Dos ‘Oscar’ Red Dot para la marca València del Diseño

València Capital Mundial del Diseño en 2022
Dos premios Red Dot en las categorías de marca y de comunicaciones
Miércoles 22 de julio de 2020

La marca de València como Capital Mundial del Diseño en 2022, concebida por el diseñador gráfico Ibán Ramón, ha sido galardonada con dos premios Red Dot, los considerados como los Oscar del diseño a nivel mundial, en las categorías de marca y de comunicaciones. Tanto la identidad gráfica como su aplicación en carteles consiguen así estos dos galardones, que suponen la excelencia a nivel mundial, en unos premios considerados como un sello internacional de calidad del buen diseño. La selección ha sido realizada por un jurado de 24 referentes internacionales de entre las cerca de 7.000 propuestas recibidas.

La marca, diseñada como un sistema modular, tiene su principal virtud en la versatilidad y variabilidad del sistema, siendo capaz de adaptarse en distintas configuraciones y soportes. “Se han interpretado las letras Valencia World Design Capital a partir de formas geométricas simples, sobre una retícula de módulo cuadrado que permite infinidad de composiciones. De hecho, el carácter abstracto de la identidad, al no leerse como ilustración o texto, facilita que en el futuro pueda convivir con una gran variedad de imágenes y títulos. Además, su color evoca al Mediterráneo: la arena, el mar, el sol. Las tipografías empleadas en el dossier se muestran suficientemente formales sin renunciar a contemporaneidad y frescura”, comenta Ibán Ramón. “El diseño modular de la identidad abre paso a una infinidad de composiciones, permitiendo un amplio desarrollo; sin una significación concreta, pero reconocible”, añade el diseñador. 

Brand Design de la marca València Capital Mundial del Diseño, de Ibán Ramón. Imagen cortesía de la organización.

Estos dos reconocimientos internacionales, tanto de marca como de comunicación, demuestran el alto nivel de esta identidad gráfica que, además, debe convivir con la marca primaria de la World Design Organization. Para Xavi Calvo, director de València Capital Mundial del Diseño 2022, “el ejercicio de moldeabilidad de la marca de Ibán Ramón nos permite conjugar ambas marcas para aquellos eventos más nacionales en los que queramos jugar con las dos identidades. De hecho, esta segunda marca aporta ese nivel de identidad e identificación propia que se suma al logo principal de la WDO que tenemos como próxima Capital Mundial del Diseño y que sigue la línea de las otras siete capitales”.

La marca surge de distintas inspiraciones que beben, a su vez, de la historia del diseño valenciano. «La geometría es un recurso natural del diseño gráfico, y también es un lenguaje universal, que no caduca, sigue vigente desde la Bauhaus. En mi trabajo hay algunos precedentes fundamentales para entender esta propuesta, como We love geometry (2009). Además, el uso de elementos geométricos simples, a modo de letras, conecta directamente con la historia del grafismo valenciano, esto ya lo usé en el proyecto expositivo de La Nau València Capital de la república (2016), que es otro precedente. Pero sobre todo, lo importante es que la solución no es caprichosa, es oportuna en este momento para un evento de estas características, por su universalidad y atemporalidad, que la mantendrá vigente durante muchos años”, explica Ramón. 

Brand Design de la marca València Capital Mundial del Diseño, de Ibán Ramón. Imagen cortesía de la organización.

Desde 1955, el Design Zentrum Nordrhein Westfalen distingue los diseños de productos internacionales con el premio Red Dot, que se entregan en una ceremonia organizada en el teatro Aalto de Essen-Alemania. La categoría de comunicaciones y gráfica existe desde 1993 y está orientado a profesionales del diseño, instituciones, agencias emergentes y empresas. Estos premios suponen la inclusión dentro del anuario que recoge los mejores proyectos del campo del diseño a nivel internacional, la presencia en las exposiciones de los museos propios de la organización (ubicados en Alemania, Singapur y China), así como un espacio en la exposición virtual llevada a cabo por la Red Dot Organization.

Estos premios se suman a los conseguidos por el cartel de València Capital Mundial del Diseño 2022 en los premios Graphis de este año, con un Oro en su versión amarilla y una mención honorífica en la adaptación del cartel en gris. Ambos, serán incluidos en el libro “Posters Anual 2021”, uno de los más preciados y demandados por el sector mundial del diseño gráfico.

Brand Design de la marca València Capital Mundial del Diseño, de Ibán Ramón. Imagen cortesía de la organización.

La ciudad de València será Capital Mundial del Diseño en 2022, tras la designación bianual llevada a cabo por la reconocida institución World Design Organization. El proyecto, promovido por la Associació València Capital del Disseny, cuenta desde sus inicios con el impulso del Ajuntament de València, de la Generalitat Valenciana, Visit València, Feria Valencia y La Marina de València. Además de tener como entidades promotoras a la Asociación de Diseñadores de la Comunitat Valenciana (ADCV) y al Colegio de Diseñadores de Interior de la Comunitat Valenciana (CDICV).

Es una iniciativa que ha traspasado lo local para convertirse en un proyecto nacional con el apoyo de tres ministerios: el Ministerio de Cultura y Deporte; el Ministerio de Industria, Comercio y Turismo; y el Ministerio de Ciencia e Innovación, además de otras muchas otras instituciones. La candidatura también ha recibido el respaldo de la Casa Real española. Asimismo, ha recibido el apoyo de empresas colaboradoras como Actiu, Andreu World, Padima, Point, Tau Cerámica, Zumex, Grupo Torrecid, La Imprenta, Vondom y Martínez Medina e instituciones amigas como ComunitAD, READ, Art en Blanc, Dimova, el Colegio Oficial de Publicitarios y el Colegio Territorial de Arquitectos de Valencia.

Otras muchas empresas apoyaron el proceso en su fase inicial como son: Capdell, Equipo DRT, GandiaBlasco, AIDIMME, Istobal, Suavinex, Trèbol Mobiliario y Cervezas Turia. Sin todas ellas habría sido imposible llegar hasta aquí.

