Un Óscar para Sorogoyen

‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen
Apache Films, Caballo Films y Malvalanda (2017)
18 minutos
Filmin

La plataforma de vídeo bajo demanda Filmin ha nutrido su ubérrimo catálogo con los ya egregios dieciocho minutos que conforman ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen, erigidos en el presente anhelo de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE) de cara a la nonagésimo primera edición de los Premios Óscar, tras su nominación en la categoría de mejor cortometraje de ficción, en la que el próximo domingo 24 de febrero (madrugada del lunes 25 en España) competirá junto a las producciones canadienses ‘Fauve’ (Jeremy Comte) y ‘Marguerite’, (Marianne Farley), la irlandesa ‘Detainment’ (Vincent Lambe) y la estadounidense ‘Skin’ (Guy Nattiv).

Madre. MAKMAEl director madrileño afronta la última escudilla de un opulento invierno ahíto de ágapes y distinciones, tras la feraz cosecha de galardones obtenidos por ‘El reino’ a su paso por los Premios Forqué, los Feroz, las medallas del CEC y los recentísimos Goya, cuya cita sevillana formalizó una diarquía entre las procelosas y hediondas aguas mediterráneas del poder y las inclusivas, diversas y visibles bondades de la hilarante, didáctica e irregular (cinematográficamente) ‘Campeones’.

‘Madre’, que ya hubo obtenido el galardón al mejor cortometraje de ficción en los Premios Goya 2018 –entre otros y numerosos laureles en festivales nacionales y foráneos– desarrolla, a través de un portentoso e inquietante plano secuencia doméstico, la repentina y desesperada conversación telefónica entre un niño de seis años –incógnitamente abandonado por su padre en la vastedad de una playa vascofrancesa– y su madre, quien trata de averiguar, con el secundario auxilio de la abuela del menor, el improbable paradero de su hijo, mediante algún elemento o señal distintiva que este pueda reportarle a través de un teléfono móvil a punto de consumir su batería.

Desenlaces aparte, Sorogoyen sustenta el opresivo hilo conductor en manos de una límpida puesta en escena, nutrida de referencias inciales a la existencia de la figura Iván (voz del infante a cargo del jovencísimo Álvaro Balas), y las veraces y plausibles interpretaciones de Blanca Apilánez (abuela) y, muy especialmente, Marta Nieto (madre), quienes alimentan los rasgos cualitativos y confieren fidedigna incertidumbre a este angustioso relato cinematográfico, entre cuyas virtudes técnicas debe destacarse el sobresaliente manejo de la luz natural, supeditado a la deriva emocional de sus protagonistas.

Sin duda, tanto su corpus formal como narrativo (epílogo singularmente incluido), justifican, amén de la estocástica bienvenida del premio de la Academia –que hubieron olfateado, entre otros, Borja Cobeaga, Javier Fesser, Nacho Vigalondo y Juan Carlos Fresnadillo–, la realización de un largometraje homónimo –ya en fase de edición– que prosigue su diégesis meses después del enigmático colofón de ‘Madre’. Un camino –del corto al largo a partir de un mismo título y argumento– por el que, curiosamente, ya ha transitado su compañera de nominación ‘Skin’, del director israelí Guy Nattiv.

La actriz Marta Nieto durante un instante de 'Madre', de Rodrigo Sorogoyen. Fotografía cortesía de Filmin.

La actriz Marta Nieto durante un instante de ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen. Fotografía cortesía de Filmin.

Jose Ramón Alarcón

‘Error fatal’ o la implacable justicia feminista

Error fatal, de Alberto Adsuara
Palacio Colomina
C / Almodí, 1. Junto a la Plaza de la Virgen (Valencia)
Viernes 18 de mayo de 2018, a las 19.00h

La cátedra de investigación Luis García Berlanga, del departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad CEU-Cardenal Herrera, en colaboración con el Institut Valencià de Cultura, la Fundación Aisge y la Asociación Cultural Trama y Fondo, presenta la película ‘Error Fatal (Variaciones en torno a un debate)’ del director Alberto Adsuara. La proyección y el coloquio será el viernes 18 en el Palacio Colomina de Valencia.

Fotograma de 'Error fatal', de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Fotograma de ‘Error fatal’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

La historia de ‘Error fatal (Variaciones en torno a un debate)’ trata de unas  hermanas siamesas que dirigen una organización delictiva desde la clandestinidad de un “no lugar” (un zulo ubicado en un granero de la Albufera rodeado de arrozales). Delictiva aún cuando su principal cometido sea, tal y como ellas mismas dicen, «hacer justicia».

