¡¡¡Que vienen los marcianos!!!

La guerra dels mons 2.0, de L’Horta Teatre
Teatro Principal
C / Barcas, 15. Valencia
Hasta el 7 de febrero

El 30 de octubre de 1938, todavía bajo los efectos de la crisis económica, muchos habitantes de Nueva York y Nueva Jersey  creyeron por un rato que los marcianos invadían la tierra. Se trataba de una lectura dramatizada de La guerra de los mundos de H.G. Wells realizada con tal realismo por Orson Wells que desató el pánico traspasando la barrera que separa lo imaginario de lo real.

Escena de 'La guerra dels mons 2.0', de L'Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Escena de ‘La guerra dels mons 2.0’, de L’Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Han pasado 70 años desde aquel suceso que anunciaba el tremendo poder de los medios de comunicación hoy multiplicado por mil a través de internet y las redes sociales. La mítica emisión radiofónica de Wells puede considerarse como el primer fenómeno viral de la historia. Sobre ello reflexiona La Guerra dels mons 2.0 (La Guerra de los mundos 2.0) de la compañía L’Horta Teatre, que se representa en valenciano en el Teatro Principal hasta el 7 de febrero.

El espectáculo supone la culminación de las celebraciones de los 40 años de la compañía que nació en los setenta en la Huerta Sur como grupo amateur y luego se profesionalizó bajo la dirección conjunta de Alfred Picó y Carles Alberola.  “Un proyecto importante para celebrar nuestras cuatro décadas estaba por encima de nuestras posibilidades”, dice Picó. “Dentro del Plan de coproducciones de CulturArts hemos podido crear un gran espectáculo. Incluye tres músicos en directo, con una composición original de Andrés Valero, audiovisuales, y la posibilidad de estar por primera vez y durante nueve días en el Teatro Principal».

Escena de 'La guerra dels mons 2.0', de L'Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Escena de ‘La guerra dels mons 2.0’, de L’Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Arropados por la música de Valero sólo tres actores; Verónica Andrés, Álvaro Báguena y Jordi Ballester, crean una atmósfera de intriga que envuelve al público. “Existe un inquietante paralelismo entre los Estados Unidos de aquella época y la Europa de hoy”, dice el autor y director de la pieza Roberto García. “Dos sociedades que salen de una depresión económica,  sensibles al miedo. Antes de una gran guerra y ahora a amenazas terroristas, la crisis del ébola, convulsiones financieras, etcétera. Todo esto está presente en nuestro espectáculo, al igual que la figura de Orson Welles, que podría ser un cuatro personaje».

El trabajo de los actores “añaden un plus emocional a un espectáculo ya de por sí sugerente y estimulante”, añade García. El equipo artístico, íntegramente valenciano, lo completa: Luis Crespo, responsable de la escenografía, Ximo Rojo, de la iluminación, Pascual Peris, el vestuario y Assad Kassab de la imagen gráfica.

L’Horta Teatre traslada ese primer ‘fenómeno viral’ que fue la emisión radiofónica de Wells a la época actual. Con una trama adictiva y una intriga creciente sumerge al espectador en un juego de espejos, como los que le gustaban a Orson Welles. Un espectáculo hipnótico de plena actualidad que habla de la confusión que genera no saber qué es verdad y qué es mentira, y del  miedo como la más efectiva arma de manipulación masiva.

Escena de 'La guerra dels mons 2.0', de L'Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Escena de ‘La guerra dels mons 2.0’, de L’Horta Teatre. Imagen cortesía de la compañía.

Bel Carrasco

Russafa Escènica: 25 compañías en Familia

Russafa Escènica
Diferentes espacios del barrio de Ruzafa en Valencia
Del 17 al 27 de septiembre de 2015

Las veinticinco compañías que componen la programación de Russafa Escènica han participado activamente en el spot de bienvenida que abre las puertas al quinto encuentro del festival por excelencia de las artes escénicas valencianas y que se llevará a cabo en Ruzafa (Valencia) del 17 al 27 de septiembre.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual para Russafa Escènica 2015, que arranca el jueves 17 de septiembre.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual para Russafa Escènica 2015, que arranca el jueves 17 de septiembre.

Ideado y dirigido por EscaparateVisual, con Miguel Serrano al frente, y en cuya producción ha colaborado la productora Quatre Films, el vídeo es un reflejo vivo del lema sobre el que gira toda la programación del festival: ‘Familias’. Y es que son más de 200 los artistas que configuran la gran familia de Russafa Escènica entre “actrices, bailarines, músicos, acróbatas, escritores, manipuladores de objetos y supervivientes”.