València Capital Mundial del Diseño, de Ibán Ramón. Imagen cortesía de la organización.

Los Teatros Alternativos, con los artistas más vulnerables

Red de Teatros Alternativos
#somosred
12 de mayo de 2020

Tras una valoración positiva de las medidas anunciadas por el Ministerio de Cultura y Deporte y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), la Red de Teatros Alternativos trabajará los próximos meses para poder funcionar como articuladora de recursos. Para con la propia Red y los espacios y proyectos que la integran, y con la mirada en artistas más vulnerables que han quedado fuera del acceso extraordinario a la prestación por desempleo, proporcionada dentro del Real Decreto ley 17/20, de 5 de mayo de 2020. 

En este sentido, desde la Red de Teatros Alternativos y bajo el hashtag #somosred se quiere enfatizar el trabajo ya iniciado para hacer frente a la crisis dejada por la COVID-19, manteniendo los proyectos clave de  esta organización y atendiendo a esa comunidad de creadores más frágiles a la crisis económica, social y cultural derivada de la COVID-19. 

Desde la Red de Teatros Alternativos se entiende la necesidad del trabajo con las administraciones y con el propio sector, y está en su ánimo el seguir construyendo para legitimar el valor cualitativo de la escena contemporánea para la construcción del tejido escénico global. Aunque las 46 salas que integran la red pueden contextualizarse en realidades diversas, una sólida trayectoria de más de 20 años y objetivos envuelve a la mayoría y desde esa consolidación se trabajará por el bien de la colectividad. En este sentido, se quiere incidir en el posicionamiento de los proyectos integrantes de esta red, no solo como lugares para la exhibición, sino también para todas aquellas actividades que rodean la escena y las configuran en lugares poliédricos alrededor de lo artístico.

Durante los próximos meses y hasta el mes de septiembre, cuando se retome la exhibición en las salas que componen la red, si la situación de desescalada sanitaria lo permite, los 46 proyectos que la integran desarrollarán varias actividades, que ya se trabajan de manera habitual en cada sala durante todo el año y las convierten en amplio ecosistema escénico. Más allá de la exhibición, las salas son epicentro para la formación, el encuentro, la creación con formato de residencias y el trabajo con las audiencias. Todo eso, más un trabajo preparatorio en cuanto a los protocolos necesarios para la apertura a la exhibición en el próximo mes de septiembre, ocupará el grueso de su actividad, adecuada a los diversos ERTE a los que muchas han tenido que acogerse. El objetivo de esta red pasa por el deseo de desarrollar con ánimo y convicción, su labor como articuladora de recursos. 

Campaña #somosred, de la Red de Teatros Alternativos.

Soñando con 10 Sentidos durante 2020

‘Soñadores’ | IX Festival 10 Sentidos
De mayo a diciembre de 2020

El Festival 10 Sentidos se reinventa de nuevo para adaptarse a la circunstancias actuales provocadas por la crisis sanitaria en todo el mundo. La paralización de actividades ha provocado que la IX edición de la cita con las artes vivas de València, que debería celebrarse en distintas sedes de la ciudad del 7 al 24 de mayo de 2020, modifique su estructura y plantee una convocatoria con actividades hasta diciembre.

10 Sentidos considera que es más importante que nunca reivindicar una edición que se había ideado en torno a los ‘Soñadores’, esa generación nacida a finales del siglo XX y comienzos del XXI. El festival pretendía acercarse a sus inquietudes, problemas y retos y establecer un diálogo entre artistas de distintas edades para reflexionar sobre el paso del tiempo. Los últimos acontecimientos animan a mantener el espíritu de esta edición y que sirva para apoyar a esa juventud que, sin duda, será una de las grandes perjudicadas con la actual crisis mundial. Será momento de preguntarnos qué futuro les espera a esos soñadores, a dónde deben ir dirigidos sus esfuerzos y en qué medida podemos unirnos y aprender del pasado para no repetir errores.

La IX edición de 10 Sentidos se celebrará de mayo a diciembre de 2020, planteando acciones virtuales y físicas a lo largo de estos meses. La programación albergará propuestas artísticas en torno a la danza, el teatro, el cine y las artes plásticas, así como charlas, talleres e iniciativas de innovación urbana. El festival cuenta con el respaldo del Ayuntamiento de València, la Generalitat Valenciana, el Ministerio de Cultura, Bancaja y Obra Social “la Caixa”, que apoyan el proyecto para reorientar el programa y que pueda llegar a todos los ciudadanos.

‘Fase, four movements to the music of Steve Rich’, de Anne Teresa de Keersmaeker.

La cita con las artes vivas se inaugurará el 7 de mayo con el lanzamiento virtual del proyecto ‘Deseos de futuro’, en colaboración con Las Naves Centro de Innovación Social y Urbana del Ayuntamiento de València, con el que se pretende abrir una ventana a la acción conjunta de la mano de los soñadores. El festival habilitará una página web en la que se irán alojando los deseos de cambio, en forma de imágenes, textos y vídeos, que envíen jóvenes de todo el mundo con un fin común. Esos deseos serán altavoz de ideas, ilusiones, pensamientos, intenciones y generarán reflexiones y debates. Todos ellos se transformarán más adelante en una instalación multimedia que se podrá ver en Las Naves y darán pie a un foro con expertos.

Esta propuesta forma parte de un acuerdo de colaboración con Las Naves Centro de Innovación Social y Urbana del Ayuntamiento de València, espacio en el que se desarrollarán otros actos y con el que el festival conecta por el interés de ambos por la innovación, la acción urbana y la cultura.

