Cristina de Middel: Esto es lo que hizo el odio

This is what hatered did, Cristina de Middel
PhotoEspaña 2015
La New Gallery
Inauguración: 3 de junio, 20 h.
Hasta el 18 de julio de 2015

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cedida por la autora.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

El título de la exposición de la fotógrafa Cristina de Middel, “This is what hatred did” (Esto es lo que hizo el odio) hace referencia a las últimas palabras que forman el libro titulado Mi vida en la maleza de los fantasmas escrito por Amos Tutuola el año 1964.

Este personaje enigmático vio como a los 5 años su pueblo era atacado por soldados, y tuvo que escapar hacia la Maleza sin su madre. Este lugar se caracterizaba por el misticismo y la magia que desprendía, poblado por espíritus yoruba. Amos Tutola estuvo aquí durante treinta años en los que vivó una aventura sin parangón, casado en dos ocasiones, coronado rey e idolatrado como un Dios.

A partir de este personaje y su increíble historia, la fotógrafa presenta la realidad de la Nigeria de hoy en día, con sus personajes, entornos y ambientes. Cambia la Maleza por Makoko, una barriada de la ciudad de Lagos, donde el conocimiento y la lógica no son relevantes, con acceso prohibido a extranjeros como pasa en la Maleza, donde el acceso al ser humano corriente parece estar prohibido por los fantasmas, creando así una metáfora perfecta.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

This is what hatered did. Cristina de Middel. Cortesía de la artista.

Cristina de Middel incluye el punto de vista, las tradiciones, los miedos y las esperanzas de las personas a las que se dispone retratar, documentando la realidad de estas personas que viven en uno de los barrios más peligrosos de unos de los países más icónicos. Aun con esto, demuestra cierta ironía y sentido del humor con la utilización de máscaras o bigotes postizos.

Cristina de Middel. Nuevos conflictos

Cristina de Middel, Party
La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Inauguración: 5 de julio, 20 h.
Del 5 de junio al 19 de julio de 2014

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

“If there is to be a revolution
…there must be a party”

Así es como empezaría el libro más icónico y políticamente comprometido del siglo si se le aplicara un filtro internacional. El filtro escondería las partes de los eslóganes y frases que eventualmente quedaron obsoletas en las últimas décadas y el libro es el pequeño Libro Rojo: “Citas del presidente Mao Tsetung”, el segundo que más veces ha sido publicado en la historia (tras la Biblia) pero que ahora sólo es posible encontrar en algunas tiendas turísticas en China.

En un intento de crear un objeto documental que fuerce los límites de documentar con imágenes, la serie “Party” presenta de forma deliberada un acercamiento personal a la sociedad china contemporánea y añade capas de significación al escoger una plataforma cargada. El uso de la censura para borrar las partes del texto que ya no tienen cabida en la rutina del país da como resultado unas páginas convertidas en guión donde las imágenes que acompañan construyen una serie de dípticos que de forma dinámica plantean la pregunta sobre la naturaleza real del Comunismo en China hoy en día.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

La combinación entre este texto manipulado y las imágenes forma piezas de información con el fin de representar a China de una forma más completa, apelando a nuestros propios clichés con respecto al país y su estructura política bipolar. La serie reproduce la combinación de páginas del libro “Party” publicado por RM y por Archive of Modern Conflict y agrupa estampados de los textos censurados con imágenes tomadas por la artista Cristina De Middel durante sus viajes a China.

De nuevo el artista explora las fronteras y los límites en el uso de la fotografía a la hora de construir testimonios de manera gráfica y de plantear el debate sobre la formación de la opinión y la historia así como el rol que la fotografía ha tenido en ello hasta ahora.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

Cristina de Middel. Party. Imagen cortesía de La New Gallery.

