El verano de Es Baluard

Es Baluard, en Palma de Mallorca, presenta la programación completa de julio, agosto y septiembre para avanzar las actividades culturales, educativas y de formación, así como las exposiciones.

ACTIVIDADES:

Todo el verano: Visitas dinamizadas a Escuelas de verano de martes a viernes de julio y agosto a las 10h. Actividad gratuita con reserva previa al 971 908 201

JULIO

Del 25 de junio al 14 de julio en horario habitual del museo. Videoinstalación Festival ME_MMIX stone speeches de Raquel García Tomás.

4 de julio de 11:00 a 13:00 horas. Taller “Dentro de la muralla” para niños y niñas de 5 a 12 años organizado por Arquitectives, colectivo asociado de Es Baluard. 15€ por participante y taller, 52€ por participante y 4 talleres. Descuento del 10% para miembros de Amics d’Es Baluard. Se reservarán 5 plazas a un precio de 2€ para niños residentes en el barrio del Puig de Sant Pere. Reservas en: difusio@esbaluard.org

4 julio a las 20:00 horas. Presentación “Es Baluard, un nuevo modelo de museo: la innovación desde la gestión y la educación” en Espai Cultural Fundació Baleària, Es Polvorí (Baluard de Santa Llúcia, Eivissa). Actividad gratuita.

4, 10, 18, 25 de julio de 20:00 a 24:00 horas. Cortometrajes “Mecal Air” en los exteriores de Es Baluard. Precio: 3,5€.

9 de julio a las 19:00 horas. Visita “Implosió vista por…Catalina Joy” centrada en la figura de Hermen Anglada-Camarasa y su entorno”. Actividad gratuita. Inscripciones en artistica01@esbaluard.org

9, 16, 23 y 30 de julio de 18 a 20 horas. “Taller de Poetry Slam”. 40€ (10% de descuento para Amics d’Es Baluard). Inscripciones: poetryslammallorca@gmail.com

16 de julio de 11:00 a 13:00 horas. Taller “Arquitectours en el Puig de Sant Pere” para niños y niñas de 5 a 12 años organizado por Arquitectives, colectivo asociado de Es Baluard. 15€ por participante y taller, 52€ por participante y 4 talleres. Descuento del 10% para miembros de Amics d’Es Baluard. Se reservarán 5 plazas a un precio de 2€ para niños residentes en el barrio del Puig de Sant Pere. Reservas en: difusio@esbaluard.org

17 de julio a las 19:00 horas. Charla sobre la exposición de Miao Xiaochun e introducción al arte electrónico en China a cargo Menene Gras en el Auditori. Actividad gratuita.

23 de julio de 11:00 a 13:00 horas. Taller “Enmarcando el barrio” para niños y niñas de 5 a 12 años organizado por Arquitectives, colectivo asociado de Es Baluard. 15€ por participante y taller, 52€ por participante y 4 talleres. Descuento del 10% para miembros de Amics d’Es Baluard. Se reservarán 5 plazas a un precio de 2€ para niños residentes en el barrio del Puig de Sant Pere. Reservas en: difusio@esbaluard.org

29 de julio a las 22 horas. Performance “Futuro performance” con miembros de Oso Leone- Joan Bennassar Cerdà-colectivo danza Helium. Gratuito.
Del 29 de julio al 2 de agosto de 10:00 a 13:00 horas. Residencia “Beat attitude!” en el Observatori. Precio de entrada al museo.

30 de julio de 11:00 a 13:00 horas. Taller “El barrio el museo” para niños y niñas de 5 a 12 años organizado por Arquitectives, colectivo asociado de Es Baluard. 15€ por participante y taller, 52€ por participante y 4 talleres. Descuento del 10% para miembros de Amics d’Es Baluard. Se reservarán 5 plazas a un precio de 2€ para niños residentes en el barrio del Puig de Sant Pere. Reservas en: difusio@esbaluard.org

AGOSTO

1 y 2 de agosto de 10:00 a 13:00 horas. Residencia “Beat Attitude!” en el Observatori.
1, 8, 14, 22, 29 de agosto de 20:00 a 24:00 h. Cortometrajes “Mecal Air” en los exteriores de Es Baluard. Precio: 3,5€.

5 de agosto de 11:00 a 13:00 horas. Taller “Tomar la sombra” para niños y niñas de 5 a 12 años organizado por Arquitectives, colectivo asociado de Es Baluard. 15€ por participante y taller, 52€ por participante y 4 talleres. Descuento del 10% para miembros de Amics d’Es Baluard. Se reservarán 5 plazas a un precio de 2€ para niños residentes en el barrio del Puig de Sant Pere. Reservas en: difusio@esbaluard.org
5 y 6 agosto de 18:00 a 24:00 horas. “I Science Slam de Mallorca”. 3€ una noche, 5€ dos noches. Programa:

-5 de agosto a las 18 horas. “Taller de comunicación oral a través de las artes escénicas” con The Big Van Theory. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 5 de agosto.

-5 de agosto a las 20:30 horas. “Researchers 3 minutes open mic”. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 5 de agosto.

-5 de agosto a las 21:30 horas. “The Big van Theory Show”. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 5 de agosto.

-5 de agosto a las 23:00 horas. “El after de los científicos”. Proyecto de Marga Gual y el VJ Xisco Fernández con música de ConejoManso. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 5 de agosto.

-6 de agosto a las 18:00 horas. “Masterclass con Mauricio Shwartz”. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 6 de agosto.

-6 de agosto a las 20:30 horas. Charla sobre neuroestética “Los mecanismos neuronales que subyacen al arte abstracto y figurativo” con el Dr. Albert Flexas. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 6 de agosto.

-6 de agosto a las 21:30 horas. “Science Slam”. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 6 de agosto.

-6 de agosto a las 23:00 horas. “El after de los científicos”. Proyecto de Marga Gual y el VJ Xisco Fernández con música de ConejoManso. Precio: 3€ incluidos en la entrada general del 6 de agosto.