Dos de las grandes citas que ya habían sido anunciadas para la IX edición, la visita por primera vez a València de la legendaria coreógrafa Anne Teresa de Keersmaeker y de la compañía Peeping Tom, se mantienen en cartel aunque varían las fechas de sus representaciones. La creadora, una de las figuras más relevantes de la historia de la danza, presentará una revisión de la que fue una de sus piezas originales, ‘Fase, four movements to the music of Steve Rich’, interpretada ahora por nuevas bailarinas. La propia coreógrafa transmite su legado para que pueda ser reinterpretado y reutilizado, como una valiosa herramienta para el futuro. El Teatre El Musical acogerá en septiembre este montaje.

Por su parte la compañía belga llega a València con su obra ‘Kind’, con la que refleja el mundo de la fantasía de los más pequeños, pero también las presiones, ansiedades y dudas que viven los niños y las niñas en su tránsito hacia la adolescencia. El montaje podrá disfrutarse en diciembre en el Teatro Principal. Las entradas que ya se hubieran vendido para ambos espectáculos en sus anteriores fechas serán devueltas.

‘Kind’, de Peeping Tom. Foto: Oleg Degtiarov.

10 Sentidos organizará de nuevo el Certamen Coreográfico para el que ya han sido seleccionadas compañías de países como Francia, Alemania, Japón o Italia, entre otros países. La Mutant será la sede de esta cita, que se ha consolidado hasta convertirse en una de las más relevantes de Europa por dar la oportunidad de visibilidad a formaciones jóvenes de todo el mundo.

La IX edición extenderá su programación en septiembre, octubre, noviembre y diciembre hasta otros emplazamientos como el monasterio de San Miguel de los Reyes, la Rambleta, el Centre del Carme, Espai Inestable, Fundación Mainel o La Nau.

El diseño de la imagen gráfica de este año se ha encargado a Pilar Estrada, de 25 años, nacida en Aguilar de la Frontera. Estudiante de diseño gráfico entre 2012 y 2016 en la Escola d’Art i Superior de Disseny de València (ESAD), se graduó más tarde en el Máster en Diseño e Ilustración de la UPV para complementar con una parte más plástica los estudios técnicos de diseño. El festival cumple su sueño y le da la oportunidad de mostrar su trabajo en un escaparate único en la ciudad. Con ella 10 Sentidos busca soñadores y lo hace de la mano de dos jóvenes, Carlota y Pablo, que representan a esos reyes del futuro en los que fijaremos todas nuestras miradas.

El Festival 10 Sentidos mantiene su filosofía de visibilizar a través de propuestas artísticas diferentes realidades de nuestra sociedad y en el contexto actual se reivindica su alcance y vigencia. Estamos necesitados de sueños y de ‘Soñadores’. Y todos ellos serán los protagonistas de la próxima cita con las artes vivas de València.

Cartel de la IX edición del Festival 10 Sentidos, de cuya imagen gráfica se ha encargado la diseñadora PIlar Estrada. Fotografía cortesía del festival.

MAKMA

El Ministerio de Cultura entrará en Les Arts

Reunión de Vicent Marzà con José Guirao
Ministerio de Cultura. Madrid
Martes 6 de noviembre de 2018

El conseller de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, Vicent Marzà, ha confirmado que “los asientos reservados a los representantes del Ministerio de Cultura y el INAEM en Les Arts serán ocupados en breve y su incorporación se hará efectiva en la convocatoria del próximo Patronato”. Marzà hizo estas declaraciones, tras la primera reunión con el ministro de Cultura y Deporte, José Guirao, para tratar diferentes temas relacionados específicamente con la cultura valenciana.

El conseller de Cultura expuso a Guirao las diferentes líneas de actuación en materia cultural llevadas a cabo por el Govern del Botànic, “como modelo a seguir por parte del Gobierno estatal igual que se está haciendo en otras áreas, en las que también se están fijando en nuestra obra de gobierno”. Y añadió: “Además, hemos mostrado nuestra total predisposición para colaborar con el Ministerio en materia cultural”.

Sala Principal del Palau de les Arts.

Sala Principal del Palau de les Arts.

El titular de Cultura de la Generalitat explicitó también los diferentes puntos de mejora por lo que respecta a la financiación estatal en materia cultural para el territorio valenciano y consiguió el compromiso de actuación inmediata en lo que respecta a tres puntos: la incorporación de la representación del Ministerio de Cultura en el Patronato del Palau de les Arts; la construcción del Archivo Histórico de Castellón de la Plana; y la reforma de la Biblioteca Pública Azorín de Alicante.

En cuanto al Archivo Histórico, “cabe recordar que es de las pocas provincias del Estado que aún no dispone de un espacio de estas características y el ministro nos ha transmitido que su construcción se iniciará a principios de 2020, un compromiso que cumplirá con una reivindicación histórica de la ciudadanía, que hemos hecho nuestra desde que gobernamos”.

Además, comentó que “es muy importante tener un calendario de las mejoras de la Biblioteca Pública Azorín de Alicante, un espacio del Ministerio que gestionamos desde la Conselleria, y tener los detalles de cómo se organizará el servicio de biblioteca mientras se realizan las obras”.

Marzà hizo una radiografía de las grandes líneas de actuación, “que han pasado de una política cultural de la ocurrencia del anterior gobierno a un trabajo desde la estrategia con el plan Fes Cultura”. Asimismo, destacó los diferentes aumentos en materia de cultura en los presupuestos del Govern del Botànic, que han pasado de los 79 millones de euros de 2015 a los 120,6 millones asignados a la propuesta de presupuestos de 2019 que se debatirá en Les Corts Valencianes.

Además, enumeró otros aspectos como la aplicación del Código de Buenas Prácticas en la Cultura Valenciana a la hora de elegir direcciones de centros culturales autonómicos, los aumentos presupuestarios en inversión cultural autonómica en el IVC, Les Arts, el IVAM, el CMCV y el Museo de Bellas Artes de València, la creación de diferentes espacios de diálogo y consenso con los sectores culturales como la MECUV o los datos positivos que se están logrando en consumo cultural en el territorio valenciano fruto de la aplicación de diferentes medidas previstas en el plan Fes Cultura”.

Vista exterior del Palau de les Arts.