En palabras de Miguel Serrano, “este año toca arriesgar porque ya es el quinto. Y efectivamente nos la hemos jugado con la propuesta de este video. Muchos corazones que laten al mismo ritmo y la misma fuerza, decididos a remover los cimientos de un barrio que crece año tras año».

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual del Russafa Escènica 2015.

Imagen del spot de bienvenida realizado por EscaparateVisual del Russafa Escènica 2015.

El texto del spot corre a cargo de Jerónimo Cornelles, director de Russafa Escènica, mientras del sonido se ocupa Pablo Giner y los cámaras son Miguel Serrano, encargado a su vez de dirigirlo y de idearlo, y Sergio Sanisidro. Los responsables del video agradecen igualmente la colaboración de Las Naves, Espai d’Innovació i creació.

Video del spot completo:

Russafa Escènica – Companyies 2015 from Miguel Serrano Gil on Vimeo.

Valencia, tierra de tebeos, de héroes

Herois del tebeo valencià, de Quico Díaz, producido por Estrela Audiovisual
100 años de cómic en Valencia
Presentado en La Filmoteca de Valencia
Miércoles 18 de febrero, 2015

Lo dice Paco Roca en un momento del largometraje ‘Herois del tebeo valencià’, dirigido por Quico Díaz: “Valencia siempre ha sido tierra de tebeos”. Y añade: “En proporción a la población y los autores de cómic, Valencia está a la cabeza”. Un enorme caudal de talento creativo si no dilapidado, sí al menos despilfarrado. Lo lamentable del caso es que tamaña dejación se puede extender a los músicos, los artistas plásticos, los diseñadores, los publicistas y los cineastas. Bastaría repasar la nómina de tanto talento desperdiciado para enrojecer de vergüenza. Para aquél, claro está, que la tenga.

Ilustración de Roberto Alcázar y Pedrín, obra de Alberto Marcet Aparicio. 'Herois del tebeo valencià'. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Ilustración de Roberto Alcázar y Pedrín, obra de Alberto Marcet Aparicio. ‘Herois del tebeo valencià’, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts IVAC.

El caso es que ‘Herois del tebeo valencià’ se presentó en la Sala Berlanga de la Filmoteca de Valencia, reuniendo a ilustres veteranos y jóvenes de la historieta, para dejar muestra fehaciente de un fenómeno igualmente extensible a otras parcelas de la cultura: que vivir de la creación en nuestro país es asunto heroico. Quico Díaz, con sano criterio, se limitó a recalcar que su labor como director ha sido la de ofrecerse como “hilo conductor del talento de todos esos dibujantes” que aparecen en la película producida por Estrela Audiovisual.

Enrique Pertegás en el largometraje documental 'Herois del tebeo valencià', de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts.

Enrique Pertegás en el largometraje documental ‘Herois del tebeo valencià’, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts.

Precisamente Ignacio Estrela, en calidad de productor, insistió en el agradecimiento hacia todos ellos: “Son más héroes que los héroes que dibujan”. Porque heroico es sacar adelante una obra, sin duda fruto de la pasión, que carece de un mínimo tejido industrial y una eficaz gestión del dinero público. “La Conselleria de Cultura todavía nos debe, a febrero de 2015, el pago de la deuda contraída en 2013”. Estrela lo dijo teniendo al lado a José Luis Moreno, que sustituyó a Manuel Tomás al frente de CulturArts de la Generalitat Valenciana, y al que, no obstante, salvó de la quema. “Es lo único bueno que ha hecho CulturArts”.

El guerrero del antifaz, de Manuel Gago, en 'Herois del tebeo valencià, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts IVAC.

El guerrero del antifaz, de Manuel Gago, en ‘Herois del tebeo valencià, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Sergio Bleda, uno de los heroicos dibujantes que aparecen en la película, también lo explica en una de sus intervenciones: “El inconveniente de trabajar en España es que no hay industria”. Ni industria ni políticos que lo remedien, y mira que llueve sobre mojado. Lluvia que arrecia en ‘Herois del tebeo valencià’ en forma de testimonios tan sufrientes como llenos de vida. Los diversos avatares por los que han pasado esos heroicos dibujantes, atrincherados en su enérgica creatividad a prueba de censura y limitación de medios, atraviesan de cabo a rabo el documental.