Su objetivo es, precisamente, tomarse la justicia por su mano en aquellos casos donde ellas estiman que la verdadera justicia ha fallado. Su forma de actuación es siempre la misma: secuestrar a los maltratadores (“seres erróneos”, al decir de ellas), practicarles unos cortes en los tendones del empeine, que no les dejarán andar con normalidad nunca, y abandonarlos en un descampado con un papel en el bolsillo en donde se lee “tipo corregido“.

Fotograma de 'Error fatal', de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Fotograma de ‘Error fatal’, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

El problema surge cuando las siamesas descubren que una de sus soldados puede haberse equivocado con el último de esos “seres erróneos”; cuando descubren que el último “tipo corregido” no era, posiblemente, el ser erróneo que ellas esperaban. Así, y mientras vemos la desgraciada vida que le toca vivir al último “corregido” (víctima posiblemente inocente), las siamesas se ven envueltas en una serie de conversaciones morales que no les llevan a ninguna parte.

Una historia contada desde la mirada plástica que caracteriza la obra del director y fotógrafo Alberto Adsuara. Una mirada plástica  que absorbe al espectador hasta eclipsar la esencia de la historia.

Fotograma de Error fatal

Fotograma de Error fatal

Alberto Adsuara

Crónica universal de una sorda desventura salvaje

‘Rosas Salvajes’, de Anna Jadowska
Polonia, 2017
90 minutos
Filmin

La plataforma de vídeo bajo demanda Filmin estrena en exclusiva ‘Rosas Salvajes’, de la directora  Anna Jadowska; drama polaco cuya producción hubo recibido el pasado otoño el Stockholm Impact Award en el Stockholm International Film Festival, el Premio del Jurado Ecuménico en el 27 Festival de Cine de Cottbus e, igualmente, participó a concurso en la Competición Internación Rellumes del 55 Festival Internacional de Cine de Xixón.

‘Rosas Salvajes’ –’Wild Roses’ (Dzikie Róze)– es el quinto largometraje de ficción de la realizadora de Olésnica (Polonia), si bien su trayectoria ha transitado, igualmente, por el género documental y la series de televisión. Una de las principales y renombradas singularidades del filme reside en el hecho de que la mayoría del equipo técnico está compuesto por mujeres, cuestión de relevancia no solo para el orbe cinematográfico de esta república centroeuropea.

Rosas Salvajes. Makma

No obstante, durante su presencia en el FICX del pasado noviembre, Anna Jadowka consideró este detalle como una cuestión periférica y no determinante para encauzar o posibilitar un discurso artístico de género: “No me gusta este concepto de cine hecho por mujeres, creo que hay muchos cineastas hombres que tienen formas de trabajar muy parecidas, no pienso que importe tanto el sexo como la persona”, aseveraba a la prensa asturiana en las jornadas previas a la presentación de la película.

Jadowska, quien también rubrica el guión, sitúa el relato sobre el horizonte estival del medio rural polaco, inmerso en el paisaje sonoro y visual de una pequeña comunidad católica contemporánea, análoga a los ritmos y costumbres de entornos labriegos de cualquier país de idiosincrasias y liturgias semejantes a la que podemos encontrar por estos lares.

La narración se implementa a partir de un in media res cuya acción exhorta al espectador a descifrar la deriva conductual de los personajes, comandados por el laconismo y la introspección de Ewa –interpretada por una excelsa Marta Nieradkiewicz–, una recolectora de rosas silvestres que retorna al hogar tras una prolongada estancia hospitalaria acerca de la que no se reportan detalles y que, a la postre, se revelará determinante para la composición definitiva de cuantas dubitaciones y elipsis gobiernan su argumento.

‘Rosas salvajes’ perfila la gestación de un conflicto moral encaminado por las turbias y sordas relaciones maritales, extraconyugales y paternofiliales, en un austero microcosmos tan sosegado y común como lacerante. A la postre, una sencilla y pequeña historia que atesora la virtud de postularse como una crónica universal de ciertas desventuras pasionales, regidas por la soledad y el vacío como estados emocionales consecuentes.

Si con anterioridad y por motivos excepcionales debía repararse en la nómina de su equipo técnico, conviene ahora resalatar, por razones cualitativas, la dirección de fotografía de Malgorzata Szylak y el distinguido y minucioso trabajo del equipo de sonido, encabezado por Sebastian Branski y Agata Chodyra, cuyos miríficos resultados dotan a esta producción de Alter Ego Pictures de los suficientes mimbres para justificar y aupar estilísticamente la cruda y destacada autoría de Anna Jadowska, cineasta sobre la que se debe permanecer atento.

