“Somos víctimas de los ideales que nos poseen”

La hija del capitán Groc, de Víctor Amela
Editorial Planeta

En medio de la bruma que invade el espacio entre la historia y la leyenda, se perfilan  figuras muy potentes  de claros perfiles. Una de ellas es la de Tomás Penarrocha el Groc, un campesino de Forcall (Castellón) seguidor de Cabrera, que se alzó en armas contras las tropas isabelinas superiores en número. El periodista barcelonés Víctor Amela, uno de los creadores de La Contra de La Vanguardia, oyó contar las proezas de este héroe popular cuando era  niño y veraneaba en Forcall, el pueblo de sus antepasados. Al cabo de los años plasmó las peripecias del Groc en un relato, La hija del capitán Groc, publicado este año en catalán y castellano por Planeta que ha cosechado gran éxito.

Fue el libro de ficción más vendido el Día de Sant Jordi y ha recibido el Premio Ramón Llull.  “La época del Groc, entre la primera y la segunda guerra carlistas, es nuestro Far West ibérico”, dice Amela. “El Maestrazgo es nuestro western, con sus personajes intensos armados de trabucos, puñales, pistolas y caballerías. Gentes recias que vivía en escondrijos, barrancos y cuevas, y protagonizaba asaltos, persecuciones, secuestros y rescates. Bandos enfrentados,  busca y captura, recompensas, pugna desigual entre los proscritos y el ejército”.

Cubierta de La hija del capitán Groc, de Víctor Amela. Editorial Planeta.

Cubierta de La hija del capitán Groc, de Víctor Amela. Editorial Planeta.

Usted conocía la historia del Groc desde niño. ¿Qué le impulsó a contarla en determinado momento?

Después de publicar El cátaro imperfecto y Amor contra Roma, sentí el impulso de novelar una historia pequeñita y desconocida para el gran público sobre un héroe local, el Groc de Forcall. Una historia transmitida oralmente de generación en generación en las familias de la  comarca dels Ports de Morella desde 1844, porque advertí que este personaje reunía en su persona y en su drama íntimo, con el trasfondo de la cruenta primera guerra carlista, la sustancia misma de todos los héroes literarios universales. ¿Por qué no intentarlo, por qué no convertirlo en héroe literario? Es una historia que oí de niño  acompañada de todas las impresiones sensoriales de su entorno, en el Forcall de 1968, que no debía de ser muy distinto al del siglo XIX.

¿Le sorprendió mucho el éxito obtenido? ¿A qué lo atribuye?

Sí me sorprendió. La novela lleva 18 semanas siendo la más vendida en Cataluña. Me regocija, y lo atribuyo a que recoge una historia entrañable y cruda, tierna y universal bordada sobre un tejido histórico reconocible, pero del que nos han explicado pocos detalles, y en un territorio reconocible. El lector se ha emocionado al poder acceder a la intimidad de personajes que hasta ahora eran sólo un nombre y una línea en los libros de historia.

Víctor Amela frente a una casona del Maestrazgo. Imagen cortesía del autor.

Víctor Amela frente a una casona del Maestrazgo. Imagen cortesía del autor.

¿Cómo afrontó el reto de escribir la novela en catalán antiguo con modismos castellonenses?

Es mi primera novela escrita directamente en catalán. Luego la he vertido al castellano, pues nadie podría hacerlo mejor que yo, que llevo 30 años publicando en castellano como periodista. No podía imaginar a los personajes hablando más que en su forcallano natal, un bellísimo y antiquísimo catalán occidental. Ha sido un desafío personal muy gratificante. La versión final la sometí a la aprobación de mis parientes forcallanos.

¿Cómo ha combinado la historia real con la leyenda popular y su propia inventiva o recuerdos de familia?

La historia transmitida por la tradición oral ha sido la base, y la he preservado con fidelidad, aunque amplificándola con la imaginación y enriqueciéndola con mis descripciones de vivencias sensoriales y detalles de rincones que llevo impresos en el alma desde la niñez, en un lugar tan mágico en el que fui tan feliz.

Vista del Maestrazgo, donde transcurre la novela de Víctor Amela.

Vista del Maestrazgo, donde transcurre la novela de Víctor Amela.

¿Qué tiene de mágico el Maestrazgo y cómo forja el carácter de sus habitantes?