'Arrugas', de Paco Roca. 'Herois del tebeo valencià'. Filmoteca de CulturArts IVAC.

‘Arrugas’, de Paco Roca. ‘Herois del tebeo valencià’, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Quico Díaz, he ahí su mérito, lo que hace es dejar jugar a tanto talento, ensamblar con criterio y ritmo narrativo sus testimonios, e intercalar fragmentos de sus obras para que el tiempo del largometraje pase en un suspiro. Cien años de historia del cómic valenciano muy bien llevados. Debe ser cosa de la genética de los ilustradores, dibujantes, historietistas o como quiera que les llamemos. Porque lo cierto es que los Manuel Gago, Enrique Pertegás, José Varona, José Ortiz, Joan Ramos, Miguel Quesada (que llegó a dibujar una historia incluso literalmente dormido), Alberto Marcet, César Álvarez, Rafael Boluda, Sento Llobell, Sergio Bleda, Jordi Bayarri, Mique Beltrán, Cristina Durán, Paco Roca y tantos otros, lejos de mostrar el calvario que supone su creación en circunstancias tan adversas, diríase animados por una savia interior alucinógena.

Flecha Roja, de Rafael Boluda. 'Herois del tebeo valencià'. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Flecha Roja, de Rafael Boluda. ‘Herois del tebeo valencià’, de Quico Díaz. Filmoteca de CulturArts IVAC.

Y aunque no sea lo mismo cobrar “un 10% de una tirada de 200 ejemplares [caso español] que ese mismo 10% de una de 3.000 [casos francés y norteamericano]” (Sergio Bleda), lo cierto es que no hay ejemplo malo que pueda con la entusiasta creatividad de estos heroicos dibujantes. Ni siquiera la irrupción de las nuevas tecnologías, que amenazan con destruir el papel impreso. “Las nuevas tecnologías han ayudado al desarrollo del tebeo y de los dibujantes” (Sento Llobell). Y, en todo caso, el fetiche del papel juran que perdurará. Como juran seguir contando historias, envenenados como están por la energía que desprende el dibujo. Héroes del tebeo valenciano, porque la pasión nada sabe de circunstancias adversas.

Ilustración de Sergio Bleda de su obra 'El lado salvaje'. Herois del tebeo valencià, largometraje documental de Quico Díaz.

Ilustración de Sergio Bleda de su obra ‘El lado salvaje’. Herois del tebeo valencià, largometraje documental de Quico Díaz. Filmoteca de Valencia.

Salva Torres

Off_Herzios rompe con el Consorcio de Museos

El equipo de Off_Herzios y Audiotalaia quiere comunicar públicamente el cese de la colaboración entre el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y nuestra organización. Esta declaración implica el cese inmediato de todos los preparativos para la Quinta Edición del certamen Off_Herzios en colaboración con el CMCV prevista para esta primavera en la Sala La Gallera, en verano en el Claustro del Centro del Carmen y otoño de nuevo en La Gallera, pero bajo ningún concepto significa el fin de este festival y sus actividades.

Esta situación ha sido fruto de una deriva institucional que ha afectado a esta y a tantas otras actividades del CMCV. A lo largo de los meses de septiembre, octubre y noviembre hemos asistido a una retirada paulatina de fondos que ha culminado, de forma abrupta, con un mensaje en el que se nos confirma que la «única vía posible de colaboración es a través de la cesión gratuita de espacios».

Dicha situación deja sin financiación una programación transversal y anual prevista con más de 16 actuaciones, conciertos, talleres y performances a cargo de artistas y creadores, locales, nacionales e internacionales, así como dos proyectos expositivos únicos para la Sala La Gallera y la consiguiente documentación de las actividades mencionadas y su presencia en la Red en nuestros catálogos digitales.

Dada la situación de cambio, no podemos evitar recordar lo que ha dado de si nuestro trabajo financiado por el CMCV, cuyo proceso culminó en la Sala La Gallera el pasado abril de 2014. Aquella fue la consecuencia del trabajo realizado los 3 primeros años de vida del Certamen (centrados en un modelo de cultura autogestionada), siendo esta un hito de programación cultural en una Comunitat Valenciana acechada por las deudas y la mala gestión del dinero público.