Rosas Salvajes. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

Álex Montoya prepara su debut en el largometraje

Álex Montoya
Estreno en el largometraje
Con Francesc Garrido, Cristina Plazas, Nacho Fresneda, Marta Belenguer y Sergio Caballero, entre otros
Marzo de 2018

Una asamblea. Un grupo de personas con un objetivo común, tratando de ponerse de acuerdo y enfrentándose a su capacidad para organizarse. Unidos y separados. Iguales pero diferentes. Una propuesta que cuestiona con humor el concepto mismo de la participación.

Esta comedia supone el debut en el largometraje del cineasta Àlex Montoya, uno de los cortometrajistas más importantes de España. Licenciado en Arquitectura Superior y cineasta autodidacta, sus trabajos cortos atesoran más de 170 galardones y varios centenares de selecciones en festivales nacionales e internacionales. Entre ellos destaca una nominación al Goya 2014 por su cortometraje ‘Lucas’ y una mención especial en Sundance 2010 por su cortometraje ‘Como conocí a tu padre’.

Cristina Plazas. Imagen cortesía del autor.

Cristina Plazas. Imagen cortesía del autor.

Para este nuevo proyecto el director cuenta con un reparto de altura: Francesc Garrido (‘Gente en sitios’, ‘Sé quién eres’), Cristina Plazas (‘Velvet’, ‘Vis a vis’), Nacho Fresneda (‘El ministerio del tiempo’, ‘Hospital central’), Sergio Caballero (‘La madre’), Jordi Aguilar (‘El Bar’), Marta Belenguer (‘Juegos de familia’), Lorena López, María Juan, Greta Fernández, Jorge Silvestre, Juan Mandli, Irene Anula, Hwidar Abdelatif, así como la colaboración especial de Pablo Sánchez, cantante de La Raíz.

Nacho Fresneda. Imagen cortesía del autor.

Nacho Fresneda. Imagen cortesía del autor.

El proyecto de largometraje nace a partir de la propuesta escénica que la compañía valenciana Pérez&Disla puso en marcha a finales de 2012. Con un texto escrito por Juli Disla y Jaume Pérez la obra ha obtenido importantes premios y reconocimientos en el ámbito de las artes escénicas (Finalista Premios Max 2014 mejor autoría revelación; Espectáculo más innovador y original TAC 2014, Valladolid; Mejor dirección Indifest 2015, Santander).

La película es una coproducción de las productoras valencianas Nakamura Films y Kaishaku Films, responsables de cintas como el documental ‘El hombre que embotelló el sol’ o el cortometraje ‘Bikini’, premiado internacionalmente. El rodaje se desarrollará en la zona de Poblats Maritims de la ciudad de València durante el mes de marzo, contando con el apoyo del IVAC y de Àpunt Media.

Álex Montoya. Imagen cortesía del autor.

Álex Montoya. Imagen cortesía del autor.

Habemus festival de terror en Valencia: Paura

Festival Internacional de cine de terror de Valencia Paura
Aragó Cinema y Pub El Volander
Del 20 al 28 de enero

Valencia tiene, por fin, un festival de cine de género, más concretamente de cine de terror, su nombre Paura, homenaje al insigne director Mario Bava y su película “Operaziones Paura” (1960) y sus padres son tres, una triple alianza que ha desembocado en un evento que marcará un antes y un después en la ciudad. Nosotros hablamos con sus directores, Joaquín Vallet y Ramón Alfonso, en días de lluvia, días perfectos para sentarse a ver terror en la pantalla mientras fuera el agua hiela la ciudad. Les deseamos toda la suerte de mundo y que duren muchos años, nosotros asistiremos ansiosos por saber cómo se desarrolla en festival, como ya hacemos en Mice, La Cabina, FICAE o Cinema Jove, y os lo contaremos.