 

Ruth Gómez: Spray

Festival Miradas de Mujeres: Spray de Ruth Gómez
La New Gallery
Carranza 6, Madrid.
Inauguración 5 de marzo a las 20:00 h.
Hasta el 29 de marzo de 2014

La exposición individual de Ruth Gómez se sitúa entre los videojuegos de los años 70 y el último Final Fantasy, una historia de rol en la que el espectador es el guerrero. Inspirada en el barrio parisino de Belleville, concretamente, en sus murales urbanos, donde el grafiti Spray se dibuja gradualmente a través de la simulación de un videojuego.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray pone en escena un “caos controlado” de pequeñas perturbaciones humanas. El muro animado genera un contener de imágenes, donde muchas tramas encajan entre ellas, implicando los estados de ánimo del espectador. El vídeo combina escenas y figuras que provienen de animaciones anteriores de la artista, con personajes reales, animales y firmas.

El extraterrestre Space Invaders regula y desencadena fragmentos de animación entre las figuras, los símbolos, citas, el recuerdo y lo cotidiano. Articula un mecanismo, “a modo de marioneta” de otros personajes como una jirafa, un flamenco, unas mujeres, una rana, etc.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Juan Fernández Álava nos presta sus ojos

Algunos pasajeros de Juan Fernández Álava
La New Gallery
Carranza, 6. Madrid.
Inauguración 22 de febrero a las 20 h.
Hasta el 29 de Marzo de 2014.

Juan Fernández Álava presenta un trabajo en el que representa a diferentes individuos, diferenciados por un genoma y un alma propia: “individuos irrepetibles que continúan la catarata de la existencia”. Algunos Pasajeros podría entenderse como un pequeño álbum de retratos, donde se muestran los rostros y físicos de algunos amigos del artista, muchos desconocidos, personajes inventados, músicos y artistas que Juan Fernández admira.

“Me fascina el ser humano, nunca me canso de observar los rostros y las particularidades de cada uno” señala el artista. Un trabajo centrado en el movimiento de los cuerpos, de las ropas, de los ojos… el cambio que puede suceder en un mismo individuo. Incluso su obra muestra la similitud entre varios individuos, personas que comparten gestos, que tienen la misma nariz, o que tienen un rostro que nos recuerda a alguien conocido, aunque sean de otra época, otro país o sexo.

Una obra en la que Juan Fernández ha pretendido que la imagen interior, que define como sensorial e indefinida, salga al exterior a través del óleo y se transforme en un cuadro, “en un espacio que habite el personaje pintado”.

Es interesante el “método” que emplea el artista en la construcción de sus obras, él mismo señala: “no pretendo que haya ningún mensaje concreto, si lo intento la pintura nace muerta. No creo que sea necesario”.

Juan Fernández Álava, Everywhere. 2013. (Óleo sobre lienzo. 54x73 cm.). Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Everywhere. 2013. Óleo sobre lienzo. 54×73 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Silvia. 2013. (Óleo sobre lienzo. 46x35 cm.) Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Silvia. 2013. Óleo sobre lienzo. 46×35 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Vincent con sombrero. 2013. (Óleo sobre lienzo. 24x24 cm.) Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Vincent con sombrero. 2013. Óleo sobre lienzo. 24×24 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Pussy Riot. 2013. (Óleo sobre lienzo. 100x73 cm.) Imagen cortesía de La New Gallery.

Juan Fernández Álava, Pussy Riot. 2013. Óleo sobre lienzo. 100×73 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Meteorismos de Ángel Masip en la New Gallery

Ángel Masip. Meteorismo
La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Inauguración: 18 de diciembre, a las 20h
Hasta el 15 de febrero 2014

Los espacios que habitamos, los entornos que nos rodean, los acontecimientos televisados, el concepto de paisaje, la propia naturaleza… Todo ello entraña un remanente mental que pone en tela de juicio el desenlace natural de las cosas. La duda sobre la certeza de lo fortuito amenaza continuamente nuestra existencia. Diariamente asistimos a un bucle cotidiano que se cierne sobre nosotros con su eterna y trágica pesada carga.