14 de agosto a las 19:00 horas. Visita “Implosió vista por…Soad Houman” centrada en la corriente academicista en Mallorca, antes de la llegada del modernismo”. Actividad gratuita. Inscripciones en registre@esbaluard.org

17 y 18 de agosto: “Les Clíniques d’Es Baluard” en Pronostica Menorca.
SEPTIEMBRE

3, 10, 17 y 24 de septiembre de 21:00 a 24:00 horas. Cine de verano en colaboración con Cineciutat. Patio central. Precio y programación por definir.

3 de septiembre a las 19:00 horas. Conversaciones Tabula Rasa “¿Se puede construir una generación?” con los artistas Neus Marroig, Bartomeu Sastre, Javier Siquier, Tomás Pizá, Mariaema Soler, Albert Pinya, Jaume Orejuela, Bel Fullana, Julià Panadès y los comisarios Fernando Gómez de la Cuesta y Pau Waelder. Actividad gratuita en el Auditori.

4 de septiembre (Día Mundial de la Salud Sexual) a las 19:30 horas. Mesa Redonda sobre sexualidad a partir de “Gabinet: 6×6”. Actividad gratuita con la colaboración de ALAS.
5 y 6 septiembre de 20 a 24 horas. Conciertos “Pecan Pie Festival” en el Patio Central. 13€ un día, 21€ dos días.

7 de septiembre de 12 a 14 horas. “Diumenge Clandestí. Swing i art modern als exteriors del museu”. Actividad gratuita.

14 de septiembre a las 22 horas. Concierto “14DRUMS@2014”. Organiza: Neotokyo. Actividad gratuita. Patio central.

16, 17 y 18 de septiembre. Videoacción JMRAADLJXTCREA 15º aniversario de Produccions de ferro. Aljub.

17 septiembre a las 19:00 horas. Presentación Muu (Helsinki) con Timo Soppela. Auditori. Actividad gratuita.

18 de septiembre: “Nit de l’Art”.

-Entrada gratuita en el museo de 19:00 a 24:00 horas.
-Inauguración del proyecto en El Corte Inglés

Jaume III a las 18:00 horas. Inauguración de la exposición “Marcelo Viquez. Riesgo necesario” a las 19:00 horas.
26 de septiembre a las 19:00 horas. “Encuentros Conceptuales No Previstos”. Actividad gratuita. En el auditori.

27 de septiembre a las 10:00 horas. Taller “Encuentros Conceptuales No Previstos” impartido por Aris Spensas. Inscripción previa. Más información en difusio03@esbaluard.org

 

EXPOSICIONES

(Precio y horario habituales del museo De martes a sábado de 10:00 a 20:00 horas. Domingos de 10:00 a 15:00 horas)

Planta 0. Implosió. Colección permanente. Hasta el 11 de enero de 2015.

Aljub. Miao Xiaochun. Microcosmos. Coproducción con Casa Asia. Del 18 de julio al 31 de agosto.

Planta -1. Tabula Rasa o la (im)posibilidad de construir una generación. Hasta el 21 de septiembre.

Observatori: Saltando Muros. Hasta el 27 de julio.

Observatori: Beat Attitude!. Exposición de resultados del proceso de trabajo de la residencia. Del 3 al 18 de agosto.

Observatori: Festival Pronostica (Menorca) y La Cosa. Del 19 de agosto al 14 de septiembre.

Observatori: Muu (Helsinki). Del 17 septiembre al 19 octubre.

Gabinet: 6X6. Hasta el 7 de septiembre.

Gabinet: Marcelo Viquez. Riesgo Necesario. Del 19 de septiembre al 30 de noviembre.

 

Visionado de Portafolios SELECTA-15 en el IVAM

Selecta-15
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Sábado 18 de abril de 2015

SELECTA-15 arranca mañana sábado con una primera actividad: el visionado de portafolios de los alumnos y alumnas del Máster Oficial en Producción Artística (MPA), en colaboración con el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern. SELECTA es un proyecto organizado por la Facultat de Belles Arts de Valencia que tiene como objetivo ofrecer una experiencia de profesionalización al alumnado del Máster Oficial en Producción Artística, para dar visibilidad a su producción visual y establecer puentes de comunicación con el sistema del arte. SELECTA se ha consolidado desde 2011 como una importante plataforma para los artistas jóvenes.

En el marco de SELECTA-15 se ha convocado al alumnado del MPA a participar en el Primer Visionado de Portafolios con el fin de promover su trabajo, solidificar sus proyectos artísticos, incentivar nuevas prácticas y ampliar las redes de trabajo a futuro, a través de los visionadores y demás participantes. Por medio de una convocatoria abierta a todo el alumnado del MPA se han presentado 39 portafolios de artistas. Cada estudiante dispondrá de un tiempo para presentar su obra al público. El evento durará de 10h a 14:30h y de 16:30h a 20:00h.

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El director de SELECTA-15, Pepe Miralles, ha explicado que la Comisión Académica del Máster de Producción Artística ha realizado gestiones para que acuda el mayor número posible de personas de relevancia en el mundo del arte de nuestra ciudad: artistas, galeristas, críticos, curadores, coleccionistas, gestores, etc.

Una cita ineludible en el panorama artístico joven de la ciudad

El proyecto SELECTA-15 incluye otras muchas actividades programadas para los próximos meses. Por ejemplo, fruto de la colaboración entre el MPA y la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC), tendrá lugar el encuentro Art Dating, cuya tercera edición se va a llevar a cabo en el mes de mayo de 2015. Art Dating posibilitará al alumnado del máster y a los socios de AVVAC participar en un showroom para presentar sus trabajos ante un grupo galeristas, críticos de arte, comisarios y artistas. Los tres días que durará este encuentro contará con la colaboración del IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, donde se realizarán mesas redondas en la que se debatirá temas de interés sobre el sistema del arte.

Varias galerías de arte se han prestado a colaborar con la Facultat de Belles Arts ofreciendo su espacio y su experiencia profesional para exponer los trabajos de los y las estudiantes mediante muestras colectivas e individuales, englobadas todas ellas bajo el título de Emergens. Las obras que se van a exponer serán las seleccionadas por los propios galeristas y profesionales, quienes tendrán acceso a los dosieres de los y las estudiantes del MPA mediante un proceso de visionado de los mismos.