Els Ports y el Maestrazgo es una tierra alta y agreste, bravía, cruzada de barrancos, cuajada de cuevas y ermitas, erizada de muelas, ermitas y castillos, y eso determina el carácter indómito de sus gentes, desde los íberos y los almogávares hasta los carlistas. Rindo tributo a esa tierra en sus personajes, de los que desciendo. Y siento una gratitud genética por esa tierra mágica.

Usted lo contempla al Groc y los suyos con lógica simpatía. ¿No hay cierto maniqueísmo en el tratamiento de ambos bandos?

No, hay una mirada compasiva tanto por los carlistas como por los liberales, pues todos se vieron arrastrados por sus respectivas ideas a un drama cruento. El protagonismo de los carlistas me obliga a presentarlos bajo una luz íntima que permita al lector empatizar con ellos, para que comprenda hasta qué punto todos somos víctimas trágicas de los ideales que nos poseen. No tenemos ideas: las ideas nos tienen a nosotros.

¿Cree que de alguna forma todavía persiste en España la pugna entre carlistas e isabelinos, los tradicionalistas frente a los partidarios del progreso?

España es una guerra civil perenne, latente o desatada. La lección de las guerras carlistas (de la que la guerra del 36 fue otro estertor) es que nos convendría aprender a relacionarnos con menos fanatismo y menos bipolaridad. Los podemitas de hoy tienen algo de los carlistas de antaño, los primeros indignados, desairats les llamaron, contra el proto-capitalismo, como hoy lo son contra el neo-capitalismo. Sin embargo, hoy les llaman progresistas. Me encantan estas paradojas de la historia de las ideas.

Víctor Amela. Fotografía: Arduino Vannucchi.

Víctor Amela. Fotografía: Arduino Vannucchi.

Bel Carrasco

El flamenco Tomatito en El Musical

Tomatito. Soy flamenco
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Sábado 23 de enero, a las 21.00h. Entrada: 12€

José Fernández Torres, Tomatito, vuelve el sábado 23 de enero a actuar en Valencia. Lo hará en el escenario del Teatro El Musical, acompañado de su familia, para presentar las canciones de su último disco Soy flamenco y repasar los grandes éxitos de su carrera.

Su hijo tocará la guitarra y su hija Mari Ángeles cantará, en un espectáculo con su grupo artístico habitual en que también participan El Cristi (guitarra), Kiki Cortiñas (cante), El Moy (percusión) y Juan de Juan (baile).

Tomatito. Teatre El Musical.

Tomatito. Teatre El Musical.

Las entradas para el concierto se han mantenido al precio popular de 12 euros y hace días que se han agotado en la venta anticipada. Ya solo se podrán adquirir las últimas localidades en el teatro el mismo día del concierto a partir de las 17.00 horas, cuando se pondrá a la venta en taquilla el porcentaje mínimo de entradas que marca la legislación.

Tomatito es una leyenda viva del flamenco. El guitarrista que acompañó a Camarón de la Isla durante 18 años ha tocado con los más grandes por todo el mundo y vuelve a un escenario de Valencia después de años de ausencia. La guitarra flamenca de Tomatito ha viajado por los mejores escenarios internacionales, en una prolífica carrera como solista que arrancó tras la muerte de Camarón.

Sus colaboraciones con Paco de Lucía, Enrique Morente, José Menese y otros grandes maestros del flamenco son antológicas. José Fernández ha logrado un reconocimiento unánime a nivel mundial como intérprete y compositor, participando también en festivales de jazz, proyectos discográficos teatrales y cinematográficos.

Tomatito. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Tomatito. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Font Bisier presenta ’3 Wise Monkeys’

3 Wise Monkeys, de Miguel Ángel Font Bisier
Portolito
Avenida Paseo Neptuno, 34. Valencia
Jueves 26 de noviembre, 2015, a las 20.00h

El realizador valenciano Miguel Ángel Font Bisier, conocido por sus premios en el formato de fashion film, presenta el jueves 29 de noviembre en Portolito de Valencia su nuevo cortometraje 3 Wise Monkeys, premiado proyecto de terror. Se trata de la perversa recreación de un proverbio japonés, cuya leyenda adopta un giro cruel en manos del director.

Miguel Ángel Font Bisier, realizador audiovisual valenciano premiado y reconocido internacionalmente, ha dirigido y producido proyectos audiovisuales de géneros muy diversos. Ha estudiado 18 años de violín, lo que le permite supervisar la totalidad de las bandas sonoras originales de sus trabajos. Habla alemán, inglés e italiano.

