregible perseguidor del azar, las sombras huidizas y los encuentros que sólo presuntamente son fortuitos. Con más de tres décadas de dedicación a sus espaldas y una obra de personalísimo trazo que lo coloca entre los fotógrafos españoles más singulares de nuestro tiempo, es un cazador de imágenes “en volumen bajo y alta fidelidad”.

“Para mí la fotografía siempre fue un juguete, lo importante es conseguir imágenes poderosas, magnetizantes.” (Vari Caramés)

Eduard Ibáñez es un pintor, grabador y fotógrafo valenciano (nacido en Tavernes de la Valldigna, Valencia, en 1954) que es conocido en el ámbito fotográfico español principalmente por su consolidada trayectoria en fotomontajes.

“La fotografía me ha permitido, frente a su supuesta objetividad, estimular los lugares más recónditos de la percepción, provocando un torrente de emociones inesperadas.” (Eduard Ibáñez)

Lola Barcia y Marinela Forcadell, Las Fotolateras, nacidas en Valencia y Castellón (1968 y 1969 respectivamente). Desde el mundo de las Bellas Artes y del Marketing respectivamente, comienzan en 2008 su andadura estenopéica. Fotógrafas itinerantes y viajeras incansables, recorren el mundo con 45 cámaras de foto construidas a partir de latas metálicas ‘enlatando’ el mundo siendo ‘Ciudades enlatadas’ su obra más extensa. De una manera calmada y serena, retienen imágenes de ciudades bulliciosas y vivas transportando en sus maletas 45 latas y todo lo necesario para construir sus clásicos laboratorios ambulantes alrededor del mundo. Su pasión por la divulgación les lleva a impartir cursos, conferencias y exposiciones sobre fotografía en las que trasmiten el amor por la ciencia y el arte como forma de vida.

“No capturamos el instante, sino el momento. La imagen es tomada mientras suceden cosas en el exterior. Es algo lento, como la cocina.” (Las Fotolateras)

Fotografía de Pilar Pequeño.

Fotografía de Pilar Pequeño. Imagen cortesía de Railowsky.

Pilar Pequeño es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1944) cuyo tema principal es la naturaleza: paisajes y bodegones de flores y plantas, al principio en blanco y negro y actualmente en color. De 1997 a 2005 desarrolla la serie ‘Huellas, fragmentos de tiempo’, fotografías de lugares abandonados; un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación por la naturaleza de lo que fue suyo.

“Me gusta trabajar en soledad y silencio, analizar la naturaleza.” (Pilar Pequeño)

Javier Campano es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1950, donde vive y trabaja) que nos ofrece, a través de sus fotografías, su propia visión cercana de las ciudades que ha visitado en sus viajes y, cómo no, de los múltiples viajes que ha realizado en una misma ciudad: Madrid.

“Tiene tanto valor el color como el blanco y negro, son variaciones de lo mismo y en todos los casos la poesía y la emoción siempre están presentes, eso es lo que intento.” (Javier Campano)

Chema Madoz es un reconocido fotógrafo español (Madrid, 1958) amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes. No todo es lo que parece, y ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata y el absurdo, la paradoja, el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo, estableciendo una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo.

“La técnica me interesa en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo. Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente.” (Chema Madoz)

Rafael Navarro es un fotógrafo aragonés (nacido el 8 de octubre de 1940 en Zaragoza) cuya obra es un reflejo de su mundo interior. Mostrar lo evidente casi nunca ha sido un objetivo para él. Sus fotografías son siempre en blanco y negro y con un tamaño que oscila entre el convencional y los grandes montajes.

“Para mí la fotografía es un medio. Un medio que me permite hablar allá donde no encuentro las palabras. Un medio con el que busco en mi subconsciente, aflorando contenidos, sentimientos escondidos. Un medio que me permite crear objetos que contengan valores sutiles inteligibles para otros. Un medio que me deja respirar mi libertad.” (Rafael Navarro)

 

El MuVIM reabre su exposición permanente

Exposición Permanente
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)

El Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MuVIM) ya tiene lista su exposición permanente de referencia, ‘La aventura del pensamiento”’. Solventados los problemas técnicos iniciales por parte de la empresa adjudicataria, y tras una intensa reforma -que ha incluido la digitalización y modernización de las instalaciones y la ampliación de contenidos-, la muestra volverá a abrir sus puertas al final de la semana que viene.