Además de las propuestas expositivas de las galerías de arte en esta quinta edición se realizará un proyecto de intervenciones en el espacio público organizado por profesorado de esta línea de intensificación del MPA y exposiciones colectivas organizadas por los y las estudiantes del MPA.

Como parte de las actividades de SELECTA15 se concederán dos residencias artísticas, una en Addaya Centre d´Art Contemporani, Alaró (Mallorca), para un estudiante del máster seleccionado por la galería, y la otra en C.C. FARO de Oriente, México DF.

SELECTA-15 no solo pretende exponer los trabajos del alumnado del Master Oficial en Producción Artística, sino que se complementa con las actividades que los miembros de la Asociación Valenciana de Educadores de Museos (AVALEM) van a realizar en colaboración con los artistas y los espacios expositivos. Las actividades ‘Dinamizar el arte: propuestas de interacción educativa’ y el ‘Laboratorio itinerante de educación artística’ pretenden abrir un espacio de diálogo estructurado entre los artistas participantes y los educadores artísticos.

Esta experiencia de profesionalización está organizada por la Comisión Académica del MPA y el Vicedecanato de Cultura de la Facultat de Belles Arts con la colaboración del Área de Actividades Culturales del Vicerrectorado de Alumnado y Extensión Universitaria de la UPV.

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Más información sobre SELECTA-15
Imagen de portada: Tercera jornada de Art Datting en SELECTA-14, con Beatriz Herraez, Tania Pardo, Rafael Doctor Roncero, Juan de Nieves, Nuria Güell e Isidro Lopez-Aparicio. Cortesía de AVVAC.

MAKMA colabora con SELECTA-15

Moisés Yagües, artista de cabezas

Cabeza de artista, de Moisés Yagües
Centro Internacional de la Estampa Contemporánea
Rúa do Castro, 2. Betanzos (A Coruña)
Hasta el 26 de febrero, 2015

La serie de Moisés Yagües (Molina de Segura, Murcia, 1972), ‘Cabeza de artista’  presenta obras gráficas realizadas con la técnica tradicional de la punta seca pero iluminadas a mano. Yagües propone una visión irónica del mundo del arte, tratado con humor y un aire festivo.

Autodidacta, su formación en la gráfica y la ilustración se ha perfilado gracias a becas y estancias de formación, entre ellas en el Centro de Arte Guanlan de Shenzhen en China, en Casa Falconieri de Cerdeña, en la Fundación Pilar y Joán Miró de Mallorca o en el CIEC de Betanzos. Además, compagina su faceta como artista con la docencia artística en Educación Infantil y Ciclo de Primaria.

Cabeza Bacon, de Moisés Yagües, en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos (A Coruña). Cortesía del autor.

Cabeza Bacon, de Moisés Yagües, en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos (A Coruña). Cortesía del autor.

Este contacto con los más pequeños se trasluce en el espíritu libre de sus obras y en los peculiares nombres que las identifican. Además de su participación en muestras colectivas nacionales e internacionales (entre ellas la 28ª Bienal de Arte Gráfico de Ljubljana y la bienal IEEB5 de Bucarest), ha recibido reconocimientos como el Segundo Premio en el XXXIV Premio Internacional Carmen Arozena, el primero en el IX Certamen de Creación Joven de Almería, el Premio de la Calcografía Nacional en 2007 o el Premio Corzón en los XVI Premios Nacionales de Obra Gráfica del Museo de Marbella.

Moisés Yagües, trabajando en su estudio. Imagen cortesía del autor.

Moisés Yagües, trabajando en su estudio. Imagen cortesía del autor.

Moisés Yagües entiende el arte como un arma cargada de crítica e ironía, como un juego pero que hay que tomarse muy en serio. Ha mostrado su obra en ferias de arte contemporáneo como ArtMadrid, JustMad, Estampa, Chaco (Chile), Artelisboa (Portugal), AAF Hamburgo/London/Bruselas, Contemporary Art Ruhr(Alemania). Ha expuesto en galerías de España, Alemania, EEUU, Japón.

Su trabajo ha sido seleccionado para bienales como las ya citadas XXVIII Bienal de Arte Gráfico de Ljublljana (Eslovenia) y IEEB5 de Bucarest (Rumanía),  además de Münsterlandfestival pArt.3 Lüdinghausen (Alemania). Su obra forma parte del Centro Internacional del Arte Gráfico de Ljubljana (Eslovenia), Museo Kloster Bentlage (Alemania), Museo Burg Vischering. Lüdinghausen. (Alemania),Guanlan Print. Shenzhen.(China), Calcografía Nacional (Madrid), Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca), Museo de grabado de Acqui Terme (Italia), Museo del Grabado Español Contemporáneo (Marbella), Fundación CIEC. Betanzos. (A Coruña) y Fundación Casa de la Moneda(Madrid), entre otros.

Picasso en el taller, de Moisés Yagües, en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos (A Coruña). Cortesía del autor.

Picasso en el taller, de Moisés Yagües, en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos (A Coruña). Cortesía del autor.

Javier Izquierdo: #passionformagaluf

Javier Izquierdo, #passionformagaluf
Galería La Real
Camí de La Real, 5. Palma de Mallorca

 

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

“Sancionada con entusiasmo como la nueva Bohemia artística, comparada efusivamente con la Rive Gauche de París o con el Soho de Londres, Lower East Side se convirtió en el paradigma de la moda más extremada de Nueva York. Las galerías de arte, los elegantes clubs, las escuelas de danza y los intrépidos bares-caverna fueron la avanzadilla de la reinversión económica. Y también los restaurantes. Un periodista del Wall Street Journal describe así las posibilidades culinarias de este territorio comanche: ‘Para cenar, un restaurante nuevo de la Avenida C, Bernard, ofrece cocina francesa orgánica. Unas ventanas de vidrio traslúcido protegen a los comensales de la vista de los bloque de viviendas quemados del otro lado de la calle, mientras mordisquean sus filetes de ternera a 18 dólares’. Por supuesto, los pobres, los abandonados y los sin techo del barrio resultan casi invisibles, incluso aunque los vidrios no fuesen traslúcidos. El esqueleto del edificio del cual han sido desalojados es lo único que amenaza con entrometerse”.[1]