¿De dónde sale el festival, por qué decidís hacerlo en Enero?
Surge de una charla en una terraza tomando café. Somos dos románticos chiflados, tres
sumando a Paola Franco, pieza esencial del festival, y decidimos no pensar demasiado y
lanzarnos a la aventura. Nuestra intención era que la actividad se celebrara a finales de
octubre, en torno a Halloween, pero recibir para la selección más de dos mil piezas de todos los rincones del mundo obligó a retrasar las fechas. No obstante, nos gusta mucho que nuestro festival se haya instalado en enero y sea, en consecuencia, uno de los primeros del año.
¿Por qué habéis elegido hacer un festival de cine de terror?
A los dos nos apasiona, en sus distintas vertientes, el cine de horror, y pensamos que un escenario como el de la ciudad de Valencia, sujeto ahora mismo a distintas y emocionantes metamorfosis culturales cinematográficas, y deficitario de experiencias ligadas con claridad a los géneros, era el apropiado para tratar de puntualizar nuestra propuesta. Estamos convencidos de que en Valencia además hay muchísimos aficionados al género y que la propuesta puede ser muy bien recibida.
¿Hay apoyo institucional, si es así, cuál?
No, no tenemos ayudas. Este primer año optamos por construir la actividad con nuestros modestos recursos. Pensamos que hubiera sido un error dirigirnos a las instituciones con una idea y cifras abstractas. Con los datos recopilados una vez finalizado el festival trataremos de establecer distintos diálogos en busca de precisamente apoyos.
¿Qué secciones podemos encontrar en el festival?
A la hora de estructurar el certamen decidimos que ninguna expresión debía quedar fuera por distintos condicionantes. Así, las secciones largometraje y cortometraje profesional conviven con las dedicadas a los documentales, las piezas experimentales, animación y los cortos amateur. Para el año próximo estamos pensando en ampliar la oferta con un apartado dedicado a los largos amateur.

Cartel del Festival Paura diseñado por Fernando Ivorra. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del Festival Paura diseñado por Fernando Ivorra. Imagen cortesía de la organización.

¿Habrá una sección para apoyar la Comunidad Valenciana?
No. Hemos recibido varias propuestas valencianas, además muy interesantes, pero no se ha definido una sección, por lo menos en esta primera edición, dedicada en exclusiva a las obras locales.
¿Por qué se ha decidido que la sede, donde se van a proyectar las películas, sean los Aragó Cinema y no otro lugar?
La colaboración surgió de manera natural. Pensamos desde el principio que los Aragó eran el marco idóneo. Como nosotros ellos también son unos románticos chiflados y el diálogo en consecuencia ha sido siempre fluido y enriquecedor. Sin embargo, es importante señalar que si bien los Aragó son la sede principal del certamen, la cafetería cultural El Volander acoge las proyecciones de la sección amateur.
8 días de festival son mucho, ¿cómo ha sido el proceso de elección de los trabajos que serán exhibidos?
Ha sido formidable, enriquecedor y muy divertido, y a la vez agotador. Como te decía recibimos más de dos mil piezas por lo que hemos podido confeccionar una radiografía del género en su versión fronteriza tremendamente valiosa. Descubrir las vías y tendencias de una categoría es siempre extraordinario.
¿Existirán actividades paralelas en el festival, aparte de las proyecciones?
Sí. El domingo 22 Aarón Rodríguez ofrecerá en Ubik Café la charla Danzas Macabras, una
indagación del diálogo de David Bowie y el cine de terror. Un día antes, el sábado, Fnac proyecta a las 19h Suspiria, la obra maestra de Dario Argento. Ese mismo día en los Aragó podrá verse Escalofrío, la película de Carlos Puerto de 1977. Además, el día 26 en la cafetería de los Aragó Cinema se celebrará la presentación del libro ‘Carteles de Cine. Arte en Imágenes’ a cargo de Emilio Sanchís y Javier Caro con la presentación de Ramón Alfonso.
¿Cuántos premios se van a entregar y en qué categorías?
Todas las secciones tienen sus correspondientes galardones. No obstante, hemos decidido que los apartados de largometraje y cortometraje profesional y amateur se dividan en distintos premios y distingan la mejor película y labores de dirección, interpretación o fotografía.

Javier Caro

Cinco días bailando y aprendiendo

Five days to dance, de Rafa Molés y Pepe Andreu
Cines Lys
Paseo de Ruzafa, 3. Valencia
Hasta el 31 de diciembre
Cineteca de Madrid, hasta el 4 de enero de 2015

Una pareja de bailarines aparece una mañana en el aula de un instituto. Es lunes y anuncian al grupo de adolescentes que tienen cinco días para subirse a un escenario y bailar. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero una gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza.

Una escena de 'Five days to dance', de Rafa Molés y Pepe Andreu. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

Una escena de ‘Five days to dance’, de Rafa Molés y Pepe Andreu. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

La danza obliga a estos jóvenes a romper sus roles sociales justo en el momento de sus vidas en el que éstos se están afianzando. El chico guapo deja de ser el más admirado, el tímido da un paso adelante… Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.

Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt son los coreógrafos. Él holandés, ella española. Llegan de Bremen. Dos bailarines que han trabajado con Pina Bausch, Susanne Linke o Urs Dietrich y que ahora han decidido trabajar con gente que jamás ha bailado. Lo hacen cada semana en Alemania pero también en muchas ciudades de toda Europa, entre ellas San Sebastián y Valencia.

Imagen de 'Five days to dance', de Rafa Molés y Pepe Andreu. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

Imagen de ‘Five days to dance’, de Rafa Molés y Pepe Andreu. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

La danza es el leguaje común. No importa el lugar. Éste es su reto: cinco días, una clase de adolescentes, un microcosmos en el que sucede un pequeño big-bang.

‘Five days to dance’ es un largometraje documental de la productora valenciana SUICAfilms en coproducción con la productora donostiarra REC. SUICAfilms vive del hambre de ir más allá en el lenguaje narrativo. Sin límites en las formas y sin miedos en los argumentos. El proyecto nace de la asociación entre Pepe Andreu y Rafael Molés. Apasionados por el formato documental y por sus posibilidades expresivas y de alcance social. A la pasión añaden su larga experiencia, de más de 15 años, en el mundo audiovisual y en la producción y la realización de documentales. Desde el sector público han contribuido al desarrollo de formatos poco explotados por la televisión comercial como la investigación y la Historia.

Detalle del cartel diseñado por Paula Bonet del documental 'Five days to dance', de Rafa Molés y Pepe Andreu.

Detalle del cartel diseñado por Paula Bonet del documental ‘Five days to dance’, de Rafa Molés y Pepe Andreu.

REC Grabaketa Estudioa lleva 20 años ofreciendo servicios globales de producción audiovisual. En 2004 inicia su producción documental con ‘The Pamps’ para ETB. También ha producido ‘Prohibido recordar’ (2010) o ‘To say goodbye’ (2010), que se estrenó en el Festival de San Sebastián.

Además, ha coproducido películas como ‘Kutxidazu bidea, Ixabel’ (2005), ‘Las Olas’ (2011) y el largometraje de animación ‘Gartxot, el bardo de Itzaltzu’ (2011). El último proyecto de REC, ‘Encierro’, es un relato sobre los corredores que participan en los encierros de San Fermín y se ha grabado en 3D.

Parte la financiación de ‘Five days to dance’ se consiguió mediante una campaña de crowdfunding que logró el apoyo de 119 personas.

Escena de 'Five days to dance'. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

Escena de ‘Five days to dance’. Imagen extraída de la web de la productora SUICAfilms.

 

MCIB 2014 con el mejor cine italiano

III Mostra de Cinema Italià
Inauguración 12 de diciembre, 11h
Hasta el 18 de diciembre
Hotel Majestic (Barcelona)

Del 12 al 18 de diciembre tendrá lugar en Barcelona la III Mostra de Cinema Italià de Barcelona. Organizada por el Istituto Luce Cinecittà en colaboración con el Instituto Italiano de Cultura de Barcelona y bajo el patrocinio del Ministerio de Cultura italiano y del Consulado General de Italia en Barcelona.

Una semana de programación que recoge una selección con algunos de los mejores films italianos del año, todos ellos inéditos en nuestro país.

MCIB 2014: Fotograma de Le Meraviglie, Alice Rohrwacher. Imagen cortesía de la organización

MCIB 2014: Fotograma de Le Meraviglie, Alice Rohrwacher. Imagen cortesía de la organización

El reto de esta iniciativa es convertir a la ciudad en una plataforma privilegiada para la difusión del cine italiano en España, con una acción que va en la misma línea de otras muy parecidas que el Istituto Luce Cinecittà lleva a cabo en distintos países.
La Muestra proyectará un total de 25 filmes, que incluye 8 largometrajes y 9 cortometrajes inéditos en España y 7 proyecciones especiales.

La MCIB propone una fórmula única en el panorama cinematográfico mundial, ya que las películas que se proyectarán en Barcelona representan una selección de lo mejor del cine italiano que ha pasado por los Festivales de Cannes, Locarno, Venecia, Toronto y Londres de este año: un Festival de Festivales que reunirá, en un único evento, las mejores películas italianas de la temporada 2014, que no hayan tenido estreno comercial en España y que, en su mayoría, se estarían estrenando por estas fechas en Italia.