En 2010, y tras varios años probando el formato cortometraje, publicitario y el vídeo musical, inicia su premiada trilogía de fashion film 3NESIS, compuesta por Eiénesis (2010), Aeterna (2012) y Heraion (2013). Este es uno de sus trabajos más internacionales, con proyecciones en festivales de Londres, San Diego o Los Angeles, además de haber rodado la tercera parte entre España y Estados Unidos, concretamente en el desierto de California.

Fotograma de '3 Wise Monkeys, de Miguel Ángel Font Bisier. Imagen cortesía del autor.

Fotograma de ’3 Wise Monkeys, de Miguel Ángel Font Bisier. Imagen cortesía del autor.

Esta trilogía es una de las precursoras del formato fashion film en España, además de que se ha empleado como herramienta en talleres escolares y galas benéficas por sus valores humanos y motivacionales. Fue presentada en el Festival Internacional de Valencia Cinema Jove 2013 y en Valencia Fashion Week”Septiembre 2014.

En 2012 nace Llagas, un cortometraje de terror que gozó del padrinazgo del co-director de REC Paco Plaza y fue estrenado en la Sección Oficial de Sitges 2012, algo que lo motivó a seguir trabajando dentro del género con Sinnside; una crítica social en clave de cuento siniestro que combina técnicas digitales y tradicionales con un elenco interpretativo compuesto por 8 niños y 10 adultos. Sinnside se estrena en la Sección Oficial de Sitges 2013 siendo esta la primera nominación de muchas que le seguirán por festivales de todo el mundo, recibiendo distintos premios internacionales incluyendo el prestigioso Méliès de Plata a Mejor Cortometraje Fantástico Europeo.

Tarjeta de presentación del cortometraje '3 Wise Monkeys', de Miguel Ángel Font Bisier.

Tarjeta de presentación del cortometraje ’3 Wise Monkeys’, de Miguel Ángel Font Bisier.

Ese mismo año termina un nuevo Fashion Film para Maá Shoes: A Little Big Step (estrenado en La Jolla Fashion Film Festival, California) y su primer reality show para televisión sobre la hipnosis: El Trance Positivo.

Siempre buscando nuevas formas de comunicar historias que contar, su próximo cortometraje Xmile combina la moda, la ciencia ficción y el erotismo y será estrenado en 2016. Es un proyecto humanista, una reflexión sobre cómo el ser humano podría digitalizarse hasta un punto en el que los sentimientos y el cariño se conviertan en formas exotérmicas de comunicación a través de las redes sociales, en lo que podría denominarse una sociedad “foto de perfil”.

También, junto con el director de fotografía Pep Bonet, escribe, realiza y edita el videoclip oficial 40 Aniversario de la conocida banda Motörhead con su tema “When the sky comes looking for you”.

Fotograma del cortometraje '3 Wise Monkeys', de Miguel Ángel Font Bisier. Imagen cortesía del autor.

Fotograma del cortometraje ’3 Wise Monkeys’, de Miguel Ángel Font Bisier. Imagen cortesía del autor.

Weegee: El temible burlón del fotoperiodismo

Weegee The Famous
Festival Valencia Negra
Museu Valencià de la Il.lustració i la Modernitat (MuVIM)
C / Quevedo, 10 y Guillem de Castro, 8. Valencia
Hasta el 31 de agosto

Ningún criminal lo era, “por muy Al Capone que sea”, hasta que llegaba Weegee y lo retrataba. Así lo recordó Silvia Oviaño, comisaria de la exposición que el MuVIM, en el marco del festival Valencia Negra, le dedica a toda una auténtica leyenda del fotoperiodismo. Llegó a contar con una emisora de radio portátil de onda corta conectada a la de la comisaría, lo que le permitía llegar a los sucesos antes que la propia policía. Eso, más el cuarto oscuro que tenía en el maletero del coche, le convertía en el reportero gráfico más rápido del Nueva York de los años 30 y 40. Su leyenda ha ido creciendo con los años, no así la fama que alcanzó desde el principio.

Summer, The Lower East Side, 1937. Fotografía de Weegee en la exposición 'Weegee The Famous' en el MuVIM.

Summer, The Lower East Side, 1937. Fotografía de Weegee en la exposición ‘Weegee The Famous’ en el MuVIM. ©Weegee-Caravan.