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Algunas imágenes preferiríamos no verlas, pero eso no evitará que los hechos se sucedan. Nuestros resortes de autodefensa se conectan para evitarnos el mal trago de ver aquello que nos desagrada, las escenas que nos incomodan, las situaciones que se escapan al canon publicitario de una existencia perfecta y ortodoxamente feliz. Pero la realidad es persistente y se sobrepone, una y otra vez, hasta dejar patente su huella en nuestras retinas, queriendo tintar de normalidad su reflejo.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

La creación de la imagen ambiental es un proceso bilateral entre observador y observado. Lo que él ve se basa en la forma exterior, pero la manera como interpreta y organiza esto, y cómo orienta su atención, influye a su vez en lo que ve. “El organismo humano es sumamente adaptable y flexible, y diferentes grupos pueden tener imágenes sumamente diferentes de la misma realidad exterior”.[2]  En ocasiones una campaña publicitaria puede mostrarnos un entorno convertido en paraíso terrenal para legitimarse como destino vacacional, pero quizás lo que el turista encuentre sea el  abismo por el que se precipitan las más básicas normas de convivencia y civismo. Así funciona la doble moral cuando el negocio entra en juego y así lo pone de manifiesto las imágenes de Javier Izquierdo. Nuestra cultura, a diferencia de otras, prefiere esconder el fracaso y disimular el error, por lo que nuestra evolución se convierte en una tarea complicada, pues es por medio de esos reconocimientos que lograríamos subsanar déficits que hace ya mucho que nos acompañan.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Mientras que el fotoperiodismo se mantiene ligado a la inmediatez y la caducidad de la noticia, el reportaje se introduce en un territorio atemporal para narrar y documentar un acontecimiento. La llegada del archivo y el documento gráfico al territorio del arte no es nueva, en este caso se produce en Palma con el trabajo #passionformagaluf de Javier Izquierdo, de la mano de la Galería La Real. Sin embargo, es poco habitual que una galería de arte apueste por mostrar un conflicto que sucede en su propio territorio. Siempre es más cómodo comprometerse con causas lejanas que tomar posición en asuntos que nos quedan cerca, pues el riesgo asumido es mayor. Tanto el autor como la galería ratifican con este proyecto una actitud firme, que dista del buenismo caritativo con el que miramos los males ajenos. El lugar es “aquí” y el tiempo es “ahora”, pues para evitar la impostura que continuamente reverbera deberemos empezar por ponernos delante de un espejo. La incomodidad está servida.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

El trabajo de Javier Izquierdo se enmarca en el documentalismo clásico, captando instantes sobre los que se posa su cámara, pues no sólo en los conflictos armados se libran batallas. Magaluf, una zona de explotación turística intensiva en la isla de Mallorca, ha sido el entorno elegido por el fotógrafo. Desarrolla un trabajo documental que persigue plasmar la cotidianidad de un lugar que se transforma con la llegada masiva de jóvenes británicos en su mayoría, en una inacabable búsqueda de alcohol y sexo. Las imágenes recopiladas no son un signo de lo excepcional, sino que reflejan el paisaje habitual durante ciertos meses del año. El lugar se ha convertido en un parque temático del desfase, en el que los excesos se suceden como parte de una misma representación que cambia de actores cada día sin que varíe el hilo argumental. Ese bucle sin fin, esa masa embrutecida, representa el fracaso de cualquier constructo educativo en una sociedad desarrollada.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Cuando la prioridad es la rentabilidad económica a corto plazo, se aplican políticas que obvian la sostenibilidad ambiental y las consecuencias sociales de promocionar esos modelos de relación. Seguramente los propietarios de las corporaciones hosteleras no quisieran para sus hijos el tipo de holidays en el que han basado su explotación de negocio. Esta es la “cara B” del modelo turístico y económico de la isla, la que no aparece en los folletos, aunque progresivamente ha ido acaparando espacio en la crónica de sucesos de los informativos.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Con este trabajo fotográfico Javier Izquierdo evita los juicios morales, pues lo que persigue es hacer consciente al espectador de su responsabilidad. El ciudadano debe recuperar su autoridad sobre las decisiones administradas desde los órganos del poder político y económico, esa es la gran transformación social que debiera desarrollarse. Lograr el reempoderamiento implica deshacerse de la actitud de indiferencia propiciada por la democracia representativa, carente de fórmulas para la participación, que solo designa a los ciudadanos la función de acudir a las urnas, deseando de inmediato que vuelvan al estado de sopor.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Las bases de esas transformaciones se deben planear en el terreno del sistema educativo, marcando objetivos claros que impulsen resultados lentos pero exponenciales. Es tiempo de desplazar el modelo educativo enraizado en los saberes memorísticos para extender otras formas de aprendizaje y formación integral de las personas, que contemple al individuo en su conjunto y contribuya al estímulo de sus potencialidades. Las tendencias de homologación personal, así como el desprecio de las singularidades humanas, se convierten en obstáculos que empobrece el principal yacimiento de riqueza que posee la sociedad: las capacidades de cada individuo.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

No puede pasarse por alto el nivel de frustración de la juventud. La exacerbación lúdica recogida en las imágenes de Javier Izquierdo da signos de una huída a ninguna parte; seguramente porque no hay un lugar posible. Aplacar el dolor con alcohol y participar en un ritual colectivo de iniciación, puede que sea ese el modo antropológico de dar salida a un estado irretornable que conduce a la edad madura. Entre tanto algunos se quedarán por el camino, literalmente, otros puede que acarreen en sus vidas consecuencias de diferente índole y unos pocos, desde la barrera, comerciarán con esta explosión de júbilo conducida bajo patrones de consumo.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

No anda escaso de razón Neil Postman cuando postula que, si bien hemos logrado obviar un mundo dominado por el fascismo temido por Orwell, estamos sin embargo inmersos en el peligro real de deslizarnos hacia un mundo, entrevisto por Aldous Huxley, en el que predomina el olvido y la irrelevancia. Orwell temía a quienes podían prohibir los libros, privarnos de información y alejarnos de la verdad, secuestrando nuestra cultura[3]. Huxley, sin embargo, temía que no hubiera razón para prohibir  los libros, porque nadie quisiera ya leerlos, temía que tuviéramos tanta aparente libertad, que nos convirtiéramos en seres pasivos y egoístas; temía que la verdad se ahogara en un mar de asuntos irrelevantes; temía que nos convirtiéramos en una cultura trivial.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

Javier Izquierdo. #passionformagaluf. Imagen cortesía de Galería La Real.