A pesar de la convergencia de las acciones, de los procedimientos para reconducir actitudes, parece que no asistimos a ningún cambio sustancial, que todo sigue su propio curso repitiéndose una y otra vez bajo los designios de su propia melancolía, a través de ese túnel que nos brinda la historia, tal y como apunta Milan Kundera “El crepúsculo de la desaparición lo baña todo con la magia de la nostalgia; todo, incluso la guillotina”.

Al igual que en nuestro entorno, la idea de naturaleza, es decir, la arbitrariedad impuesta por leyes que escapan al dominio humano, es algo que trasciende incluso al propio dominio del concepto. Frecuentemente pasamos por alto ciertas intervenciones, determinadas circunstancias que desvían nuestra percepción y que determinan las acciones que percibimos hacia un terreno enmascarado por la confusión, que las eleva a categorías con las que no se corresponden exactamente. Bajo este mismo paradigma, carece de sentido cualquier voluntad de pretender modificar el desenlace histórico. El propio acontecer natural de las cosas se impone frente a un estéril afán de reorientación.

Ángel Masip. Meteorismo I. 2013. Imagen cortesía de la New Gallery

Ángel Masip. Meteorismo I. 2013. Imagen cortesía de la New Gallery

La disuasión de la propia voluntad es todo un reto para el individuo contemporáneo, voluntad que condiciona cualquier acción, incluso la de evocar un momento o una acción irrepetible, todo un reto desatender el anhelo que abochorna cada instante al que sobrevive la humanidad.

Meteorismo juega con la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar, tal y como generalmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual. Hoy más que nunca, y más allá de lo que a priori nos pueda parecer, la reivindicación de la experiencia espiritual se impone frente a la objetividad del análisis, en aras del conocimiento del yo para poder afrontar los nuevos conflictos y retos que la sociedad contemporánea plantea.

Vista de la exposición

Vista de la exposición Meteorismo. Imagen cortesía de la New Gallery

Polvo, flores secas y tinta seca

Ángel Masip. Polvo, flores secas y tinta seca
Parking Gallery
C/ Bailén, 15. Alicante
Inauguración: 14 de diciembre 2013
Hasta el 22 de febrero 2014

Dos años después de su primera colaboración con Ángel Masip en la exposición colectiva The Natural Way, la Parking Gallery presentará en diciembre Polvo, flores secas y tinta seca, que constituye una muestra de los últimos proyectos expositivos del artista alicantino, que durante este tiempo ha presentado sus creaciones en las mejores ferias nacionales e internacionales.

“…en la habitación olía a polvo, flores secas y tinta seca” es una frase de Friedrich Gorenstein que el cineasta ruso Tarkovski recoge en su libro “Esculpir en el tiempo”. De la misma manera que con la descripción del espacio en el guión de Gorenstein, nos imaginamos el estudio donde Masip realiza su trabajo como un espacio duro y desnudo de elementos ornamentales que puedan contaminar el proceso de creación. Polvo y manchas de tinta seca en el suelo delatan la escena del crimen: sus obras de ejecución limpia y sobria fueron antes papel y tinta en manos del asesino que busca la obra imperfecta a través del crimen perfecto.

Las creaciones de Ángel Masip surgen desde dentro sin pretensiones ni prejuicios, limpias y  sinceras  pero respetando los principios básicos del arte y respondiendo a la pregunta que el joven discípulo anónimo hizo a su maestro: “¿para qué sirve el arte cuando imita a través del naturalismo o el realismo la vida misma?” a lo que el maestro respondió “Para mostrarnos lo bello de lo cotidiano, lo que se nos escapa mientras nos distraemos viviendo y no sintiendo (…)”

Simultáneamente, en la galería madrileña La New Gallery, Ángel Masip presentará su último trabajo Meteorismo (del 18 de diciembre al 15 de febrero) que forma parte de un proyecto expositivo con la Parking Gallery.

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"Meteorismo", el último trabajo de Ángel Masip

“Meteorismo”, el último trabajo del artista alicantino Ángel Masip.