De hecho, la exposición del MuVIM se llama así: ‘Weegee The Famous’. Adjetivo que se ganó a pulso, tras otorgárselo él mismo, convencido de la calidad de su trabajo. Tanto es así que optó por convertirse en freelance para que sus fotografías aparecieran firmadas con esa rúbrica: The Famous. “Cronista de fotografía negra”, subrayó Oviaño, Weegee se hizo famoso por esos disparos rápidos y certeros (“retocaba la escena del crimen, para desesperación de la policía”), pero también por la manera que tenía de radiografiar las calles de la ciudad y sus gentes.

“Era un fotógrafo de calle”, destacó la comisaria. Calles que pateó como nadie, al tiempo que dignificaba la profesión del fotoperiodista con imágenes tomadas al vuelo y reveladas con su temible espíritu burlón. “Poseía un gran sentido del humor”, señaló Oviaño. Espíritu que tal vez le venía de su afición por la güija, de cuya pronunciación fonética se supone que le viene el sobrenombre de Weegee, ya que el suyo verdadero era Arthur H. Fellig (1899-1968). Arthur, una vez llegó a Estados Unidos, porque de su natal Ucrania salió con el nombre de Usher.

Simply Add Boiling Water. Fotografía de Weegee en la exposición 'Weegee The Famous' en el MuVIM.

Simply Add Boiling Water. Fotografía de Weegee en la exposición ‘Weegee The Famous’ en el MuVIM. ©Weegee-Caravan.

Sea como fuere, Weegee sintetizó las cualidades del fotoperiodista: rapidez de gatillo en situaciones límite de tiempo, agudeza para encuadrar lo relevante y el aderezo de un talento innato para congelar en un instante la fluyente vida. Algo que hizo igualmente con los retratos de damas de la alta sociedad, de personajes famosos como Marilyn Monroe, Andy Warhol, Peter Sellers o la pin-up Betty Page, y hasta cualquiera de los mendigos o gente de mal vivir que se encontraba por esas calles que tan a menudo frecuentaba.

Fue tal su talento, que hasta el MoMA de Nueva York abrió las puertas de su museo, algo inaudito, al fotoperiodismo de Weegee. En España, tan sólo la Fundación Telefónica y ahora el MuVIM se han hecho eco de sus hallazgos fotográficos. “El fotoperiodismo no era considerado hasta que apareció él”, insistió Oviaño, a la que secundó Bernardo Carrión, como portavoz de Valencia Negra. “La fotografía, y sobre todo la Weegee, es fundamental dentro del territorio negro; es una exposición que ya teníamos pensada desde la pasada edición”.

Two Offenders in the Paddy Wagon. Fotografía de Weegee en la exposición 'Weegee The Famous' en el MuVIM.

Two Offenders in the Paddy Wagon. Fotografía de Weegee en la exposición ‘Weegee The Famous’ en el MuVIM.

El casi centenar de piezas exhibidas en el hall del MuVIM abarca desde lo sórdido y la carnaza (asesinatos y sucesos), a la crónica de la ciudad, siempre bajo ese toque divertido que tanto Oviaño como Carrión recordaron a modo de sello de su trabajo.

También el cine se nutrió de su talento, haciéndose eco de sus imágenes películas como The Naked City (‘La ciudad desnuda’), de Jules Dassin, o ‘The Public Eye’ (El ojo público), de Howard Franklin, protagonizada por Joe Pesci en una imagen calcada a la que el propio Weegee tomó como autorretrato y que sirve para abrir la exposición. Carrión concluyó advirtiendo de lo difícil que lo tendría ahora Weegee con los medios digitales y la velocidad de la red social. ¡Quién sabe!

Lovers with 3-D glasses at the Palace Theater (Infra-red), 1943. Fotografía de Weegee en el MuVIM.

Lovers with 3-D glasses at the Palace Theater (Infra-red), 1943. Fotografía de Weegee en el MuVIM. ©Weegee-Caravan.

Salva Torres

Animación japonesa: Takahata vs. Miyazaki

Takahata versus Miyazaki y la animación japonesa en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy 2014
Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy 2014
Celebrado del 9 al 14 de junio

Kaguya Hime no Monogatari (El cuento de la princesa Kaguya) es la última película de Isao Takahata, producida por el Studio Ghibli, y recientemente preestrenada en Francia en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, donde el autor recibió el Cristal d’honneur en la ceremonia de apertura.