José Luis Pérez Pont


[1] SORKIN, Michael. Variaciones sobre un parque temático. La nueva ciudad americana y el fin del espacio público. Gustavo Gili, Barcelona, 2004.
[2] LYNCH, Kevin. La imagen de la ciudad. Gustavo Gili, Barcelona, 1984.
[3] GARCÍA NOBLEJAS, Juan José. Medios de conspiración social. EUNSA, Pamplona, 1997.

Paco y Manolo, de intensidades y pérdidas

Preludio, de Paco y Manolo
Con la colaboración de Nauzet Mayor
Espai Tactel
C / Denia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 27 de junio
Hasta el 8 de agosto

“Lo único que merece la pena vivir en la vida es la posibilidad de experimentar de vez en cuando un momento perfecto. Y tal vez incluso más que eso, tener la capacidad de recordar esos momentos en su totalidad, contemplarlos como joyas” (Paul Bowles, ‘La casa de la araña’).

Todo el trabajo de los artistas Paco y Manolo ha girado en torno a los mismos temas: “la fugacidad de los momentos vividos, la intensidad del encuentro y la oscuridad de la pérdida”, explica Ismael Chappaz, co-director de Espai Tactel. “Esta oscuridad”, continúa diciendo, “desde el punto de vista de su propia existencia, fue el motivo principal de su anterior exposición en Espai Tactel, de Valencia, y Addaya, en Mallorca, ‘Memento Mori’, donde la sensación de ‘nos queda menos tiempo del que hemos vivido’ dio lugar a un trabajo mucho más oscuro y amargo”.

'Preludio', de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Preludio’, de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

En ‘Preludio’, Paco y Manolo trabajan los dos aspectos. “Por un lado”, señala Chappaz, “juegan con las imágenes que nos enseñan la felicidad del momento vivido y las mezclan con reflejos y distorsiones para así convertirlas en espejismos. Finalmente, una serie de imágenes, a la manera de los larvae convivalis, les animan a aumentar esa sensación de felicidad, dando lugar a la fugacidad de la existencia”.

Según los artistas, “la vida es el preludio de ese momento en el que la pérdida (del amor, de la juventud, de la belleza) es el mayor de los males a los que nos hemos de enfrentar”.

'Preludio', de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Preludio’, de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

La comisaria Marisol Salanova alude a Borges, cuando decía que la muerte es una vida vivida y la vida es una muerte que viene. “Paco y Manolo nos presentan escenas de juventud, goce y belleza como preludio al desvanecimiento en un ejercicio de hermenéutica del cuerpo donde los estereotipos no tienen cabida”.

“Las vulnerabilidades del cuerpo”, prosigue Salanova, “y la identidad son un tema recurrente en la obra de esta pareja de fotógrafos catalanes conocidos sobre todo por los retratos que han realizado a lo largo de más de quince años. Si ya habían explorado la sensación de que el tiempo se nos escapa y es el cuerpo quien constantemente nos lo señala durante una primera muestra en Espai Tactel titulada ‘Memento Mori’, ahora vuelcan su talento en una segunda individual, donde podemos disfrutar de sus fotografías y una puntual colaboración escultórica con el artista canario residente en Mallorca Nauzet Mayor”.

'Preludio', de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Preludio’, de Paco y Manolo. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Hinterlandmark y El Pabellón

Hinterlandmark y El Pabellón
Addaya Centro de Arte Contemporáneo
C/ Alexandre Rosselló, 10. Alaró Mallorca
Inauguración: 26 de abril a las 20:00 h.
Hasta el 14 de junio de 2014

Hinterlandmark celebra los primeros diez años de trayectoria de Addaya Centro de Arte Contemporáneo. La exposición está comisariada por Alex Brahim a partir de la colección de Addaya, que incluye obras desarrolladas por los artistas durante sus residencias en el centro, obras realizadas por artistas residentes pero concebidas fuera de su estancia, así como obras de otros autores, adquiridas a lo largo de estos años.

Jorge Fuembuena, "Serie Holidays". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Jorge Fuembuena, «Serie Holidays». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Hinterlandmark surge de un juego de palabras donde se entrecruzan los vocablos ingleses hint (pista, indicio, alusión…) y landmark (hito, punto de referencia), con el alemán hinterland (tierra posterior), en una clara alusión a la situación y la trayectoria de Addaya: un lugar periférico, en un pueblo de cinco mil habitantes dentro de una isla, pero que reviste un particular valor y gran peso simbólico para los artistas, coleccionistas y público que se relacionan con su iniciativa. Un área de influencia que ha facilitado el paso de autores nacionales y extranjeros y que ha permitido a Addaya, en tanto que galería y centro de arte, abrirse a las ferias nacionales y a nuevas alianzas con distintos agentes y entidades.

Mariana Sarraute, "El milagro del pan y los peces". Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Mariana Sarraute, «El milagro del pan y los peces». Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Jennis Li Cheng Tien, "Counterforce". imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Jennis Li Cheng Tien, «Counterforce». imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Esta muestra expositiva recoge una selección representativa del espectro de trayectorias, temáticas y formatos artísticos que han acompañado una construcción siempre en proceso abierto. La muestra está dividida en dos bloques: no sólo ocupa las instalaciones de Addaya, sino también tiene sede en Casal Son Tugores.

Aurelio Ayela, "Kylie Minogue". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Aurelio Ayela, «Kylie Minogue». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

No se trata de un inventario razonado, pero es una amplia muestra de las obras que a lo largo de esta década han ido añadiéndose a la colección. Entre ellas pinturas, fotografías, instalaciones, dibujos, esculturas y vídeos. Obras que nos narran la historia del centro, estableciendo marcos de relación entre las piezas, permitiendo conocer los patrones y variaciones, tanto temáticas como formales.