Multitud de centros escolares e institutos de la Comunitat Valenciana se encuentran pendientes de hacer efectivas sus reservas y, durante los últimos meses, se habían interesado pacientemente por la marcha de las obras de la exposición. El museo quiere agradecer dicha actitud priorizando, en un primer momento, a estos grupos a la hora de reservar las fechas y horas de visita.

Salón ilustrado de la Exposición Permanente. Imagen cortesía del MuVIM.

Salón ilustrado de la Exposición Permanente. Imagen cortesía del MuVIM.

El MuVIM también quiere corresponder, de la misma manera, a la fidelidad demostrada por los cientos de particulares que han expresado su apoyo personándose en las instalaciones, llamando por teléfono, etc. Igualmente, el museo quiere destacar la profesionalidad y dedicación de los trabajadores de mantenimiento y de diversos departamentos de la Diputación de Valencia, que han supervisado minuciosamente el proceso de reforma de la exposición.

El público que desee visitar ‘La aventura del pensamiento’ debe tener en cuenta que los turnos han cambiado con respecto a la etapa anterior: ahora el recorrido dura una hora y diez minutos (frente a los 55 de antes) y, por tanto, la entrada de grupos se realizará cada 40 minutos. Permanecen inalterables los horarios generales de visita de la exposición: de martes a sábado por la mañana (de 10 a 14 horas) y por la tarde (de 16 a 20 horas), y los domingos por las mañana (de 10 a 14).

La exposición muestra por medio de 15 salas el recorrido histórico de las ideas que van desde el teocentrismo de la Edad Media, pasando por el ideal de la razón de la Ilustración, hasta concluir en el desarrollo de la ciencia actual.

Todo ello con el apoyo de innovadores sistemas de descripción (efectos especiales, proyecciones, elementos arquitectónicos y representaciones), que producen en el visitante una sensación de presencia física y mental en cada uno de los ambientes y períodos que se describen; desde la aventura intelectual y cultural de los monasterios medievales, como sedes de la sabiduría de aquel período histórico, pasando por uno de los hitos más notables como la invención de la imprenta, hasta los hallazgos más notables de la ciencia.

La última de las partes, la de la ciencia, es donde se ha concentrado la mayor parte de las novedades visuales, ya que el museo ha añadido conceptos muy actuales y asumidos como las nuevas tecnologías y la globalización.

Exposición Permanente. Imagen cortesía del MuVIm.

Exposición Permanente. Imagen cortesía del MuVIM.

El erotismo ‘gandul’ e imprescindible de Messa

Messa. Palpitacions i Art Gandul
MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Hasta el 5 de febrero de 2017

“¿Por qué no pintar sin pintar?”, se preguntó Francesc Sempere Fernández de Mesa (Albaida 1915-1996), dedicándose a ello durante toda su vida bajo el seudónimo de Messa. “Incorporó la doble ‘ese’ a su firma, escritas al revés, por influencia picassiana”, señaló Artur Heras, comisario de la exposición que le dedica el MuVIM a “un imprescindible del arte valenciano”, subrayó Rafael Company, director del museo. “Artur Heras, otro imprescindible, pone en valor una de las figuras clave del arte contemporáneo valenciano”, afirmó el diputado de Cultura, Xavier Rius.

Instalación de la exposición 'Messa. Palpitacions i Art Gandul' en el MuVIM.

Instalación de la exposición ‘Messa. Palpitacions i Art Gandul’ en el MuVIM.