Vista exterior del Palau de les Arts.

Web semántica y gestión de la información en Artium

VIII Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo
Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Francia Kalea 24, Vitoria-Gasteiz
19 y 20 de octubre de 2016

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, organiza y acoge los próximos 19 y 20 de octubre los VIII Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo, un encuentro bienal que reúne a algunos de los principales expertos de museos, universidades y bibliotecas en el ámbito del tratamiento y difusión de los archivos patrimoniales. Este año, el tema a tratar será el de los datos abiertos vinculados y la gestión integral de la información, y para abordarlo han sido invitados expertos del Rijskmuseum de Amsterdam, el Museo Reina Sofía, el Prado, la Biblioteca Nacional, las universidades de Aalto y Politécnica de Madrid y de la Fundación Sancho el Sabio, entre otras instituciones.

Artium. Makma

Los enormes avances realizados en los últimos años en la gestión de la información, con la posibilidad de enlazar e interconectar datos procedentes de distintas fuentes y facilitar, de esta forma, la transmisión de conocimiento al usuario de Internet suponen una gran oportunidad y un reto para las instituciones que gestionan el patrimonio cultural y, en especial, el patrimonio contemporáneo. La capacidad de los servicios de información de compartir, vincular y reutilizar sus datos en el entorno de la llamada web semántica puede proporcionar al usuario experiencias de búsqueda mucho más completas y enriquecedoras. Los VIII Encuentros de Centros de Documentación van a abordar precisamente este tema desde la perspectiva de algunas de las instituciones culturales y educativas que más han avanzado en este terreno. Elena Roseras, responsable de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium, abrirá el día 19 de octubre el turno de ponentes con una reseña del trabajo que se viene realizando en el Museo para gestión tanto de su archivo histórico de actividades como el fotográfico, que van a pasar a estar normalizados bajo la norma MARC de las bibliotecas.

A continuación, intervendrán, en sesiones de mañana y tarde, Pilar Cueva, del Museu Marítim de Barcelona; Javier Pantoja, del Museo del Prado; Bárbara Muñoz de Solano, del Museo Reina Sofía; María Poveda, de la Universidad Politécnica de Madrid; y Juan Antonio Pastor Sánchez, de la Universidad de Murcia. A destacar igualmente en esta primera jornada la intervención de Jesús Manuel Zubiaga y Charo Martínez, de la Fundación Sancho el Sabio, cuya ponencia girará en torno a la integración y difusión de materiales gráficos en el mayor archivo de la cultura vasca.

Artium. Makma

Durante la segunda jornada, el 20 de octubre, y ya en ponencias sólo por la mañana, participarán Lizzy Jongma, del Rijksmuseum de Amsterdam; Gildas Illien, del Museo Nacional de Historia Natural de París; Ricardo Santos, de la Biblioteca Nacional; Sara Sánchez, del Servicio de Aplicaciones de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Nuria Rodríguez, de la Universidad de Málaga. En esta sesión intervendrá también Eero Hyvönen, de la Universidad de Aalto en Finlandia, con una ponencia sobre la publicación y el uso de datos sobre el patrimonio cultural en la web semántica.

Los Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo nacieron en el año 2002, bajo el impulso del Museo Artium en el año de su apertura, con el fin de servir de punto de encuentro de las instituciones y profesionales que trabajan en este ámbito. Desde entonces, y con carácter bienal, se han convertido en una cita ineludible para conocer y reflexionar sobre los avances que se vienen realizando en todo el mundo en materia de tratamiento de la información aplicada al patrimonio cultural.

Los Encuentros se celebran en el Auditorio de Artium. Tras cada sesión de mañana y tarde se celebrará un debate sobre los temas abordados en cada una de ellas. Al final de la primera jornada, los participantes realizarán una visita guiada al Museo.

Artium, Makma

 

Segrelles y Pinazo en la gran pantalla

Segrelles Il.lustrador universal
Pinazo. De la ignorància en l’art
Ignacio Estrela y Laura Grande

José Segrelles (1885-1969) no es el único artista valenciano que ha triunfado en Nueva York, pero sí uno de los que ha dejado una huella más profunda y perdurable al otro lado del Atlántico. Todavía hoy, casi un siglo después de su estancia en la Gran manzana, donde permaneció durante cuatro años a partir de 1928, creadores americanos de la talla de Guillermo del Toro reconocen el influjo del pintor de Albaida.

La huella americana de Segrelles es uno de los aspectos que trata Segrelles. Il·lustrador universal, un largometraje documental en fase de producción. Ignacio Estrela y Laura  Grande llevan un año dedicado a este proyecto que inicia este otoño su fase final. Con 80 minutos de duración la versión original será en valenciano y habrá una en castellano y otra en inglés.

Miss Cummings, la modelo americana de José Segrelles. Imagen cortesía de Ignacio Estrela.

Miss Cummings, la modelo americana de José Segrelles. Imagen cortesía de Ignacio Estrela.

La Casa Museo de Segrelles en Albaida ha sido el escenario de gran parte de las filmaciones ya realizadas en las que han sido entrevistados las máximas autoridades en el ilustrador: Bernardo Montagud, Susana Vilaplana y Mireia Ferrer autora del estudio,  ‘Segrelles. Un pintor valenciano en Nueva York. 1929-1932’.  “En la Casa Museo existe una gran cantidad de material sobre Segrelles que era muy meticuloso y lo guardaba todo”, dice Estrela. “Eso es una ventaja pero también un inconveniente pues nos ha obligado a una rigurosa selección”.

Los autores  firmaron un contrato de colaboración con este centro cultural para registrar la correspondencia del artista, que guardaba tanto las cartas recibidas como una copia de todas las que mandaba. Una amplia correspondencia con  familiares, colegas y personalidades diversas. También se refleja su rico archivo fotográfico, recortes de prensa, sus trabajos inéditos o inacabados y los esbozos y apuntes que hacía antes de emprender una obra.