Gabriela Bettini. Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Gabriela Bettini. Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Vicky Méndiz. Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Vicky Méndiz. Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

La primera parte de la muestra, bajo el título de Hinterlandmark, ocupa todas las salas de exposición de Addaya, trazando un recorrido por diversas visiones acerca de la relación entre espacio físico y presencia humana. De exteriores abiertos a entornos domésticos, de la ausencia del sujeto a la autorepresentación, de la documentación a la puesta en escena, del anonimato o la ubicuidad a referencias específicas del entorno y las personas de Alarò y Mallorca, Hinterlandmark enfatiza en la construcción de todo fenómeno abarcado por la representación –incluso la corporalidad o el paisaje, presuntamente naturales- como un artefacto cultural.

Xavi Muñoz, "Naufragio". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Xavi Muñoz, «Naufragio». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Por su parte (el) Pabellón, ubicado en el Casal Son Tugores, hace con su título un guiño a la amplitud del espacio que le acoge y a la idea misma de pabellón, recurrente en los magnos eventos artísticos de representación oficial. Allí se reúne una selección de piezas que, entre lo literal y lo alegórico, versan sobre instancias concretas entendidas de antemano como construcción social y cultural: el consumo, lo bélico, los medios, el deporte, lo popular, lo intelectual o las referencias propiamente meta-artísticas.

Eduardo Infante, "Aterrizaje entre nenúfares". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Eduardo Infante, «Aterrizaje entre nenúfares». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Participan en Hinterlandmark:

Aggetelek / Alba Navas / Alberto García Alix / Arantxa Boyero / Aurelio Ayela / Toni Crabb / Dionísio González / Eduardo Infante / Fernando Bayona / Florencia Rojas / Gabriela Bettini / Gisela Ràfols / Hugo Alonso / Miguel Ángel Molina / Vicky Méndiz / Bettina Bachem /Juan Carlos Martinez / Jennis Li Cheng Tien / Santiago Ydáñez / Sergio Belinchón / Ting Ting Cheng / Jorge Fuembuena / Llorenç Ugas Dubreuil / Sito Mújica / Manuel Antonio Domínguez / Paco y Manolo / Rita Rodríguez / Yin Xiuzhen / Nauzet Mayor / Xavi Muñoz / Rocío Verdejo

Sergio Berlinchón, Serie "Venus in grotto". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Sergio Berlinchón, Serie «Venus in grotto». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Participan en El Pabellón:
Andrés Senra / Radamés “Juni” Figueroa /Juan Pablo Meneses / Toni Crabb / Carlos Pazos / David Crespo / Javier Chozas / Jorge García / Mariana Sarraute / Santiago Morilla / Ting Ting Cheng / Yaiza Nicolás / Fermín Díez de Ulzurrun / Paz Alcoverro

Santiago Morilla, "Fin". Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Santiago Morilla, «Fin». Imagen cortesía del artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Arantxa Boyero, "Buganvilia". Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Arantxa Boyero, «Buganvilia». Imagen cortesía de la artista y Addaya Centro de Arte Contemporáneo.

Cristina Garrido y Nacho Martín en Louis 21

For immediate release de Cristina Garrido

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva

Louis 21 “The Gallery”
C/ San Martí 1, Palma de Mallorca

For immediate release de Cristina Garrido
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 11 de febrero 2014

Para esta exposición, Garrido ha producido una nueva obra que cuestiona la posición del arte en el mundo contemporáneo, su recepción, distribución y valor. Esta muestra busca explorar el significado alternativo otorgado a los objetos a través de su colocación en el espacio de la galería y hace uso de una imagen de paredes blancas y cartelas, notas de prensa y asistentes de galería, una infraestructura que es un tanto sinónimo de la crítica institucional. Garrido utiliza los materiales de forma que eleva detalles típicamente pasados por alto en la vida cotidiana. Su acumulación obsesiva de objetos corrientes ´encontrados´ y ready-mades que convierte en materiales para su arte adopta un rigor formal y estético en la forma en que colecciona, ordena y ensambla, evidente en esta exposición.

Los objetos encontrados o ´readymade´ renuncian a su significado previo y asumen una identidad cambiante cuando son recontextualizados; dejan de ser una cosa para convertirse en otra. Con una aproximación casi arqueológica hacia el medio y la materia, la artista investiga cómo la tecnología ha alterado la producción artística y explora cuestiones de autoría y propiedad.

El punto de partida es la tipografía, utilizando la forma original como guía. Los dibujos progresan sin la exposición. La artista evoca los procesos de impresión mecánica, reproduciendo eficazmente cartas obsoletas de exposiciones readymade. Interesada en la relación entre el hacer marcas pintadas a mano o de forma digital, el proceso es visible y la mano se puede detectar en la fotocopia manufacturada que sería, de otro modo, desechada como detritus. Impresa sobre cada página, una frase que denota el paso del tiempo; una lucha contra el medio de producción en masa. Descontextualizando estas imágenes de sus presentaciones convencionales, la artista desarrolla nuevas relaciones para producir lecturas desconocidas.

Las obras parecen ser idénticas en su lenguaje visual minimalista y parecen contener una colección arbitraria. La artista insiste en la repetición obstinada en la que se ha convertido en el método curatorial. Trata de investigar la originalidad de las cosas y de preguntar ¿qué es original? ¿qué es repetición? ¿Por qué todavía necesitamos el arte, y qué esperamos del arte hoy? ¿Cuál es su promesa y qué prometemos a cambio? Sin embargo, las obras son fundamentalmente una exploración de la belleza.

Cristina Garrido. For Immediate Release.

Cristina Garrido. Fragmento de For Immediate Release. Cortesía de la galería

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 25 de marzo 2014

En el campo de la Química se define “síntesis” al proceso de obtención de un compuesto complejo a partir de sustancias más sencillas. El proyecto Synthesis de Nacho Martín Silva (Madrid, 1977) pretende seguir esta definición de manera literal, aunque irónica, para realizar una pintura a través del dibujo.

La vídeo-instalación que Nacho Martín Silva ha concebido para el espacio The Envelope de la galería Louis21 está formada por un vídeo y un lienzo pintado con ceniza en el que aparece representado el último frame del vídeo que lo acompaña. El vídeo muestra una sucesión de dibujos y anotaciones pertenecientes al cuaderno de notas del artista.