Santiago Talavera en La New Gallery

Santiago Talavera. Conmigo llevo todas las cosas

La New Gallery
C/ Carranza, 6. Madrid
Inauguración: 10 de septiembre de 2013, 20 h.

Santiago Talavera. Puedan tantas cimas no ser contadas. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Puedan tantas cimas no ser contadas. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Algo se esconde ahí

En una catarsis de generosidad, Santiago Talavera traslada su estudio al espacio galerístico en esta muestra titulada Omnia mea mecum porto (Conmigo llevo todas las cosas), frase atribuida a Cicerón. El espectador se introduce así, literalmente, en la obra y observa el trabajo en el ámbito natural en el que ha sido creada. El artista se rebela contra la dictadura del aséptico cubo blanco de la galería y genera una nueva experiencia en el visitante haciéndole partícipe del proceso lento y progresivo del trabajo. El taller, ese lugar de creación íntimo, se nos presenta cubierto de revistas, recortes, libros o pinturas como material con el que compone sus obras. Un espacio de prueba y error, un laboratorio para experimentar que ahora pone a nuestro alcance y en el que comprobamos la obsesión por la acumulación y su capacidad para generar unas escenas dentro de otras, en una nueva lectura del método paranoico crítico y en un afán por reelaborar la bidimensionalidad de la imagen en un espacio tridimensional porque ahora estamos, no lo olvidemos, en un estudio.

Santiago Talavera. Turismo de interior. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Turismo de interior. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 180 x 152 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

La exposición se plantea como una extensión del lugar del que emana todo. Algo que ya rondaba desde hace años por la cabeza del artista porque su espacio de trabajo es, a su vez, una prolongación de sus propias obras -de pequeño y gran formato- donde las escenas surgen sin un planteamiento preconcebido. Extrañas y sugerentes composiciones de un virtuosismo y destreza técnica que se relacionan con los grandes maestros de la pintura. Cuadros en los que parece que algo está a punto de suceder o, por el contrario, ya ha ocurrido. De hecho hay algo de feroz bulimia por generar imágenes infinitas abarrotadas de objetos que evidencian la obsesión por el exceso y la acumulación. Paisajes realizados por capas, añadidos y repeticiones que asocian iconografías, aparentemente inconexas, a un barroco onírico y surgen con un minucioso detallismo bosquiano que, en realidad, esconden una paradójica meditación sobre la idea de paisaje contenido.

Santiago Talavera. Profecías de un desorden. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 200 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Profecías de un desorden. Acuarela, grafito, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 200 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

La pintura, el dibujo o el collage le sirven al artista para reconstruir el espacio e indagar las posibilidades de la ilusión óptica. La realidad es el punto de partida para la reconstrucción de su lenguaje donde la idea de tiempo como medida inalterable está presente en la mayoría de estas imágenes. Su obra es una construcción de metáforas visuales y poéticas sobre el presente a través de un paisaje que encierra un aparente caos. Escenas a punto de ebullición en las que se percibe un cambio inminente que culmina con esta muestra donde se descubren recovecos y detalles que pueden pasar inadvertidos.

El hecho de que Santiago Talavera desplace su estudio a la galería no es otra cosa que intentar despojarse de lo material, en un arranque de extrema sinceridad, para mostrar todo lo que forma parte no sólo de su proceso creativo sino también del entorno que lo acoge. Vaciar, ahora sí, su taller y comenzar a trabajar desde la nada. Contemplar el estudio como paisaje en sí mismo y hacernos cómplices de todo lo que lleva consigo.

Santiago Talavera. Todo lo que ves - El ingenio de la escalera. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 250 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Santiago Talavera. Todo lo que ves – El ingenio de la escalera. Grafito, acuarela, lápices de color y collage sobre papel. 135 x 250 cm. 2013. Imagen cortesía de La New Gallery

Tania Pardo

Arte Santander: suma y sigue

Arte Santander. Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Palacio de Exposiciones
Avenida del Racing s/n. Santander
Del 30 de julio al 3 de agosto

Cristina de Middel, de La New Gallery, en Arte Santander.