En los últimos años  grandes artistas del mundo del cine de Hollywood, sobre todo dentro del género fantástico como Guillermo del Toro, se han interesado por el arte de Segrelles y se declaran  influenciados por él, sus fans y coleccionistas. “Nuestro trabajo permitirá conocer qué obras hechas por el ilustrador de Albaida en la primera mitad del siglo XX han influido en películas actuales de fama mundial como El laberinto del Fauno».

Dante, ilustración de José Segrelles. Imagen cortesía de Ignacio Estrela.

Dante, ilustración de José Segrelles. Imagen cortesía de Ignacio Estrela.

En la próxima fase el equipo se desplazará a California (Estados Unidos) para entrevistar a William Stout, Guillermo del Toro y John Howe, “aunque probablemente entrevistemos también a algún otro artista americano que sea coleccionista o esté influenciado por Segrelles”, apunta Estrela. “Estamos intentando cuadrar las agendas para hacer solamente un viaje en el mes de octubre, aunque dependemos de la disponibilidad de los entrevistados por lo que se podría retrasar hasta diciembre. Todos han mostrado alegría al saber de la producción de una obra audiovisual sobre Segrelles y creen que interesará en EEUU. Otros artistas del mundo del cómic americano también están muy ilusionados con el proyecto,  deseosos de conocer más ilustraciones de Segrelles. He alucinado de ver el respeto y admiración que tienen muchos de ellos con los que he contactado por Facebook”.

El presupuesto del documental es 180.000 euros y en las próximas semanas se concretarán las ayudas solicitadas al Ministerio de Cultura, CulturArts y la Radiotelevisión Valenciana. “El año pasado CulturArts prefirió subvencionar un documental sobre Sara Baras, una bailarina de Cádiz antes que mi proyecto de Segrelles”, se lamenta Estrela. “Así nos va a los valencianos, mientras no conozcamos y valoremos a nuestros artistas estamos perdidos. Es una pena y una vergüenza que nadie antes se haya interesado en hacer una obra audiovisual de este gran artista”.

Imagen de 'Pinazo. De la ignorància en l'art'. Cortesía de Ignacio Estrela.

Imagen de ‘Pinazo. De la ignorància en l’art’. Cortesía de Ignacio Estrela.

Estrela y Grande están produciendo también, junto a la productora madrileña Morena Films, un largometraje documental sobre el pintor Ignacio Pinazo. “El productor madrileño, Álvaro Longoria, ganador de un Goya, quiso coproducir conmigo este proyecto porque es tataranieto del pintor”, cuenta Estrela. Se llamará Pinazo. De la ignorància en l’art en referencia a su discurso de ingreso en la Real Academia y servirá para conmemorar el Año Pinazo declarado por la Generalitat en el centenario de su muerte, en 2016. “Es una gran responsabilidad para mí intentar que en estos largometrajes queden bien reflejadas sus vidas y sus obras. Espero que tanto CulturArts como la nueva televisión autonómica valenciana se interesen y apoyen los proyectos de Segrelles y Pinazo”.

Anteriormente, Estrela y Grande realizaron un documental  sobre el pintor José de Ribera, El Españoleto: El jove Ribera. “Tampoco se había hecho nada sobre él y hasta que no estuvo totalmente rodado no recibí ninguna ayuda ni interés por parte de las instituciones valencianas”, comenta Estrela. “Si fueran artistas catalanes ya les habrían dedicado varios proyectos allí. Diez productoras catalanas han querido coproducir conmigo el proyecto de Segrelles ya que vivió 20 años en Barcelona y muchos creen que era de allí. Al final si la cultura valenciana no apoya el proyecto tendré que vendérselo a los catalanes”, concluye Ignacio Estrela.

Imagen de 'Segrelles. Il.lustrador universal'. Cortesía de Ignacio Estrela.

Imagen de ‘Segrelles. Il.lustrador universal’. Cortesía de Ignacio Estrela.

Bel Carrasco

Gran Fele en el Off Romà

Orinoco Mix, de Circo Gran Fele
Off Romá del Sagunt a Escena
Casco urbano de Sagunto. Valencia
Sábado 23 de julio de 2016, a las 20.30h

El Off Romà llega al casco urbano de Sagunto con la presencia este sábado 23 de julio, a partir de las 20.30 horas, de la compañía valenciana Circo Gran Fele, dirigida por Rafael Pla, que presentará su espectáculo ‘Orinoco Mix’ en La Glorieta.

La presencia de este espectáculo en el Off Romà de Sagunt a Escena ha sido posible gracias a la colaboración público-privada que ha supuesto el que la entidad Caixa Popular haya sufragado esta representación. Una colaboración que ambas instituciones el Institut Valencià de Cultura y Caixa Popular quieren continuar y profundizar en el futuro.

‘Orinoco Mix’ es un espectáculo circense que embruja los sentidos, un puente entre el mundo real y el mundo onírico donde todo es posible, un espectáculo para todos los públicos, que muestra un circo diferente y para toda la familia.

Orinoco Mix, de Circo Gran Fele. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Orinoco Mix, de Circo Gran Fele. Imagen cortesía de Sagunt a Escena.

Un espectáculo para los sentidos en el que no existe una línea argumental,sino una sucesión de escenas que, como en un sueño, nos permiten vivir aventuras surrealistas. Todo ello de la mano de unos increíbles artistas y sus movimientos perfectos, música en directo, brillantes efectos de iluminación y sonido, al ritmo de la música en vivo que permiten al público transportarse a mundos imaginarios y lejanos sin moverse de su sitio.

El Circo Gran Fele es una compañía de circo valenciana con más de veinte años de experiencia y multitud de premios que avalan su nivel y calidad. Una compañía que ha sido ganadora del Premio Max de Circo, del Premio Caleidoscopio de la Unión Europea y el Premio Nacional de Circo concedido por el Ministerio de Cultura en 2008, entre otros premios, lo que les ha convertido en una compañía sólida y de prestigio nacional e internacional.