Observamos las hojas quemándose y cómo sus cenizas se acumulan paulatinamente en un plato. Los restos grises de estas páginas serán posteriormente molidos y utilizados como pigmento para pintar el cuadro. La ceniza funciona entonces como la huella del ser que ha concebido aquellos elementos heterogéneos (frases, croquis y apuntes presurosos) que el artista ha ido luego anotando en su libreta a la espera de hacer algo con ellos. Más allá de la imagen que el pequeño lienzo representa, la instalación contiene toda la historia que lo concibió, siendo el cuadro únicamente el desenlace de un relato que incluye un determinado periodo de aprendizaje y de búsqueda del pintor madrileño. La instalación hace referencia al aprendizaje incesante del artista y al largo procedimiento que se gesta entre la idea de una obra y su realización. Si la obra contiene siempre todo el proceso que la ha generado, el proceso no contiene una sola obra, la que se enseña, sino muchas otras posibles.

El proceso puede llegar hasta la culminación de la pieza o simplemente quedarse en el estadio de proyecto para el futuro. Nacho Martín Silva rescata este momento previo a la realización, un aprendizaje convulso y un recorrido a tientas entre lo posible y lo real. Desplaza hacia el primer plano las huellas del proceso, devuelve a las cenizas el calor del fuego y ofrece de este modo al espectador la multiplicidad no reducible del gesto artístico.

Nacho Martín Silva

Nacho Martín Silva. Synthesis: 1 + 1 = 1. Cortesía de la galería

Las matemáticas de Rocío Verdejo en Addaya

Rocío Verdejo. Las matemáticas de Dios no son exactas
Addaya Centre d’Art Contemporani
C/ Alexandre Rosselló, 10. Alaró (Mallorca)
Inauguración: 7 de diciembre de 2013
Hasta el 25 de enero de 2014

“De niño no podía soportar la degradación natural de los objetos, la fractura, la usura. Conservó durante años, reparándolos una y otra vez, uniéndolos con celofán, los dos pedazos de una regla de plástico blanco rota. Con el vendaje de celofán la regla ya no era recta, ni siquiera podía cumplir su función de regla y servir para trazar líneas; sin embargo, no la tiró. Volvía a romperse y la arreglaba, añadía otra venda de celofán, la guardaba de nuevo en la cartera (…)”.[1]

El fin de la inocencia llega con la aceptación del carácter limitado de cuanto nos rodea, también de nuestros propios límites. Simone de Beauvoir señaló que el cuerpo de las mujeres debía ser la situación y el instrumento de la libertad de las mujeres, no una esencia definidora y limitante, si bien el cuerpo de las mujeres está marcado dentro del discurso masculinista, en éste el cuerpo masculino representa la fusión con lo universal y permanece sin marca mientras que lo femenino queda diferenciado, fuera de las normas universalizadoras de la calidad de persona, en una encarnación negada y menospreciada. Tampoco es posible restar valor a los significados del lenguaje, a la representación de poder que denota y las estrategias de desplazamiento que oculta, pues detrás de toda acción hay un hacedor o actuante consciente, en este caso, del poder que el lenguaje tiene para subordinar y excluir a las mujeres.

Rocío Verdejo. Piedad invertida. Imagen cortesía Addaya

Rocío Verdejo. Piedad invertida. Imagen cortesía Addaya

Rocío Verdejo (Granada, 1982) muestra en sus imágenes instantes congelados, escenas con las que nos niega tanto el inicio como el desenlace de la historia relatada. La artista nos ofrece realidades atroces mediante el empleo de referencias idílicas que transitan por el barroco italiano y los primitivos flamencos, en las que el enigma y la muerte dominan la narración. Revisa la tradición de fotografiar difuntos, mediante una serie de imágenes en las que recrea de un modo minucioso y rico en detalles algunos momentos que podrían formar parte de una producción cinematográfica. En ellas el elemento femenino se convierte en el vértice que nos trae a la memoria imágenes icónicas de la moda y la publicidad, empleadas aquí con otro propósito.

Dicen que la relación más íntima que podemos tener con los objetos es poseerlos, del mismo modo que las palabras son la forma que adoptan nuestras ideas antes de convertirse en hechos. A veces esos códigos del mundo material, tan filtrados en la comprensión de la realidad, se extienden a territorios más allá de lo inanimado. La lucha por la igualdad es un camino que no ha acabado de recorrerse.

Rocío Verdejo. Merienda postmortem. Imagen cortesía Addaya

Rocío Verdejo. Merienda postmortem. Imagen cortesía Addaya

José Luis Pérez Pont



[1] Houellebecq, Michel. Las partículas elementales. Anagrama, Barcelona, 1999.

Theorem of the Space de Joan Cortés

Theorem of the Space, de Joan Cortés
Galería 81 Leonard St
81 Leonard Street, London EC2A 4QS
Hasta el 14 de noviembre

Dinamismo, volumen, geometría y repetición. Estas son algunas de las premisas con las que el escultor mallorquín Joan Cortés se presentó en la galería 81 Leonard Street el pasado 4 de noviembre y donde, hasta el 14 del mismo mes, se puede disfrutar de su primera exposición en Londres titulada “Theorem of the Space”.

Obra de Joan Cortes para la exposición 'Theorem of the Space' en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Obra de Joan Cortes para la exposición ‘Theorem of the Space’ en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Comisariada por Fernando Gómez de la Cuesta, esta propuesta tendrá continuidad próximamente en febrero en Colonia. La organización se ha llevado a cabo por parte del Institut d’Estudis Balearics, dentro de un programa de promoción de artistas baleares en el extranjero que se lleva haciendo desde hace unos años.

El espacio en el que se presenta la muestra no es sólo un contenedor, sino que forma parte del contenido desde el momento en el que sirve de telón y escenario para una instalación que se lanza desde el techo hasta llegar a su planta inferior, lo que crea un efecto sorpresa y un dinamismo espontáneamente intencionado. Un remolino de mesas, dispuestas en una imaginaria espiral ascendente, componen un caos armónico en el que la repetición de este elemento no se hace anodino, sino que invita al espectador a disfrutar de la geometría que proponen las tablas que, cubiertas de un blanco uniforme, subrayan la idea de contraste tan presente e importante en la obra de Joan Cortés como es la de unicidad y conjunto, la singularidad como parte de un todo.