El cuento de la princesa Kaguya está basado en un cuento popular japonés, El cortador de bambú. La leyenda cuenta que la princesa Kaguya (luz brillante) proveniente de la luna, nació dentro de un junco de bambú y fue encontrada allí por un cortador de bambú. Desde el inicio, la película es una explosión de libertad en el trazo y en el estilo de la animación, especialmente la primera parte, donde lo cotidiano y la tranquilidad de vivir en el campo invade al espectador. El trazo no está cerrado, se mantiene el grafito del primer gesto, de los esbozos, con un movimiento libre y espontáneo.

Isao Takahata tras la proyección de la película. Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy 2014.

Isao Takahata tras la proyección de la película. Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy 2014.

También se pudo ver proyectada en el festival la última película de Hayao Miyazaki Kaze Tachinu (El viento se levanta), estrenada recientemente en los cines. Ambas películas fueron producidas al mismo tiempo por el estudio Ghibli, y debían estrenarse simultáneamente, pero la película de Takahata se prolongó más de lo previsto.

El viento se levanta nos cuenta la historia ficcionada de Jirô Horikoshi, diseñador aeronáutico que diseñó cazas de combate japoneses, y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Los aviones, presentes a lo largo de la filmografía de Miyazaki, y el viento, mantienen el espíritu de libertad y de entusiasmo de los protagonistas; pero la belleza de la naturaleza y el paisaje se verán transformados en un infierno rojo, contradiciendo al protagonista en la realización de sus sueños, y al propio autor, reflejado en muchos aspectos en la figura de Jirô. Curiosamente la palabra Ghibli significa viento del siroco en Libia, y a su vez es el nombre de un avión italiano utilizado en la Segunda Guerra Mundial.

Respectivos carteles de El cuento de la princesa Kaguya, El viento se levanta y del documental El reino de los sueños y la locura.

Respectivos carteles de El cuento de la princesa Kaguya, El viento se levanta y del documental El reino de los sueños y la locura.

El futuro del Studio Ghibli se presenta incierto, ya que ambas películas pueden ser la última de sus dos autores más importantes. Takahata y Miyazaki junto con Toshio Suzuki fundaron en 1985 el Studio Ghibli. Según Toshio Suzuki, el que ambas películas se hayan producido a la vez ha sido una táctica con la que encorajar a ambos autores, en una especie de competición, como un último gran esfuerzo para poder realizar estas dos maravillosas películas. Toshio Suzuki ha anunciado también que deja el cargo de productor en el estudio, pasando a ocupar el puesto de manager general.

El documental Yume to Kyouki no Oukoku (El reino de los sueños y la locura) de Mami Sunada, proyectado también en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, retrata al Studio Ghibli y el universo de ambos autores, especialmente el de Miyazaki, de una manera muy cercana. El documental fue realizado durante la producción de ambas películas y parece completar, a modo de trilogía, el fin de una era en el Studio Ghibli, con sus tres co-fundadores como protagonistas.

Fotograma de La isla de Giovanni, de Mizuho Nishikubo, producida por Production I.G.

Fotograma de La isla de Giovanni, de Mizuho Nishikubo, producida por Production I.G.

En la sección oficial del festival, en competición, pudimos ver Giovanni no Shima (La isla de Giovanni), de Mizuho Nishikubo, producida por el estudio Production I.G. La isla de Giovanni representa la llegada de las tropas rusas a una isla japonesa en la Segunda Guerra Mundial desde el punto de vista de dos de los niños de la aldea. Retrata la amistad de estos con la hija del comandante y la convivencia entre las familias rusas y japonesas en la pequeña isla. La película ha recibido la mención del jurado en la categoría de largometrajes. El estudio Production I.G. también ha participado en el festival presentando su nuevo proyecto en producción, en los llamados Work in progress. Sarusuberi (Miss Hokusai), dirigida por Keiichi Hara, será la historia de la relación entre Hokusai, el pintor, y su hija, también artista y colaboradora de su padre. Keiichi Hara es el autor de títulos como Colorful y El verano de Coo.

La isla de Giovanni se suma a películas como La tumba de las luciérnagas de Takahata, Nagasaki 1945 – Angelus Bell de Seiji Arihara o El viento se levanta de Miyazaki, películas que se adentran en la Segunda Guerra mundial y en la memoria colectiva de los japoneses. Como una recurrente sanación, estas películas representan la historia de Japón, su destrucción y recuperación, desde la experiencia de sus personajes y basándose en hechos reales. Borrando límites con el documental, la animación les ha permitido ir un poco más allá en la narración de los hechos, sin estar ceñidos a la imagen real, pudiendo alimentar al mismo tiempo la parte más poética y más dramática de la experiencia de sus personajes.

Julia Català Roca