¿De dónde proviene su carácter de imprescindible? Entre unos y otros fueron localizando ese carácter en su “honestidad”, su “provocación fascinante”, su “humor valenciano en estado puro” y su “retaguardismo”, aludido por Heras, como señal de la forma “singular” que tuvo de experimentar en el marco de las vanguardias. El comisario de la exposición, que recordó la que en 1984 se le hiciera en la Sala Parpalló que por entonces él dirigía, recoge en el catálogo de la muestra: “[Me] pregunto si fue tomado en serio por una sociedad indiferente que ignora, y con frecuencia desprecia, a aquellos de sus miembros que rompen los clichés de la norma dominante”.

Con la exposición ‘Messa. Palpitacions i art Gandul’ se pretende redescubrir la figura de un artista “solitario, incomprendido y desconocido”, según apuntó Amador Griñó, jefe de Programación del MuVIM. Palpitaciones porque, como explicó Heras, “es un término que utilizó [Joan] Fuster para hablar del trabajo de Messa en su casa taller de Albaida, donde transmitía ese pálpito del entusiasmo del joven que se pone a experimentar”. Y arte gandul, porque “es un arte vago literalmente, al aprovecharse de cosas ya hechas por otros”, anticipo de lo que después se ha denominado “apropiacionismo”, apostilló Heras.

Obra de Messa en el MuVIM.

‘De quina dona seran aquestes bragues…’, obra de Messa en el MuVIM.

Las más de 70 obras, algunas inéditas, reunidas en la exposición, reflejan ese carácter singular mediante dibujos, la recreación ambiental de su estudio, repleto de objetos inquietantemente empapelados, su serie de ‘apegasants’ y ‘art gandul’, y sus pinturas blancas. Pinturas que Heras describe así: “Probablemente es el reducto donde Messa proyectó con mayor intensidad una carga erótica idealizada e impregnada de pureza bajo esa piel blanca, fusión entre la casa y el cuerpo humano”.

El ‘Homenatge a Zabaleta’, obra de 1974, resume ese hedonismo provocador de Messa, explicado por su hijo Félix Sempere durante el recorrido expositivo. “La pieza fue prohibida por el entonces gobernador civil Oltra Moltó y en ella se ven los cuatro elementos que componen la siguiente frase: ‘A las tres de la madrugada [por el reloj de la izquierda], cuando la luna está en la cumbre [por el astro lunar de la parte superior], hay más mujeres follando [mujer tumbada con miembro fálico entre las piernas dominando el centro del cuadro] que pucheros en la lumbre [objetos en la parte inferior]”.

'Harem', de Messa, en su exposición en el MuVIM.

‘Harem’, de Messa, en su exposición en el MuVIM.

“El erotismo enroscado de los cuerpos mantiene su regularidad a lo largo de los años”, subraya Heras. Ejemplo de lo cual es la pieza más grande de la exposición titulada ‘Harem’ (1980). “La línea se desplaza libre y fácil sobre el papel en la que, probablemente, sea la acción más hedonista, continuada e invariable en la obra de Messa”, agrega el comisario. “Messa combina un grado de inocencia, de virginidad y de osadía y entusiasmo dentro de la vanguardia”, concluye Heras.

Obras de Messa en su exposición en el MuVIM.

Obras de Messa en su exposición en el MuVIM.

La “fugacidad y pobreza”, términos con los que definió el propio artista su arte gandul, adquieren, tras la vista conjunta de su obra, una permanencia y riqueza que, superado el centenario de su nacimiento, reverdece en la sala Alfons Roig del museo valenciano. “Prisionero y solitario entre gente que no me entiende. Mudo dentro de un bosque humano de árboles que se mueven y emiten sonidos que no entiendo”. Así anticipaba Messa su propio sentimiento a rebufo de una obra desconcertante, que ahora se vuelve “imprescindible” en el MuVIM.

Obra de Messa en su exposición en el MuVIM.

Obra de Messa en su exposición en el MuVIM.

Salva Torres

Pinazo. Un siglo de modernidad a través de la moda

Pinazo. Un segle de modernitat a través de la moda
Sala d’Exposicions Municipal del Casino Liberal
C/ Muntanya 24, Algemesí (Valencia)
Hasta el 30 de octubre de 2016

El espacio expositivo del mítico Casino Liberal de Algemesí, se suma al homenaje que Valencia rinde este otoño al pintor Ignacio Pinazo por el centenario del fallecimiento del artista valenciano. La fascinante muestra que forma parte del programa de exposiciones del Centenario Pinazo muestra un interesante diálogo entre las obras de Pinazo y creaciones de jóvenes diseñadores que lo reivindican como maestro de la modernidad.