A pesar de la coyuntura socioeconómica, Off_Herzios / La Gallera Suena consiguió situar en el mapa de la ciudad la Sala La Gallera, trazar una programación abierta y variada ofreciendo un amplio elenco de propuestas sonoras de vanguardia a nivel nacional y sobre todo a nivel local. Las cifras de público (cerca de 1200 personas visitaron el certamen) evidencian el éxito de la programación y su calado en el entramado cultural de la capital levantina. Todo ello apuntalado sobre una filosofía de trabajo basada en la seriedad, el respeto a los trabajadores de la cultura, la voluntad inclusiva, la pluralidad, la pedagogía y didáctica a la hora de explicar nuestras programaciones, el máximo respeto al uso de dinero público; y sobre todo basada en la sana convicción de abrir la creación sonora de vanguardia a nuevos públicos y nuevos escenarios culturales.

Finalmente y por encima de todo, Off_Herzios / La Gallera Suena demostró que es posible arrancar un proyecto de estas características en la Comunitat Valenciana y no solo eso sino que se puede, en el proceso, dignificar el trabajo de músicos, artistas, creadores, productores, comisarios, fotógrafos, diseñadores y todas aquellas personas implicadas en una producción cultural de dicho calado.

Es importante mencionar la profunda tristeza que nos llena al saber que nuestro proyecto no tendrá una continuidad en La Sala La Gallera. Este sentimiento responde a la firme convicción que lo que en dicho espacio realizamos es el fruto de un uso consciente y coherente del edificio. La decisión de presentar una programación en La Gallera siempre  aludió a la idoneidad de la misma para la exposición de propuestas de creación sonora y a los estándares de comisariado en los que Audiotalaia y su equipo se basa. En ese sentido, La Gallera Suena se planteó como un pequeño intento de conferirle a tan singular sala una coherencia y un discurso programático siempre con la vista y el oído puesto en exprimir al máximo sus posibilidades como equipamiento público. Para Audiotalaia, La Gallera nunca fue un mero contenedor, sino una caja de resonancia tan importante como los artistas que la han hecho vibrar, por ello sentimos profundamente que La Gallera, por ahora, no vuelva a sonar.

Habiendo repasado la trayectoria, conocedores de nuestro recorrido y la importancia de nuestra labor el Equipo de Off_Herzios quiere anunciar el inicio de un período de búsqueda de financiación en la Comunitat Valenciana y tratará, en los próximos meses, de encontrar cauces para la celebración de la Quinta Edición del Festival Off_Herzios, siempre y cuando se cumplan las condiciones que consideramos indispensables, aquellas que son marca de nuestras producciones y a las que no pensamos renunciar bajo ningún concepto, aquella filosofía que nos ha formado como trabajadores, como entidad y como comunidad.
Seguimos.

Edu Comelles
Director Artístico Off_Hz

Miguel Silva, un tipo inquieto en el MuVIM

Un tipo inquieto: Jornadas Miguel Silva de Type in Motion
Museu Valencià de la Il.lustració i la Modernitat (MuVIM)
C/ Quevedo, 10. Valencia
Del 26 al 28 de septiembre, 2014

Para conseguir una comunicación audiovisual eficaz y rabiosamente actual las múltiples y contemporáneas pantallas demandan más y más tipos en movimiento. Observar el territorio del ‘Type in Motion’ y todos esos interesantes retos y nuevos modos de expresión que proponen estos tipos inquietos a diseñadores gráficos, creadores audiovisuales, músicos, docentes y estudiantes o, simplemente, a todos aquellos amantes del grafismo audiovisual, es el objeto de estas jornadas.

Pablo Llorens será uno de los participantes en las Jornadas Miguel Silva 'Type in Motion' en el MuVIM, organizadas por ESAT.

Pablo Llorens será uno de los participantes en las Jornadas Miguel Silva ‘Type in Motion’ en el MuVIM, organizadas por ESAT.

Uno de esos tipos inquietos era el profesor de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia, Miguel Silva. Un fino degustador de cabeceras para cine y televisión, cortinillas, publicidad y todo tipo de poemas visuales. Conocía todo el mágico espectro que va de Saül Bass a Joan Brossa.

Las prácticas de Type in Motion que creaba Miguel para que sus alumnos quedasen prendados de lo más sutil de una tipografía ha inspirado la creación de estas jornadas, entre profesionales y poéticas, que pretenden servir de cabecera para una inmersión en este género y descubrir y recordar todas esas pequeñas maravillas de la comunicación gráfica.