MCIB 2014: Fotograma de La mafia uccide solo d'estate, Cristiana Capotondi. Imagen cortesía de la organización

MCIB 2014: Fotograma de La mafia uccide solo d’estate, Cristiana Capotondi. Imagen cortesía de la organización

El domingo 14 de diciembre se podrá ver en los Cines Verdi la primera película de Masbedo, The Lack (2014). Una obra de gran impacto visual, a caballo entre el cine y el videoarte.La película es estreno absoluto en nuestro país y viene avalada por su paso este año por festivales como La Biennale de Venecia o el Festival Internacional de Reykjavík. El film lo protagonizan de manera el sui generis seis personaje femeninos que afrontan un viaje de conocimiento en una naturaleza silenciosa y primitiva, sublime y misteriosa; viviendo el abandono, la desafección, el coraje y el cansancio al tiempo que recorren su viaje interior, intentando reconstruir los pedazos de su existencia fragmentada para poder, de esta forma, llenar el vacío de sus vidas.

MCIB 2014: Fotograma de The Lack, Masbedo. Imagen cortesía de la organización

MCIB 2014: Fotograma de The Lack, Masbedo. Imagen cortesía de la organización

Los propios Masbedo dicen que: “The Lack es un film que nació de la exigencia de unir nuestro mundo del videoarte con un proyecto cinematográfico, manteniéndonos fieles a nuestro lenguaje. Un film que nos ha permitido experimentar otra experiencia video artística. En la película no hay figurantes, sólo seis mujeres. Nadie las acompaña en su soledad. Queríamos que la voz del film fuera radical, enervante entre un silencio melancólico y el sonido directo de la naturaleza. Nos interesa reconducir nuestro proyectos al cine de imagen, reduciéndola troupe y siendo artesanos de nuestra obra”.

Cinema Independent Valencià: 7 directores

Cinema Independent Valencià
La Llotgeta
Plaza del Mercado, 4. Valencia
Proyecciones los días 5, 12 y 18 de diciembre, a las 19.30

El ciclo Cinema Independent Valencià, que tiene lugar en La Llotgeta, recoge el trabajo de cineastas valencianos, tanto aquellos que poseen una dilatada trayectoria, como aquéllos que han realizado una serie de trabajos destacables. La mayoría de los autores ha sufrido tanto la carencia de medios como la de una inexistente industria audiovisual que les respalde.

Fotograma de 'Mundo de papel', de Iván Campos. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Fotograma de ‘Mundo de papel’, de Iván Campos. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Todos ellos han realizado obras, con cantidad de elementos en su contra, ejecutando las mismas por el afán de hacerlas, demostrando que cuando se hace algo con pasión e ilusión, aún teniendo elementos en contra y escasos apoyos, se realiza, teniendo luego una repercusión, porque a fin de cuentas, eso es lo que marca la diferencia.

Fotograma de El cadencioso movimiento de los vagos, de Javier Marisco. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

Fotograma de El cadencioso movimiento de los vagos, de Javier Marisco. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta.

La lista de los cineastas que participan en el ciclo Cinema Independent Valencià la integran J. Frames Bond, Javier Marisco, Pablo Llorens, Chechu Berlanga y Pablo Barrachina, Jorge Montalvo e Iván Campos. J. Frames Bond es director, escritor y animador en 2D y 3D. Dentro de su trayectoria emergente, ha realizado varios cortometrajes que le dieron a conocer, pudiendo realizar las series que le están dando fama, como ‘Cosas de Cosa’, cuya segunda temporada se está preparando, o ‘Subnormal muvis show’ nueva serie que está produciendo.

Fotograma de I don't no guay, de Jorge Montalvo. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta

Fotograma de I don’t no guay, de Jorge Montalvo. Cinema Independent Valencià. La Llotgeta

Javier Marisco es un artista multidisciplinar, responsable del festival Incubarte y cuyo trabajo abarca también el cine. Ha realizado obras de vídeo creación, de distribución internacional, y realizado el cortometraje ‘El Cadencioso Movimiento de los Vagos’, y ahora se concentra en la preparación de su primer largometraje.

Javier Marisco, director de El cadencioso movimiento de los vagos, en Cinema Independent Valencià, retratado por Pedro Hernández.

Javier Marisco, director de El cadencioso movimiento de los vagos, en Cinema Independent Valencià, retratado por Pedro Hernández.

Pablo Llorens es director y animador en stop-motion. Ganador de dos premios Goya, por ‘Caracol, Col, Col’, en 1995, y ‘El enigma del Chico Croqueta’, en 2004.