Coincidiendo con las fiestas de la Mare de Déu, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, las obras de Pinazo conviven con esa explosión de color, sonidos, movimiento y luz, signos de identidad valenciana. Pero además en la exposición, comisariada por Àlex Villar y Mar Moya, las obras originales de Ignacio Pinazo dialogan con diseños de jóvenes creadores de la EASD, que se han inspirado en su fuerza cromática y pincelada viva para elaborar sus vestidos y calzados.

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Diseño de Raquel Llobell. Fotografía de Miguel Zaragozá.

La muestra, que fue inaugurada por la alcaldesa Marta Trenzano, el concejal de Cultura, Pere Blanco y Jose Ignacio Casar Pinazo, director de la Casa Museo Pinazo y del Museo de Bellas Artes de Valencia; es un recorrido por la vida y obra de Pinazo a través de 25 óleos y 14 dibujos, en los que se ratifica la figura de Pinazo como maestro de la pintura exquisita y vibrante, que supo capturar la vida en simples gestos y vibrantes toques de color. Con inacabados trazos, representa esa Valencia de finales del XIX que hacía de lo cotidiano una auténtica fiesta de color y sonidos ya sea a la salida de una iglesia, en las fiestas del Corpus o en el Carnaval del paseo de la Alameda. Pinazo transmitió a la escuela valenciana el valor de la gestualidad y la materiasiendo impresionista sin serlo, y en la soledad del genio en su estudio de Godella, llegó a actitudes plenamente abstractas, como demuestran los estudios del catedrático Pérez Rojas.

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Diseño inspirado en la obra de Pinazo. Fotografía de Miguel Zaragozá.

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Diseño de Pedro Micó. Fotografía de Miguel Zaragozá.

Todo ese legado es hoy la base de una exposición que enlaza tradición y modernidad articulada a partir de míticas obras como Cazando mariposasLos Mayos, Jugando a las cartas, Ignacito pintando o Después de misa, cedidas por la Casa Museo Pinazo de Godella, y que han inspirado una decena de vestidos realizados por alumnos de la EASD. En ellas se rinde tributo al maestro y ayudan en el discurso de la exposición a revisar su trayectoria, sus temas, etapas, formas y sobre todo su concepto del arte, que busca la belleza en la naturaleza y los elementos de una vida sencilla. Estos vestidos realizados sobre arpillera fueron presentados en un desfile en el IVAM y hoy forman parte de esta fascinante muestra en la que colabora la agencia FashionartMgmt, el fotógrafo Miguel Zaragozá y Bodegas Murviedro.

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Ignacito pintando, una de las obras de Ignacio Pinazo en la que se inspira los diseños textiles de la muestra expositiva.

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Muchacha boceto, Cupido encendiendo un cigarro, obra de Ignacio Pinazo cedida por la Casa Museo Pinazo Godella para la exposición.

En palabras del concejal de Cultura “es para nosotros un honor formar parte del centenario Pinazo y además con un proyecto original que surge de nuestro Departamento de Cultura y que une cultura, creatividad y tradición, a través de una figura clave que abrió las puertas del siglo XX a toda una generación de pintores y hoy sigue siendo emblema de la creación.”

Como señala Trenzano “este es el granito de arena de Algemesí para rendir cuentas con la historia y reivindicar la figura de Ignacio Pinazo, sumándonos al elenco de muestras que inauguran esta temporada del Centeario Pinazo en el IVAM, el MUVIM, el Museo de Bellas Artes de Valencia y la Fundación Bancaja.”

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Imagen de la exposición, un diálogo entre las obras de Pinazo y jóvenes diseñadores.

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Visitantes contemplando una de las obras pictóricas de Ignacio Pinazo en la muestra “Pinazo, un siglo de modernidad”