Raquel Pelta será una de las participantes en las Jornadas Miguel Silva 'Type in Motion' en el MuVIM, organizadas por ESAT.

Raquel Pelta será una de las participantes en las Jornadas Miguel Silva ‘Type in Motion’ en el MuVIM, organizadas por ESAT.

Este es el programa provisional:

VIERNES 26 DE SEPTIEMBRE

09:30 / 10:00h: Inauguración. Proyección. Presentación y bienvenida.

10:00 / 14:00: Workshop con Lo Siento + Pablo Llorens (primera parte). COMIDA

17:00 / 18:30: Conferencia de Julio Sanz.

18:30 / 19:00: Café

19:00 / 20:30: Conferencia de Anna Zelich.

SÁBADO 27 DE SEPTIEMBRE

10:00 / 14:00: Workshop con Lo Siento + Pablo Llorens (segunda parte). COMIDA

17:00 / 18:30: Conferencia de Raquel Pelta.

18:30 / 19:00: Pausa café

19:00 / 20:30: Conferencia Andreu Balius.

20:30: Presentación del ‘Concurso Type in Motion’ para el siguiente año y despedida de las jornadas.

DOMINGO 28 DE SEPTIEMBRE

11:00 / 13:00: Workshop con niños (stop motion con Pablo Llorens): Palabras y letras inquietas.

Cartel anunciador de las Jornadas Miguel Silva Type in Motion que se celebrarán en el MuVIM. Imagen cortesía de ESAT.

Cartel anunciador de las Jornadas Miguel Silva Type in Motion que se celebrarán en el MuVIM. Imagen cortesía de ESAT.

Llorenç Barber: LA APOTEOSIS DE L’ESCOLTA(r)

Llorenç Barber: Apoteosis de l’escolta(r)
Teatro principal
C/ Barcas, 15. Valencia
Sábado 17 de mayo a las 21 h.

NOTAS ANTE LA COMPOSICIÓN DE “LA APOTEOSIS DE L’ESCOLTA(r)”. Siete situaciones de escucha para Banda y Teatro Principal.

Andaba escribiendo una composición de concierto de ciudad para la muy teresiana Alba de Tormes cuando llegó la invitación de participar en el ENSEMS. A lo largo de la conversación telefónica, entre consideraciones de cariz poco halagüeñas sobre el presente de las músicas llamadas ‘contemporáneas’ ya consuetudinarias en Cerveró, éste me sugería escribir algo para piano de juguete, o hacer un pequeño taller para alumnos de composición. Por mi parte, yo daba rienda suelta a mi imaginación con la vieja idea de conformar una nueva versión ampliada de música del “género balcón”, iluminando toda una calle del viejo barrio de Velluters mediante el poblar con bien armados músicos algunos de sus balcones, mientras los escuchas/paseantes deambulan por el asfalto, eso sí, aurículas en ristre. Y fue aquí donde apareció la posibilidad de hacer algo para banda, pues el bueno de Joan andaba tramando algo para ‘los feos’ de Buñol que, en esta ocasión, estarían dirigidos por mi amigo y colaborador Andrés Valero. Para más inri, a estas dos suculentas circunstancias se sumaba una tercera que para mí añadía un plus inconmensurable: el estreno iba a tener lugar en nuestro Teatro Principal. Inmediatamente entré en entusiasmos y no hubo duda alguna a pesar de la cercanía de la fecha, y de la primavera tan repleta, en mi calendario de este año, de viajes y compromisos musicales otros.

Una banda es siempre algo más que un instrumento plurihumano, disciplinado y capaz de leer – marchando – una partitura. Sonar para ellos es algo más que soplar, golpear o rascar, es un presentar hasta sus más íntimos detalles un manifiesto constituido todo él de sonidos/gestos/pasos y/o silencios. Un lanzarnos fuera de nosotros mismos y un expandir expresivo que puede afectar y mover el universo mundo en su totalidad. Por otro lado un teatro como nuestro Principal es todo un galimatías de alturas, pasillos, recovecos, escaleras y hasta rincones y paraísos a ser desvelados mediante una suma de escuchas cada una de ellas con su aquel de singularidad y complementariedad a poner en acto. Todo un reto, en estos tiempos turbios en dónde no cabe molicie alguna.