Sagunt a Escena sigue su andadura con la actuación el domingo 24 en el Teatro Romano de la compañía Atalaya-TNT con el espectáculo ‘Madre Coraje’ de Bertolt Brecht adaptada y dirigida por Ricardo Iniesta.

Circo Gran Fele. Off Romà de Sagunt a Escena.

Circo Gran Fele. Off Romà de Sagunt a Escena.

 

«Los jóvenes ya consideran la moda un arte»

Entrevista con el artista y diseñador de moda Manuel Fernández a propósito de
‘Fashion Art EU’
Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM)
Barra de Ferro 5, Barcelona
Hasta el 24 de julio

28 artistas de la Unión Europea unen su talento en esta fusión de moda y arte que el diseñador Manuel Fernández  presenta en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, del 23 de Junio al 24 de Julio

Makma ha tenido la oportunidad única de entrevistarle durante su estancia en nuestro país, ya que es difícil ubicarle, porque Manuel Fernández tiene el espíritu nómada y el alma libre.

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición 'Fashion Art'. Fotógrafía: Neus Flores.

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

¿Podrías contarnos cómo surgió la idea original de ‘Fashion Art’?

¡Uy, ya ha pasado mucho tiempo desde entonces!…éramos unos niños todos (ríe). Fue una idea casual y fortuita que apareció durante un desfile en Madrid (mi madre tenía una tienda de novias). El vestido que yo había diseñado para la ocasión no tenía nada de especial, no era original, y yo tenía un amigo pintor a quien propuse que le diera color. El resultado podía parecer raro, pero fue mucho mejor de lo esperado, la idea se fue extendiendo con el boca a boca y se fue conociendo entre más artistas (Manolo Valdés y Gordillo, entre ellos) y, así, hasta un total de 50 artistas. Tardé 5 años (de 1998 a 2003) en crear la primera colección, que se expuso en el Museo Nacional de Buenos Aires. A partir de ahí, hicimos la primera gira de exposiciones por Latinoamérica. La idea nace con vocación internacional, en itinerancia permanente, y así estuvimos por Uruguay, Chile, México, etc. Siempre bien acompañados de artistas locales, para la integración total del arte en su propio territorio.

¿Cómo llega tu exposición al MEAM de Barcelona?

Ésta es una exposición que ya estuvo en Bruselas. Hacía tiempo que estaba buscando una fórmula que me funcionara para exponer en los museos europeos, y a nivel internacional tenemos previsto exponer también el 15 de septiembre en Asunción (Paraguay), con una escena muy potente de 15 artistas locales y 30 artistas internacionales. La siguiente exposición será en la Habana, el 15 de noviembre, y después en Zimbabwe, en diciembre, para las navidades. Ésta, la del MEAM, es una exposición cerrada solamente a 28 artistas, representativos de los 28 estados miembros de la Unión Europea, para mantener la itinerancia en Europa. Aunque ahora, tras el Brexit, habrá que ver cómo influye la política a la ruta de nuestra exposición (su voz suena algo circunspecta).

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición 'Fashion Art'. Fotógrafía: Neus Flores.

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

Por favor, cuéntanos un poco acerca de la colección que presentarás en Hamburgo este mes.

Es una colección de arte alternativo que haremos los días 14, 15 y 16, en la que el agua será un elemento muy importante con el que jugar. Será una muestra solamente de seis trajes, con un estilo mucho más joven, al que se sumará la magia y la energía del street art.

Una vez fusionados el diseño y el arte, ¿has pensado en incorporar también otras disciplinas a tu trabajo, como la música o la danza?

Siempre hay nuevos proyectos en mente, que necesitan tiempo para madurar, porque me gusta mantener la calidad de mis proyectos y no se puede ir rápido en crear nuevos formatos. Ya he hecho algunos guiños y escarceos con el teatro y la danza, pero en lo que estoy apostando más últimamente es con los fashion films (cortos de moda), sumando sinergias entre Puerto Rico y Madrid.

¿Cómo se hace la selección de los artistas colaboradores en cada colección?

Ahora mismo tengo unos 300 artistas trabajando conmigo. Para seleccionarlos busco en las redes, pero sobre todo entre mis contactos. En la actualidad es más fácil encontrar artistas que cuando empezamos. Los mismos gobiernos de los países en los que exponemos, a través del Ministerio de Cultura, ya nos indican los artistas que tienen notoriedad y gancho en su país. La selección se basa sobre todo en que se sumen proyectos variados, tanto en técnica como en estilo, y especialmente en el feeling de mi intuición (necesito que me cuenten algo, que me conmuevan). Busco que las obras de los artistas me emocionen.

Instantánea varias piezas que forman parte de la exposición 'Fashion Art'. Fotógrafía: Neus Flores.

Instantánea varias piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

¿Qué le aconsejarías a un diseñador joven que justo empieza en la profesión?

Que se marque objetivos, que vea las limitaciones también, pero que siempre crea en sí mismo. En mi caso, yo quería desfilar y luchar por ello. Hay que estudiar y enfocarse, informarse y también hay que tener talento. Cuando yo entré a trabajar para Francisco Valiente se triplicaron las ventas y decidí independizarme. Hay que ahorrar un poco por si decides tomar tu propio camino, pero con ganas, ilusión y esfuerzo se consigue todo.

Para terminar, ¿crees que tu público ha cambiado con el tiempo?

Hoy en día los jóvenes están mucho más preparados, tienen más información y ya consideran la moda como un arte. Aunque he notado que la gente no lee mucho en general, sí veo que están más abiertos y tienen más interés ahora. ‘Fashion Art’ se ha asentado ya como movimiento en sí mismo, como una nueva fórmula de expresión artística.

Neus Flores

¿Quién fue el arquitecto de Nueva York?