Obra de Joan Cortés para la exposición 'Theorem of the Space' en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Obra de Joan Cortés para la exposición ‘Theorem of the Space’ en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

La arbitrariedad estudiada de Joan Cortés, nos permite diferenciar esta escultura que observamos aquí respecto a la presentada este mismo año en Caimari (Mallorca), donde el espacio dejaba respirar mucho más a la obra y se mostraba mucho más pletórica, como se puede ver en el vídeo de Marc Hierro Nin titulado “Theorem of space. Work in progress video”, donde la obra se presenta desde un punto de vista práctico, con un juego de luces y de montaje que lo ponen en una dimensión más dinámica.  En la galería 81 Leonard Street adquiere un aspecto más afilado, al haber reducido la cantidad y modificado la disposición de las mesas. Aprovechando el vano que conecta los dos planos y adentrándose en las profundidades de la galería desde la parte superior, invitando al espectador a conocer sus entrañas y a visitarlo y disfrutarlo desde todos sus ángulos.

A partir de ese contexto material que se presenta en un primer estrato, aparece la parte inconsciente, eminentemente emocional, donde las mesas dejan de ser un objeto cotidiano para convertirse en un símbolo y evocar a sus antepasados artesanos. Un emblema del trabajo, la enseñanza, la constancia que, adaptándose al espacio que ocupan, son una metáfora del desarrollo del ser humano frente a su entorno.

Su obra nos traslada al minimalismo repetitivo de Le Witt, la geometría de Donald Judd, junto al empleo de materiales cotidianos y objetos rápidamente identificables utilizados constantemente en el arte contemporáneo, que le sirven de influencia y crean un contraste en Joan Cortés que le llevan a crear obras con un contenido simbólico inherente y con un desafío al visitante que participa de la instalación de una manera activa.

Obra de Joan Cortés para 'Theorem of the Space' en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Obra de Joan Cortés para ‘Theorem of the Space’ en Galería 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Las litografías de Joan Cortes representan el alma de la instalación principal, a modo de bocetos en negativo de algunas partes de la obra. Sencillos y de trazos precisos contienen dibujos o esbozos de las mesas sin una atención al detalle sino a la geometría. Posiciones imposibles que convierten las mesas en elementos arquitectónicos a los que no sigue una lógica sino la irracionalidad y surrealismo, en un intento de huir de toda reminiscencia objetiva.

Una pequeña escultura que aparece frente a la instalación en la parte inferior representa en tres dimensiones el mensaje litográfico y desconcierta al espectador ya que, todo el volumen que crean los espacios vacíos en el interior de las mesas aquí se anula, el blanco se funde con el pedestal y la obra se endurece. Al fin y al cabo se siente sola, y pierde el enlace con el conjunto unitario que persigue Joan Cortés, aunque retoma el sentido en su contexto, como parte del desarrollo y componente del mismo equipo expositivo, el de la vista atrás y el paso adelante.

El teorema del espacio del escultor mallorquín, con su desarrollo dinámico en el ámbito expositivo, suscita en el espectador la curiosidad por saber cuál será el siguiente escalón, qué horizonte nuevo conquistará con su obra y dónde llegará después de este viaje artístico por materiales, colores y formas.

Obra de Joan Cortés para 'Theorem of the Space' en 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Obra de Joan Cortés para ‘Theorem of the Space’ en 81 Leonard Street de Londres. Foto: Amparela Benlliure.

Miguel Mallol

Rosana Antolí en Casal Solleric

Rosana Antolí. Gaze
Casal Solleric, Palma de Mallorca
Desde el 19 de septiembre de 2013

Gaze /ɡeɪz/
1-Mirar fijamente y de manera prolongada a alguien o a algo, con especial asombro y admiración.
2-Término psicoanalítico popularizado por Jacques Lacan para describir el estado de ansiedad que florece al adquirir la consciencia de que uno puede ser observado.

Rosana Antolí (Alcoi, 1981) plantea una situación abierta a múltiples lecturas dentro del espacio de 4m cuadrados escasos, de forma un tanto oscura y claustrofóbica. Un juego a cuatro bandas de miradas bidireccionales donde el visitante se convierte en un auténtico voyeur y parte activa de la pieza. Ese sentimiento de miedo inherente en cada persona de ser observado pero a la vez de observar (pulsión-deseo-culpa), tal como señalaba el psiquiatra y psicoanalista Jacques Lacan, cobra un doble significado, ya que la obra para ser vista requiere del esfuerzo (y curiosidad) del visitante, debe acercarse al cristal y mirar por la mirilla sobredimensionada para saber que está pasando exactamente. Tres personajes están presentes pero no del todo a la vista, uno está cubierto por un cubo negro, (¿quizás siente vergüenza de ser observado?) y, literalmente, pegado a la pared vistiendo un gran vestido negro, otro parece salir del suelo asomando la cabeza que se refleja en un espejo y un tercero oculto dentro del vestido del que sólo adivinamos su silueta, a su lado otro espejo, y el brazo parece ser el responsable de todas las frases (“Crime doesn´t exist further than imagination” o “Let´s fantasised in our fictions) y dibujos que se expanden por las paredes. “Los espejos son el medio, el objeto lacaniano para nuestro imaginario, nos ayudan a ver la escena y que la escena nos vea a nosotros” afirma Antolí. El público ejerce de cuarto personaje mirándolo todo desde el exterior y sin posibilidad de formar parte del acontecimiento de forma tangible. Un auténtico ejercicio psicoanalítico donde la artista quiere que la audiencia se autocuestione en un ejercicio constante de feedback.
¿Eres objeto, sujeto o ambas cosas a la vez?¿Eres activo o pasivo?

Rosana Antolí. Gaze, 2013. Imagen cortesía de la artista

Rosana Antolí. Gaze, 2013. Imagen cortesía de la artista

Tolo Cañellas