Una de las primeras consideraciones que me invadieron hasta la obsesión en el arranque de este proyecto fue la evidencia de que a la banda hasta el día de hoy, se le escurren una enormidad de posibilidades simplemente porque nadie se detiene en proponerles situaciones interpretativas expansivas, laterales, accionales y/o gestuales tan sólo porque de bandas se trata. Para los que estamos cerca tan sólo, a veces, cuando la banda, se encuentra en situación de reposo, preparación, relax o broma se dan atisbos, fragmentos y hasta gavillas de situaciones fortuitas e impronunciables, que luego – uniformados – y ante un público se es incapaz de reproducir con la eficacia y contundencia como en esas (des)composiciones de suelto, desparramado, ensimismamiento. Y es por ahí por dónde yo quería comenzar: planteando una serie de situaciones bien concretas, pero a su aire, a su devenir, algo (o mucho) ajenas – hasta dónde posible fuere – a la situación ‘concierto’.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Para conseguir algo así habrá que entrar – con cuidada antelación – en consideraciones previas que nos preparen adecuadamente para zambullirnos en la ocupación de un teatro de anchos espacios, todos ellos habitados hoy, por un pasado todavía reverberante, condensado y hasta convertido en fantasmales esculturas de aires y memorias. Aceptando lo inevitable, trataremos de salirnos de lo aprendido planteándonos juntos todo un cúmulo de cuestiones como estas: ¿somos o no un ‘playground’ todavía útil y capaz de revolverse, disturbar y hasta reinventarse a partir del rol en que se nos encasilla?, ¿podemos desde ahí todavía apropiarnos de nuevos modos y materiales? Y si ello es posible ¿alcanzaremos a interrogar la actualidad de lo que todavía entendemos y practicamos como lo procesional y celebrativo, lo festivo, lo concertístico (sonoro, performativo, virtuoso y escénico)? ¿Estamos o no todavía a tiempo de reivindicar para nosotros el descubrir las posibilidades de un nuevo vivir, partiendo – eso sí – de la fragmentación y dispersión de los deshechos de lo que queda?

Por lo que a mí concierne queda claro que lo que entendemos todavía por banda tiene por delante mucho campo por ganar, mucho terreno que ocupar, muchas intensidades que practicar invadiendo campos expandidos y profundizando y repensándose a partir de ahí, esto es, explorando su grupal, disciplinado y muchas veces andariego sonar, ocupando el espacio público (sea este el cogollo de la ceremonia, el baile o el transeúnte ir de un lugar a otro, bien erguidos y sonantes, etc.), el espacio escénico, el educativo o el investigador, performativo y/o camerístico. Y todo ello en un constante inquirir: ¿reproducimos modelos de comportamiento jerárquicos, encorsetados y obsoletos, o somos todavía capaces de generar otra escucha y otra socialidad, más abierta, comprehensiva, sea sonando a solas – como banda y basta – sea en conjunción con otros estímulos y artes tales como las que proporcionan las imágenes proyectadas, los cuerpos en acción y danza, los instrumentos inusuales o de tecnología punta, o las situaciones para nosotros todavía inexploradas?

Porque, no lo olvidemos, vivimos ya en un mundo sonoro en el que quienes crean, más que dedicarse a componer partituras que demandan ser escuchadas pasiva y contemplativamente, se esfuerzan por crear o ‘componer’ y presentar al oidor unas situaciones de escucha, singulares y hasta inusitadas. Por ello es por lo que postulamos otra escucha, un atender in extenso el entorno sónico y/o silencioso, deviniendo oidores implicados, vivos y movilizados.

Pero las cosas no acaban ahí porque al igual que el instrumentista del sonar del hoy está implicado en el son, (todo él puro ‘drama’ emancipado ya del ‘auctor’ de repertorio y formatos cerrados), el oidor que el llamado Arte Sonoro (ya no com/puesto) postula, ha de ser sustraído a toda actitud distante y pasiva. Ha de ser arrastrado al círculo mágico del escuchante en posesión de sus plenas energías vitales.

Unos y otros, han de afinar su escucha – con el tono y avatares del no tan frágil son – deviniendo así cuerpo activo concurrente, que pone en acto su principio vital. Todos constituyen – cada quién a su modo – asamblea ceremonial que conforma situaciones diversas en posesión de sus propias energías.