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra
Documental producido por Endora

Cumplidos los 40 años, Rafael Guastavino llegó a la Gran manzana, a finales del siglo XIX, sin conocimientos de inglés, ni tener allí ningún contacto o padrino, y de forma prodigiosa y tras muchos avatares dejó su impronta imperecedera en la ciudad. Una huella tan firme y sólida que este valenciano nacido en la Plaza de la Reina pasó a la historia como ‘El arquitecto de Nueva York’. Este es el título de un largometraje documental de 70 minutos de duración producido por Endora que con un equipo  íntegramente valenciano trata de responder la difícil pregunta ¿Quién fue realmente Rafael Guastavino?

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

En pos de su esquivo rastro la directora de Endora y también del documental, Eva Vizcarra junto a los realizadores viajaron a Vila-real, Nueva York y Boston, y se entrevistaron con numerosos especialistas en la obra de este genio desconocido. “En Endora siempre nos interesamos por la cultura y el arte, especialmente por la arquitectura, y cuando me hablaron de este gran hombre supe que tenía que dedicarle un proyecto”, cuenta Vizcarra.

La producción fue posible gracias al apoyo del Ministerio de Cultura, TVE, CulturArts y la aportación de María José Soriano, presidenta de Porcelanosa. En total, algo más de 200.000 euros dedicados a recuperar la memoria y la obra de este valenciano hasta ahora sólo conocido por los arquitectos e intelectuales. El filme se presentó a principios de marzo y se podrá ver el próximo 15 de abril en la serie Imprescindibles de LaDos antes de entrar en el circuito de las salas de exhibición. Manuel de la Reina, Carlos Escutia, ambos ganadores de un Goya, y Miguel Gil forman parte del equipo de producción.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Un millar de edificios

A través de testimonios de expertos y animación en 3D de Primer Frame el documental explica cómo Guastavino (Valencia, 1842-Baltimore, 1908) logró el éxito y se forjó una reputación con sus soluciones constructivas, especialmente con la llamada bóveda tabicada o catalana de origen romano y mediterráneo. En una época en la que Nueva York era pasto de pavorosos incendios,  jugó una gran baza. Construyó unas cuantas pequeñas edificaciones según sus técnicas y tras incendiarlas demostró que resistían las llamas. Así se ganó la admiración y la confianza de sus colegas americanos.

En su etapa estadounidense construyó alrededor de un millar de edificios entre los que destaca la Grand Central Terminal, la estación ferroviaria con mayor actividad del mundo, unos 750.000 viajeros diarios. Espacios tan dispares como la biblioteca pública de Boston o la Catedral de San Juan Divino en Nueva York, cuya inmensa cúpula central podría contener la Estatua de la Libertad. También la primera estación de metro, el Zoológico del Bronx, Carnegie Hall, el edificio de la Reserva Federal o el puente de Queensboroug’s, en el que Woody Allen se inspiró en la película que lleva ese nombre. Sus obras se encuentran también en Baltimore, Boston, Filadelfia y otras ciudades.

Rodaje de 'El arquitecto de Nueva York', de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Rodaje de ‘El arquitecto de Nueva York’, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Mujeriego empedernido

La faceta humana del arquitecto es más difusa, aunque sí parece claro que fue un gran mujeriego. De hecho, su exilio a Nueva York fue provocado en parte por un lío de faldas. Abandonado por su adinerada mujer, harta de sus constantes infidelidades emprendió el viaje con una de sus amantes y uno de sus cuatro hijos, que contaba a la sazón nueve años y que prosiguió su obra en Estados Unidos. Dejaba en Barcelona algunas deudas y a una sobrina embarazada. De su intensa vida sólo quedan tres retratos fotográficos que lo representan en tres momentos de su vida.

También se sabe con certeza que nació en la Plaza de la Reina, que su abuelo residió en Vila-real y que padre era ebanista y de origen italiano. En Barcelona dejó sus estudios en artes por los de la Escuela Especial de Maestro de Obras, donde forjó su estilo a partir de la «construcción cohesiva»: bóvedas para fábricas, masías y fincas que suponían un importante ahorro económico, ya que no requerían de encofrado y eran resistentes al fuego.

Gracias al filme de Endora su rostro será por fin familiar a los valencianos y pasará a la galería de personajes ilustres que pusieron esta tierra a muy alto nivel.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

El arquitecto de Nueva York, de Eva Vizcarra. Imagen cortesía de sus autores.

Bel Carrasco

Librerías que se van, ¿sueños que se acaban?

Cristina Guzmán Traver, Fragments de cultura
Palau de Pineda, Plaza del Carmen, 4.
Hasta el 30 de noviembre de 2015

La cerámica de Cristina Guzmán Traver rinde tributo a las librerías

Aquel paraíso que imaginó Borges en forma de librería podría tener un futuro incierto. Los datos son demoledores; indican que entre dos y tres locales clausuran su actividad diariamente.[1] La clave de su supervivencia podría implicar un aumento de apoyo al sector (estableciendo por ejemplo un sello de calidad que permita beneficios fiscales), la reinvención de estos espacios o la creación de nuevas políticas de fomento a la lectura.[2] Pero lo cierto es que, mientras se determinan soluciones, la lucha contra este destino también se visibiliza simbólicamente a través de algunos proyectos artísticos. Desde esa perspectiva, Cristina Guzmán Traver realiza un seguimiento de las librerías emblemáticas que han cerrado recientemente sus puertas y desarrolla una serie de gestos y acciones apoyados en la escultura, la instalación y la pintura como reivindicación de aquel lugar soñado. Algunas de ellas centenarias y todas referentes en sus ciudades, estas librerías se convirtieron en auténticos lugares de encuentro intelectual y humano superando el exclusivo cometido de empresa. Las librerías Luque en Córdoba, Machado en Sevilla, Martínez Pérez y Proa en Barcelona, Galí en Santiago de Compostela o la librería Rumor en el barrio de Chamartín de Madrid cerraron sus puertas y con ello desdibujaron parte de la identidad local.

Cristina Guzmán Traver. "Llibres", gouache sobre papel, 2015. Cortesía de la artista.

Cristina Guzmán Traver. «Llibres», gouache sobre papel, 2015. Cortesía de la artista.