Cristina de Middel, de La New Gallery, en Arte Santander.

Conviene recordar, a los que todavía no hayan caído en la cuenta, que Arte Santander, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo recién finalizada, ha cumplido 22 lustrosos años. Sólo ARCO, el gran referente madrileño y foco del arte contemporáneo en España, la supera en antigüedad. Sólo por eso, en tiempos de galopante crisis como los actuales y tiempos, en todo caso, siempre aciagos para la cultura en nuestro país, merece Arte Santander un lugar destacado. Así lo han reconocido las 42 galerías participantes en su última edición, entre ellas las valencianas Cànem, Espai Tactel, PazYComedias y Set Espai d’Art.

Obra de Xavi Dèu, de Espai Tactel, presente en Arte Santander

Obra de Xavi Dèu, de Espai Tactel, presente en Arte Santander

El Palacio de Exposiciones, ubicado en el Sardinero, contribuye a realzar una feria que acoge 42 stands en su amplio recinto. Juan González de Riancho, director de Arte Santander, lo tiene claro: “Es una feria que permite ser visitada sin agobios de espacio”. Lo cual favorece una mejor comunicación de las propuestas artísticas y que público en general y coleccionistas puedan acceder a ellas con la pausa que se merecen las galerías y los artistas representados. Si a ello le añadimos el sorprendente, por inusual, apoyo de las instituciones públicas, en este caso del Gobierno de Cantabria y del Ayuntamiento de Santander, obtendremos la brillante radiografía de una feria que no sólo capea el temporal de la crisis, sino que sale reforzada año tras año.

Obra de Zoe T. Vizcaino, de PazYComedias, presente en Arte Santander

Obra de Zoe T. Vizcaino, de PazYComedias, presente en Arte Santander

Buena culpa de todo ello lo tiene igualmente el rumbo que desde hace tres años ha tomado Arte Santander, a lomos de Solo Projects. Cada galería se presenta en la feria con la propuesta de un solo artista, cuya decidida apuesta convierte Arte Santander en lo que Juan González de Riancho llama “un observatorio de jóvenes promesas y en lugar de captación de nuevos talentos”. Entre ellos, Manel Margalef (Cánem), Xavi Dèu (Espai Tactel), Zoé t. Vizcaíno (PazYComedias), Ibán Ramón (Set Espai d’Art), Emilio Pemjean (Siboney), Rodrigo Oliveira (Nuble), Enrique Marty (Espacio Marzana), Andreas Von Gehr (AJG Gallery), o Cristina de Middel (La New Gallery), todos ellos expuestos durante los cinco días que duró la feria, entre el 30 de julio y el 3 de agosto.

Obra de Ibán Ramón, de Set Espai d'Art, presente en Arte Santander

Obra de Ibán Ramón, de Set Espai d’Art, presente en Arte Santander

El comité de selección, integrado por Elena Vozmediano, Oscar Alonso y José Luis de la Fuente, apostó principalmente por los proyectos fotográficos de una amplia mayoría de las galerías seleccionadas. También había propuestas plásticas e instalaciones, pero en menor medida. También buena parte del trasfondo tendía a privilegiar los contenidos de crítica social, más o menos velados, más o menos explícitos, así como la recuperación de la memoria. El paisaje urbano y la naturaleza estaban muy presentes en las fotografías, revelando el abandono, vacío  o alienación de nuestro entorno.

Andreas Von Gehr, de AJG Gallery, en Arte Santander.

Andreas Von Gehr, de AJG Gallery, en Arte Santander.