Chechu Berlanga y Pablo Barrachina son director y documentalista, respectivamente. Han realizado diversos cortometrajes y documentales, así como gran cantidad de trabajos audiovisuales. Son los creadores de pasodetodo.com y de producciones exprés.

Pablo Llorens, director de Caracol col col, en Cinema Independent Valencià de La Llotgeta.

Pablo Llorens, director de Caracol col col, en Cinema Independent Valencià de La Llotgeta.

Jorge Montalvo es artista plástico y audiovisual. En la actualidad, su obra más representativa se compone de decollage, collage digital y vídeo creaciones difíciles de encasillar. Sus vídeos se integran en el colectivo valenciano ‘Hay don´t’ , desde el cual realizan diferentes proyectos de vídeo, performance y arte sonoro. Su obra plástica y piezas vídeo gráficas se han mostrado en diversos espacios expositivos a nivel nacional e internacional.

Iván Campos es director de cine, artista gráfico, divulgador y gestor cultural. Ha trabajado en la industria audiovisual y fue a principios de década cuando comenzó a realizar trabajos de vídeo creación, así como de investigación. Ha realizado un gran conjunto de obras en casi todo el espectro del sector audiovisual.

 

Imagen promocional del ciclo Cinema Independent Valencià. Cortesía de Art Gruppe.

Imagen promocional del ciclo Cinema Independent Valencià obra de Art Gruppe.

Dama y Rey

La dama del ajedrez, de Agustí Mezquida (investigación de José Antonio Garzón)
Matar al rey, de Arden, bajo dirección de Vicente Monsonís

Una especie de prodigio se ha producido a mediados de este mes de noviembre en Valencia al coincidir la presentación y el rodaje de sendos proyectos cinematográficos de contenido histórico. El preestreno en el IVAM  de ‘La Dama del Ajedrez’, largometraje documental sobre el origen valenciano del ajedrez moderno, y el rodaje de una adaptación cinematográfica de ‘Matar al rey’ en el castillo de Benisanó. ¿Brotes verdes en el desértico panorama audiovisual? Tal vez sea demasiado aventurado echar las campanas al vuelo, pero sin duda es una buena noticia que celebrar.

A partir de una exhaustiva investigación de José Antonio Garzón sobre la aparición en Valencia de la poderosa figura de la dama del ajedrez, el guionista y director Agustí Mezquida ha compuesto un largometraje de 90 minutos de carácter documental. Un proyecto desarrollado a lo largo de ocho años, con rodajes en varias ciudades y un presupuesto de 300.000 euros.

Agustí Mezquida junto a la imagen de su libro. Cortesía del autor.

Agustí Mezquida junto a la imagen de su libro. Cortesía del autor.

Según los estudios realizados por Garzón, el poema alegórico ‘Scachs d’Amor’ (1475), obra de tres autores valencianos, es el texto donde se menciona por primera vez la aparición de la dama en el juego del ajedrez. Esa datación descarta la idea de que la nueva pieza, que sustituyó al visir o general que acompañaba al rey en el tablero árabe, se inspirara en la figura de Isabel la Católica. Se especula que podría estar relacionada con María de Castilla, consorte de Alfonso el Magnánimo. Sin embargo, la especialista Marilyn Yalom, de la Universidad de Stanford, estima que probablemente esta pieza no surge de una sola figura, sino del hecho de que, desde hacía un par de siglos, las reinas tenían un protagonismo del que antes carecían.

En 1495, el erudito judío valenciano Francesch Vicent recopila estas normas y publica el considerado primer tratado del ajedrez moderno bajo el título ‘Llibre dels jochs partitis dels scachs en nombre de 100’, considerado el santo grial de los libros dedicados al juego.

Cartel de la película 'La dama del ajedrez', de Agustí Mezquida. Cortesía del autor.

Cartel de la película ‘La dama del ajedrez’, de Agustí Mezquida. Cortesía del autor.

‘La Dama del Ajedrez’ relata en imágenes la búsqueda del rastro del incunable de Vicent, del que sólo se conservaba un ejemplar en la biblioteca del monasterio de Montserrat, desaparecido en 1811 tras el asalto y saqueo de la abadía por las tropas napoleónicas, probablemente salvado de las llamas por los monjes. La pista del libro se recupera en Barcelona hacia 1913, y más tarde en Cleveland (Estados Unidos). Pero el destino del considerado grial del ajedrez sigue siendo un misterio lleno de posibilidades.