Una situación de escucha es, pues, un dispositivo que convirtiendo al escucha en agente de una práctica colectiva, desvela matices singulares del sonar. Y en esto consistirá esta ‘Apoteósis’, en proveer a estos agentes/oidores de un remolino de acciones sónicas (y a veces accionales o cinéticas), que les haga salir de su posición de meros espectadores (recordad a Guy Debord y su crítica del desposeimiento que el espectáculo conlleva) hasta arrastrarles a la acción. Posición a posición.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Cada situación propuesta exigirá una posición específica al ‘interprete’, y una disposición igualmente distinta y mutante al agente/oidor. Es por ello que el Teatro Principal devendrá para cada quién un aeropuerto de recorridos y estancias bien comunicadas y franqueadas en direcciones y velocidades distintas que muchas veces generan ecolalias, emisiones y hasta roces o lejanías de distancias bien singulares.

Igual que la escucha no es algo ni continuo ni estático, tampoco lo es la emisión/recepción. Y esa diversidad/y/hasta/desencuentro posible de a) y de b), genera situaciones bien mixtas y mestizas. Y todas ellas entran aquí en amable consideración, discusión, contraste, continuación y hasta superposición. Se acabó pues con la escucha pasiva, inmóvil, frontal, rectilínea, sucesiva y escanciada de modo regular. Todas las irregularidades, acumules o vacíos, movilidades o escarceos son aquí – en esta selva/aeropuerto – bienvenidos. También todas las suspicacias, todas las sospechas, pues todo oír es un pasearse por un mundo de bordes y roces, un oír-que-construye instituyendo, no aceptando adormiladamente, pues certeza, tradición y hasta estilo dejaron de ser incuestionables. Nos queda el tropezón, el pescar al vuelo, el devenir, el avatar. El gran místico/músico que fue Giacinto Scelsi decía: “si oyes el ahora, oyes la eternidad”. Una eternidad descolocada, con caminos inesperados, moteada toda ella de variaciones y repeticiones que nos pueden o no, adentrar en el corazón del misterio, un enigma, que siempre anida en los bordes, ahí donde la nota deja de serlo para devenir apoyo del infinito. Es por ello que a veces, la banda sonará con sus ejercitados dedos entre guantes de fino latex, para alterar cuidadosamente su sensibilidad táctil, o acudirá a la respiración canina o grupal cribando así cotidianidades y virtuosismos que conducen mil veces al lugar común. O se saldrá a la calle, (ahí dónde la vida arrasa las convenciones todas, ridiculiza las estancias y sus sillones) para mostrar su urgencia imposible por agarrase a una Euridice ausente.

Los espectadores, convertidos aquí en agentes/oidores, de seguro que en cada transición, desdibuje o corte, sabrán qué postura, actitud, y hasta recorrido hay que tomar sin que nadie se lo diga. En efecto, un Teatro como este, tan Principal, es como una ciudad: un complejo entramado de calles, plazas, paredes, escaleras, vacíos y salidas en bifurcación posible que pueden y deben ser recorridos en cualquier dirección, sentido, velocidad y transcurso temporal. Constituye todo él un complejo galimatías que posibilitan lo que mi amigo, el musicólogo Daniel Charles, llamaba “la escucha aeropuerto”. Para ello, para ejercitar esta escucha omnidireccional, tan sólo se les pide (o sugiere) una cosa: franquear el abismo que separa la actividad de la pasividad.

Hay pues en esta aclamación de la escucha extendida un postulado implícito: cada quien tiene la escucha que se merece, o que merece su intuición, su reparto del tiempo/espacio en esa móvil actividad, y/o su suerte. A la postre, tras la apoteosis, cada quién se llevará consigo ‘su’ ración, una ración tan solo en parte coincidente con la escucha de su vecino quien tuvo iniciativas e incidencias y disfrutes divergentes en cuanto a lugar y tiempo a las de un tercer o un cuarto agente equis. Es a ese desigual repartirse lo escuchado a lo que el filosofo francés Jacques Rancière, (en el ensayo “El espectador emancipado”) llama “reparto de lo sensible”, o “partage du sensible”. Un reparto que no viene aquí descendiendo desde un hipotético compositor y que un disciplinado intérprete transmite inspirando así a un oidor pasivo, sino que, por el contrario, aquí todo, todo, es ida y vuelta, pues todo enriquecimiento nace de un roce, una decisión, un toque, muy de cada quien, y todo en esta “Apoteosis” se quiere agente alternador y hasta trastorne de sentidos múltiples que generan de por sí todo tipo de aventuras y asignaciones nunca ni siquiera previstas o intuidas en guión o partitura alguna.

Suerte, oído y al toro, pues.

Llorenç Barber

Llorenç Barber

Llorenç Barber