Siguiendo este dramático proceso, durante el mes de noviembre Valencia despedirá otro referente cultural. La librería Valdeska finaliza su etapa y lo hace tal y como comenzó: alejada de las novedades y los best sellers, configurando lo que para algunos fue más bien una “no-librería” cuyo camino se orientaba hacia el arte, el pensamiento y la literatura.[3] En este sentido, la exposición Fragments de Cultura inaugurada recientemente en el Palau de Pineda, recrea iconos a partir del atractivo que representa la particular identidad de las librerías pequeñas y su labor como narradoras de historias. Desde las sutiles alienaciones de estanterías en las composiciones de gouache y las piezas de cerámica y gres que reúnen montañas de pequeños libros agrupados bajo la figura del lector, la mirada de Cristina Guzmán configura un entorno de contrastes donde las texturas incorporan la calidez a la materia hasta llevarla a su origen. Si para Neruda fuimos “párpado del barro trémulo y forma de la arcilla”, en la obra de esta autora somos el recuerdo de la tierra, de sus surcos y su tiempo.[4] Proyectadas desde los comienzos con estructuras de metal, madera o cemento, sus esculturas se consolidan en torno al barro, convirtiéndose en el material más importante en su trayectoria artística. La cerámica actúa como símbolo de permanencia y establece vínculos secuenciales con los trabajos de otros artistas como sus maestros Arcadi Blasco y Enric Mestre, ciertas expresiones de Elena Colmeneiro y, principalmente, con el minimalismo de María Bofill desde un interés por los objetos pequeños y su calidad de ejecución.

No es la primera vez que Cristina Guzmán incorpora la instalación en sus proyectos. El estudio de la técnica, los diferentes métodos de cocción y la integración de nuevos soportes consolidaron otras como Cartes al vent, donde asocia al discurso nuevos ingredientes como el papel y el texto, para posteriormente expandir sus esculturas e integrar la fotografía o el dibujo. En este sentido, la instalación presentada en la exposición compuesta por nueve libros aislados desde la individualidad de nueve peanas, resume  parte de estos procesos y representa la naturaleza de los materiales y el equilibrio de los volúmenes que el fuego petrificará para siempre.

Cristina Guzmán Traver. Instalación "Llibreries", cerámica, hierro y metacrilato, 2015. Cortesía de la artista.

Cristina Guzmán Traver. Instalación «Llibreries», cerámica, hierro y metacrilato, 2015. Cortesía de la artista.

Los libros, convertidos en elementos ajenos al mundo y a la vida, permanecen envueltos en cajas de metacrilato, reposando inertes en sus nichos transparentes. “Murieron 912 y nacieron 226” era la sentencia con la que arrancaba un reciente artículo para explicar el panorama que, hoy por hoy, resisten las librerías. Y como si de un escenario se tratara, la obra de Guzmán representa arquitecturas imaginadas que aluden a cada cierre y nos conducen a reflexionar sobre el vacío de la comunicación, la desaparición de estos espacios (la nostalgia por aquella librería-buena-de-siempre en cuyo local, ahora, han abierto un McDonald’s…) y la pérdida del relato que generó estar en ellos. Porque en muchas ocasiones descubríamos que el librero era también poeta, editor, diseñador, escritor, fotógrafo… y su aportación enriquecía el propio mundo del libro. Valdeska siempre fue una librería peculiar que comenzó en 1979 en la calle Quart, después en Gobernador Viejo, para continuar desde el inicio del IVAM en 1989, hasta llegar a su última ubicación en la calle del Mar. De la mano de Sergio de Diego, Valdeska fue un lugar habitado por historias interesantes que invitaban al hedonismo y a respirar la vida.

Bajo el lema ‘Leer es viajar’ el pasado 13 de noviembre se celebraba la quinta edición del Día de las Librerías cuya iniciativa reivindicaba su papel como motor de la cultura. Recientemente comprobamos con cierta esperanza la sucesión de reconocimientos. Por un lado la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL) y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte concedió a Traficante de sueños, de Madrid, el Premio Librería Cultural 2015, destacando así la figura del librero como agitador cultural, y por otro la Consellería de Cultura de la Generalitat Valenciana acaba de distinguir a un lugar emblemático como la librería París-Valencia con el Premio a la Mejor Trayectoria. Todavía nos queda el libro sustentado por páginas de aromas (de cada 100 publicados, 75 continúan editándose en papel) y, en palabras de Daniel Pennac, nos queda la dicha de ser lectores.[5] Porque “la lectura no depende de la organización del tiempo social, es, como el amor, una manera de ser”.

Cristina Guzmán Traver. "Llibres", gres, arcilla y esmaltes óxidos, 2015. Cortesía de la artista.

Cristina Guzmán Traver. «Llibres», gres, arcilla y esmaltes óxidos, 2015. Cortesía de la artista.

Maite Ibáñez


[1] Informe Observatorio de la Librería 2014, presentado en febrero de este año por la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL)

[2] “En España, a diferencia de otros países europeos, no existe ningún tipo de régimen fiscal especial para las librerías, ni están sujetas a deducciones por tratarse de un local cultural. Una librería es el mismo tipo de comercio, a efectos fiscales, que una tienda de ropa. Paula CORROTO, “Librerías: muerte, renovación o burbuja, El diario.es, 08/03/2015

[3] Alfons GARCÍA, “Valdeska se despide”, Levante, 06/10/2015

[4] Pablo NERUDA, del poema Amor América, “El hombre tierra fue, vasija, / párpado del barro trémulo, forma de la arcilla […]”

[5] Daniel PENNAC, Como una novela, Anagrama, Barcelona, 1996

Cristina Guzmán Traver. "Lectors de llibres", gres, arcilla y esmaltes óxidos, 2015. Cortesía Inma Caballer.

Cristina Guzmán Traver. «Lectors de llibres», gres, arcilla y esmaltes óxidos, 2015. Cortesía Inma Caballer.