Jaque al Rey

Frente a la poderosa dama, la figura de un rey castellano que conocen bien quienes siguen la serie televisiva Isabel desde el principio. Se trata de Enrique IV, también llamado El Impotente, hermano de Isabel de Castilla, cuya misteriosa muerte es el tema central de ‘Matar al rey’, una  pieza teatral de Arden que Vicente Monsonís lleva a la gran pantalla. El castillo medieval de Benisanó y sus alrededores se convirtieron durante unos días en plató cinematográfico. Un equipo de más de 20 profesionales participan en una coproducción de Stanbrook, Arden y Godfader, con la colaboración del Ayuntamiento de Benisanó.  Los intérpretes son los mismos actores y actrices que representaron  la pieza teatral: Juan Carlos Garés, Chema Cardeña, Rosa López, Iria Márquez y Jaime Vicedo.

Los libros, series y películas ambientadas en periodos históricos están de moda, “pero siempre ha existido ese interés, no hay más que ver obras de Shakespeare o Bertolt Brecht”, dice Cardeña. “La realidad nos ofrece mejores tramas y personajes que la ficción. Pero lo más interesante no es la mera recreación, sino aportar el punto de vista de un autor, crear una pequeña historia paralela que encaje en la historia con mayúsculas y que permita entender mejor la sociedad de la época y la nuestra, porque siempre se pueden establecer paralelismos”.

Un momento del rodaje en el Castillo de Benisanó de la obra 'Matar al rey', de Arden, dirigida por Vicente Monsonís. Imagen cortesía del autor.

Un momento del rodaje en el Castillo de Benisanó de la obra ‘Matar al rey’, de Arden, dirigida por Vicente Monsonís. Imagen cortesía del autor.

El texto y la esencia de la obra se respetan al máximo, pero, según Monsonís, “no grabamos al estilo de Estudio 1, con teatro filmado”, afirma el director. “Queremos transformar la manera de contar la historia, adaptándola al lenguaje audiovisual, para encontrar nuevos públicos más habituados al cine”.

“Verte envuelto por la piedra afecta a la interpretación”, comenta Cardeña, “porque en el montaje teatral la escenografía es muy sobria. También cambia la forma de actuar para el cine, te permite relajar la voz y el cuerpo, centrarte más en la emoción, hacer escenas más íntimas”.

Un momento del rodaje en el Castillo de Benisanó de la obra 'Matar al rey', de Arden. Imagen cortesía de la compañía.

Un momento del rodaje en el Castillo de Benisanó de la obra ‘Matar al rey’, de Arden, dirigida por Vicente Monsonís. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Tan solo ocho millones de pasos

Juraj Horniak, un Quijote contemporáneo de 60 años, decide liberarse de las ataduras de una existencia acomodada y embarcarse en una aventura de las que cambian la vida. Recorrerá a pie toda la costa mediterránea europea, desde Gibraltar hasta Estambul; un viaje épico, un camino en solitario de 8.000 kilómetros, poco a poco, paso a paso: ocho millones de pasos.

El equipo de “8 Million Steps”, dirigido por Maia Horniak, hija de Juraj, documentará de varias formas este maravilloso viaje, incluyendo un largometraje, una serie documental para televisión y una página web, tejiendo un tapiz de cultura, comida, arte, política e historia del Mediterráneo. Uno de los temas principales del proyecto es explorar la tensión que existe entre los valores tradicionales y la vida moderna… tradiciones que se están viendo amenazadas ante el rápido avance de la globalización y el consumismo.

8 million steps. The mediterranean odyssey. Imagen cortesía de Slow Food Valencia.

8 million steps. The mediterranean odyssey. Imagen cortesía de Slow Food Valencia.

Caminando un promedio de 25 km al día, el viaje comenzará en España para luego atravesar Francia, Italia, Eslovenia, Croacia, Montenegro, Albania, Grecia y Turquía.

El proyecto “8 Million Steps” tiene un poderoso aliado en el movimiento “Slow Food International”. El movimiento, presidido por Carlo Petrini, nombrado por la revista Time como una de las 100 personas más influyentes del mundo, cuenta con más de 150.000 miembros en 150 países.

“Slow Food” tiene una extensa red de contactos en el Mediterráneo – productores de alimentos y vinos, célebres chefs, líderes de opinión, artistas y escritores – cientos de espíritus afines que comparten sus ideas e historias.

Juraj Honriak. 8 Million steps. The mediterranean odyssey. Imagen cortesía de Slow Food Valencia.

Juraj Honriak. 8 Million steps. The mediterranean odyssey. Imagen cortesía de Slow Food Valencia.

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