Arte Santander buscó la coincidencia con el curso de coleccionismo que esos mismos días de feria se celebró en la UIMP del Palacio de la Magdalena, con el fin de establecer conexiones entre galerías, artistas y coleccionistas, algo que ya se viene produciendo en otras ediciones al margen de la presentación paralela de este año. La notable afluencia de público también ayudó a consolidar una feria internacional de arte contemporáneo que suma y sigue. Cantabria, Comunidad Valenciana, Asturias, Madrid, Barcelona, Sevilla, Málaga, Salamanca, Badajoz, Valladolid, Portugal, Alemania y Bélgica aportaron galerías a una feria que ya piensa en su 23 edición, gracias al apoyo de las instituciones públicas. Como dijo algún galerista valenciano, “¡qué envidia!”. Los representantes institucionales, entre ellos el presidente de Cantabria, Ignacio Diego, y el alcalde de Santander, Iñigo de la Serna, apuestan por ella. Este último, de hecho, se pasó por las galerías, más allá del día inaugural, para interesarse personalmente por cada uno de los proyectos. Una muestra del por qué Arte Santander sigue en alza, a pesar de la crisis.

Fotografía de Cristina de Middel. La New Gallery. Arte Santander

Fotografía de Cristina de Middel. La New Gallery. Arte Santander

 

Salva Torres

Pintura siempre

Pintura siempre
Roberto Coromina

La New Gallery
C/ Carranza 6, Madrid
Inauguración: miércoles 8 de mayo a las 20 h.
Hasta el 1 de junio de 2013

Roberto Coromina, serie "Oro", 2013. Oro sobre papel, 48x48 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Roberto Coromina, serie “Oro”, 2013. Oro sobre papel, 48×48 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Si no es fácil asumir un compromiso con la pintura en estos tiempos donde se juega más a la pretensión conceptual y al baile de argumentos pretenciosos, mucho menos si la historia parte de años atrás, cuando Roberto Coromina coloca los cimientos de su obra creativa, cuando pintar tenía visos de ejercicio decimonónico o, al menos, fuera de tiempo y lugar, protegido por un halo romántico de misión imposible. Debía ser un bicho raro entre sus colegas generacionales, pero él siempre se ha mantenido fiel al discurso pictórico, bien dentro de los límites del cuadro o abriendo sus límites de par en par. En su caso, lo pictórico nunca ha estado reñido con la experimentación, con dar una y mil vueltas a las posibilidades del volumen, del color, del plano, de la luz. Un ejercicio de pintura expandida tan literal como radical. Recuerdo sus composiciones en las que el lienzo, la tabla, parecía haber explotado para inundar el espacio -salpicar el suelo como si de un campo de minas se tratara- con sus recortadas y puntiagudas esquinas. El cuadro era un puzzle para cuya recomposición había que recurrir a un paseo físico y mental hasta desentrañar la clave de la deconstrucción matérica y escénica..

Este fue un capítulo de su trayectoria del que aún podemos descubrir rescoldos en esta exposición, para cuyo título, me confiesa el artista, no ha encontrado mejor frase que “Pintura siempre”. Se reprocha a sí mismo que no sea demasiado original, a la hora de definirse pero ¿original para qué? ¿para confundir a su respetable y firme criterio y al de quienes le seguimos desde hace mucho en su reafirmación artística? La originalidad radica en saber sacar a la eterna pintura la esencia misma para reinventarla en cada etapa, en cada momento. Y eso Roberto Coromina lo ha llevado hasta sus penúltimas consecuencias, le queda llegar a las últimas para lo cual espero que falten muchos años y que nosotros lo veamos en sus invenciones y discursos. A las pruebas de esta exposición me remito, donde se combinan varios de los caminos que ha tomado a lo largo del tiempo y que se reconcilian en esa suerte de mapa cósmico o estelar que dibuja en sus cuadros de lineal trazo y metódica composición. Como las finas cuerdas de un  instrumento que solo él sabe tocar entre una partitura de acordes infinitos. Una música callada de coloratura pictórica, siempre.

Roberto Coromina, serie "Oro", 2013. Oro sobre papel, 48x48 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.

Roberto Coromina, serie “Oro”, 2013. Oro sobre papel, 48×48 cm. Imagen cortesía de La New Gallery.